La edad de oro de la pintura holandesa

La edad de oro de la pintura holandesa
Campo de actividad cuadro
Estado
sido influenciado por Calvinismo , Renacimiento italiano , Caravaggio y pintura holandesa temprana
la fecha del comienzo 1600
fecha de caducidad 1699
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La edad de oro de la pintura holandesa  es la época más destacada de la pintura holandesa , que cae en el siglo XVII . Representantes famosos de la pintura holandesa de esa época fueron Rembrandt , Frans Hals , Jan Vermeer , Pieter de Hooch , Jan Havikzoon Steen , Gerard Terborch , Jacob van Ruysdael , Willem Cornelis Deister , Paulus Bohr , Jan Lievens , Jacob Duk y otros.

La pintura del Siglo de Oro ha influido en muchos artistas desde el siglo XVII hasta la actualidad. También sirve de inspiración para escritores (desde Marcel Proust hasta Donna Tartt [1] ) y fotógrafos de diversos géneros (desde el realista Bill Gekas hasta la surrealista Ellen Cooy ). La pintura holandesa está ampliamente representada en colecciones de museos de todo el mundo, en el mercado del arte y en colecciones privadas, y es un objeto popular de colección privada [2] .

Condiciones históricas

En 1579, las siete provincias rebeldes de los Países Bajos en la ciudad de Utrecht crearon la llamada República de las Siete Provincias Unidas . Durante la guerra con España , logró defender su independencia. Los invasores españoles tomaron represalias matando a 10.000 ciudadanos de la ciudad de Amberes , lo que provocó una emigración masiva a las "Provincias Unidas" desde los territorios de Flandes controlados por los españoles . La Paz de Westfalia en 1648 reconoció la independencia de las "Provincias Unidas", que se conoció como Holanda.

El arte de Holanda lógicamente creció en el arte de los Países Bajos en los siglos XV-XVI, cuando eran un solo estado. A partir del siglo XVII pasó la delimitación estatal y artística, lo que impulsó la formación de dos escuelas nacionales de arte, iguales en origen, pero de características diferentes. Las diferencias confesionales también contribuyeron a la distinción artística. Flandes permaneció en el seno del catolicismo, donde el arte religioso experimentó un nuevo florecimiento en el siglo XVII.

En el siglo XVII, la nación holandesa recién comenzaba su camino histórico. Fue durante este período cuando tuvo lugar la ruptura decisiva del arte holandés con el arte de la época anterior. La vida sencilla de los burgueses holandeses dio lugar a gustos primitivos y mundanos en el arte, en las obras de los artistas buscaban ver un reflejo de su propia vida, carente de nobleza, amplia educación, gustos refinados y reverencia por muchas tradiciones.

Pero a principios del siglo XVII, la tendencia cambió. Terminó con éxito la lucha por su propia independencia del poderoso imperio de España. La autoafirmación era inherente tanto al comportamiento de los habitantes como al arte nacional, que se liberaba activamente de las restricciones religiosas que venían de la España católica. El dominio del protestantismo condujo a una reducción significativa de los pedidos de pintura religiosa y, al mismo tiempo, a la expansión explosiva de los géneros seculares. Fue en el arte de Holanda donde el retrato, el paisaje , el género cotidiano , la naturaleza muerta adquirieron un poder y un desarrollo significativos , que ni siquiera los destacados centros de arte de Italia o Francia conocían. El arte de Holanda en el siglo XVII se convirtió en un fenómeno peculiar en la situación artística de Europa en el siglo XVII. El camino trazado por los artistas de Holanda será seguido por artistas de otras escuelas de arte nacionales en Europa.

Esta visión llevó a los pintores holandeses a un nuevo tipo de realismo artístico, que apareció gradualmente en todos los géneros artísticos: retratos, interiores, paisajes, naturalezas muertas. La moda de estas obras ha adquirido una escala sin precedentes entre todos los sectores de la sociedad, lo que ha creado una gran demanda de pinturas. Fueron estos eventos los que llevaron al hecho de que el siglo XVII se convirtió en "dorado" para el arte holandés.

