Arquitectura renacentista francesa : arquitectura francesa creada desde el siglo XV hasta principios del siglo XVII en diferentes regiones del Reino de Francia . Estilísticamente, la arquitectura renacentista siguió a la arquitectura gótica , que se originó en Francia en el siglo XII. La arquitectura del Renacimiento en Francia fue reemplazada por el estilo del clasicismo.
El renacimiento en Francia estuvo precedido por un período de actividad particular de la cultura francesa: el gótico (siglos XI-XIV). En este momento, Francia tuvo una influencia decisiva en el arte de los países del norte de Europa , y la versión del estilo gótico creada por los franceses en otros estados se denominó "manera francesa". Dentro de la cultura gótica se produjo una paulatina transformación de la sociedad feudal , debido al surgimiento y florecimiento de las ciudades medievales , en las que surgieron escuelas urbanas (a partir del siglo XII) y universidades con los inicios de la cultura laica. La arquitectura se convirtió en el tipo principal de arte gótico, encarnado más plenamente en las formas de la catedral de la ciudad, que se consideraba un símbolo de la dignidad de la ciudad y sus habitantes. La base de la construcción gótica fue la construcción de marcos , inventada en el norte de Francia y extendida por toda Europa. A diferencia de las ciudades-estado italianas , donde los artistas se inspiraron en la antigüedad , en Francia, hasta el siglo XIV, se desarrollaron las tendencias realistas del arte gótico tardío [1] .
El cambio de los siglos XIV-XV se caracterizó por una tensa situación política en el país. La Guerra de los Cien Años (1337-1453) se desarrollaba desde hacía más de medio siglo . Una serie de victorias de Carlos V detuvo al enemigo y las dos últimas décadas del siglo XIV estuvieron marcadas por una relativa calma, pero a finales de siglo los británicos reanudaron las hostilidades. La guerra interna entre Armagnacs y Bourguignons condujo a la guerra civil y la ocupación británica de París en 1420. Los años 20-30 del siglo XV se caracterizaron por un fuerte declive de la actividad artística, todas las fuerzas del país se lanzaron a la lucha contra un enemigo externo. El punto de inflexión llegó tras la actuación de Juana de Arco . En 1453, la capitulación de la guarnición inglesa en Burdeos puso fin a las hostilidades, tras lo cual se reanudó el proceso de toma de tierras. Carlos VII y Luis XI , tanto por la fuerza militar como por la diplomacia, lograron la unificación política del país, y hacia 1483, de todas las regiones de Francia, sólo Bretaña conservaba su independencia [2] .
Durante este período, la agricultura, los centros artesanales, el comercio comienzan a recuperarse gradualmente, renacen viejos centros de cultura y se fortalecen nuevos centros de cultura. Se reanudan las obras suspendidas durante los difíciles años de la guerra y se inicia la construcción de nuevos edificios. Al mismo tiempo, la imagen de la vida arquitectónica, en comparación con siglos anteriores, ha cambiado significativamente: la construcción de iglesias ha disminuido significativamente, mientras que la construcción secular comenzó a florecer [3] . La arquitectura de culto francesa en ese momento estaba experimentando un breve brote del gótico flamígero que se desvanecía en el pasado y se mantuvo dentro del marco de la arquitectura medieval tradicional [4] .
Arquitectura secularEl período de la mitad y segunda mitad del siglo XV en Francia fue una etapa de transición de la arquitectura medieval a la arquitectura renacentista [5] . Los logros del Renacimiento italiano penetraron en el arte de Francia más tarde que en otros países. En una época en la que, en las cortes del rey húngaro Matías I Corvino y del zar ruso Iván III, los artesanos italianos ya habían comenzado la construcción de templos y palacios, Francia sólo se enfrentaba a las consecuencias de la Guerra de los Cien Años. Sin embargo, el auge espiritual y económico de la posguerra se convirtió en un poderoso impulso para el desarrollo del arte de la construcción. Por ello, la historia del Renacimiento francés en arquitectura se desarrolla tradicionalmente desde las primeras décadas de la posguerra [6] .
La burguesía urbana se convirtió en conductora de las nuevas tendencias de la arquitectura, esforzándose por consolidar sus éxitos y afirmar la importancia de las ciudades en la vida del país. Uno de los testimonios más característicos de la riqueza de la ciudad es el ayuntamiento. Hasta mediados del siglo XV, las reuniones de talleres y cabildos se celebraban en las catedrales, y el tesoro y los archivos se guardaban en torres de vigilancia o en casas particulares compradas a alguno de los vecinos. La excepción fueron las regiones del noreste y del norte, donde las grandes ciudades comerciales habían construido ayuntamientos durante mucho tiempo. A partir de mediados de siglo comenzaron a erigirse ayuntamientos en todas las ciudades de Francia, mientras que la burguesía urbana no escatimaba en destinar cuantiosos fondos para las obras de construcción. Los ayuntamientos de Arras , Saint-Quentin , Compiegne y otras ciudades tenían su propia apariencia única, actuando como dominantes de la ciudad [7] .
Según una antigua tradición, las casas de caridad y los hospitales a menudo se construían en las ciudades con dinero público o donaciones. El hospital más famoso del siglo XV, construido a expensas del canciller borgoñón Nicolas Rollin, el Hotel-Dieu , se conserva en la ciudad de Beaune. Las fachadas del patio del conjunto estaban decoradas con una columnata que soportaba una galería cubierta [8] .
En el siglo XV, la construcción de casas urbanas privadas de ciudadanos adinerados comenzó a desempeñar el papel principal en la arquitectura, edificios que se asemejaban a castillos de piedra con un plan complejo y una exquisita decoración externa e interna. Tales edificios pertenecían a los comerciantes y financieros más ricos, cercanos a la corte, que participaban en la administración del estado y no querían ser inferiores a la nobleza feudal. Además, un lugar importante todavía lo ocupaba una casa de entramado de madera , la vivienda de varios estratos sociales, cuya arquitectura todavía estaba sujeta a las tradiciones medievales en los métodos de planificación, construcción y decoración [9] [10] .
Un monumento característico del período de transición del gótico al renacimiento fue la casa de la ciudad de Jacques Coeur , administrador de las finanzas públicas bajo Carlos VII, construida a mediados del siglo XV en Bourges . La decoración arquitectónica de la mansión fue tallada en gran parte en piedra, el principal material de construcción del edificio, hábilmente utilizado en el diseño de las fachadas exteriores y en parte en el interior. El autor del proyecto de construcción no se esforzó por el orden externo y la uniformidad del ritmo de las fachadas, característico de la arquitectura renacentista contemporánea de Italia, sin embargo, en el plano de la conveniencia práctica, se trazó claramente un cálculo sobrio y un cuidado detalle en la casa. Las salas, grandes salas de estado y pequeñas salas para reuniones privadas de negocios, estaban ubicadas separadas entre sí y estaban conectadas por varios pasajes y escaleras. Se equiparon capillas separadas en la capilla del hogar. Una galería abierta bordeaba el patio. Todo esto fue una innovación inusual para una casa particular de la época, en la misma medida que el lujo sin igual de la decoración: vidrieras, frescos, esculturas adornaban el local, decoración de piedra tallada, característica del gótico flamígero, cubría las paredes. , ventanas y torres de escalera en el patio. La casa de Jacques Coeur se ha convertido en un vivo ejemplo de un cambio en la arquitectura residencial privada de la clase burguesa en la línea de mejorar el confort y demostrar el alto estatus social del propietario [11] [10] [12] .
Es difícil juzgar la arquitectura cortesana de mediados de siglo, ya que los palacios reales reconstruidos del Louvre y Saint-Paul de Carlos V no sobrevivieron [13] . El principal constructor de la arquitectura francesa en el período posterior al final de la Guerra de los Cien Años fue el rey Luis XI. Generalmente indiferente a las artes, se vio obligado a emprender nuevas construcciones. Luis XI fue coronado en 1461 y organizó la reconstrucción de Amboise algún tiempo después , pero pronto entregó el castillo al heredero. En Plessis-le-Tours se construyó un pequeño castillo real de ladrillo con molduras de piedra blanca y, al mismo tiempo, bajo la dirección del tesorero Jean Bourret , se erigió junto a Tours un nuevo castillo de Langeais , cuyo estilo de fortaleza severa incluso entonces parecía un anacronismo [12] . Plessis-les-Tours (1463-1472), ahora en su mayor parte en ruinas, era un nuevo tipo de castillo: un palacio de campo con formas arquitectónicas relativamente simples: techos altos, lucarnes, cruces de ventanas de piedra, galerías de arcadas características de los palacios urbanos y suburbanos de ese momento. Tres "maestros reales" fueron nombrados como presuntos constructores de Plessis-le-Tour: Jean Duchemin, Jean Thibaut y Jean Regnard [14] .
La principal creación de Jean Bourret fue el castillo angevino de Plessis-Bourret , construido en el valle entre los afluentes del Loira en poco tiempo (1468-1473). El edificio encarnaba un esquema de composición fundamentalmente nuevo de un castillo de transición fortificado y una nueva organización del espacio: las tareas de defensa se desvanecieron en un segundo plano, las fortificaciones perdieron su significado funcional y se convirtieron en un elemento de decoración exterior. El esquema Plessis-Bourret ganó popularidad y se usó al menos dos veces: para el mariscal de Gier en el castillo de Vergers y para Florimond Robertet en el castillo de Bury. La era pacífica que siguió predeterminó el desarrollo de la arquitectura de los castillos durante el siglo venidero. El castillo se convirtió en un manifiesto simbólico de una nueva cultura secular, la encarnación del Renacimiento francés, así como la catedral fue una vez la encarnación del gótico medieval. Los cambios en la arquitectura de Plessis-Bourre registraron la etapa inicial de la transformación del castillo-fortaleza en castillo-palacio [15] .
En la década de 1460, muchos aristócratas querían dar un aspecto moderno a sus castillos y mansiones. Jean de Dunois reconstruyó el ala oeste de Châteaudun . Francisco II , el último duque de Bretaña, es un castillo familiar en Nantes. Para Carlos de Orleans , se erigió un nuevo edificio del castillo de Blois, del que sólo ha sobrevivido una galería de dos pisos [12] . El bien conservado Hotel de Cluny en París, construido a finales del siglo XV para la abadía de Cluny , combinaba formas góticas tardías en arquitectura y una relación tranquila y clara de decoración y composición general [16] .
A finales de los siglos XV y XVI, los reyes franceses realizaron varias campañas militares en Italia, que terminaron sin éxito, pero introdujeron a la aristocracia francesa en la avanzada cultura italiana de la época, cuya interpretación se convirtió más tarde en uno de los factores importantes en el desarrollo del Renacimiento francés. En el mismo período, hubo un proceso de restauración de las ciudades francesas después de la Guerra de los Cien Años, que había agotado enormemente el país. El nuevo desarrollo, sin embargo, fue, por regla general, desordenado, con la excepción de algunas ciudades fortificadas recién erigidas (Vallery 1501; Hyeres Bruage, segunda mitad del siglo XV). París creció rápidamente desde mediados del siglo XV, pero cambió lentamente su carácter medieval, conservando un trazado desordenado con calles estrechas. Sin embargo, el cambio de los siglos XV-XVI se convirtió en un hito importante tanto en la historia de la sociedad y el estado franceses, como en la arquitectura francesa [17] .
1483-1498. Reinado de Carlos VIIILos cambios evidentes en la arquitectura de Francia se esbozaron con la subida al trono de Carlos VIII , que prefería el lujo y el placer, a diferencia de sus predecesores. El rey trajo por primera vez maestros italianos de arquitectura, escultura y artesanía de la campaña italiana de 1494-1495, incluido el arquitecto Fra Giocondo , el escultor Guido Mazzoni, el jardinero Pacello da Mercogliano y el ebanista Bernardino da Bresha. Todos ellos estuvieron involucrados en la reestructuración de Amboise, aunque no afectaron significativamente el progreso del trabajo. Mucho más importante fue la presencia entre los trofeos militares del rey de los artículos de lujo - muebles, esculturas y joyas - que influyeron en los gustos de la sociedad francesa y la estética de los artesanos locales [18] .
El conocimiento de la cultura de Italia abrió a los franceses nuevos ejemplos de una vivienda-palacio aristocrático. La corte real desempeñó un papel destacado en el proceso de creación de un nuevo tipo de arquitectura palaciega. En la segunda mitad del siglo XVI se construyeron varias residencias reales: Gaillon , Blois , Chambon , Villers-Cotret, Castillo de Madrid , Fontainebleau , Saint-Germain , Louvre , Tuileries y otras. Un gran grupo de estructuras eran palacios urbanos y suburbanos de la aristocracia y la gran burguesía, los llamados hoteles y chateaus (castillos) [K 1] . Con la pérdida de una función militar, los castillos feudales adquirieron rasgos seculares a partir de la segunda mitad del siglo XV. A pesar de que en la primera mitad del siglo XVI continuaron existiendo torreones , torres redondas , maquicol , fosos y galerías centinelas, el punzonado de ventanas, la decoración de paredes y otros elementos cambiaron por completo la antigua apariencia severa de estas estructuras [4] .
