Estaciones (Vivaldi)

"Las cuatro estaciones" ( en italiano:  Le quattro stagioni  - "Cuatro estaciones") - una serie de conciertos para violín y orquesta de Antonio Vivaldi . El ciclo son los primeros cuatro de los doce conciertos incluidos en el opus 8 de Vivaldi - " La disputa de la armonía con la invención " (Amsterdam, 1725). El Four Seasons, al parecer, se creó a más tardar en 1720 .

Todos los conciertos del ciclo están escritos en la forma clásica italiana de concierto de tres partes , en la que el primer y último movimiento rápidos enmarcan el lento central. El ciclo es un ejemplo de programa musical : cada concierto está dedicado a una temporada y está precedido por un soneto , revelando las imágenes creadas por la música .

Las Cuatro Estaciones es una de las obras más famosas tanto de Vivaldi como de la música barroca en general . A fines del siglo XX, se editaron más de 200 discos del ciclo, uno de los cuales estableció un récord mundial de ventas en el campo de la música académica. Los arreglos de Las cuatro estaciones para otros instrumentos musicales están muy extendidos, los temas del ciclo son muy utilizados en la música pop y rock , en el cine y para acompañar el baile en el patinaje artístico .

Historia

Las notas del ciclo se publicaron por primera vez en 1725 en Amsterdam entre 12 conciertos de Vivaldi, unidos bajo el título general Il Cimento dell'Armonia e dell'Inventione . Tradicionalmente, este nombre se traduce como " La disputa de la armonía con la invención " [1] , pero el musicólogo Paul Everett cree que el significado del nombre se transmite con mayor precisión si la palabra "Cimento" se traduce como "Prueba" o "Experiencia". ". Explica que para el siglo XVIII, la "armonía" representaba el lado racional de la composición, estudiada como un oficio, mientras que la "invención" ( inventione ) era un sentimiento intuitivo, una fantasía con la que se podía transformar la armonía. En este caso, en su opinión, Vivaldi no significaba una competencia entre dos figuras alegóricas , sino una prueba de diferentes aspectos de las habilidades compositivas del propio autor [2] .

La colección estaba dedicada al conde Wenzel von Morzin  , un filántropo bohemio que fue uno de los principales mecenas del compositor italiano [3] . Toda esta publicación se imprimió bajo la portada general como "Opera ottava" [4] y aparece en las listas de obras de Vivaldi como Op. 8 [1] . Los primeros cuatro conciertos de 12 se unieron bajo el título separado "Temporadas". Basado en la naturaleza de la selección de obras incluidas con The Seasons en una publicación, P. Everett fecha la creación del ciclo a más tardar en 1720 [1] [5] . En el prefacio de la publicación, el propio Vivaldi indicó que para 1725 estas cuatro obras ya existían desde hacía algún tiempo y eran conocidas por von Morzin, pero el autor hizo mejoras a las obras y espera que se perciban como nuevas. En la misma edición, cada uno de los cuatro conciertos fue precedido por un soneto separado , "con absoluta claridad" describiendo su contenido [3] .

En la década de 1720, el compositor utilizó los motivos de Las cuatro estaciones en sus otras obras; en particular, el tema de la primavera se escuchó en sus óperas Giustino (1724) y Dorilla at Tempe (1726) [6] . El movimiento lento de "Otoño", que ilustra la escena con los borrachos dormidos, suena en ambas versiones del concierto "Noche" (RV 104 y RV 439) [7] , y el movimiento lento de "Invierno" formaron la base del largo del concierto de cámara para flauta dulce , violín y fagot (RV 94). Este último, sin embargo, carece de la textura que caracteriza completamente al original [8] .

En las décadas de 1730 y 1740, la octava obra y sus partes individuales, especialmente The Seasons, se distribuyeron activamente y luego se reimprimieron en París . Además de las reimpresiones legales (el monopolio real que poseían los impresores de Leclerc), en 1739 el compositor Nicolas Schedeville publicó bajo su propio nombre una revisión para la musette de obras enteras y partes individuales de la octava obra de Vivaldi. En esta selección, el francés incluyó partes ligeras, mayores , incluyendo toda la "Primavera" y "Otoño" y la parte lenta de "Invierno", abandonando la música tensa asociada a imágenes desagradables de "Verano" y las partes rápidas de "Invierno". ". Más tarde, en el siglo XVIII, se realizaron en Francia dos adaptaciones más notables de "Primavera". En 1765, este concierto formó la base del motete Laudate Dominum de coelis de Michel Corrette , y en 1775 apareció un arreglo libre para flauta , escrito por Jean-Jacques Rousseau . En Italia, en la tierra natal de Vivaldi, Las cuatro estaciones gozaron de cierta popularidad, y en 1761 Carlo Goldoni escribió que el compositor era conocido principalmente por este ciclo. Las Cuatro Estaciones permanecieron en el repertorio de conciertos espirituales parisinos hasta 1763, con la Primavera incluida en el programa de 11 de los 16 conciertos conocidos entre 1736 y 1763. Ya durante este período, The Seasons, y especialmente Spring, se convirtieron en obras que permitieron demostrar la habilidad de un solista virtuoso, y entre sus intérpretes se encontraban violinistas como Jean-Pierre Guignon (1728-1729), Pierre Gavinier (1741 , a la edad de 13 años), Domenico Ferrari y André-Noel Pagen [9] .