La asimilación activa de la investigación científica, las habilidades técnicas, el estudio de los fenómenos naturales, los recursos naturales del océano y los rincones remotos del mundo, las guerras coloniales y la emigración del país son rasgos característicos del siglo XVII. Las imágenes de almirantes y oficiales de la Campaña de las Indias Orientales aparecieron en el género del retrato . Si en el siglo XVI se burlaban de los alquimistas , en el siglo XVII ocuparon un lugar destacado las imágenes de oficinas donde trabajan teólogos, botánicos, astrónomos, ahora sin cáusticos toques de burla. Las visitas a los quirófanos anatómicos se han generalizado . La pintura holandesa también respondió a todos estos eventos. Las tramas de pinturas de artistas holandeses se convierten también en la campaña de las Indias Orientales, fábricas para el procesamiento de aceite de ballena , reuniones de sociedades botánicas. Michiel Mierevelt , Rembrandt , Cornelis Trost , Cornelis de Man , Jan van Neck crearon una serie de "lecciones anatómicas" .

Jan van Neck creó una serie de retratos del médico y coleccionista de preparaciones anatómicas, Frederick Ruysch . Su colección era muy conocida en Holanda, visitada tanto por locales como por extranjeros. Por el fantástico precio de 30.000  florines , esta colección fue comprada para San Petersburgo en 1717 por el zar ruso Pedro I. La colección terminó en la Kunstkamera .

"Pequeño holandés"

Alrededor de 2000 artistas vivieron y trabajaron en Holanda en el siglo XVII [3] . A la mayoría de ellos se les suele denominar con el término condicional "Pequeños holandeses", que refleja tanto el tamaño pequeño como la naturaleza de cámara de sus obras. Los pequeños holandeses trabajaron principalmente en tres géneros -paisaje , naturaleza muerta y género doméstico-  y se caracterizaron por una estrecha especialización.

Caravagistas de Utrecht

Un grupo separado en el arte de Holanda en el siglo XVII fue ocupado por los llamados " caravagistas de Utrecht ". Los habitantes de Utrecht, a diferencia de la mayoría de los artistas de la Holanda protestante, profesaban el catolicismo y aún mantenían contacto con el centro cultural y religioso de la época: Roma. Aquí, entre otras cosas, trabajaron representantes del manierismo holandés de la época anterior, es decir, del siglo XVI. Los artistas que vivieron y trabajaron en Roma durante décadas incluyeron a Honthorst , Dirk van Babuuren , Paulus Bohr , Terbruggen . Este último se reunió en Roma con el propio Caravaggio y quedó impresionado por sus obras.

Se instaló y pasó toda su vida en Italia Matthias Stom , cuyas obras se convirtieron en propiedad de la cultura de dos países: Italia y Holanda del siglo XVII.

Aguafuerte en el siglo XVII

El desarrollo del grabado del siglo XVI en los Países Bajos ( Lucas de Leiden , Hieronymus Wierix, Pieter Brueghel el Viejo ) preparó el florecimiento de la técnica del grabado holandés en el siglo XVII. Los recién llegados a este camino fueron los artistas del Haarlem Guild of St. Luke: Esaias van de Velde , Willem Beiteweg y Hercules Seghers (o Gerard Seghers).

Esaias van de Velde basó el tema del paisaje rural holandés en el grabado. Las vistas ingenuas eran inferiores a las imágenes panorámicas de sus seguidores compatriotas ( Jan van Aken , Adrian Ostade , Antoni Waterloo ) pero eran primeras en el tiempo.

