El expresionismo figurativo estadounidense es un movimiento de bellas artes del siglo XX que primero se originó en Boston y luego se extendió por los Estados Unidos de América . Los historiadores del arte y los críticos del expresionismo a menudo encuentran difícil dar una definición clara del movimiento artístico [1] [2] . Sin embargo, una definición clasifica el movimiento como una filosofía humanista porque está orientado al ser humano y es racionalista. El enfoque formal del manejo de la pintura y el espacio también se considera a menudo una característica definitoria [3] , ya que es un compromiso radical más que reaccionario con la figura [2] .
El término "expresionismo figurativo" surgió como contraste con el expresionismo abstracto [4] . Al igual que el expresionismo alemán , el movimiento estadounidense aborda los temas centrales de la sensibilidad expresionista, como la identidad personal y grupal en el mundo moderno, el papel del artista como testigo de temas como la violencia y la corrupción , y la naturaleza de la proceso creativo y sus consecuencias [3] . Estos factores hablan de la fuerte asociación del movimiento con la expresión emocional de la visión interior del artista, a través de pinceladas determinadas y elecciones de colores audaces en pinturas como Noche estrellada de Vincent van Gogh y El grito de Edvard Munch . También hablan sobre el rechazo del realismo externo del impresionismo y sugieren la influencia del simbolismo , que ve significado en la línea, la forma, la forma y el color.
El movimiento expresionista se originó con los artistas de principios del siglo XX: James Ensor , Edvard Munch y Vincent van Gogh . Al mismo tiempo, grupos franceses, alemanes y ruso-alemanes activos entre 1905 y 1920 contribuyeron a su desarrollo. El grupo francés, que se concentró en los aspectos pictóricos de su trabajo, en particular en el color, se denominó fauvista ("bestias salvajes"), y Henri Matisse es considerado uno de los líderes ideológicos. El grupo con sede en Dresde era conocido como el grupo de arte Most , que buscaba "conectar" el pasado [5] . El grupo de arte autodidacta Most , al igual que los fauvistas, tenía un gran interés en el primitivismo, pero su elección de paleta de colores era menos natural que la de los franceses y sus paisajes urbanos eran más contorneados. Su obra de arte también era a veces sexual, en el espíritu de alienación que expresaban en xilografías y esculturas. El último grupo, el Blue Rider , con sede en Munich, incluía artistas predominantemente rusos, incluido Wassily Kandinsky . Las obras de este grupo eran mucho más abstractas, rechazando el enfoque realista de la pintura de Kandinsky El jinete azul , que dio nombre al grupo.
Los orígenes de Boston del movimiento estadounidense se pueden encontrar en la "oleada de inmigrantes alemanes y judíos europeos" en la década de 1930 y su "afinidad con la imagen alemana moderna de la pintura figurativa... en artistas como Otto Dix (1891-1969 ), Ernst Kirchner (1880-1938), Oskar Kokoschka (1886-1980) y Emil Nolde (1867-1956), tanto en estilo como en temática”, escribe el crítico de arte Adam Zucker. Al llamar al humanismo el ethos definitorio del movimiento estadounidense, Zucker dice que fue "impulsado en gran medida por problemas y conflictos políticos y/o sociales", como muchas "artes de mediados del siglo XX, incluido el dadaísmo , el surrealismo , el realismo social , tomaron una postura contra la guerra o las guerras, tanto dentro como fuera de la lona [6] .
Muchos artistas de Boston tenían conexiones con la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston o la Galería Boris Mirsky, donde artistas como Karl Zerbe (1903-1972), Hyman Bloom (1913-2009) [7] , Jack Levine (1915- 2010) [8] , David Aronson (n. 1923) [9] estudió, enseñó, exhibió y finalmente se convirtió en activista después de "desafiar abiertamente una declaración del Instituto de Arte Contemporáneo de Boston titulada 'Arte Moderno' y Sociedad Estadounidense" [6] . Preocupados de que los museos de Boston, estrechamente asociados con los brahmanes , nunca los apoyarían, en una lucha por sus derechos, fundaron la Sociedad de Igualdad de Artistas de Nueva Inglaterra y organizaron el Festival de Arte de Boston para democratizar el arte [10] .
