Shakuhachi

Shakuhachi
Clasificación flauta longitudinal
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Shakuhachi ( Jap. 尺八) es una flauta de bambú longitudinal que llegó a Japón desde China durante el período Nara . Tiene un timbre característico, que puede variar mucho a petición del ejecutante. Utilizado durante mucho tiempo para la práctica monástica meditativa , suizen , y también, debido a la sencillez de su diseño, un instrumento ampliamente utilizado en el ambiente campesino en nuestro tiempo encuentra su aplicación en la creación musical profesional y amateur, es una parte integral de la música. lecciones en escuelas secundarias en Japón [1] [2] , y también sirve para experimentos en el campo de las últimas tecnologías (incluyendo robótica [3] ), neurocirugía [4] y epistemología deconstructiva [5] .

Variedades y orígenes del nombre

Hoy en día, hay varias variedades de shakuhachi. La longitud estándar de una flauta es de 1 shaku 8 sun (que son 54,5 cm). Esto determinó el propio nombre japonés del instrumento, ya que “shaku” ( Jap. 尺)  es una unidad de longitud, y “hachi” ( Jap. 八)  es “ocho [sol]”, sin embargo, hay que tener en cuenta el hecho de que en diferentes momentos en Japón bajo "shaku" significaba varias longitudes.

El shakuhachi existe en doce tonos, que dependen de la longitud del instrumento, pero en la práctica solo se utilizan unos pocos. El tono principal del llamado estándar. "1,8-shakuhachi" es " re ". Los shakuhachi también están relativamente extendidos en las formaciones “mi” (1,6 shaku), “do” (2 shaku), “si” (2,1 shaku) y “la” (2,4 shaku) [6] . Es decir, formalmente estos instrumentos ya deberían llamarse “shakuroku” (shaku y seis soles), “nishaku” (2 shaku), etc., pero todos llevan el nombre común de shakuhachi. El más grande es un shakuhachi de 3,75 shaku de largo (suena una octava más bajo que el estándar, es de poca utilidad para hacer música práctica), y el más pequeño es de 1,1 shaku. Se observa que cuanto más corto es el instrumento, más difícil es tomar notas en el registro superior; cuanto más tiempo, más difícil es jugar a un ritmo en movimiento; cuanto más se diferencia el instrumento del estándar en cualquier dirección, menos precisa se vuelve la entonación de los cuartos de tono [6] .

La clave, sin embargo, es la clasificación del shakuhachi no por afinación, sino por si el canal interior de la flauta está cubierto con laca (o polvo para pulir, o una combinación de ambos) [7] . Sobre esta base, se distinguen dos clases: jinuri-shakuhachi (地塗り尺八) y jinashi-shakuhachi (地無し尺八), y como intermedio - jimori-shakuhachi (con barniz "punteado"). En el uso moderno de la palabra, shakuhachi significa exactamente jinuri-shakuhachi (es decir, lacado ; cabe señalar que jinashi-shakuhachi se puede cubrir con una fina capa de urushi ), sin embargo, este instrumento es significativamente posterior (comenzó a usarse no antes). que la era Meiji) en su origen, que fue causado tanto por la necesidad de una entonación más precisa cuando se toca en un conjunto, como por la influencia de la estética occidental: en particular, tal instrumento hace bastante fácil tocar la escala cromática [ 8] . Otra ventaja del shakuhachi actualizado fue la posibilidad de estandarización y producción en masa. Acústicamente, es importante que el revestimiento interno del jinuri shakuhachi se endurezca con el tiempo y afecte directamente el movimiento de la columna de aire cuando se produce el sonido. Como resultado, la mejora del instrumento (en el sentido europeo), sin embargo, tuvo su completa inadecuación para la interpretación del honkyoku clásico, donde las imprecisiones y los cambios en la entonación y la dinámica juegan un papel significativo. Por lo tanto, podemos hablar de una división real del mundo shakuhachi en dos partes autónomas, cada una de las cuales difiere en la función misma del instrumento, la forma de transferir las habilidades de ejecución en él, así como en sus ideas sobre el sonido ideal [ 8] . Solo jinashi-shakuhachi es en el sentido más completo una herramienta auténtica para la práctica espiritual Zen [8] . Después de un siglo de relativo abandono, se ha producido un renovado interés por el auténtico shakuhachi. Los ejemplos modernos están hechos de herramientas sobrevivientes del período Edo utilizando radiografías y sonogramas [7] . Jinashi-shakuhachi también puede llamarse hotiku, kyotaku, fuke-shakuhachi, myoan-shakuhachi, komuso-shakuhachi o Edos shakuhachi, según el contexto y la tradición [7] .

Construcción, producción de sonido y técnicas especiales de interpretación

En términos de diseño y extracción de sonido, el shakuhachi es similar al kena andino : para extraer el sonido, el músico coloca el extremo superior de la flauta en el labio inferior y dirige el flujo de aire hacia una cuña llamada utaguchi ( en japonés歌口) . El número de orificios para los dedos en un instrumento moderno es cinco. En diferentes momentos se crearon muestras experimentales de instrumentos de siete y nueve agujeros para facilitar la extracción de un número de notas que, con un diseño estándar, hay que sacar tapando los agujeros por la mitad. Las innovaciones de este tipo, sin embargo, fueron abandonadas cuando resultó que el instrumento estaba perdiendo gran parte de sus otras cualidades esenciales, el ejemplo más llamativo de lo cual es la ejecución de la técnica común "tsu-no-meri", que logra un aumento en tono por medio tono, pero al mismo tiempo, tiene un timbre y una dinámica específicamente “velados” (en relación con otros sonidos), y con una construcción con siete o más agujeros, esta característica está completamente nivelada [6] .

