| Dmitri Zhilinsky | |
| Por el mar. familia _ 1964 | |
| Tablero duro (o aglomerado [1] ), yeso , témpera de acetato de polivinilo , laca. 125×90cm | |
| Galería Estatal Tretyakov , Moscú |
"Por el mar. Familia " - una de las pinturas más famosas del Artista del Pueblo de la RSFSR , Académico de la Academia Rusa de Artes Dmitry Zhilinsky . Creado en 1964. Está en la colección y exposición de la Galería Estatal Tretyakov [2] .
El cuadro "Junto al mar. Familia”, la directora adjunta de la Galería Tretyakov, Irina Lebedeva , llamó la tarjeta de presentación del artista en la colección del museo. Fue reproducido en muchas postales, carteles, la portada del catálogo de las obras del artista en su exposición individual. La pintura es uno de los lienzos más famosos del artista [3] . Un crítico de arte moderno ve en la pintura "un himno a la vida, al amor, a la maternidad, a la infancia, la apoteosis de un raro momento de unidad con la familia y la naturaleza" [4] .
En 1961, el artista viajó a Italia , donde estudió pintura renacentista [5] . Las obras de Giotto y Paolo Uccello [6] le causaron una gran impresión . Al trabajar en esta imagen, Zhilinsky utilizó por primera vez una nueva técnica para sí mismo: el temple [7] . Las tradiciones de la técnica de la pintura al temple sobre yeso sobre un tablero de partículas se remontan al arte bizantino y ruso antiguo, y en parte a las obras de los antiguos maestros europeos. La técnica de la pintura al óleo dejó de cumplir con las intenciones de Zhilinsky. El propio artista recordó: "En algún lugar a principios de los años sesenta, mi amigo Albert Papikyan me dio una témpera y me dijo: 'En mi opinión, este es tu material'" [8] [9] . Dmitry Zhilinsky generalmente no usaba tableros de madera, sino tableros duros y de partículas (contrapartes más asequibles con rigidez). Antes de aplicar yeso a un aglomerado con una superficie irregular, el artista pegó una tela sobre él. Aplicando témpera de acetato de polivinilo a la imagen , Zhilinsky la combinó con una emulsión de yema para fortalecer y preservar la saturación del color [9] .
En la exposición donde el artista presentó por primera vez el cuadro “Junto al mar. Familia”, los organizadores lo ubicaron en el departamento gráfico, citando que no se trataba de una pintura al óleo . Fue transferida al departamento de pintura solo después de la intervención personal de E. F. Belashova , quien ocupaba un alto cargo en la Unión de Artistas de la URSS [10] .
La técnica de pintura es al temple de acetato de polivinilo sobre tablero duro y yeso, barnizado [11] (también se mencionan otras opciones en prensa periódica, monografías y artículos, por ejemplo, pintado al temple sobre tabla de madera y yeso y barnizado encima [12] [13] , más una opción es aglomerado [1] ). Tamaño - 125 × 90 cm . Cuadro «Junto al mar. Family” se encuentra en la colección de la Galería Estatal Tretyakov [14] . Ingresó al museo en 1968, con ella comenzó la formación de una colección de obras del artista en la Galería Tretyakov [15] . Zhilinsky habló sobre la adquisición de esta pintura por parte del museo (con la preservación de la ortografía del autor ):
“Mi primera imagen pequeña es “Familia. Por el mar". La Galería Tretyakov me lo compró, no recuerdo exactamente cuánto, pero por un buen dinero. La Galería Tretyakov, el Ministerio de Cultura , todos se quejaron entonces de que las exposiciones de toda la Unión , el Manege , y los artistas estaban tratando de hacer grandes pinturas. Y nosotros, dicen, necesitamos comprar, ¿y qué hacer con ellos? Yo digo: anuncias que me pagaron un millón por una pequeña, luego todos harán pequeñas. Pero no lo dijeron".
— Dmitri Zhilinsky, Alexey Kozyrev [10]Actualmente, la imagen se presenta en la Nueva Galería Tretyakov en una exposición permanente en la sala número 36 [1] [16] . Antes de eso, había estado en la sala número 42 del edificio principal del museo durante mucho tiempo [17] .
En la colección de la Galería Tretyakov hay un boceto con un lápiz de grafito sobre papel, de 19,9 × 14 cm de tamaño , llamado "Retrato de un hijo" [8] [18] . También hay otro boceto con lápiz de grafito sobre papel, de 57,5 × 39,8 cm , llamado “Niña desnuda. Cabeza. Mano. Torso " [19] .
