Roussel, Alberto

Alberto Roussel
Albert Charles Paul Marie Roussel
información básica
Nombrar al nacer inglés  Albert Charles Paul Marie Roussel
Fecha de nacimiento 5 de abril de 1869( 05/04/1869 ) [1] [2] [3] […]
Lugar de nacimiento Tourcoing (Departamento de Nord , Francia )
Fecha de muerte 23 de agosto de 1937( 23 de agosto de 1937 ) [4] [1] [2] […] (68 años)
Un lugar de muerte Royan (Departamento de Charente-Maritime , Francia)
enterrado
País  Francia
Profesiones compositor , educador musical
Instrumentos piano
géneros ópera y sinfonía
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Albert Charles Paul Marie Roussel ( fr.  Albert Charles Paul Marie Roussel ; 5 de abril de 1869  - 23 de agosto de 1937 ) fue un famoso compositor francés del primer tercio del siglo XX .

Habiendo comenzado su vida como guardiamarina en buques de guerra de larga distancia, se convirtió en músico profesional muy tarde (solo a la edad de cuarenta años). Hay muy pocos artistas en la historia del arte cuya ética de vida y obra se acerque a un código de moralidad y honor tan duro , que Roussel siguió con constancia durante toda su vida. El reconocimiento lo recorrió muy lejos, pero en toda su vida no dio un solo paso que dejara caer su propia dignidad para acelerar este camino.

La trayectoria creativa de Albert Roussel se caracterizó por una constante búsqueda de un estilo propio en el intrincado laberinto de las corrientes artísticas de la Francia musical de principios del siglo XX . Habiendo pasado sucesivamente por la influencia de Wagner y Franck , luego por la fascinación por el impresionismo de Debussy , el exótico orientalismo y, más tarde, la dura vanguardia de Stravinsky y la politonalidad de Milhaud , Albert Roussel, impresionado por el ejemplo de Eric Satie . Las composiciones tardías de , terminaron su viaje como el neoclásico más destacado de la música.

En los años treinta del siglo XX, Albert Roussel ocupó el lugar de un líder generalmente reconocido y respetado entre los compositores franceses.

Biografía aún no es compositor

Albert Charles Paul Marie Roussel nació el 5 de abril de 1869 en la ciudad de Tourcoing (Departamento del Norte de Francia, limítrofe con Flandes ) en el seno de una familia de ricos fabricantes franceses, comerciantes textiles . El apellido Roussel era tan conocido como rico: generación tras generación, los Roussel eran burgueses educados y cultos, que participaban activamente en la vida social y política de su provincia e incluso de Francia en su conjunto. Así, el tatarabuelo de Albert Roussel fue diputado del tercer estado en los Estados Generales de 1789 y votó a favor de la ejecución de Luis XVI . Más tarde, ya bajo la Convención , se desempeñó como Ministro de Guerra, y después del 18 Brumario  abandonó la actividad política y volvió a su provincia, lo que, quizás, le salvó la vida [5] . El abuelo de Albert Roussel, el respetado jefe y propietario de una fábrica textil, fue alcalde permanente de la ciudad natal de Tourcoing durante los últimos 30 años de su vida .

Pero, a pesar de la riqueza y la fuerte posición de su familia, el pequeño Albert Roussel tuvo una infancia difícil. Quedó huérfano muy temprano , habiendo perdido a su padre en la infancia, ya su madre a la edad de siete años. Durante otros cuatro años vivió en la familia de su abuelo, quien en esos años ocupaba el cargo de alcalde de su ciudad natal de Tourcoing. Pero cuando Albert tenía once años, también murió su abuelo [6] . Albert pasó cuatro años más en la familia de su tía  , la hermana de su difunta madre. A pesar de la actitud cariñosa y atenta de sus familiares, el niño se sentía solo y dedicaba todo su tiempo libre a la lectura y las fantasías. Su autor favorito es Julio Verne , quien despertó su curiosidad y ganas de viajar. Además, pasaba casi todos los veranos en un balneario de Bélgica . Quizá todo esto en conjunto fue despertando en él poco a poco el amor por el mar y, al final, despertó el deseo de convertirse en marinero militar. Al mismo tiempo, a Roussel le gustaban las matemáticas y otras ciencias exactas. Además de sus estudios universitarios , Roussel estudió piano en casa , evocando invariablemente el deleite de un anciano maestro, organista de la iglesia local de Notre Dame, con su musicalidad y susceptibilidad.

Solitario, desbordado por la pérdida de la infancia de sus seres queridos, sin embargo, no paralizó la psique de Albert Roussel, sino todo lo contrario. Desarrolló en sí mismo y conservó hasta el final de su vida altos y duros principios morales , así como una extraordinaria resistencia, autodisciplina y moderación, que lo distinguieron favorablemente de la mayoría de los artistas contemporáneos y despertaron el respeto inquebrantable de quienes lo rodeaban.

A la edad de quince años, Roussel fue a París para completar su educación secundaria en el Lycée Stanislas. Entre sus maestros se encuentra el célebre historiador de la literatura francesa René Dumik , y entre sus compañeros se encuentra Edmond Rostand , el futuro poeta y dramaturgo [5] .

1887 , después de recibir un certificado de matriculación, Roussel se presenta a un examen en la Escuela superior naval. Entre seiscientos candidatos, fue aceptado por concurso - el decimosexto . Sin embargo, el futuro oficial naval intenta no olvidarse de la música. Mientras cumplía su práctica navegando a través del Atlántico en la fragata de vela " Melpomene " (un nombre bastante sintomático ) , Roussel organiza una pequeña orquesta y un coro de aficionados de guardiamarinas , que acompañan las misas dominicales con su propia música, un poco especial. Es curioso que, en aras de cierta “variedad”, Roussel inserte en el acompañamiento de la misa algunas de las melodías que recordaba de su vida parisina, por ejemplo, la marcha real de “La Belle Helena” de Offenbach [5 ] .

Después de ser ascendido a oficial, Albert Roussel fue asignado primero al crucero Pobedel, y luego a la cañonera Styx , en la que realizó un largo viaje por los mares del sur en el Lejano Oriente. En 1889-90 , Roussel fue miembro de la tripulación de la fragata Ifigenia y participó en una expedición alrededor del mundo. Las primeras composiciones de Roussel datan precisamente de esta época: " Fantasía " para violín y piano , y luego " Andante " para violín, viola , violonchelo y órgano . Mientras trabajaba en estas piezas, Roussel tuvo la oportunidad de convencerse del desconocimiento de las reglas más elementales de la composición musical . A pesar del autoaprendizaje del libro de texto de armonía de Durand , Roussel se sentía como una completa diletante en la música .

