Temas en la pintura del Renacimiento italiano
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Los temas que conmovieron a los artistas del Renacimiento italiano iban desde Giotto a principios del siglo XIV hasta el Juicio Final de Miguel Ángel en la década de 1530.
El artista renacentista tenía mucha más libertad para crear que el artista medieval . Durante el Renacimiento aparecen nuevos elementos característicos en la pintura. Incluyen perspectiva, representación desde un cierto punto de vista, realismo, especialmente en la representación de una persona.
Elementos de pintura
Una pequeña obra, La flagelación de Cristo de Piero della Francesca (derecha), muestra varios elementos de las técnicas pictóricas del Renacimiento italiano. La habilidad de Pierrot para representar la perspectiva y la luz es sorprendente. Los elementos arquitectónicos incluyen el suelo de mosaico, que se convierte cada vez más en el foco de la acción. El espacio interior de la imagen está iluminado por una fuente de luz invisible. Su ubicación exacta se puede determinar matemáticamente analizando la dirección en la que la sombra cae sobre los techos. Tres figuras de pie proyectan sombras desde una fuente de luz diurna. El conocimiento de Piero sobre la perspectiva y la luz es inmediatamente visible.
El tema religioso del cuadro, asociado a la flagelación de Jesucristo por los romanos, se presenta en el episodio canónico de la Pasión de Cristo. El evento del Nuevo Testamento tiene lugar en la galería abierta en el medio de la pintura. En primer plano a la derecha hay tres figuras, claramente indiferentes a lo que sucede. La escena de la flagelación está iluminada a la derecha y, quizás, el paisaje "moderno" para el artista está a la izquierda.
Elementos de la pintura renacentista
La pintura renacentista se diferenciaba de la de finales de la Edad Media en su cuidadosa observación de la naturaleza, interés por la anatomía humana, aplicación de principios científicos en el uso del punto de vista y la dirección de la luz.
Perspectiva lineal
Las pinturas de la galería presentada muestran el desarrollo de la perspectiva lineal, la distorsión pictórica de las proporciones y formas de los edificios y los paisajes urbanos.
- En Giotto , los edificios son escenografía, abiertos al público por un lado.
- En Paolo Uccello , un fresco que representa un paisaje urbano da la impresión de una profundidad espacial.
- La pintura de Masaccio La Santísima Trinidad fue pintada con proporciones matemáticas cuidadosamente calculadas, en las que el artista probablemente fue asistido por el arquitecto Brunelleschi .
- Fra Angelico utiliza la imagen de una pequeña logia para crear un espacio íntimo.
- Gentile Bellini representó un amplio espacio en la Piazza San Marco , Venecia , en el que se insertan figuras en retroceso para mostrar la perspectiva.
- Leonardo da Vinci hizo representaciones detalladas de las ruinas clásicas inscritas en el fondo de la pintura La adoración de los magos .
- Domenico Ghirlandaio creó una composición excepcionalmente compleja y de gran escala en tres niveles, incluidas las rampas que se desprenden de la pared. Elementos del paisaje, como la iglesia de la derecha, se ven en fragmentos a través de otras estructuras.
- Raphael en el cuadro Fuego en Borgo muestra edificios ubicados en una pequeña plaza, que son el fondo de los hechos mostrados y muestran la perspectiva.
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Giotto , Anunciación de Santa Ana , Capilla Scrovegni.
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Paolo Uccello , Introducción al Templo de la Virgen .
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Masaccio , Trinidad , Templo de Santa Maria Novella.
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Fra Angelico , Anunciación , San Marco, Florencia.
Paisaje
La representación en las pinturas de paisajes fue animada por el uso de la perspectiva lineal y la inclusión de paisajes detallados, influenciados por las primeras pinturas holandesas del siglo XV. Esta influencia surgió al darse cuenta de la necesidad de mostrar las perspectivas y caminos de la luz.
- Giotto representa varias piedras grandes para dar la impresión de una zona montañosa.