La pintura y los bocetos de la misma han representado en repetidas ocasiones la obra del artista en sus exposiciones personales y colectivas. Entre los últimos: "Dmitry Zhilinsky" en el Museo Ruso (personal, San Petersburgo , 14 de noviembre de 2012 - 25 de febrero de 2013) [20] , "La creación del mundo" - una exposición en la Academia Rusa de las Artes ( personal para el 90 aniversario del artista, Moscú, del 24 de mayo al 18 de junio de 2017) [21] , “Dmitry Zhilinsky. The Inner Circle" en la Galería Tretyakov (personal, Moscú, 13 de abril - 5 de julio de 2018) [22] .
La pintura representa el Mar Negro , que Zhilinsky llamó su patria [3] . En un muelle rocoso , contra el fondo de agua esmeralda y otro muelle en la distancia, se encuentra una hermosa mujer en traje de baño escarlata, abrazando a su hija y acariciando a un niño pequeño [23] . El centro semántico de la composición “Junto al mar. Familia" se convirtió en la imagen de una mujer, la encarnación de las ideas del artista sobre el ideal de la feminidad y la maternidad [8] . Frente a ellos, recién salido del agua, un hombre mira a quemarropa: padre y marido [23] . Levanta un pez en la punta del arpón [24] [25] . Las figuras de los hijos y el esposo complementan la imagen armoniosa de la familia. Madre e hija se tocan con confianza. La madre levanta la mano por encima de la cabeza de su hijo, lo que, según Anna Dyakonitsyna, puede interpretarse como un gesto de protección. La mano del niño se dirige hacia el pez que ha pescado su padre. El cabeza de familia es el único de todos los personajes del lienzo que mira directamente al espectador. Su postura y mirada fueron vinculadas por el crítico de arte de la Galería Tretyakov con la propia situación de posar, mientras el artista pintaba su autorretrato , mirándose en el espejo. Dyakonitsyna vio desapego y reflexión en su apariencia : características de la cosmovisión de una persona del siglo XX, que aparecen a través de la forma clásica y la estructura figurativa de la imagen [8] .
Los héroes de la imagen son retratos. La pintura en sí es un autorretrato con su esposa e hijos [8] . Según Anna Dyakonitsyna, la imagen muestra una familia armoniosa en la que los padres protegen y apoyan a la generación más joven [5] .
En primer plano, Zhilinsky se representó a sí mismo y a su familia [26] :La candidata a crítica de arte Olga Baldina describió su primera impresión de la pintura en sus años de juventud:
“A primera vista, la obra llamó la atención. Había en él algo no del todo familiar a la pintura de aquellos años, incluso extraño: cierta convención de la imagen de manera incomprensible combinada armónicamente con la realidad, la casi tangibilidad de los personajes... No se trataba sólo de una historia balnearia, una historia sobre una familia próspera de vacaciones en el mar. Había algo más en el cuadro: un himno a la vida, al amor, a la maternidad, a la infancia, la apoteosis de un raro momento de unión con la familia y la naturaleza. A través de la aparente cotidianidad de la trama, se trasluce algo profundamente íntimo ya la vez universal, casi simbólico: la familia como portadora de valores espirituales y morales.
Olga Baldina . Dmitry Zhilinsky - hombre y artista: en el aniversario del maestro [4]Décadas más tarde, ya en 2012, Baldina nota la profundidad simbólica de la imagen de la “madre – la guardiana del hogar familiar” y el padre – una persona hermosa, joven y valiente, que recuerda a los personajes del Renacimiento para el espectador, ella ve la “sacralidad del simbolismo cristiano ” en la imagen del pez [4] .
Según Platon Pavlov, Zhilinsky no solo usa la técnica de la pintura antigua, sino que en algunos aspectos recurre a la estilización. La inmovilidad concentrada de los rasgos faciales en un autorretrato en la imagen, con un dibujo bastante rígido y una técnica de pintura "suave", debe evocar en la mente del espectador asociaciones con retratos no solo del Renacimiento italiano , sino también del llamado Renacimiento del Norte (por ejemplo, con “Retrato de un hombre con un clavel ” de Jan van Eyck ). Al mismo tiempo, Zhilinsky se burla del " ritual del baño ", de sí mismo, de sus amigos de MOSH . Pavlov ve una ligera ironía en esto. Ella y la calidez de la imagen de la mujer y los hijos suavizan la estática representatividad del cuadro [34] .