En general, sin embargo, el nombre de Vivaldi después de su muerte en 1741 fue prácticamente olvidado durante mucho tiempo, y la mayor parte de sus obras desaparecieron [10] . Fue recordado principalmente por su primera colección de concerti ( L'estro armonico ), que generó muchas imitaciones, y por el arreglo de clavicordio de siete de sus conciertos para violín de Bach , que era un ferviente admirador y seguidor del italiano . El interés por la obra del compositor se reavivó solo en la década de 1930, después de que se descubriera una importante colección de notas antiguas en el monasterio salesiano de San Carlo en Montferrat . Sin embargo, ni en esta colección, ni en la colección privada de Giuseppe Durazzo (el último representante de la familia de condes venecianos Durazzo ), que fue comprada a principios de la década de 1930, no había una versión completa del autor de Las estaciones. En 1942 se realizó una grabación del ciclo en Roma [10] , interpretada por un conjunto dirigido por Bernardino Molinari [12] , y en 1947 el violinista estadounidense Louis Kaufman grabó un concierto en vivo en el Carnegie Hall , donde partes de Las cuatro estaciones fueron realizados. Kaufmann no dejó de intentar encontrar una versión completa de la música del ciclo, y su búsqueda se vio coronada por el éxito en la biblioteca del Real Conservatorio de Bruselas . En 1950, en Zúrich , Kaufmann realizó la primera grabación de audio completa de Las estaciones. En el mismo año, este álbum fue galardonado con el prestigioso premio de música francesa Grand Prix du Disque , y luego incluido en el Salón de la Fama de los Grammy [10] . En la tierra natal del compositor, en Italia, se publicaron Las cuatro estaciones en 1950, editadas por Gian Francesco Malipiero , como parte de las obras completas de Vivaldi, que fue publicada por la editorial Ricordi [13] . La primera grabación estereofónica de "The Seasons" fue realizada en 1952 por el conjunto " I Muzichi " fundado poco antes [14] .

La edición de Ámsterdam de Las cuatro estaciones de Michel Le Seine fue canónica durante mucho tiempo. Estaba basado en las notas del opus 8, publicado en París en 1739 por la editorial Ch.-N. Leclerc, y prácticamente todas las ediciones posteriores. Sin embargo, a fines del siglo XX, quedó claro que la versión de Amsterdam aparentemente estaba incompleta. El arreglo extendido se conoce, en particular, por una copia manuscrita encontrada en Manchester que contiene la parte de violonchelo solo en notas rápidas en la sección lenta del Concierto de invierno. Históricamente, se pensó que los escribas que crearon esta copia trabajaron independientemente del compositor, pero investigadores posteriores concluyeron que al menos uno de ellos (conocido como "Escriba No. 4") tuvo un contacto cercano con el autor. Es posible que este escriba fuera su padre, Giovanno Battista Vivaldi. También se ha aclarado la datación del manuscrito, aproximadamente de septiembre de 1726, lo que permite asociarlo a un gran lote de copias manuscritas encargadas personalmente por el compositor para el cardenal romano Pietro Ottoboni . Así, se concluye que la parte del violonchelo de la copia de Manchester fue copiada del autógrafo del propio Vivaldi y forma parte de la intención del autor original. Al parecer, en la edición de Amsterdam, para comodidad de la violonchelista, sus notas se imprimieron por separado y se perdieron con el tiempo. A la luz de nuevos hechos, el musicólogo ruso Alexander Maikapar recomienda considerar la copia de Manchester como una versión de Las cuatro estaciones, más cercana a la versión del autor original [1] .

Características generales

El ciclo consta de cuatro conciertos para violín solo y orquesta [1] (cuerdas y clavicémbalo - continuo [15] ). La duración total de los cuatro conciertos es de unos 40 minutos, lo que permite, por regla general, realizar el ciclo completo [3] . El nombre de cada concierto corresponde a una temporada, desde "Primavera" hasta "Invierno" [16] . Cada uno conserva la estructura clásica italiana de tres movimientos: el primer y el tercer movimiento, ejecutados a un ritmo rápido, están separados por un segundo lento [17] . El número total de partes en los cuatro conciertos es así 12, lo que evoca asociaciones con 12 meses del año [16] .

"Seasons" se refiere a la llamada música de programa y es uno de sus ejemplos más famosos [18] . El esquema general se da con suficiente detalle en cuatro sonetos, cada uno de los cuales está precedido por un concierto separado. Presumiblemente, los versos fueron escritos por el propio compositor [1] ; esto, en particular, lo indican los dialectismos  venecianos , que también se encuentran en las cartas de Vivaldi. El tema de los sonetos en su conjunto es la relación entre el hombre y la naturaleza, que en "Primavera" y "Otoño" parece benévola, y en "Verano" e "Invierno" - antagónica al hombre. En el primer caso, los textos se centran principalmente en la actividad humana, mientras que en el segundo se centran en la representación de las fuerzas de la naturaleza. El estilo de los sonetos es mutable: "Primavera" es rica en alegorías y referencias al simbolismo de Arcadia , y en el "Invierno" duramente realista, según P. Everett, Vivaldi pone sus propias impresiones de las heladas de 1708-1709. , cuando la laguna veneciana se congeló [19] .

Cada soneto, así como el concierto correspondiente, está dividido por el autor en tres partes temáticas [20] , y las propias notas contienen citas en verso que indican qué simboliza exactamente este o aquel fragmento musical. No hay acuerdo entre los investigadores sobre la cuestión de si los sonetos se crearon después de escribir la música o su composición precedió a la creación de los conciertos [3] [21] . El texto de los sonetos ha sido traducido repetidamente al ruso . En particular, en 1985, David Samoilov hizo una traducción cercana en forma y significado para el conjunto de Vladimir Spivakov [22] , mientras que Vladimir Grigoriev , tratando de transmitir el texto lo más cerca posible, cambió la forma, convirtiendo cada soneto en cuatro cuartetos [1] .