Más dotado fue el artista Willem Beiteweg. Un importante talento artístico hizo que tanto sus pinturas como sus dibujos y grabados fueran diferentes entre sí. Se distinguió por su adhesión a las cámaras de los retóricos (el entonces teatro holandés), a las exageraciones y al esperpento, fue amigo del comediante Bredero . Sus contemporáneos lo apodaron "Cunning Willem". En 1621 se publicó su serie de grabados de paisajes. Básicamente, los motivos simples de sus paisajes estaban animados por personajes raros o por una ráfaga de viento que inclinaba las copas de los árboles. Las parcelas son simples, campesinas: el camino, los arbustos cerca del canal, las chozas de los campesinos entre los árboles. El estado de ánimo de los grabados de Beiteweg es pausado, a veces con un toque de aburrimiento. Sin embargo, las pinturas de Willem Beiteweg serán un paso adelante en comparación con las obras simplificadas de paisajes en los grabados de Eyas van de Velde. Willem Beiteweg murió a la edad de 30 años y sin él se desarrolló más grabado holandés. La contribución de Beiteweg al grabado holandés se evidencia en el interés por sus obras de Seghers y Rembrandt. Este último coleccionaba sus grabados, y durante sus estudios los copiaba.

Hercules Segers (1589-1638) logró elevar el grabado holandés a un nuevo nivel . Sin paz, sin lentitud: sabía cómo ser diferente e inesperado. Sus paisajes panorámicos llaman al azul, invitan a una larga contemplación, atemorizan con un futuro incierto, alejado del peligro. Los motivos simples de los aguafuertes de van de Velde o Beiteweg solo buscaban tramas mediante el tacto y su correspondencia con las capacidades técnicas de la técnica del grabado en sí. Las muestras de aguafuertes de Segers son independientes en términos de trama y ya son comparables con muestras de pintura holandesa. Pueden ser tanto una reproducción exacta de un paisaje específico ("Amersfoort Panorama") como una combinación condicional de elementos reales de valles montañosos con cabañas, árboles y barcos en bahías distantes ("Un río en un valle montañoso"), o completamente fantasmagoría fantástica e inquietante ("Valle rocoso con un río y una carretera"). A veces, Seghers se sentía cansado de la perturbadora fantasmagoría de sus propios paisajes, y luego surgían los aguafuertes-bodegones ("Libros"). Dedicado fanáticamente al grabado, el artista era proclive a las innovaciones, a los experimentos, que no siempre conducían a hallazgos agradables y aceptables para sus contemporáneos. No era popular y sus grabados no se conservaron. Quedaron aproximadamente 50 de sus obras gráficas, y algunas, en general en muestras únicas, lo que indica tanto las pequeñas ediciones de los grabados del maestro como un número importante de obras destruidas.

Si el público en general no apreció los hallazgos de Seghers, los artistas, por el contrario, cantaron y se desarrollaron aún más, a pesar del estado de ánimo opresivo y dramático de sus obras. Entre los conocedores de la creatividad Segers estaba el propio Rembrandt. Interesado en mejorar sus habilidades, Rembrandt, que no estaba en una pasantía en Italia, compró los tableros de matriz de Hercules Seghers en una subasta y rehizo la matriz Escape de la Sagrada Familia a Egipto en su propio grabado. El principal conocedor de los grabados de Segers y un talentoso paisajista, Jacob van Ruisdael , también recurrió a veces a la técnica del grabado.

Rembradt tenía treinta años cuando Hercules Segers murió. Se había dedicado al grabado durante 10 años, aunque no era fanático de la técnica del grabado (como Segers), ni propenso a experimentos significativos con la técnica en sí. Pero el artista trajo al aguafuerte la diversidad y profundidad de los sentimientos humanos, las aspiraciones desesperadas, el patetismo de las búsquedas y la tragedia del destino, incluso el heroísmo de los hechos, el drama de la vejez y el adiós al mundo. Rembrandt aportó tanta habilidad y profundidad psicológica al grabado, que hasta entonces era solo una de las muchas técnicas gráficas del siglo XVI, que dejó de ser una curiosidad técnica y una diversión para los artistas excéntricos. Además, Rembrandt se dedicó al aguafuerte casi toda su vida, dejando unas doscientas noventa muestras. Por lo tanto, sus aguafuertes absorbieron los movimientos de su trama, el crecimiento de la habilidad técnica y la soltura artística de los últimos años dramáticos de su vida. Según los grabados de Rembrandt, se empezó a medir el alto nivel y calidad artística de los grabados de otros artistas, si recurrían a esta técnica.