Su trabajo actual y el diálogo modernista presentaban el arte "como una narrativa que se desarrolla a través de la incorporación de figuras y paisajes en alegorías extraídas de temas tradicionales o imaginarios, alimentadas por las experiencias y los mundos internos de los artistas. Sus temas tienden hacia" las escenas y las imágenes. en los que expresan emociones profundas, el horror y la fantasía son en gran parte alegóricas. Las escenas altamente espirituales y fantásticas eran, por lo tanto, un lugar común, y las representaciones de manifestaciones religiosas elevadas, la sátira política y el tratamiento del tema de la mortalidad humana... todo ello contribuyó al progreso de la pintura figurativa y a la definición cambiante del arte humanista contemporáneo". [11]
La historiadora del arte Judith Bibinder ha establecido que el expresionismo figurativo de Boston es una parte integral del modernismo estadounidense [12] : "[Expresaba] la inquietud de la era moderna con un énfasis especial en la ciudad" [3] . Los primeros miembros del Grupo Expresionista de Boston eran inmigrantes o hijos de inmigrantes de Europa Central y Oriental. Muchos eran judíos y algunos eran de origen alemán.
Así, expresionistas alemanes como Max Beckmann , Georg Gross y Oskar Kokoschka tuvieron una fuerte influencia en los artistas de Boston, al igual que el artista de origen alemán Karl Zerbe, quien enseñó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , uno de los dos ejes centrales para la formación del expresionismo de Boston junto con la galería modernista de Boris Mirsky. A principios de la década de 1930, el movimiento atrajo solo a un pequeño número de simpatizantes, y durante este período muchos emigrados, críticos y académicos alemanes también intentaron negar todos los vínculos con movimientos artísticos conectados de alguna manera con Alemania [13] . Pero en la década de 1940, Hyman Bloom y Jack Levine, quienes comenzaron como artistas de administración de obras públicas , estaban siendo notados por la crítica y el público. En 2006, la directora del Museo de Arte de Danforth, Catherine French, dijo: "Hubo un período de unos seis meses en el que Hyman Bloom fue el artista más importante del mundo, y quizás un período de unos cinco años en el que fue el artista más importante de Estados Unidos". ." [14] La revista Time señaló la venta de la pintura de Bloom [15] y los neoyorquinos Jackson Pollock y Willem de Kooning. lo llamó "el primer expresionista abstracto" [16] . Al regresar a Boston, más tarde fue considerado como uno de los pioneros del expresionismo de Boston, un movimiento que floreció durante la década de 1950 y, según algunos informes, sigue siendo influyente en la actualidad.
| David Aronson (1923-) | Guillermo duro | Arturo Polonsky (1925-2019) | Carlos Zerbe (1903-1972) |
| Hyman Bloom (1913-2009) | susana hodes | Joyce Reopel (1933-2019) | Harold Zimmermann |
| Bernard Chet (1924-2012) | Juan Imber (1950-2014) | Bárbara Swan (1922-) | |
| Kahlil Gibran (escultor) (1922-2008) | kay caña | Lois Tarlow | |
| Philip Guston (1913-1980) | Jack Levin (1915-2010) | Mel Zabarsky (1932-) |
Con el nacimiento del expresionismo abstracto en la década de 1950, Nueva York superó a París como centro mundial del arte [17] . Este movimiento, al igual que el expresionismo figurativo americano, buscaba tanto una cierta expresión de modernidad como una identidad diferente de la posguerra [18] . Pero mientras el expresionismo figurativo incluía el humanismo oculto en el dibujo, el expresionismo abstracto lo rechazaba explícitamente. La influencia de Hyman Bloom en el movimiento de Nueva York comenzó a declinar [16] debido a las diferencias de opinión, y críticos como Clement Greenberg defendieron el arte que se refería a sí mismo en lugar de las reliquias literarias como el arte. Mientras tanto, el crítico y defensor de la pintura de acción , Harold Rosenberg, consideraba a Jackson Pollock como el ideal .