Fue empujado a una carrera profesional por un accidente o una broma de un amigo en el servicio naval. Una vez, cuando Roussel estaba tocando sus piezas al piano en la sala de oficiales , uno de sus colegas, el hermano de un famoso cantante de ópera, estando de buen humor, se ofreció voluntario para mostrar sus composiciones a su hermano y otros profesionales. Seis meses después, al regresar de vacaciones, un colega le dijo a Roussel que sus obras habían causado una gran impresión, y que el venerable hermano aconsejó a Roussel que se dedicara seriamente a la música... Muchos años después, cuando Albert Roussel ya se había convertido en un famoso compositor . , esta historia se desarrolló de repente. Un viejo amigo confesó que mientras estaba de vacaciones simplemente olvidó su promesa, sin mostrar las obras de teatro de su hermano Roussel. Sin embargo, para entonces la escritura ya estaba hecha. Roussel se convirtió en un reconocido y respetado músico profesional , compositor y profesor de polifonía .

En 1894 , al regresar a Francia de un largo viaje, Albert Roussel recibió unas largas vacaciones, que pasó con sus familiares en Roubaix . Decidió dedicar todas sus vacaciones a estudiar los fundamentos de la teoría musical . Con una solicitud para darle clases particulares, se dirigió al director del conservatorio de Roubaix, Julien Coszul , un experimentado y famoso organista de la escuela Niedermeier . Después de hojear las primeras experiencias creativas del joven oficial, Koszul lo instó a ir a París y mostrarle las composiciones a Eugène Gigue , profesor de polifonía y composición en la escuela Niedermeier. Sin pensárselo dos veces, Roussel siguió el consejo de Koszul y recibió una crítica muy favorable del profesor parisino. Creyendo en las altas calificaciones y recomendaciones de Koszul y Gigue para tomarse la música en serio, Roussel finalmente decidió dejar el servicio en la marina . Roussel se retiró en septiembre de 1894. Eugène Gigoux dijo más tarde de uno de sus mejores alumnos, Roussel, que "está dotado de un verdadero genio de la fuga" [5] .

Albert Roussel decidió inusualmente tarde elegir una carrera como músico profesional. Hasta los 25 años sus estudios estuvieron muy alejados del arte . Al igual que Rimsky-Korsakov , pasó toda su primera juventud como guardiamarina en campañas en mares lejanos. Pero luego, incluso mientras enseñaba o componía música, Roussel conservó y trasladó a su obra la afición por el mar, los viajes y el exotismo de países lejanos hasta el final de sus días. Y aunque ninguna de sus obras musicales contiene imágenes marinas, ni siquiera el tema mismo del mar, sin embargo, países lejanos, observaciones de campo y pueblos exóticos dejaron su huella profunda, visible para cualquiera que entre en contacto con la obra de Roussel.

Biografía del compositor

En octubre de 1894 , Albert Roussel se instaló en París y comenzó a estudiar activamente armonía , contrapunto y fuga con su nuevo maestro, Eugène Gigoud . La escuela estricta de Niedermeier, basada en el contrapunto de la escritura estricta, y los altos estándares con los que Roussel estudió teoría musical ( Bach , Handel , Mozart y Beethoven ) desde el principio contribuyen a la formación de su pensamiento clásico transparente y claro. Hasta el final de sus días, Albert Roussel conservó la gratitud y el más profundo respeto por su maestro. En sus Memorias, dedica mucho más de una página a Eugene Gigue, entre las que se encuentran las siguientes palabras:

... De mente abierta, libre de todo sesgo escolástico , certero en sus observaciones, poniendo las consideraciones puramente musicales por encima de cualquier regla escolar y las consideraciones estéticas por encima de las peleas intestinas, vive en mi memoria como un ejemplo perfecto de un maestro del que un joven músico podría aprender su arte.

- [5]

Aparentemente, fue sobre este modelo que el propio Roussel, unos años más tarde, construyó su propia obra docente. Las palabras de Roussel sobre su maestro, Eugène Gigoux, se le aplican en excelente medida.

En total, el período de estudio le lleva a Roussel 15 años  , de hecho, no tanto como podría parecer a primera vista. Este es el tiempo que dura una educación musical superior ordinaria (según los estándares modernos). Sin embargo, comienza a estudiar no a partir de los cinco o siete años, como suele ser habitual, sino solo a partir de los 25 , por lo que finalmente deja de ser estudiante  , solo a los cuarenta años. Esto es lo que hay que tener en cuenta al observar la carrera musical bastante tardía de Roussel. En 1898 , excelentemente preparado por cuatro años de estudio con Gigoux, Roussel ingresó en la recién inaugurada " Escuela Cantorum " en la clase de polifonía , orquestación y composición libre de Vincent d'Andy , al mismo tiempo venerable compositor de la dirección wagneriana . un destacado director y organizador de la vida musical de Francia. En su monografía , dedicada a la vida y obra de Roussel, André Oere caracteriza exhaustivamente los años de su enseñanza y los orígenes de la formación de un estilo individual:

... en disputas ociosas sobre si Roussel pertenece al debussismo o al d'andismo , al contrastar el sistema educativo de Schola y el Conservatorio , de alguna manera se olvidan de la importancia decisiva en su formación como compositor, los principios de la escuela de Niedermeier, principalmente gracias a Koszul y Gigue. Los principios de la misma escuela de la que salieron Saint-Saens , Gabriel Fauré y Messager .

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - P. 21 [5] .

Vincent d'Andy, muy pronto convencido de los excepcionales conocimientos del nuevo estudiante en el campo de la polifonía, lo nombró casi de inmediato como su asistente y luego, después de completar el curso en la Schola cantorum , le ofreció dirigir el contrapunto y la fuga . clase Así, después de graduarse cinco años después de la escuela en la clase de polifonía, a partir de 1902 Roussel comenzó a impartir él mismo el curso de polifonía, mientras continuaba estudiando con Vincent d'Andy en otras materias hasta 1908 .

Schola cantorum , una institución de enseñanza de la músicacasi religiosa bajo el patrocinio del Instituto Católico, fue un fenómeno especial en el mapa musical de Francia a principios del siglo XX . Por un lado, tenía fama de bastión del conservadurismo . La educación en él se basó casi por completo en el estudio de la música de la iglesia antigua, el canto gregoriano , la técnica de la polifonía antigua (en el ejemplo del trabajo de Palestrina , Schutz , Bach , Handel , así como algunosmaestros franceses "especialmente admitidos" , como Lully , Rameau y Couperin Además, por supuesto, uno de los principales pilares del sistema musical de la Escuela de Cantores fue el maestro e ídolo de su director permanente Vincent d'Andy, el venerable organista y compositor francés. , Cesar Franck ... Está claro que al profesor de polifonía, que era Albert Roussel, se le asignó el papel honorario de un conductor de ideas de estilo estricto y cánones eclesiásticos de la escritura antigua. Parecería que lo que podría ser más conservador. y más seco que el programa esbozado? Sin embargo, la estricta y casi eclesiástica Schola cantorum de principios del siglo XX se convierte de repente en un contrapeso a la casi podrida Academia de Música burocrática y al muerto y retrógrado sistema de educación del Conservatorio de París Desde las paredes de la Escuela de Cantors, ya en los diez primeros años de su de existencia tanto audaces músicos experimentales que han recibido una sólida base profesional, como audaces artistas de vanguardia de primera línea que hicieron estallar los cimientos del arte moderno, como Eric Satie o Edgard Varese [7] . Por cierto, ambos músicos recién nombrados estudiaron el curso de contrapunto y polifonía en la clase del profesor Albert Roussel, guardando de él el más grato recuerdo y una excelente actitud durante muchos años.