La arquitectura del castillo de Amboise (1492-1498) marcó el final del dominio indiviso del gótico, aunque todavía había en él pocos signos del Renacimiento. La reconstrucción del castillo-palacio para Carlos VIII tuvo un marcado aire festivo y fue concebida originalmente por el rey para captar la imaginación de los monarcas europeos. La influencia del Renacimiento italiano se manifestó principalmente en el tratamiento decorativo de los interiores, así como en el exterior del edificio lateral posterior. Una característica distintiva del nuevo aspecto del castillo fue el esplendor deliberado de la decoración exterior, combinado con una total falta de preocupación por la defensa. Este fue el primer caso tan evidente de atención preferencial a la decoración del exterior. Antes de Carlos VIII, solo los edificios de las iglesias se distinguían por una decoración lujosa, pero con la mano ligera del rey, la nobleza francesa comenzó a decorar magníficamente sus residencias. Se colocó "cordón de piedra" en los espacios de las paredes, elementos de los techos y torres de escaleras de las fachadas del patio de los castillos de Meilyan, Chaumont y Joscelin [20] [21] .
1498-1530. Primer Renacimiento Francés o Estilo de Francisco IEl período del primer cuarto del siglo XVI se denomina Primer Renacimiento francés o el estilo de Francisco I ( estilo fr. François Ier ). Fue una época de extraordinario desarrollo en el Valle del Loira , donde todavía se encontraba la corte real [22] [23] . Durante el reinado de Luis XII (1498-1515), la realeza aún no había alcanzado el absolutismo y la corte real no era el centro de la cultura francesa. Por eso, no fueron los señores feudales que acompañaron al rey en la campaña napolitana los que se convirtieron en los conductores de las nuevas tendencias del arte , sino la gran burguesía urbana, que mantuvo vínculos con las ciudades italianas, y los jerarcas eclesiásticos ilustrados que dependían de la corte . del Papa en el Vaticano . Entre estos últimos, destacaba en particular la familia d'Amboise , grandes mecenas de las artes de la segunda mitad del siglo XV - principios del XVI . Bajo su patrocinio, a finales del siglo XV, se decoró magníficamente la catedral de Albi , cuyo muro occidental estaba decorado con el majestuoso fresco "El Juicio Final" [24] .
El Palacio de Luis XII en Blois, cuya construcción comenzó en 1498, fue interesante por la combinación de composición gótica característica de la época y detalles inspirados en la arquitectura del Renacimiento italiano: tratamiento decorativo de las columnas de la galería, con ornamentos claramente no de origen gótico. Imágenes de delfines, cuernos de la abundancia y niños con flores se tejieron en el patrón escultórico, y en la fachada exterior, sobre la puerta, hay una estatua ecuestre dorada de Luis XII, un tipo de monumento previamente desconocido en Francia. El gótico se expresó en la estructura general del edificio, la asimetría de la planta y la enorme altura de las cubiertas. Presumiblemente, los autores del palacio fueron los maestros albañiles Simon Guichard y Jean Sourdo [25] [26] .
Uno de los representantes más destacados de la dinastía d'Amboise fue el cardenal Georges d'Amboise , legado papal en Francia, virrey de Lombardía, pretendiente al trono papal en 1503. El Chateau de Gaillon en Normandía , de su propiedad, se convirtió en un símbolo de innovación en la arquitectura francesa . Construido durante unos diez años (1501-1510), el edificio fue erigido por primera vez por arquitectos franceses (Guillaume Senot, Jean Fouquet, Colin Biard, Pierre Delorme) en formas góticas tradicionales. Desde 1508, la construcción estuvo a cargo de maestros italianos, encabezados por los escultores y decoradores Jerome Pachero (Pacyarotti) y Bertrand de Meynal, quienes trabajaron en las formas del Renacimiento italiano que les son familiares. El diseño del jardín fue confiado al maestro italiano en el primer período de construcción. Los motivos y formas del Renacimiento italiano encontraron cabida en la galería del primer piso en el lado noroeste del patio principal, en la arquitectura del ala construida posteriormente en el lado sureste, y también en la puerta principal. El papel principal en la decoración lo desempeñaron los formularios de pedido interpretados libremente, así como los medallones. En los ornamentos, la flora local dio paso a hojas de acanto y otros motivos vegetales estilizados clásicos. En la arquitectura del castillo se dio el primer paso decisivo del gótico al renacimiento. Gaillon no ha sobrevivido hasta el día de hoy, la decoración escultórica del castillo, desmontada en partes, fue trasladada a varios museos de Francia, en particular, el portal monumental instalado en la fachada de la capilla de la Escuela de Bellas Artes de París [27 ] [28] .
Un ejemplo de un intento de combinar formas góticas y renacentistas fue la fachada del edificio de la Oficina de Finanzas en Rouen (1510), construida por Roland Leroux. En la decoración del edificio se utilizaron tanto motivos puramente góticos (estatuas con baldaquín) como de orden renacentista con entrepiso horizontal y medallones redondos [29] .
En 1515, Francisco I ascendió al trono , con cuyas actividades se relacionaba la siguiente página de la arquitectura francesa. La política del rey en el campo de las artes fue una continuación lógica de la política general del estado: para implementar planes para la transformación del país, necesitaba la vida de la corte . Se creó un centro humanístico secular en la corte real , y el propio gobernante se autoproclamó patrón de las ciencias y las artes, con el fin de hacer valer el prestigio de su propio poder. Francisco I invitó a Francia a científicos, artistas y arquitectos humanistas italianos. El monarca realizó el primer gesto simbólico de la nueva política en 1516 al invitar al célebre Leonardo da Vinci a la corte francesa [30] .
Los arquitectos del ala norte del castillo de Francisco I en Blois (1515-1524) rindieron homenaje al Renacimiento italiano. De los constructores, solo está documentado el nombre de Jacques Surdo, pero se supone que Domenico da Corton participó en el trabajo de decoración . Acérrimo partidario del estilo italiano, Francisco I ya no se limitó a citas y algunos préstamos, sino que aprobó la copia directa de modelos italianos durante la construcción. La simetría de la planta original, la potente cornisa, el sistema general de la fachada y el trabajo decorativo testimonian una ruptura con la tradición gótica. Por primera vez en Francia, el tratamiento escultórico de los detalles alcanzó un alto nivel artístico, mientras que los fragmentos , que antes se caracterizaban por su fragilidad y sobrecargados de tallas, cambiaron hacia una mayor plasticidad y una sencillez clásica. Una innovación importante fue el sistema de dividir la fachada con pilastras superpuestas y dobles fajas de varillas entre pisos , que luego sirvió como transición al método clásico de dividir fachadas con una garantía superpuesta. El prototipo de la fachada exterior, aparentemente bajo la dirección del propio Francisco I, fueron los palacios vaticanos de San Dámaso y Belvedere . A partir de ahí, se tomó prestado un esquema y se reinterpretó en estilo gótico-francés con arcos abiertos alternados y nichos en una cuadrícula creada en la fachada con la ayuda de un orden. El motivo de la “arcada de orden” utilizado en Blois se utilizó más tarde en varios castillos de la época: en el ahora destruido Bury, en Chambord y en La Rochefoucauld [31] [32] .
Al frente del movimiento nuevamente, como a mediados del siglo XV, estaban los representantes más ricos de la burguesía del círculo íntimo del rey. Los castillos de Thomas Boyer en Chenonceau y Gilles Berthelot en Azay-le-Rideau se convirtieron en ejemplos clásicos del Primer Renacimiento de la región del Loira. Su arquitectura estaba unida por rasgos tales como la disposición regular, el deseo de simetría y la pasión por la decoración italiana, inscritos en una cuadrícula plana de articulaciones verticales y horizontales, sin afectar los planos de las paredes [33] .
El principal financiero Thomas Boye alrededor de 1514 comenzó la construcción de una nueva vivienda en Chenonceau. El antiguo castillo fue destruido hasta los cimientos, solo se conservó el torreón como símbolo de prestigio. El edificio era un solo edificio cuadrado, que se convirtió en una nueva palabra en la arquitectura de la época. En la composición de las fachadas, siguiendo a Blois, se introdujo un claro ritmo de divisiones verticales a lo largo de los recorridos , interrumpido por delgadas entreplantas horizontales y un friso continuo. Las paredes del castillo y del antiguo torreón estaban decoradas con adornos de estilo italiano de moda. Aún más atrevidas fueron las soluciones espaciales en los interiores: por primera vez, contrariamente a la tradición, no se construyó una escalera de caracol, sino una escalera recta de dos tramos; el estudio estaba decorado con un artesonado [33] .
Entre 1518 y 1527, Gilles Berthelot, tesorero real, construyó el castillo de Azay-le-Rideau. La solución arquitectónica del conjunto siguió un camino ya trillado, combinando tradiciones e innovaciones: de los cuatro edificios tradicionales previstos, se erigieron dos (principal sur y oeste), como atributos de grandeza, la torre del antiguo castillo, machicoles, el camino del centinela y las torres de vigilancia se conservaron como atributos de grandeza. El ornamento clásico se aplicó de forma libre en el diseño de los lucarnes y la entrada al patio central. La escalera del castillo se construyó en forma recta italiana, con bóvedas de artesonado plano. El edificio se distinguió por una decoración escultórica inusualmente magnífica con las iniciales y signos heráldicos de Francisco I y la reina Claude, conchas, medallones en las esquinas de los arcos y sobre pilastras, grutescos antiguos y candelabros. La novedad de la solución arquitectónica del castillo fue la estricta simetría del patio y las fachadas laterales. Los constructores de Azay-le-Rideau lograron crear uno de los monumentos más completos y armoniosos del primer Renacimiento francés, con una combinación equilibrada de tradición medieval y arquitectura clásica italiana [34] .
El eslabón final del breve Renacimiento francés temprano fue el Castillo de Chambord (1526-1559), el conjunto arquitectónico más grandioso del Valle del Loira, el símbolo encarnado del poder del monarca. El trabajo de construcción principal aparentemente se llevó a cabo entre 1526 y 1533; el cuerpo oriental de Francisco I y la parte de conexión, en 1539-1544; la construcción de partes simétricas en el lado occidental - en 1547-1559. A pesar de que se utilizaron motivos góticos en la coronación de las torres de las esquinas y en la terminación del torreón, Chambord no era un castillo gótico, sino un palacio renacentista clásico . Ello se manifestó en el rechazo al tradicional remate con almenas y matacanes de las torres de la galería centinela, la apertura de las fachadas al exterior con gran número de ventanas y su división en claras franjas horizontales de plantas, así como la utilización de una composición de orden de varios niveles. Novedades importantes fueron la simplificación de la decoración, la ampliación de motivos ornamentales y la asignación de piezas arquitectónicas: lucarnes , caños, etc., así como la introducción de una serie de nuevos elementos arquitectónicos y decorativos: miradores , paneles policromados con motivos geométricos . adornos y otros. La influencia de la solución arquitectónica de Chambord afectó a dos grandes monumentos del período posterior: Fontainebleau y Ecouane [35] [36] .
1530-1547. Período de Ile-de-France. Propagación del manierismoAlrededor de 1530, comenzó un nuevo período en la arquitectura de Francia. Francisco I invitó a varios artistas y arquitectos famosos de Italia: Rosso Fiorentino , Francesco Primaticcio , Sebastiano Serlio , Giacomo da Vignola y Benvenuto Cellini . Seguidores de Miguel Ángel y Rafael, cambiaron el vector de desarrollo de la arquitectura francesa hacia el manierismo italiano . El estilo establecido que dominó la arquitectura desde 1530 hasta 1590 a veces se denomina estilo Enrique II , aunque su desarrollo tuvo lugar durante los reinados de cinco monarcas franceses. Las características del estilo se representaron más plenamente en la arquitectura del Palacio de Fontainebleau [37] . Tras regresar del cautiverio madrileño de 1524-1526, Francisco I decidió trasladar su residencia de las orillas del Loira a París y sus alrededores, donde se inició una nueva etapa de intensa construcción palaciega. La corte real, siguiendo al monarca, abandonó las orillas del Loira y toda la vida cortesana se trasladó a Ile-de-France . El traslado de la capital también estuvo marcado por un cambio en la composición de los constructores de la corte: los maestros franceses que construyeron los castillos del Loira fueron reemplazados por los parisinos, y con ellos llegaron las nuevas tendencias del Renacimiento italiano. Francisco I lanzó simultáneamente la construcción del castillo de Madrid y la reconstrucción del castillo de Fontainebleau, más tarde, los castillos de Saint-Germain-en-Laye y Villers-Cotres. Se erigió un nuevo ayuntamiento en París (1532) y, hacia fines de la década de 1530, comenzó la reconstrucción de los apartamentos reales en el Louvre [38] [39] .