El grabado holandés después de Rembrandt es más colorido, más amplio en el tema y más tranquilo. Los maestros aceptan con gusto mapas topográficos, retratos, paisajes de diferentes ciudades, géneros cotidianos . Sin embargo, a fines del siglo XVII, el aguafuerte perdió un poco el estatus de arte elevado.

El aguafuerte se convierte en una técnica auxiliar en la creación de ilustraciones para libros, tratados anatómicos o botánicos, en la creación de portadas ( frontispicios ), con las que se inicia la publicación. Interesante desde un punto de vista histórico-artístico es la creación en 1616 en Leipzig de una serie de grabados para la edición impresa del libro de Gustav Selenus (bajo este seudónimo se escondía el duque de Brunswick-Wolfenbüttel August) "Chess, or the Royal Game" del artista Jacob van der Heyden . El aguafuerte es a la vez un servicio a la aristocracia y un recurso práctico, lejos del objetivo de glorificar el espíritu humano, objetivo principal del arte en general. El aguafuerte se convierte en un oficio doméstico en manos de artistas menores que son dignos de utilizar cualquier estilo (manierismo tardío, realismo, barroco) por un módico precio.

Aristocratización del arte a finales del siglo XVII

Elementos de aristocratización estuvieron presentes en el arte de Holanda antes, pero no dominaron. Estas características son inherentes a los primeros retratos de Rembrandt y las obras de artistas menos dotados. Incluso Frans Hals retrata a los empresarios y comerciantes adinerados como aristócratas. Particularmente notables son las sutiles características aristocráticas en los retratos de los nobles locales y extranjeros (y los nuevos ricos que compraron títulos de nobleza para ellos mismos). El tipo de retrato ceremonial y representativo comenzó a tomar forma en Italia en el siglo XVI: retratos de papas, retratos de los gobernantes de pequeños principados italianos, aristócratas venecianos. Particularmente notables fueron las características de la aristocracia en el arte de Flandes (Ducado de Brabante), y los artistas flamencos Rubens y Godfrey Neller, y especialmente Anthony van Dyck , contribuyeron al desarrollo y formación de un retrato representativo en Italia e Inglaterra. Gran Bretaña se desarrolló rápidamente y se convirtió en una nueva superpotencia en Europa occidental, expulsando a los Países Bajos, España y Francia de las esferas de influencia. Anthony van Dyck influyó tanto en las composiciones y la estructura figurativa del retrato representativo que se convirtieron en modelos. Varios artistas holandeses comenzaron a trabajar en el desarrollo de los hallazgos de van Dyck. La vieja y nueva aristocracia en Holanda también es atendida principalmente por retratistas, entre ellos:

En los retratos de finales del siglo XVII , los ricos muestran vestidos de moda y sombreros con plumas, armas valiosas y adoptan poses orgullosas. El holandés Adriaan Hanneman imita tan perfectamente las imágenes de van Dyck que sus retratos se confunden con las obras del propio flamenco. Simon Peters Verelst escribe sobre el príncipe alemán Rupert a la manera de un intelectual aristocrático al estilo francés, ignorando su crueldad, militancia e inmoralidad. Las características de la aristocracia predominan tanto en el arte de Holanda a fines del siglo XVII y XVIII que también influyen en la pintura de género, que (como el retrato holandés) pierde sus características democráticas (Cornelis Trost, "Diversión en el parque", "Retrato de Jerome Tonnemann con su hijo").

Notas

  1. ↑ Boyd Tonkín. La Edad de Oro del arte holandés ha inspirado a escritores desde Marcel Proust hasta Donna Tartt  . El Independiente (2014). Consultado el 31 de octubre de 2017. Archivado desde el original el 7 de noviembre de 2017.
  2. ↑ Zatyupa S. V. De la Edad Media al Barroco. Historia del arte de Europa occidental. Pintura y artes y oficios. Basado en materiales de una colección privada. - Moscú: Centro de Arte. Moscú, 2021. - ISBN 978-5-604-5971-3-2 .
  3. ↑ Getashvili N.V. Atlas de pintura mundial . - OLMA Media Group, 2006. - Pág. 170.

Véase también

Fuentes

Literatura

Enlaces

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