La naturaleza uniforme, sobria e invariablemente atenta de Albert Roussel era la más adecuada para enseñar el trabajo con personalidades creativas brillantes. Durante doce años fue un profesor reflexivo y minucioso de la Schola cantorum sobre historia y teoría del arte polifónico. De la clase de contrapunto de Albert Roussel surgieron compositores tan inusuales y significativos como Eric Satie, Paul Le Flem , Edgar Varèse, Alexis Roland Manuel , Guy de Lioncourt , Marcel Orban , así como muchos músicos extranjeros, incluido el famoso compositor checo Boguslav Martinu . un compositor rumano Stan Golestan , el uruguayo Alfonso Broca , el italiano Cesare Brero y la checa Yulia Reiserova [5] .

Incluso el eternamente sarcástico Eric Satie (un estudiante de cuarenta años que era tres años mayor que su maestro) encontró en su alma solo palabras amables hacia su profesor. De vez en cuando, le gustaba decir, imitando el tono de Roussel, su frase favorita - durante el control de los deberes: "Un compositor, como un cirujano , debe llevar siempre consigo un Instrumento de Precisa Armonía". [8] :195 Pero incluso diez años después de completar el curso de contrapunto, en sus artículos y notas, Eric Satie encontró más de una vez razones no sin placer para señalar que “... durante tres años trabajé (sobre mí mismo) con Albert Roussel , cuyo amigo, me atrevo a decir, sigo siendo todavía” [9] . Por supuesto, en términos de sus cualidades espirituales y de voluntad fuerte, Roussel era sorprendentemente diferente de la bohemia parisina y los círculos artísticos habituales.

En el otoño de 1909, Roussel realiza su viejo sueño: un viaje a la India . Siendo un joven oficial, se reunió con algunas ciudades portuarias . Ahora él y su joven esposa están en un viaje cuidadosamente planeado y planeado a través de antiguas ciudades del interior. Al regresar a Francia, las impresiones traídas de la India dan como resultado varias composiciones muy notables para toda la música europea [10] . El primero de ellos es el tríptico sinfónico "El desafío de las visiones" ( fr.  Evocaciones ) para solistas , coro y orquesta . Presentada por primera vez en París el 18 de mayo de 1912 , impresionó a los oyentes y críticos con su brillante exotismo inusual combinado con un estilo impresionista . Roussel plasmó en este tríptico los templos subterráneos de Ellora , la belleza de los palacios de mármol blanco bañados por el sol en Jaipur y el canto de saludo al cielo de un joven faquir a orillas del Ganges en Benarés . El éxito del estreno fue impresionante. Roussel fue inmediatamente e irrevocablemente reconocido como uno de los líderes de la música francesa moderna.

El siguiente éxito rotundo fue su ballet de pantomima en un acto El festín de la araña (en francés:  Le festin de l'araignée ), representado en el Théâtre des Arts de París el 3 de abril de 1913 . En lugar de las ocho funciones previstas, el ballet se mostró 22 veces antes del final de la temporada. En la ola de popularidad, Roussel creó una suite sinfónica de su ballet, que ganó gran popularidad y todavía ocupa un lugar de honor en los escenarios de conciertos del mundo junto con Fauno de Debussy , El aprendiz de brujo de Duke y Ravel . Vals [10] . Es gracias a la "Fiesta de la araña" y "El desafío de las visiones" en los años anteriores a la guerra que Roussel finalmente se ubica entre los compositores impresionistas más destacados. Un importante editor de música parisino , Jacques Durand , que se especializó en trabajar con los impresionistas , publica voluntariamente sus obras junto con la música de Ravel , d'Andy , Debussy y Schmitt [11] . A fines de 1913, Roussel recibió un pedido de la Grand Opera para una ópera basada en cualquier libreto que le interesara . Y Roussel nuevamente elige un tema indio como trama: la leyenda del siglo XIII sobre Padmavati , la fiel esposa de Ratan-sen . Sin embargo, solo logró trabajar en su nueva ópera durante medio año .

La Primera Guerra Mundial puso una línea audaz tanto en la obra compositiva como didáctica de Roussel. Tiene cuarenta y cinco años. La junta de reclutamiento no lo acepta en el ejército activo debido a su estado de salud. Sin embargo, Roussel sigue siendo voluntaria de la Cruz Roja y ha trabajado como conductora de ambulancias en primera línea durante casi dos años. Incluso en este caso, lejos de la música, vuelven a ser estrechos compañeros de Maurice Ravel: ya a finales de octubre de 1914, Maurice Ravel, también rechazado por los médicos, se ofrece voluntario para entrar en un regimiento de automóviles y ejercer como camionero hasta 1918 [12]. ] . Después de un año y medio de servicio en la Cruz Roja, Albert Roussel, sin embargo, logró trasladarse más cerca del frente e ingresar al oficial del servicio de transporte, en la artillería activa . En el rango de teniente , Roussel participó en operaciones militares en Champagne , Somme y cerca de Verdun en 1916-1917 . Un poco menos de un año antes del final de la guerra, en enero de 1918, Albert Roussel finalmente fue dado de baja del ejército, al igual que Ravel, debido a una enfermedad. Tras la desmovilización , recupera su salud, que fue minada por la guerra, durante mucho tiempo. Solo en el verano de 1918, Roussel pudo volver a la vida normal y retomar la composición interrumpida de la ópera Padmavati. Roussel nunca volvió a enseñar en la Schola cantorum, sin embargo, continuó brindando asistencia de buena gana en el campo de la polifonía y la composición a los jóvenes músicos que acudían a él.

Incluso en el frente, Roussel estaba muy preocupado por el destino de la composición de la ópera Padmavati que dejó. ¿Alguien necesitará este viejo cuento de amor y muerte después de los duros años de la guerra ?..