Uno de los ejemplos más peculiares de esta época fue el palacio perdido de Francisco I en el Bois de Boulogne , conocido como el Castillo de Madrid. El artífice de su magnífica decoración en mayólica , como probablemente del proyecto, fue Girolamo della Robbia, hijo de Andrea della Robbia , que decoró con mayólica la Casa Educativa Brunellesco de Florencia. El francés Pierre Gadieu supervisó la construcción. Lo nuevo para Francia fue, en primer lugar, el plan del castillo en forma de un solo bloque, sin un patio cerrado. La clara división de pisos con cornisas horizontales, amplias escaleras abiertas y galerías de arcadas de nuevo diseño hablaban de la influencia italiana. Las arcadas del Castillo de Madrid eran algo entre las formas de Blois que se remontan a la Antigua Roma y las arcadas de Brunellesco. La arquitectura del castillo mostró una corriente de arte florentino que penetró en la arquitectura de Francia, más restringida que la arquitectura napolitana o lombarda familiar en ese momento. Al igual que Chambord, la nueva residencia era un gran castillo frontal con un diseño regular, en el que dos pabellones cuadrados macizos (por primera vez en la arquitectura francesa reemplazaban las torres de las esquinas) estaban conectados por un pequeño edificio. Después de un largo período de experimentación, apareció un monumento que combinaba con armonía y originalidad las tradiciones nacionales y las innovaciones italianas [38] [40] .
Un proyecto importante de Francisco I fue la construcción de un nuevo templo real en París, la iglesia de San Eustaquio , cuyo aspecto arquitectónico se suponía que correspondía al espíritu de la época. La iglesia fue fundada en 1532. Los arquitectos decidieron dar un paso inesperado: eligieron el plano, la estructura y las proporciones del gótico clásico para el templo: la iglesia de cinco naves casi copiaba la Catedral de Notre Dame . En el volumen gótico del edificio se colocó una decoración clásica: pilastras clásicas se superpusieron a los contrafuertes, en el nivel superior se convirtieron en semicolumnas rematadas con capiteles corintios. La solución artística de la iglesia fue contraria a toda lógica, por lo que Viollet-le-Luc en el siglo XIX llamó al templo "un esqueleto gótico en andrajos romanos". El interior de la iglesia parisina Saint-Étienne-du-Mont resultó ser aún menos exitoso , en el que se combinaron dos sistemas artísticos fundamentalmente diferentes: los arcos góticos se basaban en poderosas columnas ampliamente espaciadas de la nave central. Entre otros tímidos intentos de traer nuevas tendencias a la arquitectura de la iglesia, se encontraba la capilla redonda adjunta a la basílica gótica de San Pedro en Bath (1537). Otra versión posterior de la combinación de iglesia gótica y renacentista fueron las torres de la Catedral de St. Michel en Dijon (el piso inferior fue construido al estilo de Francisco I en 1537) [41] [42] .
En la arquitectura de los edificios públicos, se utilizó el llamado estilo Francisco I en la construcción del gran ayuntamiento parisino (hacia 1533), destruido en 1871, y el pequeño pero expresivo ayuntamiento de Beaugency (1526), una pequeña ciudad en el Loira cerca de Blois [43] .
Algunos de los nuevos motivos y técnicas del Renacimiento fueron inmediatamente tomados prestados y reelaborados por los constructores del palacio de campo de Fontainebleau. El contratista Gilles Lebreton, que erigió nuevos edificios palaciegos alrededor del Patio Oval y algunos otros edificios, tomó prestada de Chambord una disposición uniforme de pilastras; del Castillo de Madrid- frontones triangulares sobre las ventanas y grandes arcos de medio punto con medallones de medio punto en la fachada de la galería de Enrique II . El conjunto del palacio se completó y amplió hasta el siglo XIX, pero su exterior nunca se distinguió por un mérito artístico especial. Por el contrario, los interiores y la decoración interior fueron de gran importancia en la historia de los interiores de los palacios franceses del siglo XVI. Entre ellas, destacaban en particular la Galería de Francisco I y la Galería de Enrique II. El primero fue creado por los italianos Rosso y Primaticcio; el segundo, Primaticcio y Delorme. Sin embargo, utilizando las técnicas del arte decorativo italiano en la Galería Francisco I, Rosso Fiorentino y Primaticcio crearon una versión peculiar del estilo en suelo francés: el papel principal lo desempeñaron los relieves de estuco , las pinturas murales, los paneles de madera y los ricos artesonados del techo . Los grotescos fueron ampliamente utilizados , convirtiéndose en una forma decorativa popular en Italia bajo la influencia de Rafael . El papel de las logias del Vaticano en Fontainebleau lo desempeñó la Galería Ulises de 150 metros, pintada con escenas de la Odisea con la introducción de grutescos. La famosa galería fue destruida en 1738. El arte de Rafael y su alumno Giulio Romano se convirtió en la principal fuente de inspiración de la " Escuela de Fontainebleau " dirigida por Rosso y Primaticcio. El énfasis en la decoración de interiores en Fontainebleau se debió al hecho de que Francia no tenía una tradición de decoración de interiores (artículos de decoración de interiores viajaban en cofres de viaje con el rey y su séquito), pero Francisco I quería crear una residencia real y decorar adecuadamente su interior [44] [45] .
Tras la finalización de la construcción del Patio Oval de Fontainebleau en 1532, se inició la construcción de un pequeño palacio real en Villa Cotret, en el que la arquitectura francesa dio un paso más hacia el acercamiento a las formas clásicas. En el mismo período, varios monumentos provinciales avanzaron en el desarrollo de la arquitectura de orden. El impulso para ello fue la publicación en Francia en 1542 de la primera traducción de Vitruvio y la llegada al país en 1541 de Sebastiano Serlio [44] .
Serlio perteneció a la generación de Miguel Ángel y Rafael y trabajó en Bolonia, Roma y Venecia. El área principal de su actividad no fue diseñar, sino enseñar y divulgar los fundamentos clásicos de la arquitectura. En 1528 publicó un manual sobre el uso de las órdenes griegas, en 1537 su tratado principal - el cuarto libro de las Reglas Generales de las Cinco Órdenes, en 1540 - el tercer libro del tratado, dedicado a los monumentos de la antigüedad romana. En Francia, el arquitecto recibió inmediatamente el título de "arquitecto real" y comenzó a supervisar la construcción en Fontainebleau, donde también diseñó el pabellón de baño, la logia y el portal. En 1545, el tratado de Serlio fue traducido al francés por Jean Martin. Las obras del arquitecto jugaron un papel importante en la introducción de los arquitectos franceses a la arquitectura antigua, llevaron el estudio de los principios del Renacimiento italiano a un nuevo nivel. Philibert Delorme y Jean Goujon lo consideraban su maestro. Esto se debió en gran parte al hecho de que Serlio, que había vivido durante muchos años en Francia, trataba las tradiciones locales con respeto y atención, creía que una vivienda francesa no podía ser una copia de una italiana. Aunque la carrera práctica de Serlio en Francia no tuvo mucho éxito, construyó varios monumentos importantes del Renacimiento francés, incluido el castillo de Annecy-le-Franc [46] .
Sebastián Serlio, a pesar del patrocinio del rey, construyó principalmente para clientes particulares. En Fontainebleau, el cliente del arquitecto fue el cardenal Ippolito d'Este de Ferrara, para quien el arquitecto construyó una mansión en poco tiempo, llamada Great Ferrarets (1544-1546) y que se convirtió en el prototipo de todas las mansiones aristocráticas parisinas posteriores de los franceses. Renacimiento. En 1544, un importante filántropo, el Conde de Clermont-Tonnerre, ordenó un nuevo palacio para Serlio. Así apareció Annecy-le-Franc, la perla del Renacimiento francés, el primer palacio francés, construido de principio a fin en el concepto del autor. El resto de los proyectos del arquitecto, incluidos los del Louvre, quedaron sobre el papel, pero constituyeron los clásicos del patrimonio arquitectónico del Renacimiento francés [47] .
Siguiendo a Francisco I, que no escatimó en gastos para reconstruir palacios, los representantes de la aristocracia comenzaron a reconstruir sus castillos. La arquitectura característica en el espíritu del Renacimiento francés temprano poseía el castillo de Saint-Germain , construido por Pierre Chambige y sus sucesores (1539-1549). Numerosos castillos construidos y reconstruidos en las áreas adyacentes al Loira y en otras áreas de Francia eran estilísticamente similares a los palacios reales. La razón de esto fue que los arquitectos reales estuvieron principalmente involucrados en la construcción. Los edificios característicos de este tipo incluyen el grandioso Valençay (circa 1540), el magnífico Chantilly (terminado en 1530) y Fontaine-Henri con techos fantásticamente altos [48] .
Las nuevas tendencias abarcaron gradualmente todas las clases de la sociedad francesa. Las formas del Renacimiento italiano se extendieron a las ricas ciudades de provincia. Un ejemplo característico de edificio residencial urbano de la época fue el Hotel d'Ecoville en Caen (1535-1538), decorado con ornamentos excepcionalmente finos totalmente de origen renacentista. Presuntamente, con la participación de los italianos, se decoró la fachada de la galería del Hotel Burgteruld en Rouen , con el motivo de los candelabros, popular en el norte de Italia, reelaborado a la francesa. De forma más monumental y refinada, este motivo se utilizó en la decoración del Hotel Bernui de Toulouse (hacia 1530) [49] .
La mitad del siglo XVI en Francia estuvo marcada por logros en la vida social, económica y demográfica. El rápido desarrollo de las ciudades condujo al florecimiento de todas las esferas de la vida cultural. El Renacimiento francés en este momento alcanzó su madurez y coincidió con el período de búsqueda de la autoidentificación nacional de los franceses. En 1549, Joachin Du Bellay publicó un manifiesto en "La defensa y celebración de la lengua francesa ". Los poetas de las Pléyades , encabezados por Pierre de Ronsard , defendieron la independencia de su lengua materna, el derecho a escribir y hablar en francés, y no en latín. En la historia de la arquitectura a mediados de siglo hubo un cambio de generaciones. Surgió una galaxia de nuevos arquitectos talentosos: Philibert Delorme , Jean Bulland , Pierre Lescaut y Jacques Androuet Ducerceau . Como jóvenes poetas, los arquitectos de la corte defendieron el derecho a construir "en francés", creyendo que Francia ya no necesitaba maestros ni mentores. Característica fue la declaración de Philibert Delorme: "Si los antiguos arquitectos de otros pueblos crearon nuevas columnas, ¿qué nos impide a nosotros, los franceses, inventar una u otra y llamarla francesa?" Siguiendo su declaración, Delorme creó una columna del orden "francés", que adornó numerosos edificios del período del Renacimiento maduro [50] [51] .
1547-1559. Reinado de Enrique IIA fines de la década de 1540, la situación política del país cambió, los sentimientos antiitalianos se intensificaron considerablemente en la sociedad, causados por el dominio de los italianos en todas las esferas de la vida cultural y social: política, finanzas, medicina y artes. Enrique II, que ascendió al trono, aprovechó la situación para cambiar de ambiente. Nombró a Philibert Delorme administrador de las residencias reales. Por primera vez en la historia de Francia, este puesto no lo ocupó un administrador de la aristocracia, sino un arquitecto profesional. Pierre Lescaut fue puesto a cargo de la esfera administrativa y artística del Louvre [52] .