Pavlov señaló que, desde el punto de vista de la perspectiva, en la imagen se pueden distinguir tres partes y tres planos. El primer plano -el artista y su familia- tiene un sistema de perspectiva lineal . El segundo plan son los personajes en un kayak . Tiene un sistema diferente y un punto de fuga diferente; plan distante - propio. Los planes segundo y tercero sirven como antecedente para el primero. La brecha entre el segundo y el tercer plan es menos notable. Si continúa mentalmente el plano pictórico hacia la derecha y así "completa" la imagen del kayak, entonces su popa estará casi al nivel de los nadadores en el fondo. Pavlov escribió: de esto debería deducirse que la distancia entre el kayak y el lugar de baño es insignificante, sin embargo, las dimensiones del kayak y los que están sentados en él, en comparación con los tamaños de las figuras en el fondo, muestran una distancia significativa . Esto se contradice con el ángulo de visión desde el que el espectador mira el kayak. Estas contradicciones no son evidentes para el espectador, pero tal violación de la perspectiva afecta la percepción de la imagen. El espectador siente “no tres partes de un espacio, sino, por así decirlo, tres partes independientes, desplazadas en una imagen del espacio” [35] .
Maria Shashkina señaló que las figuras del primer plan contienen un comienzo atemporal. Sus posturas están imbuidas de significado. El crítico de arte comparó la figura de un niño con la de los bebés en las pinturas del Renacimiento. En el autorretrato del artista, Shashkina vio inmovilidad separada y precisión anatómica. Las estilizaciones e idealizaciones en el espíritu de los viejos maestros de las figuras de primer plano Shashkina contrastaron con el kayak y el canotaje enfáticamente modernos, la pesca y la gente que se baña alegremente en el fondo. El artista los describió como divertidos, comunicándose simple y libremente entre sí. Los niveles pictóricos, diferentes en significado y estado de ánimo, están unidos por una composición compleja y equilibrada y un solo color. Está construido sobre colores corporales, rojo (que tiene un significado especial, ya que se distingue por una expresión extraordinaria y la capacidad de combinar toda una gama de estados de ánimo y estados humanos), amarillo-oliva y azul-verde, su combinación fue utilizada por Maestros del Renacimiento y pintores de iconos rusos. Los colores se inscriben con manchas locales en el estricto contorno del dibujo. El artista abandonó la perspectiva clásica, el carácter narrativo y la construcción compositivo-espacial escénica propia de la pintura de género. El color, según Maria Shashkina, le da a la imagen un contenido profundo y de múltiples capas, que fue invertido por los maestros bizantinos , rusos antiguos y más tarde por Kuzma Petrov-Vodkin [36] .
La crítica de arte soviética Nina Vatolina señaló que el artista separó el marco del retrato familiar en la imagen para acomodar su entorno amistoso, afectos y simpatías. Esta imagen, como otros retratos grupales de Zhilinsky, está impregnada de la complejidad de las conexiones espirituales, la veracidad de los sentimientos incrustados en ellas. Se perciben como género, traman cosas, pero contienen "un subtexto amplio y significativo del pensamiento del autor, dando a todo lo que sucede un significado especial y profundo". Los dos colores principales que utiliza el artista son el cinabrio del traje de baño y el color esmeralda del agua. Se combinan con el color rosa perla del cuerpo del niño y los tonos dorados del color de las figuras adultas, y esto crea una alegre armonía de colores puros, comparados según un principio cercano a la pintura rusa antigua. Con el mundo alegre que lo rodea, la mirada del artista llena de ansiedad contrasta fuertemente. En contraste con el mundo sereno y la tensión contenida del alma, Vatolina vio "la esencia del amor, la sombra del dolor y la vulnerabilidad aguda que siempre acompaña a nuestros vínculos con los seres amados, que no nos abandona, y que tal vez suena especialmente fuerte en nuestros momentos más brillantes". Según Vatolina, este enfoque le da a la imagen una plenitud psicológica. Entre otras ventajas, el historiador de arte soviético señaló: absoluta convencionalidad con pleno respeto por la forma natural, integridad armoniosa con gran detalle, dominio de la ejecución, ternura penetrante por la belleza femenina y debilidad del niño [37] .