- Paolo Uccello creó un fondo detallado y surrealista para las pequeñas escenas.
- En el cuadro de Carpaccio La posición del cuerpo de Cristo, el paisaje rocoso devastado se hace eco de la tragedia de la escena.
- El paisaje de Mantegna tiene una cualidad escultórica tridimensional que habla de un espacio físico real. Los detalles de la roca, sus capas y fallas, sugieren el conocimiento del autor en el campo de la geología, las propiedades de la piedra caliza roja , muy extendida en las regiones del norte de Italia.
- Antonello da Messina crea una escena sombría de la crucifixión , como contraste con el campo tranquilo que se extiende hacia el horizonte.
- Giovanni Bellini pintó un paisaje detallado con escenas pastorales entre las laderas delantera y trasera de la montaña. La pintura muestra muchos niveles de terreno, lo que la hace similar a las pinturas de Ghirlandaio (arriba).
- Perugino en la pintura Adoración de los magos mostró el familiar paisaje montañoso de Umbría .
- Leonardo da Vinci, muestra el uso teatral de la perspectiva con empinadas laderas de montañas alrededor del lago Lago di Garda , al pie de los Alpes del norte de Italia .
Luz
La luz y la sombra en la pintura existen en dos formas. El tono es simplemente áreas claras e intermedias de imágenes, graduadas de blanco a negro. La composición tonal es una característica muy importante de algunas pinturas. El claroscuro es un modelo de superficies visibles en un cuadro de luces y sombras. A pesar de que el tono era una característica importante de las pinturas de la época medieval, no había ningún claroscuro en ellas. El claroscuro se convirtió en un elemento cada vez más importante de las pinturas de los artistas del siglo XV, traduciendo la imagen en un espacio aparentemente tridimensional.
- La Anunciación a los pastores de Taddeo Gaddi es la primera gran pintura conocida que representa un evento nocturno. La fuente de luz interna se enfoca en la imagen de un ángel.
- En las pinturas del celestial patrón de todos los artistas, Fra Angelico , la luz del día que entra por la ventana del monasterio ilumina suavemente las figuras y la celda circundante.
- En el cuadro El sueño del emperador, Piero della Francesca se interesa por la escena nocturna, el ángel iluminado. El artista aplica sus conocimientos científicos sobre la propagación de la luz. El dibujo tonal crea el elemento principal en la composición de la imagen.
- En La agonía en Getsemaní, Giovanni Bellini usa el efecto de un sol poniente en una tarde nublada para crear una atmósfera de tensión y tragedia inminente.
- En el retrato ceremonial de Domenico Veneziano , el claroscuro se utiliza para modelar la forma. La pintura contrasta el rostro pálido, el fondo y la ropa oscura con un corpiño estampado.
- Botticelli utiliza el claroscuro para modelar el rostro de una persona y los detalles de su vestimenta. La luz y las sombras en el borde de la ventana marcan el ángulo de incidencia de la luz.
- El presunto autor del retrato de principios del siglo XVI es Ridolfo del Ghirlandaio , Mariotto Albertinelli o Giuliano Bugiardini . La pintura incluye muchos efectos de iluminación. La forma está modelada por la luz y la sombra, el sol poniente da un efecto dramático, realzado por el paisaje. El patrón tonal crea ropa oscura y ropa interior blanca.
- En Juan el Bautista de Leonardo da Vinci , los elementos de la pintura, incluidos los ojos y la boca de una persona, están enmascarados en sombras, creando una atmósfera de incertidumbre y misterio.
Anatomía
Basado en gran parte en la observación, Leonardo da Vinci adquirió el conocimiento de la anatomía mediante el estudio de 30 cadáveres. Leonardo enseñó a los estudiantes la necesidad de observar de cerca la vida, llamados a hacer dibujos de un modelo vivo como parte integral de la pintura.
- El tema de la pintura de Cimabue La Crucifixión , gravemente dañado por la inundación de 1966, con el cuerpo inclinado y la cabeza baja, era común en el arte medieval. La anatomía está muy estilizada según la fórmula tradicional.