Philibert Delorme, hijo de constructor, empezó a trabajar bien preparado y contaba con una amplia formación para la época, actuando más tarde como teórico de la arquitectura con los tratados "Arquitectura" y "Nuevas invenciones para construir bien y barato". Delorme pasó de 1533 a 1536 en Italia, donde conoció bien la antigüedad y el Renacimiento italiano, y trabajó para el Papa Pablo III en Roma. El primer gran encargo del arquitecto, a su regreso a Francia, fue el Palacio de Saint-Maur-de-Fosse en las cercanías de París, construido para el cardenal Du Bellay (el palacio fue completamente reconstruido en la década de 1560 y destruido a finales de el siglo XVIII). Parte del Château Saint-Maur, construido por el arquitecto alrededor de 1544, fue el edificio más italianizado de Francia en vísperas de un punto de inflexión en el desarrollo estilístico de la arquitectura, pasando del estilo de Francisco I al estilo de Enrique II. Con la llegada al poder de Enrique II, el arquitecto se cargó de órdenes reales: en 1547 comenzó a reconstruir simultáneamente el palacio de Saint-Leger-en-Yvelines (perdido), y junto a él el castillo de Anet (1549-1552). ) - el palacio del favorito de Diane de Poitiers, y en 1548 fue nombrado arquitecto real. Delorme agregó una capilla al palacio de Anya, un nuevo tipo de edificio en la arquitectura francesa, cuya cúpula se convirtió en la perla de la arquitectura renacentista de Francia. En la década de 1550, el arquitecto diseñó la Galería Enrique II en Fontainebleau y la tumba de Francisco I en Saint-Denis . En 1563 comenzó la reconstrucción del Palacio de las Tullerías . Del patrimonio arquitectónico de Delorme sólo ha llegado hasta nuestros días una parte del castillo de Anet [53] [54] .
Algo en la sombra, en comparación con Delorme, estaba la figura de Jean Bulland. Su trabajo sobre los cinco órdenes de columnas según Vitruvio fue mucho más modesto, al igual que sus edificios: el Chatelet en Chantilly , la galería del viaducto ahora en ruinas en Fer-en-Tardenois y los portales en el castillo de Ekuan . Aspirando a acercarse a la monumentalidad de la antigua Roma en su obra, Bulland se destacó de sus contemporáneos-arquitectos y, en general, de todos los arquitectos de Francia en el siglo XVI y la primera mitad del XVII. El arquitecto tomó prestada una orden de la antigüedad, trató de revivir el pórtico romano, reproducir las formas poderosas de los acueductos romanos y las columnas conmemorativas, dar nueva vida al esquema del arco triunfal , cambiándolo casi hasta el punto de ser irreconocible y usándolo como una logia. Indicativo a este respecto fueron uno de los portales y una logia en el castillo de Montmorency en Ecouane. El trabajo de Bulland se caracterizó por una espectacular pero arriesgada yuxtaposición de forma y escala, que refleja la inmadurez de la arquitectura francesa de la época, expresada en ingenuos intentos de combinar clásicos y tradiciones nacionales. Este planteamiento se expresó en una combinación disonante del orden romano y el arco clásico con balconeras, techumbres, lucarnes, arcos achaparrados, etc. [55] .
La figura de Pierre Lesko, creador del edificio original del Louvre, se considera ambigua. Siendo un brillante cortesano, recibió una minuciosa educación general y especial, pero algunos investigadores creían que su amigo, el escultor Jean Goujon , era el verdadero autor de las obras que se le atribuían . A mediados del siglo XVI, comenzó la construcción del Palacio Real del Louvre , inicialmente un pequeño edificio, luego conectado con el Palacio de las Tullerías ubicado al oeste de este y creciendo hasta convertirse en un gran conjunto. Pierre Lescaut diseñó el palacio con Goujon. El Louvre temprano se convirtió en una de las obras más destacadas del Renacimiento francés maduro. La principal atención del arquitecto se centró en el exterior del edificio: el orden de la decoración de la fachada se armonizó con su estructura volumétrica, el número de plantas y la distribución de las aberturas exteriores. El primer y segundo piso de la fachada fueron decorados con exquisitos órdenes elegantes: corintios y compuestos; la planta del ático es una variación del orden corintio con pilastras acortadas, capiteles simplificados y entablamento. Aunque muchas características del Palacio del Louvre se tomaron prestadas de la arquitectura italiana, en general se convirtió en una obra del Renacimiento francés, con una identidad nacional pronunciada: una apariencia elegante, no estricta, de la fachada y una composición ascendente. Además del trabajo en el Louvre, Lescaut y Goujon crearon la Fuente de los Inocentes y el Hotel Carnavalet , posteriormente reconstruido por François Mansart [56] .
Jacques Androuet Ducerceau Sr. se hizo famoso no tanto por sus actividades arquitectónicas como por sus publicaciones sobre el tema de la arquitectura: una serie de grabados de todo tipo de detalles arquitectónicos, adornos, estructuras completas. Reprodujo muestras italianas y francesas, tomó prestadas muestras de cascos de otras personas, procesándolas parcialmente, pero la mayoría de ellas eran sus propias obras. La obra principal de Ducerceau es Los edificios más bellos de Francia (1576-1579). Las actividades de Ducerceau tuvieron un gran impacto en la arquitectura francesa. Después de Ducerceau, quedaron muchos proyectos originales pero no realizados, en los que se sintió la dinámica prebarroca de las formas arquitectónicas [57] [58] .
Desde mediados del siglo XVI, la arquitectura renacentista se ha generalizado cada vez más en los edificios residenciales. En Orléans sobreviven dos modestas variantes de casas renacentistas : la llamada Casa de la Concha y la Casa de Jean d'Alibert. En el procesamiento decorativo de los edificios, el orden de la pilastra fue el motivo principal, y el ornamento escultórico tuvo un carácter barroco. La construcción de entramado de madera de la ciudad fue atraída gradualmente a la esfera de influencia del Renacimiento. El marco de madera con rejilla rectangular se convirtió en un elemento estructural natural para la colocación de tallas que imitaban las pilastras y los cinturones decorativos de los edificios renacentistas de piedra del estilo Francisco I. Un ejemplo típico fue la fachada del patio del Hotel de la Mousse en Rennes . . Semejanzas de órdenes se esparcen en las fachadas de casas pobres con entramado de madera en la localidad bretona de Saint-Brieuc . La refinada reelaboración de la casa gótica de madera en estilo renacentista se manifestó en las fachadas de la llamada casa de Diane de Poitiers (Hotel Cabut) en Orléans [59] .
Las características de la arquitectura renacentista se manifestaron más plenamente en el centro de Francia y, aunque la unificación política del país contribuyó al nacimiento de una sola cultura nacional, las escuelas locales continuaron existiendo: la arquitectura de Normandía era más severa que la de Borgoña; en Lorena se manifestó más influencia italiana; en el sur de Francia surgió una peculiar versión de la rica decoración, inspirada en los antiguos monumentos de Provenza y Languedoc [58] . El arquitecto provincial Nicolas Bachelier creó en Toulouse varios monumentos notables de la arquitectura residencial . Su padre era natural de Italia, alumno de Brunellesco; él mismo también trabajó en Italia bajo Miguel Ángel . En Toulouse, a Bachelier se le atribuyen casi todos los edificios significativos del Renacimiento. Una de sus obras más llamativas fue el hotel del mercader tolosano Asses. Las fachadas del edificio se procesaron con tres niveles de arcadas de falso orden, mientras que en el tercer piso se utilizó el llamado "motivo de Palladio". A pesar del italianismo de las fachadas, tenían un toque de estilo francés peculiar de la época (una contradicción entre la forma de las ventanas y los arcos, heterogeneidad de partes, una combinación de formas renacentistas, góticas y barrocas tempranas, una combinación de piedra y ladrillo) [42] .
1560-1589. Reinados de Carlos IX y Enrique III. Guerras Religiosas.En los últimos cuarenta años del siglo XVI, prácticamente se perdieron todos los logros de Francisco I y Enrique II. El sistema de gobierno estatal autocrático centralizado construido por los monarcas se vio sacudido durante las guerras civiles y religiosas que desgarraron a Francia durante el reinado de los tres hijos de Enrique II: Francisco II (1559-1560), Carlos IX (1560-1574) y Enrique III (1574-1589) . Lo que comenzó como una disputa religiosa entre los reformadores hugonotes y los católicos se convirtió rápidamente en una confrontación política entre familias aristocráticas nobles que vieron la oportunidad de recuperar la influencia política perdida durante la primera mitad del siglo XVI. Ambos bandos del conflicto consideraban el período del reinado de Clovis I la "edad de oro" de Francia, soñando con la restauración de la monarquía patrimonial , en la que el gobernante estaba sujeto a las decisiones de la nobleza tribal y el alto clero. El ambiente tenso de la vida espiritual en Europa en ese momento - la expansión de la violencia ( Noche de San Bartolomé ), la reacción católica, la multiplicación de las cortes tiránicas en Italia - todo iba en contra de las ideas de los humanistas sobre la libertad de pensamiento y la grandeza de hombre. El arte de Francia de este período reflejó la tensión y el conflicto de la época. La sencillez y claridad del racionalismo y el clasicismo, que habían dominado las décadas anteriores, fueron descartadas en favor de la complejidad y complejidad de la dirección de arte progresista - el manierismo [60] [61] .
La muerte inesperada de Enrique II en un torneo festivo en 1559 se convirtió en un punto de inflexión en el Renacimiento francés, sirviendo como catalizador de cambios en todas las esferas de la vida, no solo sociopolíticas, sino también culturales. La arquitectura no fue la excepción. Carlos IX, que accedió al trono en 1560, trató de continuar el camino encaminado a fortalecer el poder real, pero la situación política interna no era propicia para tales aspiraciones. La dinastía Valois ya no podía desempeñar el papel de árbitro en la lucha entre católicos y protestantes. Luego, las ambiciones del monarca se trasladaron al ámbito de la construcción: la familia real inició e impulsó una corriente especial en la arquitectura del Renacimiento tardío, que se distinguió por una escala de obras sin precedentes y resultó ser la más cercana a la normas y principios estéticos del manierismo. Los conjuntos de las Tullerías y Chenonson de Catalina de Medici , Charleval Charles IX se encuentran entre las empresas más ambiciosas de los reyes franceses del siglo XVI, pero su construcción permaneció principalmente en la etapa de proyecto. Programados para coincidir con importantes eventos políticos destinados a fortalecer el poder real, los nuevos conjuntos de residencias solo se conocen hoy en día a partir de los grabados del segundo volumen de Los edificios más bellos de Francia (1579), que provocan mucho debate sobre el grado de su autenticidad. [62] .
La arquitectura francesa durante las Guerras de Religión estuvo dominada por dos arquitectos, Jean Bulland y Jacques Androuet Ducerceau Sr., cuyo trabajo en ese momento era muy diferente [63] .
Casi nada se sabe sobre el trabajo de Jean Bulland en la década de 1560. Aparentemente, el arquitecto cayó en desgracia después de la muerte de Enrique II, ya que era hugonote. Sin embargo, tras la muerte de Delorme en 1570, Bullan fue invitado como arquitecto de la corte de Catalina de Médicis y toda su obra posterior estuvo asociada a la orden de la Reina Madre. En 1572, el arquitecto diseñó un palacio para la reina, conocido como Mansion de Soissons (destruido en 1748). Lo único que sobrevivió del complejo fue la alta Columna de los Medici, que fue utilizada como plataforma de observación por Catalina de Medici y ahora se encuentra detrás del edificio de la Bolsa de Valores (1889). En los últimos años de su vida, Bullan desarrolló dos importantes proyectos de construcción para la Reina Madre, que se realizaron parcialmente. Entre 1575 y 1579, los Medici encargaron a un arquitecto la ampliación del castillo de Sainte-Maur, cuya primera versión fue diseñada por Delorme. El proyecto, conocido por los grabados, implicaba la construcción de un enorme frontón grotesco desde el lado de la fachada frontal, colocado en nueve tramos de la logia y reflejaba el deseo de monumentalidad del arquitecto, que había crecido a lo largo de los años [64] .
El deseo de construir de Catalina de Medici no se satisfizo con la construcción de la mansión de Soissons. En 1576, la reina decidió reconstruir el palacio de Chenonceau, que Diana de Poitiers , favorita del difunto Enrique II, se vio obligada a cederle. Se supone que Bullan también participó en la reestructuración del palacio. Catalina de Medici, que amaba los bailes, la música y las representaciones teatrales, asignó al nuevo Chenonceau el papel de una villa de campo de placer, mientras que la escala de construcción excedía el nivel de una vivienda ordinaria, reflejando las ambiciones de la Reina Madre y sus ideas sobre cómo La arquitectura "real" debería verse. La planta de Chenonceau según el proyecto de 1576 fue única para la arquitectura francesa del siglo XVI: la composición del conjunto era un único eje central que llegaba al castillo a principios de siglo, pasando por el patio-explanada trapezoidal frontal y el patio ovalado situado detrás de él, formado por columnatas arqueadas. En el lado opuesto del castillo, el eje continuaba con el famoso puente-galería sobre el río Cher. De todos los planos, sólo se construyó la parte occidental del patio-explanada y la galería del puente. Este último, por diseño, se parecía a un puente en Fer-en-Tardenois, y el procesamiento decorativo del nivel superior ya mostraba nuevas tendencias en el manierismo. Los frontones de las ventanas del segundo nivel y los paneles en los espacios entre las ventanas formaban un único sistema vertical, que recuerda la división vertical de las fachadas en el castillo de Chantilly. En el interior del palacio se han conservado dos chimeneas que, al igual que las fachadas de la galería, combinaban una estructura compleja y ricos detalles clasicistas de decoración, amados por Bullan. En general, el proyecto de Chenonceau reprodujo muchas de las formas y esquemas arquitectónicos familiares a las villas y palacios romanos y florentinos: la explanada trapezoidal ascendía hasta el patio delantero del Palacio Farnese en Caprarola; pórticos arqueados con columnas que rodean la plaza oval - a los prototipos romanos (el patio inferior del Palacio de Belvedere, Villa Madama y Villa d'Este en Tivoli) [65] [66] .
