La cinematografía japonesa es parte del arte cinematográfico japonés y mundial , que se originó en las islas japonesas a fines del siglo XIX.
El primer cine , invento de los hermanos franceses Lumiere , se presentó al gran público en 1895. El primer cinematógrafo llegó a Japón en noviembre de 1896. El día 17, Yoshihito , futuro emperador de Japón, conoció el invento , y el 25 de noviembre, el dispositivo fue instalado en una taberna de la ciudad de Kobe . En enero del año siguiente se registraron las primeras tomas en el país: el representante de los hermanos Lumiere, François-Constant Girel , antes de partir, creó varios cortometrajes encargados por la patronal [1] . El industrial Inabata Katsutaro trajo al país un vitascope en febrero , gracias al cual se organizó la primera proyección pública de una película por muchos espectadores al mismo tiempo. La proyección se llevó a cabo en Osaka [2] . El 6 de marzo, gracias al esfuerzo de Arai Saburo, se presentó el vitascope en la capital de Japón, Tokio , y luego, el 8 y 9 de marzo, se realizan proyecciones de películas en varias salas de teatro de la ciudad [1] . Se importaron películas vistas por ciudadanos japoneses. Vieron por primera vez imágenes grabadas en su propio país en 1898, se trataba de grabaciones de Girel, en las que el camarógrafo captaba las calles de Japón [2] .
A finales de siglo, en 1898, se crearon las primeras imágenes de cineastas japoneses. Uno de los pioneros fue Asano Shiro, quien realizó varios cortometrajes. Al año siguiente, también capturó a geishas bailando en un restaurante de Tokio [2] . Junto con Shiro, una de las primeras películas es la película de 1899 de Tsunekichi Shibata - " Admiring the Maple Leaves " - una escena del teatro kabuki con la participación de Ichikawa Danjuro y Onoe Kikugoro en los papeles principales. Además, Shibata es el director de la primera película dramática : "Armed Robber Shimizu Sadakichi", en la que el actor Yokoyama Unpei actúa como un criminal [1] .
Las primeras proyecciones de películas duraron varias horas. Los fotogramas en sí tomaron solo 20 minutos, pero se dedicó más tiempo a cambiar de película. Después de cada turno, la pantalla necesitaba enfriarse con agua. Durante los primeros 7-8 años, se necesitaba un equipo de 10 personas para mantener los proyectores [3] . Una característica de la era del cine mudo japonés, que duró hasta 1932, y una parte integral de cualquier sesión, fue un benshi - una persona especial (o grupo de personas) que se sentaba junto a la pantalla y comentaba los eventos que tenían lugar en la película y leer los diálogos. La profesión de benshi estaba en demanda y muy bien pagada hasta el advenimiento de las películas sonoras [4] . Benshi también explicó a la audiencia japonesa los conceptos y elementos de la vida cotidiana que se muestran en el cine extranjero. Aunque inicialmente los benshi realizaban su trabajo antes de la sesión real, a medida que los guiones de los trabajos se volvían más complicados, comenzaron a comentar las películas durante el visionado [5] .
En 1900 aparecieron las primeras cintas de crónicas .
En 1903 se inauguró el primer cine fijo de Tokio .
En 1908 se abrió el primer estudio de cine .
El cine japonés se desarrolló según las leyes del teatro . La forma de actuar, el vestuario y la escenografía fueron teatrales; como en el teatro kabuki tradicional , todos los papeles femeninos eran interpretados por hombres.