- Giotto abandonó la fórmula tradicional y se dedicó a la observación de las formas.
- La figura de Cristo de Masaccio se acorta cuando se ve desde abajo. La parte superior del cuerpo está tensa, Cristo parece respirar con esfuerzo.
- Giovanni Bellini no intenta mostrar la crueldad de la crucifixión, sino que crea la impresión de muerte.
- En el cuadro de Piero della Francesca Bautismo , la figura de Jesús está pintada con sencillez y ausencia de músculos pronunciados, lo que indica su naturalidad.
- La figura de Jesús en la pintura, que es una obra conjunta de Verrocchio y el joven Leonardo, probablemente fue diseñada por Verrocchio. Los contornos conservan la no linealidad gótica. Sin embargo, se cree que la mayor parte del torso fue pintado por Leonardo, lo que demuestra un buen conocimiento de la anatomía humana.
- La pintura de Leonardo da Vinci "San Jerónimo" muestra los resultados de un estudio detallado de la cintura escapular.
- Miguel Ángel utilizó la anatomía humana para lograr un efecto expresivo. Era conocido por su habilidad para crear poses expresivas, que fue emulada por otros pintores y escultores.
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Cimabué . Crucifixión de Santa Croce , 1287
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Giotto , Crucifixión de Santa Maria Novella , 1300
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Masaccio , Crucifixión de Santa Maria del Carmine (Pisa) , 1420
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Giovanni Bellini , Deposición
Realismo
Nació una nueva tendencia en las bellas artes italianas: una gran atención a la naturaleza circundante, las personas, las relaciones sociales. Había un estilo: el realismo. Los métodos de representar gestos simbólicos comunes en la pintura bizantina fueron reemplazados por la exhibición de emociones humanas, revelando el significado de la imagen.
- En el cuadro Resurrección , Giotto muestra soldados dormidos con rostros adormecidos ocultos bajo sus cascos, lo que enfatiza la facilidad de las poses.
- Andrea del Castagno interpretó al condotiero de cuerpo entero Pippo Spano con una expresión decidida en su rostro. Piernas y una mano con una espada sobresalen más allá del nicho pintado.
- Filippo Lippi , en sus primeros trabajos, representó de manera muy naturalista a un grupo de niños que se apiñaban alrededor de la Virgen María, mirando a la audiencia con inocente curiosidad. De estos, un niño tiene síndrome de Down .
- Masaccio representó el miedo y el dolor en los rostros de Adán y Eva expulsados del paraíso.
- Antonello da Messina pintó varias versiones de Esse Nomo , el Cristo martirizado, tal como fue presentado al pueblo por el gobernador romano. Estas pinturas suelen mostrar a Cristo en un papel trágico pero también heroico, minimizando la representación del sufrimiento. Antonello retrató emociones sorprendentemente realistas.
- En Lamentation over the Dead Christ, el artista Mantegna representó el cuerpo de Jesús desde un ángulo audaz, como si el espectador estuviera parado cerca.
- En este detalle de una pintura más grande, Mantegna representó a un niño pequeño chupándose el dedo, calzando pantuflas llenas de agujeros.
- En este retrato, Giorgione representó a una anciana con mucha naturalidad, su cabello desordenado, una boca abierta con dientes torcidos llaman la atención.
Dibujo composición
El componente más importante de la forma de arte, que le da unidad e integridad al trabajo, es la composición de la imagen. La solución compositiva está asociada a la distribución de objetos y figuras en el espacio, la relación de tamaños, luces y sombras, manchas de color, etc.
- La composición de la pintura de Giotto combina tres historias separadas en el contexto de una escena dramática. Judas traiciona a Jesús al besarlo. El beso, elegido por Judas como signo convencional para los soldados, es un saludo tradicional entre los judíos [1] . El Sumo Sacerdote intenta agarrarlo. Pedro abre la oreja del sirviente y da un paso adelante para poner sus manos sobre Jesús. En primer plano hay cinco figuras que rodean a Jesús de modo que solo se ve su cabeza. Con la hábil disposición de colores y gestos del artista, el rostro de Jesús se convierte en el punto focal de la imagen.