El Doctor en Historia del Arte Vitaly Manin argumentó que la pintura “Junto al mar. Family" muestra la indiferencia del artista "hacia las luchas sociales, pero transmite con mucha precisión la vitalidad, el deseo de una persona de encontrar la plenitud de la vida en vacaciones, en casa o en los deportes" [38] . Según Vitaly Manin, la novedad del sistema de color de la pintura permite atribuirla al "estilo severo", pero el tema y su interpretación divergieron de la vida "severa" representada por los representantes de esta corriente en la pintura soviética. . El hombre de la imagen tiene el rostro de un héroe antiguo. El color del cuerpo va desde la masculinidad del padre pasando por la feminidad de la madre hasta la indefensión del niño. Esta diferencia se complementa con el verso: Nina Zhilinskaya se presenta en una “postura relajada femenina”, a la que se opone la figura decisiva de la autora [39] .
Debido a que la pintura es local, el dibujo y la línea adquieren protagonismo en el lienzo, lo que se aprecia en el contraste de contornos de figuras y objetos. El espacio, según Vitaly Manin, está construido por el artista en la imagen condicionalmente, pero se siente en la yuxtaposición de figuras: grandes en primer plano y más pequeñas en la distancia. Figuras cercanas al espectador, pero de igual tamaño que las lejanas, las cubren, lo que también enfatiza la profundidad del espacio. "Superponer" unos estilos sobre otros se asemeja a una aplicación . El mar, según el crítico de arte, no participa en la transmisión de la perspectiva, sino que es el fondo. Al mismo tiempo, el color del agua, independientemente de la distancia en relación con el espectador, no cambia. Debido a esto, se crea una sensación de espacio, que no se desarrolla en la distancia, sino de abajo hacia arriba. El volumen de las figuras de los personajes está indicado, pero no deletreado por el artista [39] .
La candidata a crítica de arte Victoria Lebedeva en libros sobre el trabajo del artista señala que el espectador no deja una sensación del simbolismo representado en el lienzo. Todo lo presente en la imagen se congeló en " inmovilidad modelo ". Los personajes sólo "significan" movimiento. No hay contacto entre ellos. No hay contacto entre los personajes y el público. El protagonista del lienzo es estricto, concentrado, su mirada está inmersa en sí mismo [24] [25] .
El lienzo no se presenta como un esbozo lírico cotidiano de la vida de una familia soviética feliz, sino como una acción ritual, donde los personajes parecen ser actores en el escenario del teatro, interpretando su papel. Victoria Lebedeva otorga especial importancia a la apariencia de un pez plateado brillante sobre el fondo del agua oscura, un símbolo de Jesucristo y la "unidad de las personas". En la construcción de la imagen, Lebedeva también nota la convencionalidad y el simbolismo, el "levantamiento" de la perspectiva, el espacio cerrado del fondo. Las figuras de los personajes en primer plano están escritas desde abajo, esto crea la ilusión de que están levantadas sobre cothurni . Están "viniendo", es decir, se revelan al espectador como "un símbolo perfecto de las relaciones humanas". Al mismo tiempo, el fondo azul verdoso sin matices del mar, en el que no hay movimiento, enfatiza una vez más la naturaleza estática de las figuras de los héroes de la imagen. El color de este último se basa en rellenos de colores contrastantes, por ejemplo, una mancha roja de un traje de baño contra un fondo azul verdoso del mar. Este y otros puntos rojos en diferentes partes de la imagen le dan un toque de ansiedad. El color de los cuerpos de los personajes es diferente: el padre tiene un bronceado oscuro, el niño tiene una delicada blancura [24] [25] .
Cuadro «Junto al mar. Familia” se basa en contrastes y contradicciones internas. El idilio original se desmorona tras un cuidadoso estudio del lienzo, "dando lugar a la reflexión sobre los muchos problemas de la vida". Según Victoria Lebedeva, Zhilinsky convirtió un episodio ordinario en un fenómeno épicamente significativo [24] [25] .