Jacques Androuet Ducerceau fue empleado por Carlos IX en la década de 1570 y disfrutó del favor de Catalina de Médicis. Se supone que durante la preparación de la publicación "Los edificios más bellos de Francia", el arquitecto redactó dos grandes palacios: Verneuil y Charleval [K 2] . Hoy perdido, Verneuil fue fundado en 1565 por Philippe de Boulainvilliers. En 1568, el palacio pasó a ser propiedad del duque de Nemours, pero la construcción se completó solo durante el reinado de Enrique IV , quien regaló el castillo a Catalina Verneuil en 1600. Una obra más destacada fue el proyecto Charleval, aunque en la práctica los constructores levantaron sólo dos metros de muros y se detuvo la obra. La planta del conjunto palaciego tenía una clara composición regular con un eje central que discurría por el patio delantero, el castillo y el parque. El principio de "celosía" que prevaleció en la construcción fue una de las razones por las que a menudo se compara a Charleval con su contemporáneo mayor, Escorial (1563-1584). Los investigadores estudiaron la naturaleza del procesamiento de las fachadas propuestas de acuerdo con los bocetos sobrevivientes de Ducerceau, de los cuales solo se mostró en su totalidad la fachada interior del patio inferior. Sobre la base de los bocetos, quedó claro que la fachada de la residencia, así como en las Tullerías, debía tener un aspecto lujoso y pomposo [68] [69] .
Un importante monumento arquitectónico de los años 80 del siglo XVI fue la mansión Angouleme en París, más tarde conocida como la mansión Lamoignon (1585-1589), construida para Diane de Chatellerault . El arquitecto del edificio no ha sido identificado. Presuntamente, Baptiste Androuet Ducerso, el hijo mayor de Jacques Androuet Ducerceau, se convirtió en el autor del proyecto. Estilísticamente, el edificio se parecía más a la obra de Bulland que a la de Ducerceau padre, en particular debido al uso de una gran orden de pilastras y buhardillas cortadas en el entablamento. La mansión sigue siendo uno de los edificios urbanos mejor conservados de la Francia de finales del siglo XVI [70] .
puertas
Rústico
Casa Maillard
portal de entrada
La arquitectura provincial de Francia durante las guerras de religión, como antes, estuvo influenciada por la arquitectura de la capital, pero con rasgos locales. En el noreste del país hubo una fuerte influencia flamenca: ejemplos característicos son el ala añadida por Tesson al ayuntamiento de Arras en 1572, y el Salón de los Ancianos en Lille, construido por Faye en 1593. En general, los arquitectos provinciales en ese momento eran aficionados a la decoración lujosa de las fachadas, especialmente con la ayuda de la rústica y los altos relieves. Un ejemplo típico fue el castillo de Pailli en Haute Mare , cuya autoría suele atribuirse a Nicolás Ribonnier de Langres . El decorativismo alcanzó una especial expresividad en Borgoña en las obras de Hugues Samben y su escuela. El ejemplo más famoso fue la casa de Maillard en Dijon (1561), cuya arquitectura demostró la maestría del uso libre de esculturas extrañas en una pequeña fachada. El dominio del rusticismo culminó en el llamado Little Castle en Tan , planta baja estaba adornada con piedras con insólitos motivos de encaje [71]
A la vuelta de los siglos XVI-XVII, la historia de la arquitectura renacentista francesa terminó en su conjunto, aunque en el siglo XVII todavía se estaban creando monumentos arquitectónicos originales: la fachada del edificio del Ayuntamiento en La Rochelle (1607), el diseño de la nueva Place Royale (hoy - Place des Vosges). Sin embargo, la arquitectura francesa ya domina perfectamente las técnicas del Renacimiento italiano y del primer barroco y se ha embarcado en un camino de desarrollo independiente [42] .
En el siglo XVII, la arquitectura del país se desarrolló siguiendo su propia trayectoria, reelaborando las formas arquitectónicas del Renacimiento, yendo hacia la creación de una síntesis local de clásicos y tradiciones nacionales. Esta síntesis se desarrolló en la arquitectura del clasicismo francés, que ocupó un lugar significativo en la arquitectura europea de los siglos XVII-XVIII [42] .
El diseño de la mansión de Jacques Coeur
El diseño del castillo de Amboise
Durante el período de transición de la segunda mitad del siglo XV en la arquitectura de Francia, ni el plan ni la apariencia general de los edificios atestiguaban préstamos del Renacimiento italiano. Nada en el diseño todavía se parecía a las enfiladas italianas: se prestó especial atención a las pequeñas comodidades domésticas, frente al desdén italiano por todo lo que no estaba relacionado con la representatividad. Los cuerpos de servicio en Francia estaban claramente delimitados y alojados en edificios separados conectados por pasarelas y escaleras, que estaban ubicados sin ninguna regularidad o simetría [72] . La característica en este plano fue la casa de Jacques Coeur, cuyo diseño se construyó sobre los principios de cumplir con los requisitos de la vida del propietario. Las formas y tamaños de los locales -salas, antecomedores, iglesias, galerías, cocinas- se diferenciaron de acuerdo con su finalidad. En general, el plan de la mansión estaba lejos de la estricta regularidad y simetría debido a la forma irregular del sitio y los edificios conservados anteriormente. El castillo de Amboise se caracterizaba por una agrupación libre y dispersa de elementos, cuya disposición obedecía a la forma de una pequeña meseta escarpada [73] .
En la primera mitad del siglo XVI se desarrollaron dos tipos de planificación de castillos y hoteles, que estaban conectados por sus raíces con el gótico. El primer tipo, con la presencia de un patio rectangular, construido en tres lados con edificios residenciales, y en el cuarto lado, con una cerca de piedra con portales de gran escala. El cuerpo del local principal estaba ubicado en lo profundo del patio y, a menudo, era más alto que las alas laterales. El segundo tipo - con un patio rectangular cerrado, rodeado por cuatro edificios, con pabellones rectangulares más altos en las esquinas [4] .
La tradición francesa en la disposición de los locales tuvo una influencia decisiva en la planificación de los castillos-palacios renacentistas. Un plan típico tenía la forma de un cuadrilátero, en el que se agrupaban grandes salas de recepción y los pabellones se ubicaban en las esquinas, mientras que cada pabellón era un apartamento separado con sus propias escaleras y salidas. Tal diseño se asoció con la tradición de una actitud delicada hacia los invitados (se observó hasta el siglo XVII). Los apartamentos del propietario no eran diferentes de las habitaciones de invitados: los cuatro pabellones de las esquinas eran exactamente iguales (por ejemplo, en los castillos de La Muette, Chaluo, Madrid) [74] .
El deseo de una planificación regular se manifestó durante el Primer Renacimiento francés. Ejemplos típicos fueron los castillos de Madrid, Chenonceau y Azay-le-Rideau. En el castillo de Madrid, una novedad importante para Francia fue la planta en forma de bloque único, sin patio cerrado, aunque con un foso exterior tradicional. Chenonceau tenía un plan compacto dictado por las características del relieve, y en lugar de varios volúmenes agrupados alrededor del patio, era un edificio único cuadrado, que se convirtió en una nueva palabra en arquitectura [33] [38] .
La evolución de la técnica de diseño del Renacimiento francés condujo a la aparición de un diseño en el que, en lugar de un conjunto central con cuatro pabellones en las esquinas, aparecían cuatro pabellones conectados por cuatro edificios que rodeaban el patio central. Uno de los primeros castillos construidos según este plan fue Ekuan. Más tarde, según el mismo plan, se construyeron el Castillo del Louvre, Saint-Maure, las Tullerías, más tarde Luxemburgo y mucho antes Chambord. Para el grandioso conjunto de este último, se eligió un plan estrictamente simétrico de un castillo simple, similar al plan del castillo de Vincennes construido bajo Carlos V. Cuatro edificios estaban ubicados alrededor de un patio rectangular y se complementaban con torres redondas en las esquinas. La armonía y la simetría casi matemática del diseño del castillo llevaron a los investigadores a la idea de la existencia de un proyecto de construcción arquitectónica, que no se había observado anteriormente en la arquitectura francesa [74] [75] .
El diseño de la rica vivienda de la ciudad continuó las tradiciones de la Edad Media: el patio estaba enmarcado por un edificio residencial, ubicado en las profundidades del patio y los servicios; un ala baja con techo plano generalmente corría a lo largo de la fachada, lo que no bloqueaba la vista del edificio principal. Tal plan tenía el complejo original del Palacio Carnavale [76] .
Los trazados del Renacimiento francés comenzaron a complicarse a partir de mediados del siglo XVI, en la práctica de una pléyade de jóvenes arquitectos. El nuevo enfoque fue característico de Philibert Delorme. El castillo de Ane construido por él era un nuevo tipo de conjunto señorial, complejo en la planificación, pero integral en el diseño arquitectónico y artístico: además de los edificios ubicados alrededor del patio delantero, el plan del conjunto incluía dos patios laterales más y un gran jardín de flores detrás. Toda la composición estaba rodeada por un foso. El plan del Palacio de las Tullerías se distinguió por la diversidad de partes y al mismo tiempo la unidad del todo. Un rasgo característico de esa época fue la ausencia de corredores de conexión: la mayoría de las salas eran de paso y tenían entradas independientes de las galerías. La disposición de las Tullerías en su conjunto estaba sujeta a la simetría formal, y no a la necesidad práctica: el papel principal lo desempeñaba el lado ostentoso de la vida palaciega [77] .
A principios del Renacimiento, la práctica de la construcción en Francia ya había alcanzado un alto nivel de desarrollo y el país no era un estudiante de Italia en este sentido. Los constructores franceses tomaron prestadas formas estilísticas, se vieron obligados a abandonar los elementos estructurales del gótico, pero al mismo tiempo se adhirieron firmemente a algunas tradiciones nacionales y resolvieron una serie de problemas constructivos a su manera: preferían columnas plegadas y dinteles planos a columnas monolíticas y arquitrabes ; los marcos de ventanas y aberturas fueron diseñados para encajar con la pared; durante mucho tiempo se conservaron cruces de piedra de marcos de ventanas, escaleras de caracol, techos altos con lucarnes y chimeneas altas. Así, en términos de forma, los monumentos del Renacimiento francés se acercaron a los prototipos italianos, pero los métodos de construcción en Francia e Italia diferían marcadamente entre sí [78] [79] .
Durante el siglo XVI, el tipo de arquitecto francés cambió drásticamente. En el siglo XV y en las primeras décadas del siglo XVI, los edificios fueron erigidos por maestros contratistas que dominaban el oficio, pero construían según las antiguas tradiciones. A pedido de los clientes, comenzaron a cambiar los detalles decorativos góticos y las formas arquitectónicas a las renacentistas y antiguas. Cuando dominaron nuevas formas, manifestaron en mayor o menor medida "provincialismo y la ausencia de una visión artística amplia". Solo a partir de la década de 1540 aparecieron en Francia arquitectos educados en el sentido moderno de la palabra, que conocían bien la herencia antigua y la arquitectura italiana contemporánea. Asumieron un papel de liderazgo en el diseño y la construcción. Los contratistas maestros han pasado a la categoría de organizadores técnicos e intérpretes [80] .
La característica italiana más típica en la construcción de edificios del Renacimiento francés fue la combinación de ladrillo y piedra. El ladrillo, que había caído en desuso en la Edad Media, se empezó a utilizar de nuevo en el siglo XV, en el primer contacto con la arquitectura de Italia. En Francia, se ha desarrollado una combinación característica de ladrillo y piedra labrada, mientras que los detalles estructurales y decorativos más importantes solían estar hechos de piedra: esquinas, aberturas de marcos, etc. El ladrillo se utilizó principalmente para rellenar paredes. Partes del Château de Blois de la época de Luis XII se construyeron en ladrillo con adornos de piedra, al igual que la mayoría de los palacios italianos. En Saint-Germain y La Muette, por el contrario, las paredes construidas con piedra de escombros finos estaban decoradas con cinturones decorativos de ladrillo [79] [81] .