- En el cuadro La muerte de Adán , Piero della Francesca colocó al patriarca moribundo rodeado de miembros de su familia. Su importancia para la historia está enfatizada por los arcos de las figuras que se forman a su alrededor y los brazos diagonales que conducen a su cabeza.
- La pintura La resurrección del hijo de Teófilo es una obra sorprendentemente sólida, teniendo en cuenta que fue iniciada por Masaccio , pintada, desfigurada y finalmente completada por el artista Filippino Lippi . Masaccio pintó la parte central del cuadro.
- En la pintura de Pollaiolo , las ballestas de los arqueros en primer plano forman la base de su estructura compositiva. En la gran composición triangular creada, también hay un fondo.
- El cuadro de Botticelli Marte y Venus tiene una composición de la letra W. Los amantes se encuentran en un estado relajado. La composición está sostenida por cuatro pequeños ciervos.
- La habilidad de Miguel Ángel para componer el dibujo del Entierro ha inspirado a muchos artistas a lo largo de los siglos. En este panel, la figura vertical de Cristo es una pesada carga para quienes intentan llevarla.
- A primera vista, El otoño de los condenados de Signorelli representa un aterrador revoltijo de cuerpos, pero la hábil colocación de las figuras a lo largo de líneas que no se cruzan le da a la imagen un movimiento ondulante. La composición consta de un gran número de escenas individuales.
- En el cuadro La Batalla de Ostia de Rafael , el diseño es un ayudante. El primer plano de la pintura consta de dos formas arqueadas que se cruzan. La paliza de los cautivos en primer plano está junto a los cautivos arrodillados ante el Papa. La imagen del Papa se eleva por encima de la acción, el magnífico tocado de los soldados es un trampolín visual hacia el Papa. Dos figuras en los bordes de la imagen crean cierta tensión, una técnica empuja el borde de la imagen y la otra lo levanta.
Ciclos de frescos
Los ciclos de frescos representan el trabajo más laborioso y a gran escala que los artistas del Renacimiento italiano realizaron para templos, palacios o edificios públicos. Fueron pintados al final del período medieval en la Basílica de San Francisco de Asís , seguidos por la obra de Giotto del Proto-Renacimiento, la obra de Gozzoli Benozzo encargada por los Medici en la Capilla de los Magos . El mayor logro en este campo es el trabajo de Miguel Ángel encargado por el Papa Julio II en la Capilla Sixtina .
- Giotto pintó la gran Capilla Scrovegni en Padua con escenas de la vida de la Virgen y la vida de Cristo. Rechazando las tradiciones medievales, estableció un nuevo estándar para la pintura naturalista.
- Dos grandes frescos, Alegorías del Buen y del Mal Gobierno de Lorenzetti , muestran la vida de la gente del pueblo, enfatizando la necesidad del orden público.
- En contraste, los frescos del ciclo Triunfo de la Iglesia de Andrea Bonaiuti muestran el papel de la iglesia en la vida de la sociedad. La pintura incluye una vista de la Catedral de Florencia.
- Masaccio y Masolino da Panicale trabajaron en la Capilla Brancacci , completando el ciclo de frescos Vida de San Pedro . El ciclo es conocido por las innovaciones realistas de Masaccio, el estilo elegante de Masolino.
- El ciclo de frescos de Piero della Francesca en la Basílica de San Francesco en Arezzo está asociado con la Leyenda de la Vera Cruz. Los frescos muestran los logros del artista en luz y perspectiva lineal.
- Los frescos de Benozzo Gozzoli en la Capilla de los Reyes Magos del Palacio Medici-Riccardi están escritos en estilo gótico con una imagen intrincada y ricamente ornamental de los Medici (en la procesión del Rey Joven en la pared este de la Capilla, el El artista se representó a sí mismo con un sombrero rojo con la inscripción Opus Benotii) y tres Reyes Magos.