El crítico de arte Kirill Svetlyakov cuenta con esta imagen el comienzo de toda una tendencia en el arte soviético tardío: el retrospectivismo. Características del estilo de pintura de la pintura “Junto al mar. Familia”, considera por la técnica de su creación: la témpera exige la linealidad del patrón compositivo y la necesidad de “escribir en grandes planos”. En el arpón , que el propio artista sostiene en el cuadro, el crítico de arte ve al mismo tiempo el arma del cazador, la batuta del conductor y el "símbolo del poder masculino". Svetlyakov correlaciona la imagen de su esposa e hijos con la imagen de las gracias en la pintura " Primavera " de Sandro Botticelli . En su opinión, Dmitry Zhilinsky evocó deliberadamente imágenes de la pintura de Botticelli en la memoria de la audiencia, con la esperanza de que "los espectadores educados se dejen llevar por el juego de las alusiones ". Svetlyakov cree que esto es característico del realismo socialista , que contrastó el humanismo renacentista con el modernismo occidental y la cultura popular . Afirma que el cuadro “Junto al mar. Family” es un ejemplo único de compromiso entre la cultura de masas (vacaciones en el Mar Negro) y la élite (referencias al Renacimiento). En esta imagen, también ve asociaciones con las obras del arte pop estadounidense , que se estaba extendiendo en Occidente en ese momento [1] .
Anna Dyakonitsyna encontró características comunes en las pinturas de Zhilinsky “Junto al mar. Familia" y "Gimnastas de la URSS" (1964-1965, Museo Estatal Ruso ). El espacio de ambos lienzos está desprovisto de profundidad. Los planes se superponen entre sí como una aplicación. En el dibujo se nota la influencia del academicismo y la ausencia de una transferencia de volumen “forzada”, característica de los primeros lienzos del artista. Un protagonismo especial en estas dos pinturas lo adquiere la silueta de las figuras y el color local en el que se pintan fragmentos significativos de la composición. Los colores escarlata y verde azulado, blanco y marrón, rojo y negro se oponen entre sí, esto resalta los diferentes planos de la imagen. El color adquiere la materialidad de los colores en la pintura de iconos [8] [40] .
En estas pinturas, el artista se alejó del plein airism , etude , la transmisión del entorno espacial luz-aire que rodea los objetos, característica de la escuela de pintura de Moscú . La actitud atenta a todos los fenómenos del universo, tanto grandes como pequeños, en estas pinturas, según Dyakonitsyna, acerca a Zhilinsky a la cosmovisión de los maestros del Renacimiento , especialmente a la cosmovisión de los pintores del Renacimiento del Norte, y a algunos medida - la Edad Media . Al mismo tiempo, estas dos pinturas de Zhilinsky no son una reproducción fotográficamente fiel de la naturaleza, sino su recreación según las leyes del arte. A pesar del interés por los detalles, Zhilinsky no está interesado en lo momentáneo, sino en la eternidad, en la que el pasado y el presente están conectados, y los eventos del día están correlacionados con temas "eternos" [8] [26] .
Dyakonitsyna creía que la base de la pintura “Junto al mar. Familia” son las impresiones del artista de unas vacaciones de verano. La composición incluye muchos detalles específicos vistos por el artista en la playa del Mar Negro: poses, movimientos, ángulos, detalles del baño. Al mismo tiempo, el artista no solo sigue los cánones establecidos del género cotidiano , sino que también da una interpretación simbólica de la escena representada [26] [8] .
La Comisión de toda la Unión para el tiro deportivo bajo el agua realizó un estudio a principios de la década de 1990 de acuerdo con los catálogos de los museos de la URSS y descubrió que la pintura de Dmitry Zhilinsky "Junto al mar". Family”, que representa a un cazador submarino, es el único sobre un tema similar que se encuentra en colecciones públicas [41] . El propio Zhilinsky a principios de la década de 1960 era aficionado a la pesca submarina, que en ese momento solo estaba en su infancia. Inicialmente, los arpones no estaban disponibles para la venta, por lo que los propios cazadores los fabricaban. Cuando se pintó la imagen, Zhilinsky ya tenía su propia pistola real con un arpón y goma comprada en una tienda. Dijo en una entrevista : “El pez no se asustó, lo pudieron atrapar con un punzón en el sentido literal… pasó, no lo creas, te sumerges como en una pecera. Vivía en Sochi , y aunque no cazaba específicamente, cada vez que iba a nadar, buceaba en busca de peces. Su amigo el profesor Merkulov, que compartía la afición del artista, sin pistola, con máscara y aletas, y a veces sin ellas, según el artista, cuando hacía buen tiempo, podía desayunar una docena de salmonetes por la mañana , cada 300-400 gramos [7] .
En la mano de Zhilinsky, se representa un arpón, en cuya punta se perfora un salmonete. También se representan otros detalles de la afición del artista : la máscara se encuentra frente a él, a la derecha hay un tubo respirador, su hija sostiene aletas negras [41] . A pesar de su pasión, el propio artista afirmó en una entrevista que abordó la trama del cuadro no como un cazador, sino como un artista [7] .
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