... Todo esto seguramente se convertirá en "algo de antes de la guerra", es decir, separado de lo nuestro hoy por un muro, un muro real ... Después de todo, será necesario comenzar a vivir de nuevo, con una nueva actitud ante la vida. , esto no quiere decir que todo lo que pase antes de la guerra será olvidado, pero todo lo que se hará después de la guerra será diferente. <...> Mi Padmavati todavía es lo suficientemente fuerte como para soportar otros dos o tres años de espera (¡y cuántos años!) antes de conocer al público

—Alberto Roussel . Carta a su esposa fechada el 9 de abril de 1916 [5]

Roussel estaba un poco equivocado. "Padmavati" tuvo que esperar para esta reunión no dos o tres, sino otros siete años. Pero por otro lado, el estreno el 1 de junio de 1923 fue el éxito fundamental de Roussel. Sin embargo, algunas voces críticas se escucharon entre el entusiasmo. Muy indicativa en este sentido fue la reseña de Paul Duc sobre el estreno de la gran ópera de Roussel. Sin embargo, rindiendo homenaje a los altos méritos de la música y al extraordinario lujo (verdaderamente oriental) de la producción, Dukas consideró necesario señalar algún abuso de los efectos externos con un estudio insuficientemente grabado de los personajes de los personajes principales de la obra [13 ] . Sin embargo, la poderosa fuerza y ​​originalidad de la estructura figurativa de Padmavati venció todas las dudas. Con la extrema complejidad y el alto costo de su producción, apareció en escena en 1925, 1927 y 1931 , ganando para Roussel un número creciente de admiradores de su talento. En 1938, el ya mencionado Arthur Hoere, en su libro sobre Roussel, se quejaba con razón de la poca popularidad de esta pintoresca partitura fuera de Francia.

No sólo porque, junto con Antígona de Honegger y Cristóbal Colón de Milhaud, es una de las creaciones más significativas de nuestro teatro de posguerra, sino, lo que es más importante, también porque posee en grado sumo esas cualidades que, según que - Algo mala tradición, no reconozco la música francesa: se distingue por su fuerza y ​​profundidad.

— Hoeree A. Albert Roussel. - P. , 1938. - P. 59 [5] .

Tras el final de la guerra, en 1920, Albert Roussel compró una casa de campo en Normandía , no lejos del mar, donde pasó la mayor parte de los diecisiete años más de vida activa que le correspondían. La última década y media de la vida de Roussel se distingue por una especial intensidad tanto de creatividad como de actividad social. Junto con Ravel en la década de 1920, Roussel es el líder reconocido de la música francesa. Con el inicio de la larga enfermedad de Ravel, cuando se retira gradualmente de la participación en la vida cultural de París, Roussel sigue siendo casi el único líder . En los años treinta, Roussel encabezó la sección francesa de la Sociedad Internacional de Música Contemporánea y, junto con André Caplet , formó parte del jurado del festival anual . Hasta el final de su vida, Roussel no pierde la vivacidad de su carácter y permanece abierto a todo lo nuevo. Apoya la obra de jóvenes compositores franceses, muchas de las últimas tendencias vanguardistas penetran en sus obras. Pero incluso los jóvenes compositores de principios de los años 20 miran cada vez más su trabajo. Tras la muerte de Eric Satie, casi todo el " Six " francés está influido por la personalidad y obra de Roussel, especialmente de Arthur Honegger .

Roussel hace su último viaje no al este , como sucedió antes, sino a América , con giras triunfales de conciertos. En 1930, por encargo de Sergei Koussevitzky , Roussel escribió su Tercera Sinfonía para celebrar el aniversario de la Orquesta de Boston . Esta es una de sus obras más fuertes, llena de fuerza, energía, nitidez y dramatismo.

Durante el último año y medio de su vida, Roussel se siente peor, su enfermedad cardíaca se agrava, y en la primavera de 1937, ante la insistencia de los médicos, parte hacia la localidad costera de Royan , en el suroeste de Francia, para descansar y curarse. . Sin embargo, los ataques al corazón son cada vez más frecuentes y más fuertes. El 13 de agosto, Roussel se ve obligado a interrumpir la composición de su Trío de viento para oboe , clarinete y fagot . Con valentía y extremada serenidad, como todo en su vida, Roussel soporta sufrir frecuentes infartos .

Albert Roussel, compositor francés de 68 años, murió de otro infarto alrededor de las 4 de la tarde del 23 de agosto de 1937, en la ciudad de Royan, en el suroeste de Francia. Murió en el mismo 1937 que sus más cercanos colegas y camaradas cercanos en el camino creativo recorrido: Maurice Ravel y Gabriel Piernet .

“Un compositor, como un cirujano, debe tener siempre consigo los Instrumentos de Precisa Armonía” - esto es lo que no debe olvidarse [8] . :195

Ensayo sobre la creatividad

La lista completa de obras de Albert Roussel incluye 59 obras publicadas y una docena de manuscritos más . La amplísima gama estilística de la obra de Roussel puede sugerir una cierta omnívora estética del compositor. Mientras tanto, esto es completamente incorrecto. Artista sinceramente reflexivo , experimentando constantemente una mayor responsabilidad consigo mismo y con el arte , el propio Roussel explica su búsqueda constante por un deseo incesante de encontrar la máxima expresividad del lenguaje musical. En esta búsqueda sin duda encontró expresión su cerrado carácter romántico y su amor por comprender la naturaleza de las cosas. Pero hubo otra fuente constante que empujó a Roussel a lo largo de su vida a actualizar los medios del discurso musical. Este es el Oriente , cuya cultura colorida y ecléctica conoció durante varios viajes. En obras de varios años, Roussel inserta giros modales característicos de la música folclórica india , camboyana e indonesia . Sin embargo, esto no es para él un método de introducir el " color local ", sino solo un medio para enriquecer el lenguaje musical.

En sus mejores obras, que incluyen la Tercera y Cuarta Sinfonías , la ópera - ballet Padmavati, los ballets Baco y Ariadna y El festín de la araña, así como la Rapsodia flamenca para orquesta , Roussel demuestra claramente su propia, reconocible y original creatividad. estilo [13] . Su don melódico, sin embargo, es pequeño. Sin embargo, muchos temas tienen "carácter", entonación brillante y expresividad.

Las obras teatrales de Roussel , así como cuatro sinfonías y una sinfoniette, cuya presencia en la música francesa de principios del siglo XX puede reconocerse como un fenómeno casi único , son del mayor valor en la obra de Roussel . Según muchos musicólogos , el llamado pensamiento sinfónico es, en principio, ajeno a los compositores franceses . De hecho, la "música absoluta", no relacionada con la palabra, la base literaria , el programa , las imágenes de la naturaleza o la escenografía , salió muy raramente de la pluma de los autores franceses. Las cuatro sinfonías de Albert Roussel invirtieron en cierta medida esta tendencia. Además, lo hizo, manteniéndose como un artista verdaderamente francés, sin ningún cambio en el área de la "disciplina alemana" , a la que Debussy y Ravel objetaron constantemente . Pero, sobre todo, el mérito de Roussel es que su experiencia personal impulsó una nueva tendencia entre los jóvenes compositores franceses que se volcaron con renovado vigor hacia la música sinfónica pura. A este respecto, basta mencionar los nombres de Arthur Honegger , Darius Milhaud, Henri Dutilleux y Henri Sauguet [13] .