- El intrincado ciclo de obras del Dom Este Palazzo Schifanoia en Ferrara, realizado en parte por el artista Francesco del Cossa , es caprichoso en sus descripciones de deidades clásicas y signos del zodíaco, que se incorporan a escenas de la vida familiar.
- Los frescos de Andrea Mantegna también muestran la vida familiar con elementos de realismo, imágenes de habitaciones, escaleras. La parte superior de la chimenea forma el suelo de las figuras representadas.
- Mientras que los historiadores en la Capilla Brancacci intentan identificar a Masaccio, Masolino y posiblemente Donatello entre los apóstoles, Domenico Ghirlandaio en la Capilla Sassetti no intenta disfrazar a sus modelos. Cada fresco de su ciclo religioso tiene dos conjuntos de figuras: los que cuentan historias y los que las escuchan. En la escena de la Natividad de la Santísima Virgen María, se representan mujeres florentinas que entraron, como para felicitar a la Virgen María.
- El ciclo Castigo de los levitas rebeldes del artista Sandro Botticelli muestra episodios de la vida de Moisés relacionados con la vida de Cristo. El ciclo fue creado en la década de 1480 para decorar la Capilla Sixtina por los artistas Botticelli, Perugino, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli. Los artistas trabajaron armónicamente, según un esquema predeterminado.
- La pintura de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina, que completó solo en cinco años, muestra escenas del Génesis, figuras de los profetas y antepasados de Cristo. El mural estaba destinado a convertirse en una de las obras de arte más famosas.
- Raphael Santi y sus ayudantes pintaron conjuntamente las cámaras papales. El fresco de la Escuela de Atenas de Rafael muestra personajes ilustres de la época, entre ellos Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Bramante, así como imágenes de los propios artistas, presentados como filósofos de la antigua Atenas [2] . Los frescos creados por Rafael son imágenes alegóricas de la actividad humana: "La escuela de Atenas" - filosofía, "Disputa" - teología, "Sabiduría, moderación y fuerza" - justicia, "Parnaso" - poesía. En este ciclo de frescos, Rafael mostró cuatro fundamentos sobre los que, en su opinión, debe descansar la sociedad humana: la razón (filosofía, ciencia), la bondad y el amor (religión), la belleza (arte), la justicia (justicia).
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Giotto , Capilla Scrovegni, Padua 1305-1310.
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Lorenzetti , Alegoría del Buen Gobierno , Siena , 1338.
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Andrea Bonaiuti , Capilla española en la Iglesia de Santa Maria Novella , 1350.
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Masolino , capilla Brancacci. 1424-1427.
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Piero della Francesca , Leyenda de la Vera Cruz, Arezzo, 1450.
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Benozzo Gozzoli , Capilla de los Reyes Magos, Florencia, 1459.
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Francesco del Cossa , Palacio Cifania, Ferrara, 1470.
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Andrea Mantegna , La Corte de Gonzaga , Mantua, 1471-1474.
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Domenico Ghirlandaio , Capilla Sassetti, Florencia, 1483-1486.
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Botticelli , Capilla Sixtina, Vaticano, 1480.
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Miguel Ángel , Miguel Ángel, techo de la Capilla Sixtina, Vaticano, 1508-1511.
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Rafael , Escuela de Atenas , Vaticano, 1509-1510.
Pinturas de altar
Los altares ocupaban un lugar central en el templo. En Occidente, una imagen de altar también se llamaba a menudo altar: una imagen pictórica o una composición de elementos pictóricos, escultóricos y arquitectónicos colocados sobre el trono. En Italia, en la parte central del altar, por regla general, se representaba a la Virgen o al santo patrón, y en las alas, varios santos, escenas de cuyas vidas se colocan en la parte inferior.