“Durante los años de la guerra y hasta la década de 1950”, escribe Judith E. Stein, “el público en general desconfiaba mucho de la abstracción, que muchos consideraban “antiestadounidense”. El crítico Clement Greenberg ha desafiado con éxito la reacción del público contra la abstracción. Su intento de comunicarse con los figurativos neoyorquinos de los años cincuenta tuvo menos éxito . En 1960, Thomas B. Hess escribió: “La Nueva Pintura Figurativa, que algunos esperaban como respuesta al Expresionismo Abstracto, pero que se incorporó a él desde el principio y es una de sus continuaciones [20] ”.
En 1953 se fundó la revista Reality [21] "para defender el derecho de cualquier artista a pintar como quiera". Esta misión fue apoyada por el equipo editorial de la revista, que incluía a Isabelle Bishop (1902-1988), Edward Hopper (1882-1967), Jack Levin (1915-2010), Raphael Sawyer (1899-1987) y Henry Varnum Poor ( 1888-1970).
El escultor Philippe Pavia se convirtió en el "editor guerrillero" de la revista It is. Magazine for Abstract Art” (Esta es una revista de arte abstracto), que fundó en 1958. En una carta abierta a Leslie Katz, la nueva editora de la revista Arts , [22] escribió: “Le ruego que ayude al representante de las bellas artes. Los artistas, casi abstraccionistas, no abstraccionistas, necesitan un campeón en estos días".
Si bien ninguno de estos defensores figurativos tuvo el mismo nivel de influencia que Clement Greenberg o Harold Rosenberg, fueron aclamados por la crítica como radicales que "representan una [nueva] generación para quienes el arte figurativo fue en cierto modo más revolucionario que la abstracción" [23]. . Una conversación recordada por Thomas B. Hess subrayó el poder percibido del crítico: "Hoy es imposible pintar una cara", dijo edificantemente el crítico Clement Greenberg alrededor de 1950. "Así es", dijo de Kooning, "y es imposible no hazlo. " .
La historiadora literaria Marjorie Perloff presentó un argumento convincente de que la poesía de Frank O'Hare sobre los escritos de Garacy Hartigan y Larry Rivers demostró que "él era realmente mejor escribiendo obras que conservan al menos algo de forma que con abstracciones puras". [25] Grace Hartigan, Larry Rivers , Helen de Kooning , Jane Freilischer, Robert De Niro Sr. , Felix Pasilis, Wolf Kahn y Marcia Marcus son artistas que respondieron a "un canto de sirena, la llamada de la naturaleza", O 'Hara lo explicó él mismo en Nature and New Painting, 1954. Los expresionistas figurativos de Nueva York pertenecían al expresionismo abstracto, argumentó, señalando que siempre habían tomado una postura firme contra el protocolo implícito, "ya sea en el Museo Metropolitano de Arte o en el club de artistas".
El curador Klaus Kertesss del Museo de Arte Contemporáneo de Detroit (MOCAD) [26] observó que "en la víspera de la purga de la abstracción del figurativismo y su ascenso a la prominencia que lo abarca todo, la figura comenzó a adquirir una fuerza nueva y poderosa". Este poder fue representado a través del mito y la espiritualidad por Max Weber (1881-1961) y Marsden Hartley (1877-1943). Pero también fue presentado con mesura lírica por Milton Avery (1885-1965) y con aparente claridad y franqueza en el caso de Edwin Dickinson (1891-1978).
El expresionismo figurativo de Nueva York de la década de 1950 representó una tendencia en la que "varios artistas de Nueva York se opusieron a la forma abstracta predominante de trabajar con la figura". [27] La figura sirvió para diferentes propósitos para diferentes artistas:
El curador del Museo de Arte Moderno de Detroit (MOCAD), Klaus Kertess, describió la trayectoria histórica de la figura de la siguiente manera: “A principios de los años cuarenta y principios de los cincuenta… la figura, como precursora del conservadurismo , se convirtió en un objetivo obvio para las defensas abstraccionistas , una fuerza defensiva . eso tiende a desdibujar la distinción entre artistas figurativos y exagerar la diferencia entre figurativos y no figurativos. Fue solo a finales de los años sesenta y principios de los setenta que a la figura se le permitió regresar del exilio e incluso reclamar una posición central [29] ”.