La formación del estilo de Roussel estuvo indudablemente influenciada por los años de estudio en la Schola Cantorum . Autoridades como Palestrina y Bach dejaron su huella en el estilo maduro de Roussel, rico en contrapunto y polifónica compleja . En comparación con los sutiles matices de los compositores franceses cercanos a él, como Fauré y Debussy , la orquesta de Roussel no se parece a ninguna más densa y pesada, incluso en aquellas de sus composiciones que tradicionalmente se denominan impresionistas . En todos los períodos de su trabajo, sin importar cómo se viera exteriormente, en su temperamento y forma de pensar, Roussel estuvo más cerca del clasicismo .

En varias composiciones, Roussel también rindió homenaje a un fenómeno tan nuevo y creciente en su época como el jazz americano . Una de sus composiciones para voz y piano se llama "Night Jazz" ( 1929 ) y se hace eco claramente de obras de sus contemporáneos como la sonata para violín de Maurice Ravel , o el ballet "Creación del mundo" de Darius Milhaud.

En su libro Reminiscencias , Albert Roussel salvó a los investigadores posteriores de tener que sacar sus propias conclusiones. Él mismo, como venerable maestro de la Schola cantorum, analizó de manera bastante convincente su propio trabajo y destacó tres períodos estilísticos claramente definidos:

El primer período, de 1898 a 1913 , que condicionalmente puede llamarse impresionista . Básicamente incluye años de estudio. Hablando en el libro "Memorias" sobre su obra, el autor suaviza la redacción en algunos lugares. Entonces, según Roussel, su música de estos años estaba " ligera, muy levemente influenciada por Debussy, lo que significa, en primer lugar, la tendencia a una forma rígida, que mi maestro, Vincent d'Andy , me inculcó ". Evaluando las palabras y la música de Roussel desde el exterior, podemos decir que si bien este período de creatividad se llama con razón " impresionista ", sin embargo, su música de esta época contiene no menos número de influencias orientales . Esto es lo que Albert Roussel diferenció notablemente de sus colegas del impresionismo musical.

La primera experiencia orquestal de Roussel fue el preludio sinfónico "Resurrección" basado en la novela de León Tolstoi ( 1903 ). Fue interpretada el 17 de mayo de 1904 en un concierto de la Sociedad Musical Nacional dirigida por Alfred Cortot , quien siempre mostró interés por la obra de Roussel. La densidad inusual del lenguaje musical, el sabor tétrico general (el preludio terminó con un coral sobre un tema gregoriano cotidiano ), así como una notable sobrecarga del registro bajo en la orquesta, provocaron una dura reprimenda de la crítica para el compositor novato . , quien aún estaba bajo la clara influencia del estilo sinfónico de Frank [14] . Roussel aceptó la crítica en silencio y con calma, dejó la partitura en el manuscrito y nunca más volvió a ella.

Las siguientes composiciones orquestales, marcadas por la influencia cada vez mayor de Claude Debussy, se sustentan en un espíritu completamente diferente. La suave y poética "Noche de verano" ( 1904 ) y la muy colorida "Vendimia" ( 1905 ) basada en el poema de Leconte de Lille también fueron interpretadas por Cortot por primera vez. A pesar de las críticas bastante favorables de la prensa, Roussel destruyó la partitura de "The Grape Harvest" inmediatamente después de su interpretación, ya que consideró que tanto la forma como la orquestación de su obra no tenían éxito [14] . Entonces Roussel, con renovado vigor, asume la sinfonía a cuatro voces, que ya había comenzado un año antes, a la que llama "El poema del bosque" (1904-1906). Las formas clásicas del ciclo sinfónico se combinan en él con imágenes de la naturaleza, divididas en cuatro estaciones. Los movimientos se subtitulan "The Forest in Winter", "Spring Renewal", "Summer Evening" (anteriormente escrita como una pieza orquestal separada) y " Faun and the Dryads ". Varias veces partes de la sinfonía se interpretaron por separado en conciertos, y solo el 7 de febrero de 1909, en el concierto de la Orquesta Lamoureux , tuvo lugar el estreno completo de la sinfonía dirigida por Vincent d'Andy . Los críticos autorizados Jean Marnol y Gaston Carro apreciaron mucho el "Poema del bosque", viendo en su autor a un sinfonista prometedor.

... en la generación de compositores inmediatamente posterior a Paul Dukas y Alberic Magnard , quizás sea él, Roussel, quien muestre la mayor promesa. Cuanto más crea, más se nota en Monsieur Albert Roussel una notable individualidad : tanto en lo que habla como en cómo expresa sus pensamientos. La individualidad de su alma determina la originalidad individual de su estilo.

- Karrot G. "Liberté", 9 de febrero de 1909 [14] .

Casi simultáneamente con la sinfonía, Roussel completa el Divertimento de cámara para piano y cinco instrumentos de viento . Esta música alegre y humorística se destaca por el virtuosismo de cada instrumento y el maravilloso conjunto en su conjunto. Los temas musicales en él están grabados y convexos, y las líneas y los bordes de la forma son claros. Todos estos rasgos, claramente opuestos a la estética general del impresionismo, anticipan las tendencias neoclásicas de la creatividad de posguerra. Algunos críticos notaron en la música de "Divertissement" rasgos que acercan la obra de Roussel al entonces cada vez más fuerte: el fauvismo en la pintura.

Resumiendo lo anterior, las obras más famosas del primer período incluyen: "Divertimento" op.6 para quinteto de viento y piano (1906), Sinfonía No. 1 "El poema del bosque" op.7 (1904-1906), espectáculo para niños (1908), "El desafío de las visiones" op.15 tríptico para coro, orquesta y barítono (1910-1911) y ballet-pantomima "Fiesta de la araña" op.17 (1912). Los dos últimos ya han sido mencionados.

El propio Roussel cuenta el segundo período de creatividad a partir de 1918 , cuando regresa de la guerra, y finaliza en 1925 , cuando se formaliza finalmente su transición al neoclasicismo . En esencia, este período puede llamarse de transición o mixto, durante el cual Roussel experimentó , formando gradualmente los rasgos de su estilo maduro. El vínculo de conexión entre la música pasada y la nueva para Roussel fue la partitura de la ópera Padmavati, trabajo en el que continuó con un descanso de la guerra, casi ocho años. Pero en el resto de las obras de esta época, la vaguedad impresionista es por todas partes inferior a las líneas claras, la música adquiere certeza, un ritmo más duro , además, el número de disonancias aumenta significativamente . Con mucho, la obra más compleja y sobrecargada de este período es la Segunda Sinfonía, escrita en 1919-1921 , después de la cual Roussel comenzó a moverse hacia formas de lenguaje musical más simples y precisas. Volviendo desde el frente, Roussel ha cambiado mucho. Ya no podía escribir como antes, balanceándose al borde de la belleza impresionista y el esplendor oriental del lenguaje. El mismo Roussel explicó los serios cambios en su estilo y actitud hacia la creatividad de la siguiente manera:

…Cuatro años de guerra no fueron en vano para mí como músico. Los usé para reflexionar sobre mi arte. Aprendí mucho de esta revisión forzada del camino recorrido. Como muchos, estaba fascinado por los nuevos métodos de pensamiento musical. El impresionismo me cautivó al principio; mi música, quizás, gravitó demasiado hacia el lado externo de los fenómenos, hacia el comienzo pintoresco , que, como comencé a pensar un poco más tarde, privó a la música de una parte de su verdad inherente . Desde entonces decidí ampliar el inicio armónico de mi escritura, traté de acercarme a la idea de crear música en la que la idea y su realización fluyan de sí misma y también se contengan en sí misma.