- Las dos Vírgenes de los retablos de Cimabue y Duccio di Buoninsegna muestran enfoques diferentes de un tema que ha sido formalizado y constreñido por las tradiciones existentes. Aunque las posiciones de la Virgen y el Niño en las dos pinturas son muy similares, los artistas representaron a la Virgen de manera diferente. El trono de Cimabue está representado en perspectiva. Los ángeles circundantes, sus rostros, alas y halos, están posicionados para formar un rico halo a la Virgen. El niño se sienta como un rey, con las piernas colgando en el mismo ángulo que las de su madre.
- En Madonna Rucellai de Duccio di Buoninsegna , de 4,5 metros de altura, el trono está colocado en diagonal. El niño también se sienta en diagonal a la madre. La posición de los ángeles arrodillados se representa de manera simplificada, sus ropas tienen una variedad de hermosas combinaciones de colores. En el manto de la Virgen, un borde dorado curvo define la forma y los contornos, animando toda la composición.
- La Virgen representada por Giotto se encuentra actualmente en la misma sala de los Uffizi que las pinturas de Cimabue y Duccio. El uso que hace Giotto de una cierta corriente de visión, la observación de la naturaleza, permite comparar su obra con la de otros artistas. A pesar de que su pintura se encuentra en el altar, se desvía de las tradiciones de escritura existentes. Imagen de la Virgen en tres dimensiones. El nicho representado realza este efecto. A los lados hay ángeles dispuestos simétricamente con diferentes ropajes en las escrituras.
- Cien años después, Masaccio, dentro de las limitaciones de hacer retablos, crea con confianza un dibujo tridimensional de un bebé regordete Christos chupándose los dedos. En perspectiva, los laúdes se muestran tocados por angelitos.
- El pintor Fra Beato Angelico se destacó por su delicadeza al representar a la Virgen, como lo demuestra la forma en que los ángeles se agrupan a su alrededor.
- En el cuadro de Piero della Francesca , el marco se transforma en un nicho clásico. El artista se refiere a una perspectiva lineal a la luz del día. La Virgen se representa tradicionalmente a mayor escala que otras figuras.
- La pintura de Bellini combina el realismo en la representación de figuras con las tradiciones bizantinas en la pintura de iconos.
- El artista milanés Bergognone se basó en el trabajo de Mantegna y Bellini para crear una pintura en la que la túnica roja y el cabello dorado de Catalina de Alejandría se equilibran eficazmente con las túnicas blancas y negras contrastantes de Catalina de Siena. El cuadro está enmarcado por un arco de ladrillos rotos.
- En la pintura Madonna della Vittoria de Andrea Mantegna , la Virgen ocupa una posición central, enmarcada por un cenador de guirnaldas, pero el condotiero italiano, el marqués de Mantua Francesco II Gonzaga y los heroicos santos Miguel y Jorge también están en el centro de atención.
- Leonardo da Vinci abandonó cualquier formalidad y rodeó a la Virgen y el Niño de una naturaleza majestuosa.
- En la Madonna Sixtina , Rafael utiliza la forma de un retrato ceremonial enmarcado con cortinas verdes a través de las cuales se puede ver al Papa Sixto II, que da nombre a la obra. Esta obra se ha convertido en un modelo tanto para el artista Murillo como para muchos otros artistas.
- Andrea del Sarto utilizó la manera del realismo en su pintura, colocando a la Virgen sobre un pedestal clásico, como si fuera una estatua. Cada figura en su pintura se encuentra en un estado de inestabilidad, como se puede ver en las figuras arrodilladas. La imagen muestra las tendencias que se desarrollaron más tarde en la pintura manierista.
Temas
Se produjeron grandes cantidades de representaciones renacentistas de la Virgen y el Niño , más a menudo para clientes privados. También se realizaron en gran número escenas de la vida de Cristo , la vida de la Virgen María y la vida de los santos , especialmente escenas relacionadas con la Natividad y la Pasión de Cristo .
Los mecenas adinerados encargaron arte secular para decorar sus hogares.
madonna
Pequeñas pinturas que representan a la Virgen se encuentran en la mayoría de los museos de arte del mundo. Los cuadros se pintaban más a menudo por encargo de particulares, pero también se encargaban cuadros para los altares de las capillas.