Las expresiones faciales y los gestos de los japoneses son diferentes en muchos aspectos a los de los europeos. El espectador japonés, al ver a la heroína de la película, imitando expresivamente, muy a menudo, especialmente en los años 90 del siglo XIX, no podía entender lo que debería expresar esta expresión facial. Por lo tanto, katsuben tuvo que explicarle a la audiencia lo que tal heroína está experimentando actualmente. Había una circunstancia más que era difícil de entender. Cualquier situación en la pantalla para un europeo está asociada a un determinado contenido verbal. Para los japoneses, en primer lugar, todos los gestos y movimientos pueden ser diferentes (por ejemplo, en lugar de un abrazo final en una escena de amor, un tímido alejamiento el uno del otro); en segundo lugar, las palabras que se pronuncian al mismo tiempo suelen diferir significativamente de las adoptadas en Europa. Por lo tanto, katsuben no solo tuvo que explicar que esta situación es, por ejemplo, una explicación de amor, sino que para evitar malentendidos y efectos cómicos, incluso explicar lo que "él" o "ella" está diciendo en ese momento. Por lo tanto, una explicación simple se convirtió gradualmente en una especie de actuación de una película. Para una mayor "naturalidad", el katsuben comenzó a cambiar su voz: bajo, para transmitir el discurso de los villanos, tenor, para los amantes de los héroes, falsete, para las heroínas. En este sentido, el papel de los katsuben cambió muy pronto. Se convirtieron en un tipo especial de actores, sus explicaciones se convirtieron en un tipo especial de arte declamatorio, alcanzando en ocasiones el grado máximo de expresividad [6] .
Gracias a una cultura corporal muy desarrollada, los movimientos en las películas japonesas adquieren una gran belleza y expresividad. Se cristalizan formas especiales de andar, formas de pararse, sentarse, recoger cosas, aparece una claridad extraordinaria en las manifestaciones más convulsivas de los afectos: ira, alegría, pasión. La vida teatral, aparentemente decorativa, del señor feudal japonés es un material agradecido para el escenario, la pantalla o el tablero de grabado. Aquí la expresividad plástica del cuerpo, el arabesco decorativo de la ropa y el peinado de los samuráis se montan de manera extremadamente nítida con los patrones geométricos de la vivienda japonesa, creando la unidad del ritmo lineal del conjunto [7] .
Los actores japoneses que interpretan a los samuráis aprenden desde la infancia la cultura plástica del cuerpo, la habilidad del gesto y el movimiento. El valor de este material plástico del actor adquiere un significado autosuficiente en el encuadre japonés y predetermina la estructura de este encuadre y su papel en la película. El marco japonés se construye sobre un juego, una pieza de actor, sobre una alta cultura del gesto del actor [7] .
La actitud ante el juego del actor explica la excesiva duración de estas piezas de juego en el marco japonés, lo que nos resulta completamente ajeno, acostumbrados a la disección "relámpago" de la pieza de juego americana. Un área especial de la tecnología para el actor japonés es el arte de la esgrima, la habilidad de manejar una espada. La imagen de la espada está entrelazada con todo un cordón de creencias románticas. Para los japoneses, la espada es casi un ser animado. A menudo es un objeto de deseo, pasión y odio, no menos que una persona. Y, por supuesto, es el héroe de una serie de eventos, secuestros, juicios, luchas y, a menudo, el distribuidor de bienes terrenales, fortunas, títulos ... En este sentido, cortar con espadas es un atributo indispensable de cada película de samuráis. [7] .
Uno de los fundadores del cine japonés, el director Shozo Makino ( 1878-1929 ) , comenzó a excluir gradualmente del cine los elementos teatrales. Los jóvenes directores B. Futagawa , G. Kotani , K. Ushihara , Y. Shimazu , D. Ito , H. Gosho , Y. Ozu se adhirieron a este enfoque .
La primera estrella del cine japonés que protagonizó las películas de Makino Shozo es M. Onoe . También en la década de 1920 nació la animación.
Poco a poco, el realismo llega al cine japonés .
La década de 1930 fue fructífera y llena de acontecimientos en el cine japonés. El sonido finalmente se estableció en la pantalla, siguiendo el ejemplo de Hollywood , apareció un sistema de productores . Se manifiesta la manera creativa de los principales directores y actores .
En 1937, un director alemán dirigió la película Hija de un Samurai en Japón.( en alemán "Die Tochter des Samurai" ). La película fue escrita por el propio Funk y codirigida por J. O." Mansaku Itami japonés . El motivo del establecimiento conjunto de Alemania y Japón fue el Pacto Anti-Komintern concluido poco antes de este entre las dos potencias [8] . Esta imagen fue filmada con la participación de actores japoneses y, según el historiador de cine polaco Boguslaw Drewnyak, tenía un marcado carácter propagandístico [9] .