Las Cuatro Estaciones y otros conciertos incluidos en el opus 8 demuestran el desarrollo del ritornello en la obra de Vivaldi. El italiano, que fue uno de los fundadores del uso del ritornello en la música clásica (tanto I. I. Kvanz como J. S. Bach experimentaron su influencia a mediados o finales de la década de 1710 ), cuando apareció el opus 8, elevó esta técnica a un nivel cualitativo. nuevo nivel En sus primeras obras, la luminosidad del motivo inicial del ritornello no siempre pudo mantenerse hasta el final de la obra. Sin embargo, en el opus 8, el compositor ya hace un uso extensivo del motivo del regreso (pero nunca completamente repetido) para este propósito, alternándolo hábilmente con episodios en solitario , juntando solo y tutti y sin dejar que la música se “hunda”. Al mismo tiempo, es posible que los mismos temas no se conserven en episodios alternos: hay suficientes dominantes y tónicos armonizadores . P. Everett define tal estructura como " modular ". En muchos casos, la primera aparición del tema ritornello es incompleta y se desarrolla aún más en la primera vuelta. Además, Vivaldi suele utilizar una secuencia al devolver un tema a un tutti para diversificar el sonido [23] . En casos excepcionales, por ejemplo, en la primera parte del "Verano", la melodía del ritornello cambia completamente de acuerdo con el programa que establece el soneto [24] . El número de vueltas del ritornello puede diferir de un concierto a otro: por ejemplo, en la primera parte de "Invierno" el tema del ritornello aparece solo dos veces, y en la primera parte de "Otoño" - cinco veces como un tutti y una vez ( rara excepción) para el solista [ 25] .

Según P. Everett, un rasgo característico del desarrollo temático en op. 8 es un movimiento de 4 notas de I a V o V a II (por ejemplo, f-es-dc en B-bemol mayor). Se encuentra en todos los conciertos op. 8 con la excepción del número 8. Este movimiento es a menudo duplicado por terceras y sextas , enfatizando su importancia para la composición como un todo [26] . En las partes finales de los conciertos, el autor utiliza regularmente cadencias solistas , que representan el pináculo del desarrollo de la estructura de la pieza [27] . Vivaldi a menudo establece el ambiente con la ayuda de acordes cromáticos especiales: el sexto acorde napolitano (ver ejemplo 1) y, en tonos mayores, un pequeño acorde de séptima introductorio a la dominante (ver ejemplo 3). El último P. Everett lo llama "huella dactilar de Vivaldi" ( Ing.  Vivaldian thumb-print ) [28] .

• Ejemplo 1. Concierto "Verano", parte I, vols. 26-30 El rectángulo marca la armonía napolitana

• Ejemplo 2. Concierto "Invierno", parte I. Una secuencia típica de quinto cuarto de múltiples enlaces de Vivaldi

• Ejemplo 3. Concierto "Primavera", parte I, v. 3. El asterisco marca el pequeño acorde de séptima introductorio a la dominante, la "huella digital" de Vivaldi

Las partes intermedias y lentas de los conciertos de Vivaldi suelen ser bastante cortas y se basan en una melodía melodiosa que se desarrolla lentamente. Los comentaristas llaman a este estilo "canciones (o arias) sin palabras". A menudo una melodía sencilla está desprovista de todo adorno y va acompañada del más sencillo acompañamiento interpretado por violines y violas (en el que también puede participar el clavicémbalo continuo), cuya monótona repetición fascina al oyente. En la época de Vivaldi, tal sencillez de la melodía principal solía tener como objetivo proporcionar al solista las condiciones para la libre improvisación. En Las cuatro estaciones, esta tendencia se manifiesta plenamente en primavera e invierno, y en verano se incorporan a la melodía principal episodios orquestales breves y rápidos. En las partes lentas (así como en el acompañamiento de algunas arias de las óperas de Vivaldi y sus contemporáneos), se manifiesta el talento onomatopéyico del compositor; un ejemplo típico es la imitación del susurro de las hojas en "Primavera" [29] . En general, las partes lentas de Vivaldi, según la definición de P. Everett, son como ilustraciones pictóricas: escenas estáticas pintadas con gran atención a la textura [24] .

Concierto nº 1 en mi mayor "Primavera", RV 269

1. Alegro. Llegó la primavera
2. Largo e pianissimo sempre. pastor durmiente.
3. Allegro, danza pastoril. baile regional

El soneto “Primavera”, que acompaña al primer concierto del ciclo, comienza con las palabras “¡Llega la primavera! y canto alegre || La naturaleza está llena…” (traducido por V. Yu. Grigoriev) [1] . De acuerdo con este ambiente festivo del verso, el concierto se abre con un tema alegre y jubiloso, similar al que suena un siglo más tarde en la sinfonía "Pastoral" de Beethoven [30] . Este tema principal, interpretado por toda la orquesta [1] y repetido varias veces en forma de ritornello, se alterna con fragmentos musicales que ilustran los primeros ocho versos del soneto [30] . Estos episodios son interpretados por tres violinistas, el solista y los acompañantes de los grupos de primeros y segundos violines. La nota "Canto de gl' Ucelli" en la partitura indica que el primer episodio en solitario, tocado en notas altas, imita el canto de los pájaros. Luego hay ilustraciones musicales al texto sobre corrientes de agua (el murmullo del agua se transmite por suaves desbordamientos de notas con una duración de 1/16 [30] ) y sobre una tormenta de primavera. Los estruendosos repiques están representados por una formidable melodía enérgica interpretada al unísono por toda la orquesta, y los destellos de relámpagos son al principio escalas ascendentes sincrónicas, como pasajes para los tres solistas, y luego pasajes solo para el violín principal, "rotos" como un golpe. de relámpagos [1] utilizando la técnica del arpegio [30 ] . Antes del regreso final del tema principal, dando a todo el primer movimiento una forma que recuerda a un rondó , otro fragmento con sonidos de canto de pájaros, que, sin embargo, difiere del primero [1] .