- En el cuadro , la Virgen y el Niño con dos ángeles , el ángel sonriente sostiene al niño Jesús. En la pintura de Filippo Lippi se puede sentir la influencia de la obra de Botticelli .
- Verrocchio separa a la Virgen y al niño Jesús del espectador a través de un alféizar de piedra, que también se utiliza en muchos de los retratos. Las rosas y las cerezas simbolizan el amor espiritual y sacrificial.
- La pintura de Antonello da Messina , Madonna and Child, se parece mucho a las pinturas de Verrocchio, pero tiene muchas menos convenciones, parece que el niño se mueve y no posa para el artista.
- Las figuras de la Virgen y el Niño de Leonardo da Vinci están colocadas en diagonal. Esta composición se repite en muchas de sus obras.
- La pintura de Giovanni Bellini fue influenciada por el icono ortodoxo griego . La tela azul de esta pintura está escrita sobre un fondo de pan de oro. Al fondo hay una ciudad junto al río, un jinete y unos reyes magos.
- En el cuadro de Vittore Carpaccio , la Virgen y el Niño con san Juan Bautista, la ropa moderna del niño es insólita. Los detalles cuidadosos de la vida cotidiana fueron característicos de la pintura holandesa temprana .
- Madonna Doni de Miguel Ángel es la pintura más grande en exhibición. La pose de la Virgen es inusual, las tres cabezas en la parte superior de la imagen tienen funciones complejas. La imagen está imbuida de simbolismo. Entonces, el trébol en primer plano simboliza la Trinidad, el hisopo antes de Juan el Bautista: el bautismo. Los enigmáticos desnudos masculinos del fondo, separados de la Sagrada Familia por una franja horizontal, no miran a Cristo. La literatura sobre arte ofrece numerosas interpretaciones de estas figuras, desde las teológicas (antiguos paganos esperando el bautismo) hasta las psicoanalíticas (deseos homosexuales del autor) [3] [4] .
- Rafael combinó hábilmente las fuerzas opuestas con el juego. Madonna y el niño se miran con una mirada amorosa.
Nú
Cuatro pinturas muy conocidas demuestran el surgimiento y la aceptación del "desnudo" como tema para los artistas.
- En El nacimiento de Venus de Botticelli , la figura desnuda es central en la pintura. La trama de la imagen es una historia de la mitología clásica. El hecho de que la Diosa Venus nazca de la espuma del mar y llegue a tierra es una forma iconográfica de su representación en la época contemporánea de la artista. El cuadro fue pintado para Lorenzo di Pierfrancesco Medici. La diosa desnuda flota hacia la orilla en el caparazón de una concha acanalada en forma de corazón [5] , impulsada por el viento. En el lado izquierdo de la imagen, Zephyr (el viento del oeste), en los brazos de su esposa Clorida, sopla sobre una concha, creando un viento lleno de flores. En la orilla, la diosa se encuentra con una de las gracias.
- El propósito de la pintura de Giovanni Bellini creada treinta años después no está del todo claro. En la obra renacentista, la presencia de un espejo tiene un significado simbólico, sugiriendo algún tipo de alegoría. La desnudez de una joven no es tanto un signo de seducción como de inocencia e indefensión. La presencia de dos espejos es un signo de infinito. El espejo es a menudo un símbolo de profecía, vanidad. La joven interpreta el papel de Narciso .
- La pintura de Giorgione precede a Bellini en diez años. La pintura, conocida como la Venus durmiente , se distingue por la ausencia de elementos simbólicos, y el énfasis está en el cuerpo como objeto de belleza. Se cree que la pintura fue completada por Tiziano.
- La pintura de Tiziano Venus de Urbino , por otro lado, fue pintada para la diversión del duque de Urbino, y como Botticelli en su pintura El nacimiento de Venus , la mujer mira directamente al espectador. Venus está representado por una mujer joven como símbolo de la perfección celestial.