La piedra, representada en Francia por calizas finas, un material favorito durante el período de la arquitectura gótica, fue ampliamente utilizada en los años posteriores. El compromiso de los arquitectos franceses con el trabajo virtuoso de la piedra, el uso de las propiedades plásticas excepcionales de la piedra caliza francesa -su fuerza, grano fino y ductilidad para el procesamiento escultórico- es un rasgo característico del Renacimiento francés [81] .
El mármol jugó un papel menor en la arquitectura, ya que sus reservas en Francia eran escasas. A veces se traía de Italia [82] .
La madera durante los siglos XV - principios del XVII sirvió como material de construcción para pequeñas casas de pueblo en las zonas donde se distribuían las casas de entramado de madera [78] .
Si en Francia se utilizaron los mismos materiales de construcción que en Italia, entonces no hubo similitud en términos de técnicas de construcción. La técnica característica de Italia, en la que la masa principal del edificio se erigió en mampostería tosca, y luego ya se complementó, se reforzaron los arquitrabes de las aberturas, estantes o cornisas, estaba ausente en la arquitectura francesa. Para la escuela de construcción francesa, educada por maestros medievales, el uso de decoraciones independientes del diseño era inaceptable. Si los arquitectos franceses no hicieron el marco con el mismo material que el relleno, consideraron necesario unir los materiales en un todo con el resto de los elementos estructurales (utilizando shtrab ). En Francia, también se utilizó siempre la colocación en un cabestrillo [83] .
En la Edad Media, solo se utilizaba la colocación de piedras, completamente labradas tanto desde el frente como desde el costado de las camas o costuras verticales. La escultura gótica nunca fue tallada sobre una piedra ya engastada. La práctica de tallar piedras después de su colocación era una tradición puramente romana y sobrevivió solo en Italia, donde era necesario decorar las flautas de columnas que continuaban de una cama a otra, frisos con un patrón continuo o grandes bajorrelieves en todo el campo. de la pared. En consecuencia, esta práctica penetró en la arquitectura de Francia, junto con los detalles que condujeron a su uso, y se difundió muy lentamente en la arquitectura francesa [84] .
Durante todo el período del reinado de Luis XII, la tradición gótica conservó su primacía: casi siempre el ornamento se incluyó con extrema precisión en el marco de una piedra, lo que atestiguaba su ejecución antes de la colocación de los muros. Los primeros de los monumentos arquitectónicos de la época de Francisco I también se construyeron con un anteproyecto de piedras. Esta característica dio a los edificios del Renacimiento temprano una semejanza con la arquitectura gótica [84] .
Mientras que en la arquitectura italiana se abandonó la bóveda de crucería, en Francia siguió existiendo este tipo de construcción en arco hasta mediados del siglo XVI. Todas las bóvedas de Blois y Saint-Germain se construyeron según el modelo gótico, "a la francesa", como escribió Philibert Delorme. La única innovación fue el uso de ladrillos para rellenar el decapado [84] .
El enfoque de la construcción de arcos cambió solo en la era de Philibert Delorme: los arquitectos comenzaron a elegir arbitrariamente una forma más o menos compleja de la bóveda y, en consecuencia, varios tipos de mampostería [84] .
Bóvedas de crucería en la mansión de Jacques Coeur
Bóvedas de crucería de la capilla del castillo de Chenonceau
Bóveda de crucería en el castillo de Saint-Germain. Renacimiento francés temprano
Bóvedas en el castillo de Valence
Las bóvedas artesonadas de las escaleras del Chateau Azay-le-Rideau
Bóvedas cilíndricas y semicúpulas de la capilla del castillo de Ane
Bóveda de la capilla de Annecy-le-Franc
Los muros de entramado de madera, utilizados en los edificios privados franceses y prácticamente desconocidos en Italia, se siguieron construyendo según la tradición de la Edad Media, cambiando únicamente el ornamento [85] .
Las estructuras de cubiertas de madera no sólo repetían la inclinación de los taludes de las cubiertas góticas, sino que comenzaban a construirse con mucha más coherencia que en el siglo XV, según un sistema de cabrios sin bocanadas. La única forma nueva era el techo convexo, cuyo esqueleto estaba formado por círculos gemelos, cohesivos de tablas gruesas, colocados de canto y conectados por pernos. Este tipo de techo fue inventado en Francia por Philibert Delorme [85] .
Los canalones, comunes en la Edad Media, prácticamente no se utilizaron durante el Renacimiento: se podían encontrar en el antiguo Louvre, en el castillo de Pailli y en algunos monumentos posteriores. Por lo general, las tejas exteriores del techo sobresalían más allá de los aleros, dando un escurrimiento directo al agua de lluvia [85] .
Los motivos ornamentales y elementos decorativos de origen italiano, no característicos de Francia, llegaron a la arquitectura y escultura del país solo a principios del siglo XVI, después de las campañas italianas de Carlos VIII y Luis XII. El uso y desarrollo de las formas renacentistas avanzó con bastante lentitud, lo que se considera un rasgo característico del Renacimiento francés: el carácter medieval del arte del país "sobrevivió", liberándose gradualmente del dominio del gótico y conservando solo los elementos del arte gótico. que correspondía a la nueva era [86] [87] .
Algunas formas decorativas de origen italiano aparecieron en el arte de Francia en los últimos años del reinado de Luis XI y la época del reinado de Carlos VIII, siendo más escultóricas que arquitectónicas: la tumba de Carlos de Anjou en la Catedral de Le Mans (1475), el Santo Sepulcro en la Abadía de Solem y en las características de la Capilla Saint-Lazer en la Catedral de Marsella (1480), creado por el italiano Francesco Laurana , invitado entre otros artistas italianos a la corte de René el Bueno en Provenza . Sin embargo, las actividades de estos artistas no tuvieron una fuerte influencia en la cultura francesa, ya que la Provenza en ese momento estaba lejos de los principales centros artísticos del país [88] [89] .
Los grabados y los libros ilustrados traídos a Francia a finales del siglo XV contribuyeron en mayor medida a la difusión de las formas decorativas italianas . Según ellos, los grabadores y editores franceses se familiarizaron con las técnicas decorativas italianas y comenzaron a reproducirlas en sus obras. El libro "Terencio de Lyon" (1493) contenía intentos aún ineptos de representar putti , cornucopia , nichos-conchas de la era del Quattrocento , sin embargo, en las "Horas romanas" publicadas en 1502 en París, las ilustraciones de la decoración italiana se hicieron en un de mayor nivel, aunque combinados con elementos góticos. La edición de la Historia de París (1512) mostró que para entonces la decoración italiana ya había sido bien estudiada y hábilmente reproducida en ilustraciones y grabados, al menos en xilografías [90] .
Durante el período del Primer Renacimiento francés, durante el reinado de Luis XII, aparecen por primera vez en la arquitectura motivos tomados del orden clásico, elemento principal de la decoración renacentista [91] .
El uso de la orden judicial en Francia comenzó a finales de los siglos XV y XVI. Los constructores franceses al principio tímidamente, y luego cada vez con más confianza, combinaron el sistema de orden revivido por los maestros italianos y las estructuras góticas tradicionales. Para ellos, el arte renacentista actuó solo como un sistema decorativo más, que voluntariamente “probaron” en muros de fortalezas, torres, portales góticos y bóvedas [92] . El desarrollo del sistema de orden en la arquitectura francesa se divide en varias etapas [93] :
Cronológicamente, la cadena de ideas asociadas con el uso cada vez más constante de órdenes en Francia se reflejó en la obra "Historia de la Arquitectura" de Auguste Choisy . La ilustración ( Fig. 1 ) muestra bocetos de fragmentos de fachadas con pilastras de dos edificios en Orleans durante el Renacimiento [85] :
En la fachada A llama la atención el aspecto inusual del entablamento con una altura excesiva del friso ( f ) y una altura pequeña de la cornisa que lo corona ( c ) . Tal composición se explica por la adhesión de los arquitectos franceses a la tradición medieval: cada elemento debe tener su propio significado y propósito. Para el arquitecto que realizó el entablamento ( ac ), el nivel inferior del arquitrabe estaba a la altura del suelo; friso - pared del alféizar de la ventana; aleros - un cinturón de un alféizar de la ventana. El sistema de decoración en este caso estaba ligado a la estructura del edificio, que actuaba como una distorsión de las proporciones clásicas. En Italia, tales distorsiones se permitieron solo a principios del Renacimiento, y solo en un caso: en la arcada de las columnas. En Francia, este enfoque se ha convertido en la regla [94] .
Poco a poco, bajo la influencia de la arquitectura italiana, se desarrolló un sentido de las proporciones modulares, los arquitectos comenzaron a negarse a vincular las líneas del entablamento y los elementos estructurales, pero se conservó la tradición de interpretar la cornisa como un alféizar de ventana [95] .
En la fachada B, el arquitecto logró evitar un friso anormalmente agrandado, pero el espacio entre la cornisa ( m ) y el dintel sobre la ventana ( R ) era igual al grosor total del piso y la altura del alféizar de la ventana. Como resultado, quedó una superficie lisa sobre la ventana, injustificada desde el exterior, pero llena de elegantes cartuchos, que suavizaron los errores de diseño [95] .
La segunda imagen indicaba ejemplos anteriores, pero sin detalles decorativos ( Fig. 2 ). En el dibujo A , se presentó un friso: un alféizar de ventana ( f ); en el dibujo B - una superficie lisa ( V ) entre la ventana ( R ) y el entablamento. El dibujo L muestra que más tarde en la arquitectura francesa se hicieron intentos de armonizar las proporciones del orden y los elementos estructurales colocando un estilobato ( S ) entre los pisos, correspondiente en altura a la pared del alféizar de la ventana. La adición de un nuevo elemento al pedido obligó a aumentar excesivamente la altura del piso, por lo que esta técnica se usó solo en edificios monumentales, por ejemplo, en el Louvre. El entablamento como antepecho existió hasta finales del Renacimiento. El dibujo T mostraba tal entablamento en la terraza de las Tullerías, donde hacía las veces de balcón [96] .
Columna, pilastraLos ornamentos escultóricos y los perfiles de las órdenes durante el Primer Renacimiento francés se caracterizaron por la percepción general de la orden en la arquitectura francesa durante ese período. Este último se caracterizó por: falta de atención a las proporciones antiguas, manteniendo un aspecto general italiano; la ligereza y la sutileza del proceso decorativo expresaron su carácter francés. La pilastra utilizada en este período estaba decorada con cenefas y perfilería en forma de diamante (por ejemplo, en el castillo de Chambord). El capitel en el período temprano estaba decorado con el orden corintio , pero se permitieron numerosas variaciones. Este volvió a sentir la influencia del arte gótico, que no permitía la creación de capiteles repetitivos. La uniformidad se introdujo solo cuando la capital adquirió un aspecto completamente clásico. Durante todo el Renacimiento temprano, cada piso fue procesado por un pequeño pedido (entre las raras excepciones se encuentran las cornisas de Ekuan y la puerta del castillo de La Tour d'Aigues). Los primeros edificios decorados con pilastras de gran orden aparecieron recién en la segunda mitad del siglo XVI [97] .
El orden dórico apareció en Francia durante el reinado de Enrique II en la arquitectura de Annecy-le-Franc, Fontainebleau y Écoin; Jónico - en las obras de Philibert Delorme en las Tullerías. Delorme se convirtió en el autor de otra innovación: la llamada orden "francesa" ("orden con tambor"). Privados de la capacidad de tallar una columna o pilastra de un bloque monolítico (tal oportunidad solo existía en Italia, rica en reservas de mármol), los arquitectos franceses utilizaron varios bloques apilados. Para enmascarar las costuras, a Delorme se le ocurrió la idea de cubrir el espacio articular con anillos con adornos. Por primera vez, el arquitecto aplicó un nuevo orden en la capilla del parque de Villers-Cotret; en la década de 1560 - en las Tullerías. Pierre Chambige usó el mismo tipo de mampostería columnar en el ala del Louvre, que sirve como base para la galería Apolo . Delorme también inventó el orden jónico "francés" para Catalina de Médicis, usándolo en las fachadas del ala oeste de las Tullerías. La orden se distinguía por la libertad y la fantasía propias del manierismo (en aquella época, la tradicional orden vitruviana jónica parecía insuficientemente elegante) [98] [99] [100] .
En el período del Renacimiento tardío, una técnica común fue la sustitución de columnas y pilastras de orden con una de las formas de soporte vertical: cariátides o hermas . Jean Bulland colocó cuatro hermas enormes, que representan dioses romanos, en la fachada frontal del proyecto de reconstrucción del castillo de Chenonceau. Herma, con la figura de coronación de Hércules, estaba presente en uno de los bocetos de Charleval [101] .