El segundo movimiento, Largo [30] , conocido como "El sueño del campesino", está dirigido por un solo de violín con acompañamiento de violines y violas (los instrumentos bajos - teclados, violonchelos y contrabajos  - no participan en este episodio). Los violines suenan Pianissimo semper (   en italiano,  “muy silencioso todo el tiempo”), imitando el susurro de las hojas [1]  ; el efecto se logra utilizando fragmentos paralelos repetidos de tres notas [30] . P. Everett señala que el susurro de las hojas y el murmullo de los arroyos de la primera parte del soneto significan la misma palabra: mormorio , y su interpretación por parte del compositor no es coincidentemente consonante [31] . Las violas, a diferencia de los violines amortiguados, repiten constantemente "en voz alta y groseramente" el mismo par de notas [30] . Según la intención del autor, así se transmite el ladrido de un perro pastor velando el sueño del dueño: “El pastor duerme, cansado por el día, || Y el perro ladra un poco audiblemente. A. Maikapar enfatiza que es importante que los artistas estén familiarizados con este hecho para "encontrar un color y un carácter sonoro interesantes" [1] . En contraste con la riqueza de los temas alternados en la primera y la tercera parte, toda la parte central se construye sobre la revelación de un solo tema sereno, que crea una sensación de paz perezosa y exhausta [17] .

La parte final, "Danza Pastoral", vuelve a ser enérgica y alegre. Según algunas fuentes, el ritmo principal se establece de acuerdo con el canon de siciliana , sin embargo, A. Maykapar cree que la música se basó en la variedad francesa de jig , cercana al tipo de este baile, conocido como canari [ 1] . Los musicólogos comparan las notas altas iridiscentes de los violines con el trasfondo del característico zumbido grave y persistente de las cuerdas bajas en el tema principal y repetitivo del movimiento con el sonido de las gaitas [17] [32] . ritmo fluido12
8crea un cuadro de la danza de las ninfas y las pastoras [17] . La parte del solista principal se caracteriza por giros virtuosos. En el transcurso del movimiento, el estado de ánimo cambia: la melodía se convierte en mi menor , se vuelve áspera y luego reflexiva, pero el tema principal de la danza regresa para reemplazar la tonalidad menor por última vez, completando tanto el movimiento como todo el concierto . 30] .

Concierto n.º 2 en sol menor "Verano", RV 315

1. Allegro no molto. Calor. Alegro. Cuco. Gorlinka. Céfiro. Borei. Queja Campesina.
2. Adagio-Presto. temporada de verano
3. Presto, tempo impetuoso d'estate. Tormenta de verano.

El concierto está escrito en la tonalidad de sol menor , que en la época de Vivaldi se usaba a menudo para transmitir ansiedad y una sensación de amenaza [33] . El verano en la interpretación del compositor no es una época fértil y alegre del año, sino una época de calor abrasador, puntuada por severas tormentas eléctricas. Las frases breves y abruptas de la introducción de la primera parte transmiten agotamiento por el calor [34] (como indica el comentario del primer autor en las notas). En el soneto, esto corresponde a los versos “Del calor pesado y sofocante || Todo en la naturaleza sufre, se seca…”. Sin embargo, el compositor transmite con éxito este estado perezoso y pasivo de la música, de acuerdo con la forma de concierto ejecutada a un ritmo rápido, con la única salvedad: esto es Allegro non molto  - " poco animado". Las primeras notas suenan pianissimo [1] . Luego, de acuerdo con el texto del soneto, viene el pase de lista de los pájaros interpretado por el solista: cuco , tórtola , jilguero (la imitación de las voces de los pájaros no es nueva para Vivaldi, escribió conciertos separados enteros imitando las voces de un cuco y un jilguero [1] ). En los registros superiores de la orquesta, surge una “brisa”, que se convierte en una ráfaga de viento del norte - Borea , tocada por toda la orquesta [34] . Este breve impulso es nuevamente reemplazado por un tema principal lánguido, que se calma gradualmente: todos los instrumentos de la orquesta se silencian, quedando solo el violín solista y el bajo como acompañamiento del órgano (este último se enfatiza en la partitura  : el clavicémbalo, que suele liderar la parte de continuo, reemplaza aquí al órgano de Vivaldi). El violín suena quejumbrosamente - según la nota del autor, esta es la queja de un pastor [1] , que tiene miedo de una tormenta inminente [17] . Siguiendo este tema, que suena como un aria de ópera, el tema del viento del norte suena en la orquesta por segunda vez, con renovado vigor, completando el primer movimiento [34] .

La parte central corta y lenta se construye sobre el contraste de la queja continua del violín solista y los ruidos amenazantes previos a la tormenta de la orquesta [17] , incluidos los contrabajos: el compositor generalmente no les confía la ejecución de pequeñas duraciones a un tempo rápido, pero en este caso hace una excepción y obliga a toda la orquesta a tocar notas de trémolo de duración 1/16 [25] . En los intervalos entre estos repiques atronadores, la orquesta repite una frase musical molesta y que pica, simbolizando el zumbido de mosquitos y jejenes [34] . Los episodios, designados por el autor como Adagio e piano (del  italiano  -  "lento y silencioso"), se alternan con comentarios Presto e forte (del  italiano  -  "rápido y fuerte"). A. Maikapar llama a esta confrontación el ejemplo más impresionante de contraste dinámico en la música anterior a Beethoven, adquiriendo un alcance completamente sinfónico, comparable al episodio similar de tormenta en la sinfonía "Pastoral". La música se desvanece, pero es la calma antes de la tormenta [1] .