Autorretrato
Con el crecimiento de la habilidad del retrato realista de los artistas del Renacimiento, se presta cada vez más atención a las figuras representadas. Los artistas no pierden la oportunidad de poner un autorretrato en su cuadro. Hay varios autorretratos del artista Domenico Ghirlandaio , quien también pintó un retrato de toda su familia (Capilla Tornabuoni, Santa Maria Novella, 1485-90): el padre Tommaso, él mismo, el hermano David y el cuñado Bastiano Mainardi, quien lo ayudó en las pinturas, se conocen autorretratos de Leonardo da Vinci, Luca Signorelli, Tiziano, Rafael, Botticelli y otros.
A lo largo del siglo XV, el retrato "oculto" se vuelve cada vez más evidente; los personajes individuales del lienzo religioso se transforman en retratos grupales. El creciente realismo de la pintura se deriva de nuevas formas de retrato de donante y de caballete.
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Baldovinetti , Autorretrato. Fresco de la Iglesia de Santa Trinita en Florencia. Almacenado en la Accademia Carrara, Bérgamo.
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Masaccio , Autorretrato, fragmento del fresco "St. Pedro en el púlpito" de la Capilla Brancacci.
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Tiziano , Autorretrato, hacia 1567.
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Leonardo da Vinci , Autorretrato , hacia 1510-1515
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Lorenzo di Credi , Lorenzo di Credi o Perugino, "Autorretrato (Retrato de Lorenzo di Credi"
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Rafael Santi , Autorretrato.
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Benozzo Gozzoli , Autorretrato. 1459 Fragmento del fresco "Procesión de los Reyes Magos" de la Capilla de los Reyes Magos en el Palacio Medici-Riccardi.
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Sandro Botticelli , Autorretrato , detalle del fresco de la Adoración de los Magos, hacia 1475.
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Domenico Ghirlandaio , Autorretrato de Domenico Ghirlandaio (derecha)
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Ghirlandaio, "La expulsión de Joaquín del templo", Capilla Tornabuoni, retrato de grupo familiar del artista, 1485 - 1490.
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Autorretrato de Domenico Ghirlandaio.
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Autorretrato de Domenico Ghirlandaio (izquierda).
Mitología clásica
Las pinturas con temas de la mitología clásica fueron creadas por artistas para salones en las casas de clientes adinerados. Botticelli creó sus obras más famosas para los Medici, Rafael representó a Galatea para un banquero italiano que prestó dinero a los papas Julio II y León X, Cesare Borgia y la familia Medici - Agostino Chigi , las pinturas de Bellini La fiesta de los dioses y algunas obras de Tiziano - para la casa del Duque de Ferrara, Módena y Reggio Alfonso I d'Este .
- En el cuadro de Pollaiolo , Hércules y la Hidra , el bien triunfa sobre el mal. El tema de Hércules está asociado con el personaje bíblico Sansón , quien era conocido por su fuerza al matar al León.
- En Palas y el centauro de Botticelli , la diosa Atenea, personificando la sabiduría, toma al centauro por el cabello, que es un símbolo de la superación de los instintos burdos que simboliza el centauro.
- La trama del cuadro de Rafael El triunfo de Galatea tiene un origen clásico. Se trata de la naturaleza del amor. Mientras el entorno de Galatea, herido por las flechas de Cupido, se esfuerza por el amor terrenal, Galatea opta por el amor espiritual, desviando la mirada al cielo.
- La pintura de Bellini, terminada por Tiziano , Baco y Ariadna , presenta a los espectadores una representación naturalista de los antiguos dioses y su alegre entorno.
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Pollaiolo , Hércules y la Hidra , 1470.
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Botticelli , Palas Atenea y el Centauro , 1481.
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Rafael , Triunfo de Galatea , 1511
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Bellini , Fiesta de los Dioses , 1514.
Véase también
Fuentes
generales
- Smirnova I. A. Pintura monumental del Renacimiento italiano. Ed. M. Arte. 1987
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Artistas
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Notas
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