- Roussel A. Memorias [15] .

Fue la Segunda Sinfonía, escrita en el segundo año después del Retorno , la que se convirtió en el punto de inflexión final por el que Roussel se separó públicamente del impresionismo. El "nuevo estilo" de Roussel se estrenó el 4 de marzo de 1922 en los conciertos Padélou (Paso del lobo) . Con la dureza y fealdad de su lenguaje musical, la Segunda Sinfonía causó una impresión inesperada y desfavorable en todos: tanto tradicionalistas , amantes de la consonancia , como partidarios del impresionismo, que ya estaban acostumbrados a ver a Roussel en las filas de los fieles "Debussistas". .

“... Por desgracia, Albert Roussel nos deja. Nos deja sin despedirse, en silencio, con modestia, con moderación, como siempre... Ya ves, se irá, se irá, se irá... ¿Pero adónde? [quince]

— (Vuillermoz Emile, "Excelsior", 6 de marzo de 1922.)

Una larga e inusualmente sincera diatriba a la Segunda Sinfonía de Roussel fue respondida también por su antiguo alumno, Eric Satie , en ese momento igualmente alejado del impresionismo, del que él mismo fue el fundador hace treinta años, y de las búsquedas puramente musicales de Albert Roussel. La Segunda Sinfonía no solo se convirtió en un hito en la vida musical de la Francia de la posguerra , sino que Satie personalmente encontró en ella otra razón para oponer una vez más a académicos y profesionales de la música con verdadero arte vivo.

La interpretación de la hermosa sinfonía de Albert Roussel en uno de los conciertos de Walking Wolf fue un evento excelente y noble que revolvió nuestras turbias aguas musicales. ¡Oh horror, oh miedo!  - otra porción de verdadera anarquía sonora se vertió en ellos  - un fantasma, mejor conocido como cacofonía . <...> Entre los muchos reproches dirigidos constantemente a Albert Roussel, hay uno que se me queda mejor en la memoria (quizás porque estaba directamente relacionado con el Premio de Roma ). ¿De qué se le acusa? - Sí, en eso es un aficionado ..., un aficionado.

De por sí, surge la pregunta: ¿pero cómo se reconoce a este "amante"?.. No puedes devanarte los sesos en vano, la respuesta es muy sencilla. Un aficionado es aquel que no ha recibido el Gran Premio Romano, por supuesto. Permítanme hacer la siguiente pregunta con la mayor cortesía y amabilidad: ¿cuál es el premio mencionado anteriormente? El estigma de algún ser superior, sobresaliente, de altísima calidad, no serial, agotado y raro. Sin duda, mirando a Albert Roussel, inmediatamente queda claro que no es excelente, ni fuera de lo común, ni de la más alta calidad, ni agotado, completamente en serie y nada raro, uno debe pensar que sí. Lo siento mucho por esto, pero lo amo tanto por eso, y él lo sabe bien, espero.—Erik Satie _ Origen de la Ilustración. - Feuilles Libres, iuni 1922. [8] :501-502

Después de la Segunda Sinfonía y la finalización del trabajo en la ópera Padmavati, las tendencias neoclásicas continúan creciendo en la obra de Roussel. Solo cuatro años después del estreno de Sócrates de Satie, que se convirtió en el descubrimiento de un nuevo estilo, en 1922-24 Roussel escribió su cuento lírico "El nacimiento de Lyra" después de Sófocles , tratando de acercarse lo más posible al teatro antiguo . Interpretada en la Grand Opera el 1 de julio de 1925 , esta partitura de Roussel precedió en dos años a Edipo de Stravinsky y Antígona de Honegger .

Las obras más famosas del segundo período de transición del trabajo de Roussel incluyen las siguientes obras: ópera-ballet "Padmavati" op.18 (1914-1922 ) , obra sinfónica "Para las vacaciones de primavera" op.22 (1920), Sinfonía No. (1919-1921), "El nacimiento de Lyra" cuento lírico op.24 (1923-1924), "Juegos de flauta" para flauta y piano op.27 (1924) y "Serenata" para flauta, trío de cuerdas y arpa op . .30 (1925).

Roussel inicia el tercer período de su obra en 1926 , y ya no es él mismo quien marca el límite en el libro "Memorias", sino su muerte en el verano de 1937 . En estos últimos 11 años de su vida, Roussel encontró su "estilo final": el neoclasicismo . En general, sigue siendo un compositor de vanguardia , aunque el sonido de sus obras se vuelve cada vez más transparente y claro. Por supuesto, el neoclasicismo de Roussel tiene sus propias características especiales que lo distinguen de otros autores que comenzaron a trabajar en este estilo al mismo tiempo (o casi simultáneamente) con él. En primer lugar, esta es la antigua polifonía de la escritura, una tendencia a la politonalidad y la polimodalidad, la forma clásica tradicional y la clara orquestación funcional . Además, Roussel (a diferencia, por ejemplo, de Satie y Stravinsky) en su neoclasicismo nunca evitó expresar emociones vivas y fuertes . En este sentido, su neoclasicismo podría denominarse en parte beethoveniano .

Los principales rasgos del nuevo estilo de Roussel recibieron su plena encarnación en su "Suite en F" de 1926 , con la que, de hecho, inicia la cuenta atrás de su tercer período. La suite consta de tres danzas : Preludio , Sarabande y Gigue . La primera actuación tuvo lugar en los conciertos de la Orquesta Sinfónica de Boston el 21 de enero de 1927, dirigida por Sergei Koussevitzky . Poco después del estreno, "Suite in Fa" se convirtió en una de las obras de concierto más interpretadas de Albert Roussel. El propio autor, dándose cuenta de la importancia de esta pequeña obra para su propia búsqueda creativa, un año y medio después del estreno en Boston , hizo un análisis detallado de la misma antes de su estreno en París :

… desde el punto de vista de la forma externa, el compositor eligió la construcción clásica de una antigua suite como modelo para sí mismo, aunque la rejuveneció significativamente.<…> El material temático consiste en segmentos cortos, de los cuales varias combinaciones de sonido formar el desarrollo. Y estos episodios en desarrollo se aferran unos a otros sin la menor interrupción, formando un único tejido musical continuo. Estos métodos fueron fácilmente utilizados por Bach y algunos de sus sucesores.