La parte final es una clásica escena de tormenta en una presentación instrumental. Los medios expresivos en este caso coinciden con los utilizados en las óperas y continuaron siendo muy utilizados en la época de la música romántica en la fe del XIX - incluido Beethoven [34] . En particular, la melodía descendente a lo largo del tetracordio en una tonalidad menor es una técnica común para muchos compositores en temas que expresan sufrimiento (en otros “ Four Seasons ”, creado por Haydn en 1801, un tetracordio descendente similar en sol menor crea una imagen amenazante de otra temporada - invierno) [35] . En la melodía tormentosa, pero claramente estructurada, repiques atronadores de la segunda parte y pasajes que representan destellos de relámpagos: escalas del primer sonido [34] . Las escalas ascendentes y descendentes y los arpegios simbolizan corrientes de agua que azotan desde todos lados. Mientras estos pasajes son interpretados por altos y bajos (y suenan entonaciones desesperadas y asustadas en la parte virtuosa del solista [34] ), la función rítmica se transfiere a los grupos de violines, que suenan una melodía que recuerda rítmicamente a los "vientos diferentes" tema del primer movimiento. El papel estructurador de esta fiesta sobre el trasfondo del aparente caos en el bajo se revela tras una escucha atenta. El concierto finaliza con un formidable unísono de todos los instrumentos de la orquesta [1] .

Concierto n.º 3 en fa mayor "Otoño", RV 293

1. Allegro, ballo e canto de'villanelli. Danza y canto de los muchachos campesinos.
2. Adagio molto, Ubriachi dormienti. Borrachos dormidos.
3. Allegro, la Caccia. Caza.

Después de una tormentosa tormenta de verano, Vivaldi regresa al ambiente festivo de "Primavera", con el que "Otoño" se une no solo por la tonalidad mayor, sino hasta cierto punto tanto por el ritmo [1] como por la selección de acordes [36]. . El otoño es la época del triunfo del hombre sobre la naturaleza, la época de su mayor confianza en sí mismo, y es en este concierto, según P. Everett, donde al solista se le encomiendan las partes más virtuosas de todo el ciclo [37] .

La primera parte del concierto presenta al oyente imágenes de la fiesta campesina de la cosecha: la primera nota de las notas dice "Danza y canciones de los campesinos" [1] . En el primer fragmento del solo, se retoma el tema principal de la danza, pero el segundo y el tercer episodio son estilísticamente diferentes: aquí el solista tiene arpegios inusuales, pasajes ascendentes y descendentes [36] . Esto se debe al hecho de que Vivaldi dibuja una escena de género humorístico para el oyente: "Tipped" (o "Drunken"): la melodía "que fluye" del violín simboliza el vino que se vierte, la melodía desgarrada simboliza el paso inestable de un borracho [ 36] . Al mismo tiempo, la primera modulación del tema principal no lo transfiere a la dominante  , sino que la tonalidad se traslada a Sol menor, asociada a la ansiedad y que insinúa futuros problemas. Las modulaciones continúan con un retorno a Fa mayor y luego una transición a la dominante [7] . Finalmente, después de un breve regreso al tema de la danza, el solista se “olvida completamente de sí mismo en un sueño ebrio” [36] , y su violín toca la misma nota durante cinco compases [1] . Sin embargo, no todos se quedan dormidos, y la primera parte se completa con un tema de baile que regresa [36] .

Las fiestas están llegando a su fin. El tema de la segunda parte, Adagio molto [36] , está descrito por los versos “Y, completando la alegría del placer, || La noche sumerge a todos en el sueño más profundo. Este breve boceto (en dos páginas de la partitura ) está interpretado por instrumentos de cuerda con sordina , enfatizando la paz de una noche tranquila [1] . Sus partes son simples pasajes de acordes sin prisas. La línea de bajo apenas se perfila y las notas contienen una recomendación para que el clavecinista toque el arpegio; los más simples de ellos contribuyen mejor a la atmósfera de descanso [36] . Aparentemente, el autor esperaba improvisación de los músicos aquí [1] . La parte de violín solista está completamente ausente - una rara, pero no única en la obra de Vivaldi, una expresión extrema de la construcción de una parte lenta, en lugar de una parte claramente definida, brindando al solista oportunidades para la improvisación [38] .

La parte final del concierto es un ejemplo de la forma musical y poética de caccia ( caccia italiana   - "caza"), que apareció en Italia ya en los años 1300-1400 [1] . Esta circunstancia predetermina la elección de la tonalidad de todo el concierto: Fa mayor se consideraba en la época de Vivaldi como tonalidad natural para corni da caccia  - cuernos de caza [24] . Los primeros compases del movimiento crean una atmósfera vigorizante temprano en la mañana con trompetas de cuernos de caza y caballos encabritados. A continuación, los músicos transmiten al oyente imágenes de la caza de ciervos: saltos de un animal asustado que escapa de personas y perros, su lesión (en la nota a las notas se dice sobre "un disparo y ladridos de perros" [1] ) y , finalmente, la muerte [39] . Aunque la primera parte del concierto está dedicada a las toscas diversiones de los campesinos y la última parte al entretenimiento de la clase alta, los temas solistas de ambas partes tienen algo en común, lo que permite a P. Everett escribir sobre el final. como una “parodia hasta cierto punto” de la primera parte [40] .

Concierto n.º 4 en fa menor "Invierno", RV 297

1. Allegro no molto. Viento fuerte
2. Largo. Junto a la chimenea
3. Allegro, camminar sopra il ghiaccio. Paseo sobre hielo.