El movimiento figurativo, que se desarrolló en el Área de la Bahía de San Francisco de California, se considera el primer movimiento artístico importante que surgió en la costa oeste. Se originó en el Instituto de Arte de San Francisco , donde muchos expresionistas figurativos enseñaron o estudiaron [30] . Se considera que la fecha formal del expresionismo figurativo es una exposición en 1957 en el Museo de Oakland, donde los artistas locales que trabajaban en varios géneros, representando paisajes, figuras y escenarios modernos, finalmente rechazaron la abstracción pura que entonces dominaba la escena expresionista abstracta de Nueva York. Esta exposición, titulada "Pintura Figurativa Contemporánea del Área de la Bahía", llamó la atención sobre la tendencia [31] de presentar las imágenes de una manera pictórica impulsada por la pincelada rica y vigorosa del Expresionismo Abstracto [32] . Algunos críticos también han notado la colaboración entre artistas en el Golfo, ya que tradujeron el expresionismo abstracto en un estilo figurativo viable [33] .
Las figuras clave del movimiento del Golfo fueron Richard Diebenkorn (1922-1993), David Park (1911-1960) y Elmer Bischoff (1916-1991). Estos tres, junto con James Wicks (1922-1998), fueron considerados los fundadores del movimiento [34] . Crearon obras de arte que se centraron en objetos reconocibles como el paisaje de la bahía [34] . En particular, Park provocó el movimiento artístico después de que su pintura de una banda de jazz causara revuelo en la comunidad artística de San Francisco después de que se incluyera en una exposición colectiva [31] . Su pintura de 1951 Children on Bicycles también es un símbolo del movimiento. [30] [35]
| Teófilo Brown (1919-2012) | Rolland Petersen (1926-) |
| Juana Brown (1938-1992) | Joan Savo (1918-1992) |
| Bruce McGaugh (1935-) | Hassel Smith (1915-2007) |
| Manuel Neri (1930-) | James mechas (1922-1998) |
| Nathan Oliveira (1928-) | Pablo Wanner (1920-2008) |
"El artista y crítico Franz Schulze incluyó a una docena de artistas figurativos en la Lista de monstruos, y como referencia a Monsters on the Road, el apodo del equipo de fútbol de la Universidad de Chicago". [37] [38] Muchos miembros de este grupo lucharon en la Segunda Guerra Mundial y asistieron a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago gracias al apoyo de Bill G. I. [34] [39] . Los expresionistas figurativos de Chicago de la década de 1950 "compartían una profunda preocupación por la noción humana existencial de resistencia frustrada pero implacable". [40] El poeta e historiador de arte Carter Ratcliffe dijo : "Los habitantes de Chicago de la década de 1950 nunca se agruparon. [41] A pesar de toda su incompatibilidad, su arte compartía el mismo objetivo: declarar la alienación del artista en términos lo suficientemente claros como para ser ampliamente entendidos.
Leon Golub (1922–2004) encabezó la Lista de monstruos con una defensa del expresionismo figurativo en 1953 en un artículo para el College Art Journal , en el que criticaba la abstracción como una negación de la humanidad del hombre, calificándola de forma deshumanizada [34] . Otras figuras clave en las contribuciones más importantes del Medio Oeste al arte estadounidense fueron George Cohen (1919-1999), Seymour Rosofsky (1924-1981) y H. C. Westermann (1922-1981).
Richard Diebenkorn fue uno de los primeros expresionistas abstractos en regresar al arte figurativo antes de la crisis del expresionismo abstracto, pero muchos más lo seguirían: "En los Estados Unidos a fines de la década de 1950 ... El expresionismo abstracto ya no era nuevo ... El La crisis del expresionismo abstracto ahora liberó a muchos... artistas para que siguieran su tendencia largamente desilusionada de pintar la figura", lo que condujo a un resurgimiento del expresionismo figurativo estadounidense, [42] junto con el expresionismo de Boston en su tercera generación [43] .