- Roussel A. "Guía de Concierto". — 23 de noviembre 1928 [15] .

Así, el propio Roussel calificó el rasgo principal de su neoclasicismo: no era arcaico ni un retorno a la "hermosa antigüedad", sino un rejuvenecimiento del estilo . Aplicó formas y métodos de desarrollo clásicos al lenguaje musical moderno. Después de "Suite in Fa", una especie de manifiesto del neoclasicismo de Roussel, durante el resto de su activa vida creativa, el compositor continúa en la línea de pulir y desarrollar las formas musicales que encontró y adoptó para sí mismo.

La Tercera Sinfonía en sol menor (1929-1930 ) y la Cuarta Sinfonía en A-dur ( 1934 ) representan nuevos hitos en la interpretación del ciclo sinfónico tradicional de cuatro movimientos . Al mismo tiempo, Roussel está trabajando activamente en una mayor "iluminación" y purificación de su estilo de la "cacofonía" que Eric Satie una vez le reprochó levemente, al mismo tiempo que intenta no perder la modernidad del lenguaje musical. Numerosas obras sinfónicas de cámara y de concierto aparecidas a finales de la década de 1920, entre las que se pueden distinguir como una especie de campo de pruebas el Concierto para pequeña orquesta (1926-27), el Concierto para piano (1927) y la Pequeña suite para orquesta (1929). para este movimiento ).

La tercera sinfonía, escrita para el 50 aniversario de la Orquesta Sinfónica de Boston , está dedicada a su director Sergei Koussevitzky y fue interpretada por primera vez por él en Boston el 17 de octubre de 1930 . Las críticas fueron casi unánimes: Roussel ofreció una obra verdaderamente innovadora y al mismo tiempo clásicamente armoniosa. La tercera sinfonía literalmente sorprende con dinamismo, fuerza de voluntad fuerte y relieve convexo del material temático. Al mismo tiempo, está verdaderamente clásicamente comprimido y equilibrado en todas sus partes.

La creación de la Cuarta Sinfonía fue inmediatamente precedida por la Sinfonietta para orquesta de cuerdas en tres partes, escrita por Roussel de una vez, en apenas tres semanas (12 de julio - 6 de agosto de 1934 ). Esta ingeniosa y brillante composición de concierto estaba destinada a la entonces sensacional orquesta de cuerdas femenina dirigida por Jeanne Evrard y se interpretó con gran éxito el 19 de octubre de 1934 en la Salle Gaveau . Lo que también es muy significativo es que en todas las obras mencionadas no hay absolutamente ni el más mínimo atisbo de algún tipo de programático o teatral ; más específicamente, estos son ejemplos de ese "sinfonismo puro" que generalmente se consideraba completamente atípico de la música francesa.

En 1930 (de junio a diciembre) Roussel crea una de sus obras teatrales más famosas: el ballet " Baco y Ariadna ". A pesar del título bastante " raveliano ", en el que se puede sentir el eco de " Daphnis y Cloe ", el ballet es completamente clásico tanto en la forma como en el lenguaje musical. La partitura de "Baco y Ariadna" está bastante en línea con la Tercera y Cuarta Sinfonías, pero no es pura ni separada de la interpretación. Roussel consideró que su tarea principal en la música teatral era la subordinación de la partitura al desarrollo dramático y argumental principal . El ballet se estrenó el 22 de mayo de 1931 con coreografía de Serge Lifar y fue un gran éxito.

La última apelación de Roussel a la antigüedad y al teatro (en la primavera de 1935 ) fue su ballet con coros Eneas (basado en las Enéides de Virgilio ). Intentando reproducir en su ballet las principales características sintéticas de la tragedia antigua , Roussel crea una nueva forma de actuación que combina las características del ballet de pantomima con elementos individuales de oratorio y cantata . Por primera vez, "Aeneas" se representó en 1935 en Bruselas en el escenario del Palacio de las Artes. El gran éxito del estreno provocó una protesta internacional, y en el mismo año, Eneas también se representó en el Teatro La Scala de Milán . París, tras algunas vacilaciones, vio a Eneas en la Gran Ópera ya después de la muerte de Roussel, en 1938 .

La última gran obra de Roussel fue "Flemish Rhapsody" (escrita en abril-junio de 1936 ), en la que volvía y rendía homenaje a la música popular de su pequeña patria. Tourcoing , donde Roussel pasó su infancia y donde vivieron sus antepasados ​​durante muchos siglos, se encuentra en la región francesa de Flandes , la mayor parte de la cual pasó a formar parte del territorio de Bélgica . A Roussel le gustaba a menudo enfatizar su origen flamenco y, no sin placer, notó muchos rasgos nacionales en su propio carácter. "Flemish Rhapsody" está escrita sobre el material de cinco auténticas melodías flamencas , que Roussel extrajo de la colección del folclorista belga Ernest Claesson  - "Canciones populares de las provincias belgas". Roussel conocía la mayoría de estas canciones desde la infancia. La rapsodia comienza con una recitación solemne de la canción "The Siege of Burg-op-Zom", luego la "Fighting Song of the Geuzes " se incluye en el desarrollo, la letra " Lullaby " forma un episodio separado, seguido por el baile. canción "Careltier". En comparación con otras obras sinfónicas de Roussel, la estructura musical de Flemish Rhapsody es muy simple, pero el timbre y el ingenio polifónico la convierten en una pieza de concierto contagiosamente alegre e ingeniosa, en la que el gran compositor parece acercar su música al público más amplio. Aparentemente, esta fue la respuesta directa de Roussel a la difícil situación política anterior a la guerra de mediados de la década de 1930 . Baste decir que inmediatamente antes de la creación de su rapsodia, Albert Roussel fue elegido presidente de la Federación Francesa de Música Popular, cuya principal tarea era acercar el arte académico al público masivo. Presentada por primera vez en Bruselas el 12 de diciembre de 1936 y en París el 21 de enero de 1937 (dirigida por Charles Munche ), Flemish Rhapsody se convirtió rápidamente en una de las obras más populares y frecuentemente representadas de Roussel.

En conclusión, queda enumerar solo las obras más significativas del tercer período de la obra de Albert Roussel: estas son, en primer lugar, "Suite in Fa" op.33 para orquesta (1926), Concierto para pequeña orquesta op.34 ( 1926-1927), Sinfonía n.° 3 en sol menor op.42 (1929-1930), Baco y Ariadna ballet op.43 (1930), Sinfonietta para orquesta de cuerdas op.52 (1934), Sinfonía n.° 4 en la mayor op.53 (1934), Eneas ballet con coros op.54 (1934), Flemish Rhapsody para orquesta op.56 (1936), Concertino para violonchelo y orquesta op.57 (1936) y trío de cuerdas op.58 (1937).