A. Maikapar señala que en la música clásica existen diferentes enfoques para representar el invierno. Por ejemplo, el ciclo vocal de Schubert " The Winter Road " está impregnado de pesimismo, que empeora hacia el final: su último Lied "The Organ Grinder" es completamente inútil. Por el contrario, Vivaldi, en el cuarto concierto de Las Estaciones, busca mostrar al oyente las diferentes caras del invierno: el drama de una ventisca, la paz junto al fuego y la alegría de los juegos de invierno (el soneto correspondiente termina con las palabras “nos da el invierno y sus placeres”). Para el compositor italiano, el tiempo es cíclico, y el final del invierno es al mismo tiempo el comienzo de una nueva primavera [1] .

En la primera parte, los comentarios del autor indican que los músicos deben imitar el rechinar de dientes por el frío, el aullido del viento helado, pisotear y correr en un intento de calentarse [1] . Una secuencia de notas disonantes repetidas , que aparecen primero en un grupo de violonchelos, y luego retomadas y desarrolladas alternativamente por violas, segundos y primeros violines, crea el efecto de vacío y frío [39] . Vivaldi era muy consciente de la impresión que deja tal música, y más tarde en su ópera Farnak , en una secuencia de acordes similar, la introducción del aria “Gelido in ogni vena” (“La sangre en las venas es fría”), representando el horror de encontrarse con un fantasma , fue construido [ 41 ] . En la parte del solista suena el silbido de un viento penetrante [39] . A. Maikapar llama a esta parte la parte más difícil para el violinista-solista en todo el ciclo [1] . En particular, en el 3er episodio solista ("castañeteo de dientes por el frío"), el solista dirige la parte en pares de notas con una duración de 1/32 , imitando el temblor; pulso - el doble de largo [42]

El segundo movimiento lento introduce el tema de los "placeres de invierno". Está escrita como un aria de bel canto y es tan completa que a menudo se interpreta como una obra independiente [1] . En este pequeño esbozo lírico, que representa una imagen de paz junto a una estufa caliente [39] , el solista domina, y el pizzicato de los violines de la orquesta crea la ilusión de gotas de lluvia que caen fuera de la ventana [43] (en sus óperas, Vivaldi usaba el pizzicato para ilustrar la “lluvia de lágrimas” - italiano  pioggia di lagrime [8] ).

La parte final se abre con un solo de violín, tejiendo una ligadura suave de notas contra el fondo de una nota de bajo continuo persistente. Así dibuja el compositor un patinaje cauteloso, incierto sobre hielo. Cuando la orquesta se une al solista, aparecen rupturas y disonancias en la música, dándole dramatismo y tensión. Después de las imágenes de personas cayendo torpemente sobre el hielo, vuelve a entrar el solista, encabezando la parte entrecortada con notas de 1/16 de duración . Las rupturas en las frases simbolizan el hielo que se agrieta y se rompe bajo los pies (esta imagen también aparece en el soneto [1] ). Luego, el tempo de la música se ralentiza hasta llegar a Lento , una melodía tranquila que crea la imagen de un siroco  , un viento cálido del sur [43] . Aquí el compositor remite al oyente al tema que se escuchó anteriormente en "Summer", pero lo despoja por completo de las formidables entonaciones inherentes al segundo concierto [44] . Sin embargo, el invierno aún no ha terminado, y el solista y la orquesta, alternándose, reintroducen el tema agudo y áspero de los vientos del norte. Un final enérgico, que simboliza el poder frío del invierno [43] , completa el concierto y todo el ciclo con un poder casi sinfónico [1] .

Interpretación moderna y adaptaciones

La primera adaptación moderna de Las cuatro estaciones apareció en 1920, cuando el arreglista italiano Alcheo Toni la adaptó para piano a cuatro manos. Al año siguiente, se publicaron en Londres arreglos de partes separadas de "Primavera" y "Verano" para violín y piano, interpretadas por Emilio Pente [45] .

Después de 1950, Las cuatro estaciones ganó una inmensa popularidad masiva, convirtiéndose en la principal obra asociada con el nombre de Vivaldi y, de hecho, sinónimo de él en la percepción del público en general. La popularidad de este ciclo impulsó un estudio más detenido del acervo creativo del compositor y permitió descubrir otras obras suyas para intérpretes y oyentes [46] . Ya en la década de 1960, según Pierre Bourdieu , la rápida popularización convirtió el ciclo de una obra para intelectuales en música para personas con un intelecto medio; en la década de 1980, el tema de "Primavera" se volvió ampliamente utilizado en contestadores automáticos y como música de fondo en restaurantes, y desde principios de la década de 1990, como tono de llamada en teléfonos celulares [47] . A finales de la década de 1970, en cuanto al número de grabaciones publicadas, Las cuatro estaciones casi igualaba a la Sinfonía n.° 5 de Beethoven (31 contra 38) [11] . A mediados de la década de 1990, se habían lanzado más de 200 grabaciones de The Four Seasons, en arreglos que iban desde conjuntos de música auténtica hasta arreglos para instrumentos exóticos. A fines de la década de 1980, se lanzaban casi 20 nuevas grabaciones cada año [12] . En el siglo XXI, Las cuatro estaciones sigue siendo una de las obras clásicas más interpretadas y figura entre los líderes en cuanto al número de grabaciones de este género [48] [49] . Los volúmenes de venta también son muy altos: sólo las grabaciones realizadas por el conjunto I Muzichi han vendido una tirada total de más de 10 millones de copias [14] .