PERO
B
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La ilustración ( Fig. 4 ) muestra en sección varios ejemplos de entablamento y cinturones del Renacimiento francés [98] :
Los perfiles comenzaron a tomarse prestados de las órdenes clásicas a partir del reinado de Francisco I. Todos ellos tenían el tipo corintio como prototipo, pero diferían en una característica que no se encontraba en los ejemplos ni en las muestras antiguas ni en las italianas: en todos los edificios antes 1540, la superficie inferior de la cornisa ( n en el dibujo C ) permaneció plana [102] .
Con el inicio del uso de la cornisa clásica por parte de los arquitectos franceses, desapareció el cuentagotas, que fue un rasgo característico del primer Renacimiento francés. La función técnica del goteo era desviar el agua de lluvia de la superficie de los muros; puede haber sido redundante para una cornisa de coronación cubierta por el borde de un techo saliente, pero siguió siendo útil en los cinturones entre pisos. Sin embargo, en Fontainebleau, en las partes antiguas de Écoin, como en otros edificios del período de Francisco I, no había goteo (solo se utilizaron perfiles tipo C ). Una cornisa con goteo reapareció no antes de la construcción del Palacio del Louvre por Pierre Lescaut, y bajo Enrique II su presencia se convirtió en una regla general (dibujo D ) [102] .
Un rasgo característico del Renacimiento francés fue la sustitución de las pilastras por espátulas rústicas , que siempre se amarraban a los muros de mampostería con shtrabs. Esta técnica decorativa se utilizó en el castillo de Blois, en todos los edificios de la época de Luis XII [102] .
Por primera vez, Pierre Lescaut aparentemente usó hileras de piedras sobresalientes como almohadillado en el Palacio del Louvre. Las esquinas de las fachadas exteriores de la estructura se acentuaron con grandes piedras, que se destacaban en filas regulares contra el fondo de paredes lisas. En el Palacio Lineri (Carnavale), Lesko decoró toda la fachada con un alisado desigual [102] . En la década de 1550, el arquitecto utilizó un poderoso rusticado romano para decorar las fachadas del Palacio Valleri. Desde el lado del patio, la mampostería consistía en bloques lisos y planos, desde el frente, desde convexo, procesado para que pareciera piedra natural. El rusticado del palacio confería al edificio un aspecto austero e inexpugnable, siendo una especie de recuerdo de los castillos medievales [103] .
Philibert Delorme también utilizó rústico. En la década de 1540, decoró el palacio de Saint-Maure con poderosas pilastras rústicas. En París, el arquitecto construyó su propia casa en un estilo rústico, cercano al estilo del Palacio Valleri de Pierre Lescaut [104] .
Bajo Carlos IX, la rusticación se convirtió en el motivo principal para decorar las fachadas de Charleval. Casi al mismo tiempo, el motivo rústico se encontró en el castillo de Paii, donde el ancho de las hileras de mampostería disminuyó desde la base hasta la parte superior del edificio, creando la ilusión de gran escala, que recuerda a los palacios florentinos [105] .
Mansión Escipión en París
Portal rústico del Hotel Carnavale
Palacio Valleri
Los edificios supervivientes del castillo de Monceau
Castillo de Clos-Luce
Oxidado del castillo de Tanlay
Si en Italia los marcos de puertas y ventanas eran esencialmente marcos de piedra insertados en la abertura de la pared, entonces en Francia los marcos estaban conectados en un solo todo con la estructura completa. El racionalismo italiano no exigió representar una conexión técnicamente inexistente entre el revestimiento y el cuerpo del muro. En Francia, a su vez, por las mismas razones, fue necesario identificar esta conexión. De esto siguió una diferencia significativa en la apariencia de las aberturas entre las dos escuelas arquitectónicas: los marcos de piedra italianos no estaban asociados con paredes de mampostería; Francés - fueron contactados por shtrabs [106] .
Decoración de jambasLa puerta en el Renacimiento francés se solía trabajar en forma de arco con pilastras, decorada con detalles escultóricos o rematada con un frontón [106] .
El Renacimiento italiano temprano permitió la decoración de ventanas con arcos emparejados inscritos en un marco semicircular. El Renacimiento francés, que se desarrolló en un momento en que esta forma decorativa ya estaba cayendo en desuso en Italia, conservó en los edificios de las iglesias tanto las aberturas pareadas como las barras ramificadas de los marcos de las ventanas [106] .
En la arquitectura secular, las ventanas tenían arquitrabes predominantemente rectangulares. La división del vano se lograba con la ayuda de encuadernaciones cruciformes, que facilitaban el acristalamiento y daban la escala necesaria [106] .
Comunicación de arquitrabes de diferentes pisos.Los marcos de las ventanas en el Renacimiento francés tenían la apariencia de marcos aislados, mientras que los marcos de las ventanas en diferentes pisos estaban coordinados entre sí. El sistema de decoración de ventanas verticales que se estaba construyendo se completaba con un alfalfa. Juntas, todas las partes formaban un motivo ornamental continuo, partiendo del suelo, atravesando la cornisa y llegando al techo [107] .
El origen de este motivo vertical se encuentra presumiblemente en la arquitectura gótica temprana, en la que se practicaban vanos después de la construcción de los muros. En lugar de perforar agujeros en cada piso, era más fácil atravesar toda la pared, hacer una abertura vertical desde los aleros hasta el nivel del suelo y luego instalar marcos de piedra en ella [108] .
Hojas de puertas y hojas de ventanasLas hojas de las puertas, según la tradición medieval, consistían en pequeños paneles, enmarcados con barrotes perfilados, que, si era posible, no estaban conectados en un bigote. Hasta el final del reinado de Francisco I, hubo lienzos de puertas procesados como cortinajes [108] .
Los marcos de las ventanas tenían encuadernaciones cruciformes y se suministraron con un reflujo inferior desde principios del siglo XVI. El acristalamiento, como en el período gótico, consistía en piezas de vidrio insertadas en un delgado marco de plomo. La lámina de vidrio se utilizó por primera vez en la construcción del castillo de Ane, pero todavía estaba engastada en plomo [108] .
El vidrio durante el Renacimiento estaba coloreado, pero ligeramente para no interferir con la iluminación. Se dibujó un borde alrededor de cada pieza de vidrio; en el centro se colocaba un cuadro, generalmente un escudo heráldico , pintado en colores claros [108] .
Ventanas abuhardilladas (lucarnes)La lucarna es un invento de la arquitectura gótica que se difundió en la Edad Media en Francia y en los países del norte de Europa, ya que el clima lluvioso de estos estados requería la presencia de cubiertas con fuertes pendientes (las cubiertas planas italianas no tenían buhardillas) [108 ] .
Puedes seguir la evolución de las formas y la decoración escultórica de los lucarnes en el Renacimiento francés tomando como ejemplo el castillo de Ekuan. Las dos primeras imágenes ( A y B ) muestran lucarnes que datan de la época de Francisco I y se caracterizan por una arquitectura extraña y cambiante de su tiempo, que requiere una variedad de opciones (el lucarne en cada vano tenía su propia decoración escultórica) [109 ] .
Las dos segundas imágenes ( C y D ) muestran lucarnes de dependencias construidas bajo Enrique II. Se caracterizaron por un tipo único, una forma arquitectónica establecida, en la que el arte de combinar transiciones y contrastes alcanzó gran destreza. En esta versión, las escotillas eran las mismas en todos los vanos [110] .
A
B
C
D
Las chimeneas del Renacimiento francés eran estructuras arquitectónicas completas, en las que la composición del conjunto de chimeneas heredaba las tradiciones de la Edad Media, y los detalles decorativos se tomaban de un conjunto de formas arquitectónicas italianas (chimeneas del castillo de Saint-Germain y Ekuan ). El tipo general del conjunto de la chimenea francesa se veía así: impresionantes capiteles rectos se colocaban sobre postes, que a menudo tenían forma de cariátide, y una pared cubierta con tallas de piedra ocupaba toda la altura del piso [110] .
Una característica distintiva de la chimenea francesa era la chimenea alta (en la arquitectura italiana, con sus techos planos, no había necesidad de elevar las chimeneas por encima del techo). Así, el elemento decorativo en forma de chimenea alta en la arquitectura francesa fue consecuencia del predominio de una cubierta fuertemente inclinada [110] .
El tratamiento decorativo de la chimenea alcanzó una gran elegancia: en su superficie se colocaron cartuchos, coronados con un casquete diseñado de tal forma que impedía que el viento empujara el humo hacia la chimenea [111] .
La disposición técnica y la decoración de las escaleras del Renacimiento francés estuvieron fuertemente influenciadas por las tradiciones medievales. Los arquitectos prefirieron en mayor medida el tipo de escalera de caracol, mientras que las escaleras con tramos rectos fueron más bien una excepción (uno de los primeros ejemplos es la escalera de Chenonceau). El tipo de escalera de caracol se desarrolló durante el período de la arquitectura gótica, cuando la defensa de los castillos requería que los constructores ahorraran espacio. Como resultado, las escaleras del castillo eran bastante estrechas. Solo en el Renacimiento adquirieron una apariencia majestuosa: se erigieron grandiosas escaleras de caracol en Chateaudun , Blois, Saint-Germain [111] .
El desarrollo de la arquitectura de escaleras durante el Renacimiento francés temprano estuvo influenciado por las actividades de diseño de Leonardo da Vinci. El conocimiento de los franceses con su obra comenzó mucho antes de su llegada a Francia, y el más importante de ellos fue el proyecto del palacio de Charles d'Amboise en Milán , en el que la escalera principal fue de particular importancia, a la que Leonardo prestó atención. atención especial. En el proyecto, ocupó el papel del vestíbulo principal, lo que era contrario a la práctica de los arquitectos italianos, que creían que las escaleras violaban el plan de construcción. El interés de Leonardo por este elemento constructivo y sus experimentos con él fueron de gran importancia para el desarrollo de la arquitectura francesa en el futuro [112] .
La innovadora solución técnica de las escaleras del palacio de Charles d'Amboise con dos rampas paralelas que conducen directamente a la planta principal dio lugar a una serie de imitaciones en la arquitectura francesa de la primera mitad del siglo XVI. Esbozada en el siglo XVII por André Félibien , la escalera de la maqueta de madera del castillo de Chambord, cuya autoría se atribuye a Domenico da Corton, repetía exactamente la versión de Leonardo en el proyecto de 1506, como mostró Jean Guillaume. La escalera del modelo Chambord, a su vez, se convirtió en el prototipo de varias escaleras del castillo de la década de 1530: Chalouot, La Muet y el Patio Oval de Fontainebleau [112] .
La escalera del patio del ala noroeste de Blois se convirtió en la principal decoración de la fachada del edificio. Se colocó en un volumen separado, más allá de la línea del muro, que encajaba en el marco de la tradición francesa, pero su solución constructiva fue innovadora: los constructores conservaron únicamente las estructuras portantes de la torre octaédrica - soportes y contrafuertes, dejando espacios abiertos entre ellos. Desde el exterior, se asemeja a un balcón escalonado, decorado con balaustres, pilastras medallón, iniciales talladas de Francisco I y salamandras . El tratamiento decorativo de las escaleras se caracterizó por un claro “miedo al vacío”: todo el espacio de la varilla entre las varillas estaba ocupado por finas tallas y conchas [113] .
El elemento estructural principal del interior del castillo de Chambord, la escalera de caracol principal, se dispuso en forma de dos espirales independientes, que en paralelo giraban alrededor de una varilla y conducían a la terraza. Una parte de las escaleras servía para el ascenso, la otra para el descenso. La escalera estaba abierta por ambos lados y conducía desde el exterior a las viviendas, y desde el interior a una barra hueca, iluminada por una linterna de luz. El tratamiento decorativo de la escalera era más estricto que en muestras anteriores del Renacimiento francés: la superficie estricta acentuada de la piedra lisa permitía ver claramente la construcción [111] [114] .
Escalera de Châteaudun
Escalera del castillo de Blois, ala Francisco I. Exterior
Escalera del castillo de Blois, ala Francisco I. Interior
Escalera central del castillo de Chambord
Escalera en Chenonceau
Escalera de Enrique II. palacio del louvre
La escalera de la mansión Lyon-Noir en Troyes. Entre 1560-1570
Los paneles de las paredes se hicieron en la tradición gótica, como puertas de madera: el plano del panel se dividió en numerosos paneles pequeños [111] .
Los techos durante el reinado de Luis XII y Francisco I eran principalmente un sistema de vigas y vigas vistas. El revestimiento rara vez se usaba y, por lo general, repetía la ubicación de las vigas [111] .