Obras de Albert Roussel

óperas

Padmavati, ópera-ballet en 2 actos, op. 18 (1913-18), publicación. Ópera de París, 1 de junio de 1923

El nacimiento de la lira, ópera (cuento lírico) en 1 acto, op. 24 (1923-24), publicación. Ópera de París, 1 de julio de 1925

Testamento de la tía Carolina, ópera cómica en 3 actos (1932-1933), post. 14 de noviembre de 1936

ballets

Spider's Feast, ballet en un acto, op. 17 (1912), publicación. París, 3 de abril de 1913

Sarabande, número para el ballet infantil colectivo "Jeanne's Fan" (1927), post. París, 16 de junio de 1927

Baco y Ariadna, ballet en dos actos, op. 43 (1930), publicación. Ópera de París, 22 de mayo de 1931

Eneas, ballet para coro y orquesta, op. 54 (1935), publicación. Bruselas, 31 de julio de 1935

Música para el teatro

El vendedor de arena, música para una obra de teatro basada en el cuento de hadas de Georges Jean-Aubry, op. 13 (1908), publicación. El Havre, 16 de diciembre de 1908

Introducción al 2º acto de la obra "El catorce de julio" de Romain Rolland (1936), post. París, 14 de julio de 1936

Elpenor, poema radiofónico para flauta y cuarteto de cuerda, op. 59 (1937), publicación. Bruselas, 1947

Composiciones para orquesta

Resurrección, Preludio para orquesta, op. 4 (1903)

Sinfonía n.° 1 en re menor "El poema del bosque", op. 7 (1904-1906)

Conjuros para solistas, coro y orquesta, op. 15 (1910-11)

Padmavati, Suites de Opera Nos. 1 y 2, op. 18 (1918)

Para las vacaciones de primavera, poema sinfónico, op. 22 (1920)

Sinfonía n.° 2 en si bemol mayor, op. 23 (1919-1921)

Suite para orquesta en fa mayor, op. 33 (1926)

Concierto para pequeña orquesta (1926-1927)

Pequeña suite, op. 39 (1929)

Sinfonía n.° 3 en sol menor, op. 42 (1929-30)

Sinfonietta para orquesta de cuerdas, op. 52 (1934)

Sinfonía n.º 4 en la mayor, op. 53 (1934)

Rapsodia flamenca, op. 56 (1936)

Conciertos

Concierto para piano en sol mayor, op. 36 (1926-27)

Concertino para violonchelo y orquesta, op. 57 (1936)

Composiciones vocales y orquestales.

Battle Song of the Franks para coro masculino, metales y percusión ad libitum (1926)

Salmo 80 para tenor, coro y orquesta, op. 37 (1928)

Para banda de música

Gran Día Op. 48 (1932)

Música de cámara

Trío para piano en mi bemol mayor, Op.2 (1902)

Divertimento para piano y quinteto de viento, Op.6 (1906)

Sonata No. 1 para violín y piano, Op.11 (1907-08)

Impromptu para solo de arpa, Op.21 (1919)

Flautistas para flauta y piano, Op.27 (1924)

Sonata No. 2 para violín y piano, Op.28 (1924)

Segovia para guitarra (o piano), Op.29 (1925)

Serenata para flauta, trío de cuerdas y arpa, Op.30 (1925)

Dúo para fagot y contrabajo (1925)

Aria para oboe y piano (1927-28)

Trío para flauta, viola y violonchelo, Op.40 (1929)

Cuarteto de cuerdas, Op.45 (1931-32)

Andante y Scherzo, para flauta y piano, Op.51 (1934)

Pipe, para flautín y piano (1934)

Trío para cuerdas, Op.58 (1937)

Andante de un trío inacabado para oboe, clarinete y fagot (1937)

música de piano

Las horas pasadas, op.1 (1898)

Historia de muñecas (1904)

Danzas campestres, op.5 (1906)

Suite en fa sostenido, op.14 (1910)

Pequeño canon perpetuo (1913)

Sonatina, op.16 (1914)

Dudas (1919)

En una recepción en las Musas (Dedicación de Debussy) (1920)

Preludio y fuga (Homenaje a Bach), op.46 (1932)

Tres piezas, op.49 (1933)

Piezas de órgano

Preludio y Fughetta, op. 41 (1929)

obras vocales

Cuatro poemas de Henri de Regnier, op.3 (1903)

Cuatro poemas de Henri de Regnier, Op.8 (1907)

Amenaza, op. 9 (1907-1908)

Llama Op. 10 (1908)

Dos poemas chinos op.12 (1908)

Two Romances Op.19 (1918, orquesta. 1928)

Dos romances Op.20 (1919)

Dos poemas de Ronsard para flauta y soprano, Op.26 (1924)

Odas anacreónticas op.31 (1926)

Odas anacreónticas op.32 (1926)

Dos poemas chinos Op.35 (1927)

Vocalizar (1927)

Jazz nocturno Op.38 (1928)

Vocalizar (1928)

Flor para mi hija, romance en st. D. Joyce (1931)

Dos idilios Op.44 (1932)

Dos poemas chinos op.47 (1932)

Dos romances Op.50 (1934)

Dos romances Op.55 (1935)

Para coro a capella

Dos madrigales para 4 voces (1897)

Madrigal para Musas a 3 voces femeninas (1923)

Fuentes

  1. ↑ 1 2 Albert Roussel // Enciclopedia Británica 
  2. ↑ 1 2 Albert Charles Paul Marie Roussel // Enciclopedia Brockhaus  (alemán) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
  3. ↑ Albert Roussel // Gran Enciclopèdia Catalana  (cat.) - Grup Enciclopèdia Catalana , 1968.
  4. ↑ Roussel Albert // Gran enciclopedia soviética : [en 30 volúmenes] / ed. AM Prokhorov - 3ª ed. — M .: Enciclopedia soviética , 1969.
  5. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Filenko G. Música francesa de la primera mitad del siglo XX. - L. : Música, 1983. - S. 16-19.
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  7. ↑ Schneerson G. Música francesa del siglo XX. - M. : Música, 1964. - S. 50-51.
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  11. ↑ Ravel en el espejo de sus letras / Recopilado por M. Gerard y R. Chalu. - L. : Música, 1988. - S. 188.
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  13. ↑ 1 2 3 Schneerson G. Música francesa del siglo XX. - M. : Música, 1964. - S. 151-155.
  14. ↑ 1 2 3 Filenko G. Música francesa de la primera mitad del siglo XX. - L. : Música, 1983. - S. 23-24.
  15. ↑ 1 2 3 Filenko G. Música francesa de la primera mitad del siglo XX. - L. : Música, 1983. - S. 33-37.

Enlaces

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