El crítico de la revista musical Goldmine Peter Gutman concede un lugar destacado en la discografía a The Four Seasons, una grabación de 1964 ( Orquesta Filarmónica de Nueva York dirigida por John Corigliano ), en la que la parte de continuo es virtuosa sobre clavecín amplificada de Leonard Bernstein . Entre las actuaciones sinfónicas, Gutman también destaca la interpretación de Leopold Stokowski , grabada en 1967 con la New Philharmonic Orchestra (solista Hugh Bean). Esta interpretación se sostiene a un ritmo relativamente lento (la duración del ciclo completo es de 45,5 minutos), impregna de sentimiento y demuestra la modulación y los cambios del texto musical original característicos de Stokowski. Gutman cita la versión de Teldec de 1976 como una de las primeras interpretaciones auténticas notables, cuando "Las cuatro estaciones" fue interpretada por el conjunto Concentus Musicus Wien bajo la dirección de Nikolaus Harnoncourt . Solo 12 músicos participaron en la actuación, incluida la esposa del director, Alice, a quien se le confió la parte solista. Esta grabación fue impecablemente precisa, enérgica y deliberadamente tosca, pero al mismo tiempo íntima [11] .

La grabación del ciclo, realizada por Deutsche Grammophon en 1982, reunió una formación particularmente "estrella" . Con la Orquesta Filarmónica de Israel dirigida por Zubin Mehta , cada concierto fue realizado por un violinista solista independiente con su propio estilo musical: Isaac Stern fue el solista en Primavera, Pinchas Zuckerman fue el solista en Verano , Shlomo Mintz fue en Otoño e Itzhak Perlman fue el solista en Invierno . La tradición de rotación de solistas, arraigada en la era del propio Vivaldi, continúa con la grabación del conjunto Academy of Ancient Music (dirigida por Christopher Hogwood ), realizada en el mismo año para el sello l'Oiseau-Lyre. Al igual que Harnoncourt, esta versión utiliza instrumentos auténticos. Otras interpretaciones que destaca Gutman incluyen dos grabaciones realizadas para el sello Sony : una versión graciosa, austera y equilibrada del conjunto Tafelmusik (solista Jeanne Lamon ) y una emotiva, lírica y a la vez enérgica lectura de Vivaldi a cargo de la Venetian Baroque Orchestra dirigida por de Andrea Marcon (solista Giuliano Carmignola ) [11] .

BBC Music Magazine también destaca entre las numerosas interpretaciones de Las cuatro estaciones por varios artistas algunas de las más significativas. La lista cronológica se abre con una entrada de Philips Records de 1979 , interpretada por Iona Brown y la Orquesta de la Academia St. Martin-in-the-Fields dirigida por Neville Marriner . Según una revista que destaca la ligereza excepcional de los trazos de Brown, muchos consideran que esta entrada es la primera de las lecturas canónicas de Las estaciones. El siguiente en la lista es el disco de 1989, en el que el ciclo es interpretado por Nigel Kennedy con la Orquesta de Cámara Inglesa . El disco pasó casi dos años en el número uno en la lista de álbumes clásicos del Reino Unido, estableciendo un nuevo récord de ventas de discos de música clásica de más de 2 millones de copias (los principales mercados son los países escandinavos , Australia y EE . UU . [50] ). La lectura de Kennedy se distingue por una rara expresividad y energía. En 2015, el músico lanzó una nueva versión de Las cuatro estaciones, que estuvo influenciada por la música jazz y la obra de Jimi Hendrix . Además, la revista destaca la interpretación del ciclo por un conjunto de cámara dirigido por la violinista Janine Jansen (entre los integrantes del conjunto también estaban su hermano y su padre, quienes interpretaron las partes de violonchelo y clavicémbalo, respectivamente). Esta lectura de cámara (publicada por Decca Records ) fue considerada por los críticos como ideal en términos de pureza de sonido y entonaciones. Otra actuación de cámara destacada es la grabación Channel Classics de 2018 de Rachel Podger y el Brecon Baroque Ensemble, donde cada grupo de cuerdas está representado por un solo intérprete. A pesar de su pequeño tamaño, el conjunto logró lograr un sonido profundo y poderoso que contrasta con el airoso solo de violín. La grabación de Avie Records de 2015, realizada por el violinista Adrian Chandler y el conjunto La Serenissima , no solo utiliza instrumentos auténticos, sino que también incluye material de archivo raro de la era de Vivaldi. Esta interpretación se caracteriza por un rubato y una precisión dramáticos , sólo comparables a la interpretación de Kennedy [51] .

BBC Music Magazine también destaca dos adaptaciones originales del ciclo. Lanzada por Deutsche Grammophon , la adaptación de Max Richter por Daniel Hope y la Orquesta de Cámara Konzerthaus dirigida por André de Ridder "elimina las tres cuartas partes" de la música original y "reproduce en bucle" los pasajes más populares, pero conserva la forma musical de Vivaldi, la tesitura . y dinámica. La adaptación de la compositora británica Roxanne Panufnik de "Four World Seasons" ( Chandos , 2016) incluye partes vinculadas no solo a las estaciones, sino también a puntos geográficos específicos ("Otoño en Albania", "Invierno tibetano", "Primavera en Japón" y "Verano Indio). La Orquesta Sinfónica de la BBC que acompaña la actuación en solitario de Tasmin Little incluye un cuenco tibetano (intérprete Graham Bradshaw) [51] .