La década de 1950 se considera la edad de oro del cine japonés. Esto se debe a la aparición de los llamados "seis grandes", que representan a las seis principales compañías cinematográficas japonesas: Shochiku , Toho , Daiei, Toei , Nikkatsu y Shintoho (esta última quebró en 1961).
Después de la Segunda Guerra Mundial, apareció una gran cantidad de documentales en Japón . La más importante de ellas es la película "Batallas navales en las islas hawaianas y el archipiélago malayo", dirigida por K. Yamamoto. Directores de los años 50 y 60 que trabajaron en el género documental: S. Yamamoto, K. Shindo, T. Imai.
A fines de la década de 1950, el país se había convertido en el productor de cine número uno del mundo. Entonces, en 1958, se estrenaron 504 películas y el número total de visitantes del cine llegó a casi 1.200 millones.
Las películas japonesas son mundialmente famosas gracias al director Akira Kurosawa , cuya película " Rashomon " ganó el " León de Oro " en el Festival de Cine de Venecia . Otros representantes destacados de este período del cine fueron directores: Kenji Mizoguchi , Yasujiro Ozu , Kon Ichikawa , Hideo Gosha , actores: Toshiro Mifune , Noboru Ando , Y. Ishihara, K. Atsumi, K. Kurihara, S. Yeshinaga.
Este período puede llamarse el período de cooperación. Los directores de fotografía de Japón participan voluntariamente en proyectos conjuntos con directores de otros países. Un ejemplo del trabajo conjunto de directores de Japón y Rusia son obras como " Dersu Uzala " (dirigida por Akira Kurosawa ), " Moscú, mi amor " y " Step " (dirigida por Alexander Mitta ), " Melodías de la noche blanca " ( dirigida por Serguéi Soloviov ).
En las décadas de 1980 y 1990, el cine japonés experimentó una grave crisis. El cine retrocede ante el embate de la televisión y el vídeo. Además, la competencia se intensifica en el mercado de alquiler de películas, aparecen una gran cantidad de películas estadounidenses . Todas estas razones conducen al surgimiento del cine de autor de bajo presupuesto .
Aparecen jóvenes directores “independientes”, como T. Morikawa, A. Takeda, S. Koyama, E. Morita, D. Itami, K. Oguri, S. Tsukamoto. En sus películas, consideran los problemas sociales y los problemas de nuestro tiempo.
Los documentales y la animación se están desarrollando activamente, se está creando una gran cantidad de películas de divulgación científica.
Varios nuevos directores de anime han recibido un amplio reconocimiento, trayendo consigo la noción de anime no solo como entretenimiento sino también como arte contemporáneo. Mamoru Oshii estrenó Ghost in the Shell , una película de acción de ciencia ficción filosófica aclamada internacionalmente en 1995. Satoshi Kon dirigió el premiado thriller psicológico Perfect Blue . Hideaki Anno también ganó reconocimiento general con End of Evangelion en 1997.
El éxito de la animación japonesa moderna fue posible gracias al destacado maestro Tezuka Osamu , a quien a veces se le llama el Disney de Japón .
El número de películas exhibidas en Japón ha crecido constantemente, con alrededor de 821 películas estrenadas en 2006. Las películas basadas en series de televisión japonesas fueron especialmente populares durante este período. Las películas de anime ahora representan el 60 por ciento de la producción cinematográfica japonesa. Las décadas de 1990 y 2000 se consideran "la segunda edad de oro del cine japonés" debido a la enorme popularidad del anime tanto en Japón como en el extranjero [10] .
Aunque no fue un éxito comercial, All About Lily Chou-Chou , dirigida por Shunji Iwai, fue galardonada en los festivales de cine de Berlín , Yokohama y Shanghai de 2001 . Takeshi Kitano apareció en " Royal Battle " y también protagonizó " The Dolls " y " Zatoichi ". Varias películas de terror, " Pulse ", " Dark Waters ", "Yogen", "The Grudge" y " One Missed Call " fueron éxitos comerciales. En 2004, se estrenó la película Godzilla: Final Wars , dirigida por Ryuhei Kitamura , para conmemorar el 50 aniversario de Godzilla . En 2005, el director Seijun Suzuki hizo su película número 56, Princess Raccoon. Hirokazu Kore-eda ganó premios en festivales de cine de todo el mundo con sus dos películas Distancia y Nadie lo sabe . "Grieving Forest" de la directora de cine Naomi Kawase ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes en 2007 . Yoji Yamada , director de la serie Otoko wa tsurai yo, realizó una trilogía de notables películas revisionistas de samuráis, Twilight Samurai en 2002, seguida de Hidden Blade en 2004 y Love and Honor en 2006. En 2008, Gone ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera .
En el anime, Hayao Miyazaki dirigió El viaje de Chihiro en 2001, rompiendo récords de taquilla japoneses y ganando varios premios, incluido el Premio de la Academia a la mejor película animada en 2003, seguido de Howl's Moving Castle y Ponyo on the Cliff en 2004 y 2008 respectivamente. En 2004, Mamoru Oshii estrenó la película de anime Ghost in the Shell 2: Innocence con gran éxito de crítica mundial. Su película Skycrawlers de 2008 fue igualmente bien recibida en todo el mundo. Satoshi Kon también ha lanzado tres películas igualmente exitosas: Millennium Actress , Once Upon a Time in Tokyo y Paprika . Katsuhiro Otomo lanzó " Steamboy ", su primer proyecto animado desde la colección de cortometrajes de 1995 " Memories of the Future ", en 2004. En colaboración con Studio 4C, el director estadounidense Michael Arias lanzó Reinforced Concrete en 2008 con gran éxito internacional. Después de varios años de dirigir películas de acción en vivo predominantemente de mala calidad, Hideaki Anno formó su propio estudio de producción y volvió a filmar su todavía popular franquicia Rebuild of Evangelion con una nueva serie de películas que brindan una versión alternativa de la historia original.
En febrero de 2000, se estableció la Junta de Promoción de la Comisión Cinematográfica de Japón. El 16 de noviembre de 2001, se presentaron en la Cámara de Representantes las leyes sobre la Fundación para la Promoción de las Artes de Japón. Estas leyes estaban destinadas a promover la producción de arte mediático, incluidos los escenarios cinematográficos, y preveían que el gobierno estuviera tanto a nivel nacional como local. Las leyes fueron adoptadas el 30 de noviembre y entraron en vigor el 7 de diciembre. En 2003, en una reunión de la Agencia de Asuntos Culturales, se propusieron doce reglas en un informe escrito para permitir la promoción y exhibición de películas públicas en un cine.
Hasta la fecha, cuatro películas han obtenido reconocimiento internacional al ser seleccionadas para los principales festivales de cine: The Caterpillar de Koji Wakamatsu compitió por el Oso de Oro en el 60º Festival Internacional de Cine de Berlín y ganó el Oso de Plata a la Mejor Actriz, Mayhem » Takeshi Kitano compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes 2010 Himizu Shion Sono compitió por el León de Oro en el 68º Festival Internacional de Cine de Venecia .
En 2011, Harakiri: Death of a Samurai , de Takashi Miike , compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2012 , convirtiéndose en la primera película en 3D en competir en Cannes . La película fue producida por el productor independiente británico Jeremy Thomas , quien como productor llevó con éxito películas japonesas como Merry Christmas de Nagisa Ōshima , Mister Lawrence y Taboo , Brother de Takeshi Kitano y 13 Assassins de Miike al escenario internacional.
En 2018, Hirokazu Kore-eda ganó la Palma de Oro por su película Shoplifters en la 71.ª edición del Festival de Cine de Cannes , festival que también contó con Asako 1 y 2 de Ryusuke Hamaguchi .
En 2020, como en todos los países, la industria cinematográfica de Japón se ha visto afectada por la pandemia de COVID-19 . Varias películas se han retrasado y los cines han estado cerrados durante meses, y solo reabrieron después de que se implementaron varios protocolos de seguridad. Poco después de abrir los cines, la película de anime Demon Slayer: Endless Train, basada en el manga Demon Slayer , rompió todos los récords de taquilla en el país, convirtiéndose no solo en la película más taquillera de todos los tiempos en Japón, sino también en la más taquillera. película de 2020. del año.
Los festivales de cine se han celebrado anualmente en Japón desde la década de 1980 :
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