Al final del reinado de Francisco I, los primeros adornos de estuco y patrones de carpintería para grandes paneles de techo llegaron de la arquitectura italiana a la francesa. Los adornos de techo de estuco estuvieron ampliamente representados en la arquitectura de las habitaciones de Fontainebleau. En el Palacio del Louvre, en las cámaras de Enrique II, se presentó la interpretación de los maestros franceses de la idea italiana de decorar el techo con artesonados anchos y profundos [111] .
El carácter general del perfilado del Renacimiento francés se distinguía por las siguientes características [111] :
Entre los elementos comunes destacaron con especial frecuencia la oca y el tacón , que también se utilizaron en la Edad Media, pero en la arquitectura del Renacimiento tomaron formas radicalmente diferentes. El siguiente más común fue una gran muralla bordeada por rodillos, que estaba ausente de la arquitectura medieval francesa y apareció solo en los últimos años del reinado de Francisco I [115] .
El ornamento escultórico del período de transición de la segunda mitad del siglo XV era de carácter puramente gótico, pero ya estaba conectado con escenas de la vida real. Un ejemplo típico fue la decoración de la mansión de Jacques Coeur: un maestro desconocido colocó dos ventanas falsas en la fachada del edificio principal, desde las cuales se asomaban las esculturas de un hombre y una mujer, como si miraran la vida en la calle. Se utilizó una técnica similar en el procesamiento decorativo de una de las chimeneas en la galería norte: varias ventanas falsas en el plano de la chimenea se decoraron con personajes en trajes modernos de la época, y se colocó un cinturón de medallones sobre estas ventanas . con escenas paródicas de un torneo campesino . Algunos relieves, rarísimos para la época, estaban vinculados a la función del local: en las escaleras de la capilla se colocaban escenas de la preparación de la misa ; sobre la entrada a la cocina hay una imagen de un gran caldero con una tetera, un cocinero al asador y un cocinero machacando especias. Un tipo de motivo de decoración más común se asoció con las actividades del dueño de la casa: relieves con una palmera y un naranjo (un indicio de las relaciones comerciales con el Levante ): las conchas son los emblemas de San Jacobo , el celestial patrón de Coeur; corazones dobles (un símbolo de conexión matrimonial) [116] .
Mansión de Jacques Coeur
Mansión de Jacques Coeur
Mansión de Jacques Coeur
Mansión de Jacques Coeur
Mansión de Jacques Coeur
Mansión de Jacques Coeur
Desde mediados del siglo XV, la naturaleza de la escultura en la arquitectura religiosa, sujeta a tendencias realistas, comenzó a cambiar. Junto a las imágenes tradicionales, aparecieron otras nuevas: santos que se preocupaban por la salud, la seguridad y la buena suerte en los negocios y el comercio. Fueron colocados libremente en varios grupos en las fachadas de las catedrales. Para capillas, hornacinas de casas y altares de abadías, la imagen de San Roque con un perro y San Antonio con un león (protectores de la muerte súbita), San Cristóbal (patrón de los viajeros), Cosme y Damián (patrones de médicos), San José (protector de los carpinteros) se vuelve típico. Tales esculturas se distinguían por rasgos toscos, gestos ordinarios y vestimenta moderna. Las estatuas de San Jorge o San Miguel lucían más sofisticadas , ataviadas con armaduras de torneo. Una nueva tendencia fue la representación más alegre de los ángeles , cuyas alegres figuras pueden verse como el equivalente francés de los putti italianos [117] .
El estilo de decoración escultórica del primer Renacimiento francés de la época de Francisco I correspondía a la fina ornamentación del primer Renacimiento italiano. Los gustos de esa época se ilustraron más plenamente con los ornamentos de las puertas del castillo de Gaillon y de la tumba de Luis XII [118] . Pilastras ornamentadas, medallones con imágenes de pechos, pequeños motivos varios, cariátides, hermas, balaustres, arabescos , delfines, bukranii y quimeras fueron muy utilizados. Los elementos grotescos del ornamento, figuras que se convirtieron en rizos vegetales, se colocaron entre el patrón vegetal sin una simetría estricta. Todos estos elementos fueron realizados en muy bajorrelieve , en contraste con la decoración pétrea del gótico flamígero [119] .
Michel Colombe es considerado el mayor escultor de principios del siglo XVI , entre cuyas principales obras se encuentran la tumba de los padres de la reina Ana de Bretaña en Nantes (1508), y el relieve de S. Jorge luchando contra el dragón (1509). Este último, encargado por Colombe para Georges d'Amboise para el castillo de Gaillon, copia claramente el estilo italiano, que se expresa en el marco del relieve con pilastras y cornisas grotescas en el espíritu de la ornamentación renacentista italiana. En la arquitectura de Gaillon, el ornamento gótico en su conjunto dio paso a formas escultóricas renacentistas. En un estilo similar, muchos castillos fueron decorados en la primera mitad del siglo XVI: Ussé , Chenonceau, de Lude, Valençay, Beauregard, Chantilly y otros. Sus espacios internos y externos estaban cubiertos con pilastras de piedra, medallones, relieves con figurillas de niños y guirnaldas de flores [120] . La decoración escultórica adquirió una expresividad especial en el ala de Francisco I del castillo de Blois. Tallas de piedra cubrían todo el espacio de las fachadas: delicados grutescos decoraban las pilastras; salamandras coronadas (el emblema del rey) aparecieron en las paredes; figuras femeninas adornaban los pilones de las escaleras ; detalles antiguos cubrían la cornisa; en las hornacinas de los frontones se colocaban figurillas infantiles [121] .
Tumba de Luis XII
"S t. Jorge luchando contra el dragón (1509)
Medallón. Castillo de Lud.
Altorrelieve de la serie "Los trabajos de Hércules". Fachada de la logia del castillo de Blois
Salamandra coronada. Castillo de Blois
Relieves de salamandras y monogramas de Francisco I. Chateau de Chambord
La decoración escultórica del Renacimiento francés se desarrolló gradualmente, su apariencia cambió drásticamente: los escultores comenzaron a utilizar principalmente motivos antiguos y renacentistas: ovs , hilos de perlas, brotes de plantas, cornucopias, cabezas de león, delfines. La reestructuración del castillo de Fontainebleau y la escuela de arte formada allí hicieron una contribución especial al desarrollo de la habilidad escultórica. Para decorar los locales de la vasta residencia del rey, fueron invitados los italianos Rosso y Primaticcio, a los que se unió un gran número de maestros franceses de diversas profesiones. La escuela francesa de escultura tridimensional realista se fundó aquí en las nuevas formas del Renacimiento italiano. Una de las innovaciones de la escuela de Fontainebleau fue la escultura de yeso de Rosso, utilizada en el diseño de la galería de Francisco I, que causó una gran impresión en sus contemporáneos: cartuchos , guirnaldas de frutas, medias columnas con figuras alargadas que recuerdan a las de Miguel Ángel. las imágenes se entrelazaban en su yeso. En la decoración del castillo, Rosso fue el primero en utilizar una combinación de frescos y marcos escultóricos de estuco. El enfoque de Primaticcio sobre la decoración escultórica difería del de Rosso. En sus obras -la galería de Ulises, las habitaciones de la duquesa d'Etang, la decoración del vestíbulo del pabellón Golden Gate, la tapa de la chimenea en el salón de Francisco I- había "más sofisticación y gracia fría". " En general, las imágenes de esfinges aladas , figuras humanas rodeadas de guirnaldas y otros elementos decorativos de los interiores de Fontainebleau daban la impresión de un lujo algo pesado [122] [123] .
Escultura de la Galería Francisco I
Escultura de la Galería Francisco I
Escultura de la Galería Francisco I
Escultura en las antiguas cámaras de la duquesa d'Etang
Escultura del Pabellón Golden Gate
Ornamentos escultóricos del salón de baile de Fontainebleau
La escuela francesa de decoración escultórica floreció durante la construcción del Palacio del Louvre, en las obras de Jean Goujon y Paul Poncet [118] . En 1549, Goujon creó la famosa Fuente de los Inocentes, que estaba decorada con elegantes bajorrelieves; la forma original de esta obra de arte fue mucho más allá de la imitación de los artistas italianos y de la antigua Roma [124] . La fachada occidental del Louvre se construyó en forma tosca en 1555 y al mismo tiempo recibió un diseño escultórico, que se distinguió por una combinación de arquitectura y escultura de "armonía asombrosa". La decoración ornamental y escultórica se concentró originalmente en los marcos de las ventanas del tercer piso y en los planos de los risalits (las estatuas redondas aparecieron mucho más tarde); las ventanas redondas sobre las entradas están decoradas con esculturas simbólicas y los frontones están cubiertos con magníficos relieves [125] . En el primer piso había figuras de mujeres - alegorías de la Gloria; ornato floral cubierto de cartuchos, frisos y claves de nichos arqueados; los planos de las paredes estaban decorados con los monogramas del rey Enrique II y Diana de Poitiers. En el segundo piso se colocaron esculturas antropomorfas y zoomorfas. El friso del segundo piso a lo largo de toda la fachada estaba decorado con una guirnalda con las iniciales y escudos del monarca, que estaba sostenida por putti. El ático, repleto de relieves de figuras de guerreros y cautivos, deidades de la mitología griega antigua e imágenes de trofeos militares, era especialmente pomposo. Las cornisas se cubrieron con finas tallas, en las que se presentaba una gran variedad de ornamentos clásicos: “consolas talladas, artesonados con rosetones, palmetas, mascarons, desagües, frisos con ovs, hojas y puntas de lanza”. El conjunto estaba coronado por un friso ornamental con monogramas. En general, la fachada del Louvre fue un manifiesto de la nueva arquitectura nacional francesa, reflejando los puntos de vista de los arquitectos sobre cómo debería ser la síntesis de las tradiciones locales y el patrimonio antiguo. El diseño de la fachada del Louvre desempeñó un papel decisivo en el desarrollo de la decoración escultórica en Francia en los siglos siguientes [126] .
Relieve que representa a Ceres
Relieve que representa a Arquímedes
Relieve que representa a Belonna
"Alegoría de la guerra"
Monograma de Enrique II
Relieve que representa a Marte
Relieve que representa a Minerva
Relieve que representa a Euclides
La escuela escultórica de Delorme y Chambige alcanzó un alto nivel de desempeño, lo que fue considerado una "muestra de sofisticación", abordando con particular cuidado el procesamiento de ornamentos ocultos en la sombra. La escultura de las Tullerías, la pequeña galería del Louvre, la valla de la iglesia de Saint-Etienne en Monet, construida bajo Enrique IV [118] eran del mismo nivel alto . La posterior publicación de álbumes de grabados populares contribuyó a la introducción generalizada de motivos antiguos en la segunda mitad del siglo XVI. Sin embargo, los artistas franceses no se limitaron a interpretar exclusivamente motivos romanos antiguos. Un papel importante en el desarrollo de la decoración escultórica lo desempeñaron colecciones como El libro de los grotescos de Jacques Androuet Ducerceau, publicado en 1566. Desde mediados del siglo XVI, la escuela de Fontainebleau tuvo una influencia muy grande en la arquitectura de la provincia. Los artistas flamencos que no se habían formado en Italia se unieron con entusiasmo a la escuela de Fontainebleau y comenzaron a trabajar al estilo francés. Un ejemplo sorprendente de la influencia de Fontainebleau fueron los marcos de las ventanas de la mansión Milsan en Dijon (1561), que imitaban los relieves de estuco del palacio. A lo largo de este período se difunden una serie de elementos decorativos, entre los que se encuentran mascarones, cariátides, figuras de genios convertidas en follaje, composiciones ornamentales con un medallón ovalado en el centro [124] .
Sin embargo, la escultura francesa con el tiempo comenzó a experimentar una fuerte influencia del manierismo, expresada en "exageraciones, montones, caprichos". Un ejemplo típico fueron los adornos de cartuchos, imitando rollos de cuero, que aparecieron al final del reinado de Enrique II [118] .
Para conseguir contrastes cromáticos, el primer Renacimiento francés permitió, junto a la combinación de ladrillo y piedra, el uso de mosaicos de pizarra. Un ejemplo sorprendente son los paneles de pizarra negra inscritos en marcos de piedra blanca en el castillo de Chambord [118] .
Las fachadas del Castillo de Madrid se cubrieron con azulejos vidriados realizados por el maestro italiano Andrea della Robbia. Bajo Maria Medici, las incrustaciones de mármol rojo y negro comenzaron a usarse en la construcción de los edificios del Palacio del Louvre [118] .
En la decoración interior, se generalizaron las vidrieras decoradas con escudos de armas, azulejos de cerámica vidriada, alfombras mullidas hechas en Flandes o Reims, cueros italianos corrugados, decoraciones de estuco, frescos o pinturas al óleo, en su mayoría realizados por maestros italianos. Los detalles decorativos de la decoración interior eran de origen francés en la menor medida [118] .