Otras adaptaciones notables de Vivaldi dentro de la tradición musical clásica incluyen los conciertos para violín de Mark O'Connor y Philip Glass [52] ("American Seasons", 2000 [53] y "American Seasons", 2009, usando un sintetizador [54] ) . . Lectura original de 2000 por Fabio Biondi y Gallant Europe para el sello Virgin . A diferencia de la mayoría de los intérpretes, Biondi utilizó en esta versión un manuscrito romano que data de 1740, que se diferencia del más conocido en numerosos detalles de arreglo , producción sonora, armonías, tesitura y transposición . Peter Gutmann evalúa negativamente la interpretación de otro autor de Las cuatro estaciones: la grabación de Deutsche Grammophon, realizada en 1999 por Anne-Sophie Mutter con Trondheim Soloists (Noruega). La crítica desaprueba tanto el diseño visual del álbum como el tratamiento musical, que enfatiza el virtuosismo desnudo, exagerando innecesariamente el tempo y abusando del vibrato [11] . La versión sincopada de Las cuatro estaciones después de Vivaldi , creada por Carl Aage Rasmussen y grabada en el sello Dacapo por la orquesta Baroque Concerto Copenhagen dirigida por Magnus Fryklund, también es criticada en la revista musical Copper . Dando grandes elogios al trabajo del solista Fredrik From, el crítico al mismo tiempo compara con desconcierto el ritmo quebrado de la versión de Rasmussen con la pista "saltante" del CD [55] .

Entre los arreglos inusuales de Las cuatro estaciones realizados en la segunda mitad del siglo XX se encuentran arreglos para trombón y conjunto de cuerdas ; para quinteto de metales ; para flauta y acordeón ; para trío de sintetizadores , violín y orquesta; por seis koto [56] ; para violonchelo y orquesta ( Luka Šulić y Conjunto de Cuerdas de la Academia Nacional de Santa Cecilia ) y para acordeón y orquesta ( Martinas Levickis y conjunto de cámara Mikroorkéstra ) [55] . Los críticos de BBC Music Magazine también destacan la interpretación de Daniel Evangelista y Manuel Iradian, donde se entrelazan muestras de la actuación orquestal con un arreglo de música de Vivaldi para dos guitarras eléctricas [57] . Se dio una amplia gama de arreglos a la parte rápida final (Presto) del concierto "Verano". Así, hay versiones para acordeón a botones y bandura , quinteto de saxofones , violonchelo eléctrico [58] . La violinista británica Vanessa May usó esta misma parte de "Summer" para la canción principal de su álbum Storm , que pasó 5 semanas en el puesto 27 en la lista de álbumes del Reino Unido en 1997. El tema original de Vivaldi se superpone en esta interpretación al sonido rápido de la sección rítmica y la distorsión de la guitarra [57] . Poco después, la intérprete volvió a utilizar la música de The Seasons en su proyecto multimedia, que incluía la película Fantasy for Violin y The Original Four Seasons and the Devil's Trill Sonata: The Classical Album 3 [59] .

A fines de la década de 1990, el compositor ruso Leonid Desyatnikov creó una suite orquestal con la música del ciclo de Astor Piazzolla " Las estaciones en Buenos Aires " ( en español:  Las cuatro estaciones porteñas ), escrita en 1965-1970. Aunque el ciclo original de Piazzola no utilizó las melodías de Vivaldi, Desyatnikov las agregó a su arreglo. Al mismo tiempo, se modificó el hecho de que los compositores vivían en diferentes hemisferios y, como resultado, la música del "Verano" de Vivaldi suena en combinación con el "Invierno" de Piazzola, etc. [60] . En el ciclo "Las estaciones" de Vladimir Martynov , los temas de la obra del mismo nombre de Vivaldi se utilizan solo en la primera parte - "Primavera", mientras que las otras tres se basan en las obras de Bach , Mendelssohn y Pärt [ 61] . En 2016, The Four Seasons fueron remasterizados en un estilo de metal sinfónico como parte de la iniciativa Vivaldi Metal Project . El proyecto, iniciado por los italianos Giuseppe Yampieri (Mistheria) y Antonio Rigoni, involucró a más de 130 músicos y cantantes, entre ellos Rolf Pilve ( Stratovarius ), una orquesta sinfónica de Polonia y un coro académico de Bulgaria [62] . Mistheria también interpreta "Las cuatro estaciones" en su propia adaptación al piano. La revista Copper señala que esta versión se acerca a la música new age con su serenidad emocional , y el uso constante de un pedal de resonancia la acerca al romanticismo tardío , pero queda poco del propio Vivaldi en ella [55] .

La música de los conciertos formó la base de las producciones de ballet de coreógrafos como Roland Petit (1984) [63] , James Koudelka (1997) [64] , Angelin Preljocaj (2005) [65] , Mauro Bigonzetti (2007) [66] , Giuliano Peparini (2020) [67] . En algunas producciones de ballet, en lugar de la música original de Vivaldi, se utiliza la adaptación de Max Richter (ver arriba ) . En particular, suena en el ballet Kairos (2014) [68] de Wayne McGregor y en el ballet del Teatro Mariinsky Las cuatro estaciones (2017, coreógrafo Ilya Zhivoi ) [69] . En 2013, el grupo de teatro Ballet de Moscú también representó Las cuatro estaciones de Vladimir Martynov [61] . El ciclo de Vivaldi es una de las piezas musicales más utilizadas en el patinaje artístico [70] . Surya Bonaly [71] , Stefan Lambiel , Patrick Chan , Ekaterina Bobrova y Dmitry Solovyov [72] , Karolina Kostner , Syoma Uno , Maya Usova y Alexander Zhulin [73] , entre otros, pusieron números a esta música .

A mediados de la década de 2010, la música de Vivaldi había aparecido en unas 500 películas y programas de televisión. De este número, casi 100 cintas, comenzando con la película de 1967 "Metafísica del chocolate" ( port. A Metafisica do Chocolate ), sonaba el concierto "Primavera", especialmente utilizado como fondo para escenas de la vida de la alta sociedad [74 ] .

Discografía seleccionada

Notas

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