Cada uno de los cinco orificios para los dedos puede estar en siete estados: completamente abierto, un cuarto cerrado (arriba, izquierda y derecha), medio cerrado/abierto, tres cuartos cerrado, completamente cerrado. El tono del sonido también depende del movimiento de la cabeza hacia arriba o hacia abajo cuando se produce el sonido, ya que esto afecta el ángulo en el que se dirige la corriente de aire. Hay seis posiciones de este tipo. El movimiento hacia abajo se llama "mary" (de meru ( jap. 減る) ), y el movimiento hacia arriba se llama "kari" (de karu ( jap. 上る) . Si meri le permite bajar el tono en un tono o más, entonces el rango de kari está limitado, por regla general, semitono [9] .

Los sonidos de registro superior rara vez se utilizan en la música tradicional, pero se han utilizado activamente en la música de las últimas décadas. Las posibilidades de la herramienta están limitadas aquí. Para la precisión de la entonación, los músicos tienen que recurrir a técnicas especiales como superponer la campana con una rodilla (en la escritura, esta técnica se indica mediante un círculo con un punto grueso en el centro) [6] .

Al realizar sonidos repetidos, la lengua no los separa; en su lugar utiliza el llamado. técnica uchi-yubi, en la que el orificio del dedo correspondiente se abre y se cierra [9] . El ataque del sonido suele ir acompañado de melismas específicos debidos a golpes con los dedos (atari) [9] . Además, shakuhachi te permite extraer varios tipos de trinos . Los más comunes en el repertorio tradicional son los trinos, onomatopéyicamente llamados "karakara" (sonido retumbante, repiqueteo) y "korokoro" / "gorogoro" (ruido, retumbar) [10] . Las posibilidades de uso de cada tipo están limitadas a un rango determinado. Hay una serie de otras variedades de trinos y sus combinaciones. Así, el compositor Ryohei Hirose en 1973 introdujo el trino tipo boboko (corresponde al sonido que se obtiene al golpear un objeto hueco) [6] .

Shakuhachi están disponibles, etc. multifónicos, aunque su número es muy limitado en comparación con otros instrumentos de viento. Los multifónicos se pueden diversificar significativamente en términos de timbre debido a las opciones de digitación con superposición parcial de los orificios para los dedos [6] . Del arsenal de otros llamados. Frullato, así como el canto o los ruidos (por ejemplo, la tos) paralelos a la extracción del sonido real, están disponibles para técnicas extendidas para tocar instrumentos de viento shakuhachi. Además, shakuhachi te permite entonar cuartos de tono con precisión.

Varias técnicas específicas clave para tocar el shakuhachi se logran cambiando la respiración. Los más conocidos a este respecto son mura-iki ( en japonés , respiración irregular ) , komi-buki ( en japonés, aliento pulsante ) y kitte (en japonés, "cortar") [6] [10] . Con mura-iki, el ejecutante dirige una corriente de aire con la máxima intensidad y potencia explosiva: la técnica es de naturaleza bastante ruidosa, ya que el tono del sonido con mura-iki ya es difícil de determinar [9] .

Se observa que una ejecución adecuada de mura-iki conduce inevitablemente al ejecutante fuera del tempo actual de la obra, ya que suprime cualquier sentido del tiempo. Con komi-buki, el ejecutante alterna la tensión y relajación de los músculos de la laringe con el apoyo del diafragma , lo que le permite obtener un efecto expresivo "atmosférico". Kitte es una variante de la articulación del final del sonido: el intérprete corta bruscamente el flujo de aire sin ningún matiz [10] .

En segmentos separados de la gama shakuhachi, es posible el portamento . Portamento en la unión de diferentes registros en algunos casos puede ser creíble debido al uso de vibrato [6] . Hay varios tipos de vibrato (yuri) según la dirección del movimiento de la cabeza: horizontal (yoko-yuri), vertical (tate-yuri), mixto. El principal es el primero. Vibrato rara vez se usa en honkyoku y prácticamente no se anota en los textos. La idoneidad de su uso en obras de teatro tradicionales se transmite a través de la tradición oral. Dominar la técnica del yuri es uno de los aspectos más difíciles de tocar el instrumento: hay un dicho en el folclore japonés, según el cual se necesitan tres años para desarrollar el movimiento correcto de la cabeza y otros ocho, pero para lograr una característica ". sonido cálido" [9] . Asimismo, el ejemplo del vibrato, según algunos investigadores, habla a favor de la mayor cercanía del shakuhachi no a la flauta y otros instrumentos de viento, sino a los instrumentos de cuerda: tal acercamiento puede ser constructivo a la hora de componer nueva música para shakuhachi [10] .

Sistemas de notación

El primer sistema de notación documentado para shakuhachi, llamado "fu-ho-u" (después de las tres primeras sílabas del alfabeto japonés utilizado en él), fue creado para hitoyogiri y fechado en 1608 [11] . Las principales escuelas de kinko-ryu y tozan-ryu, sin embargo, usan variantes de otro sistema "ro-tsu-re" que se desarrolló a principios del siglo XIX, el cual fue desarrollado por iemoto kinko-ryu Araki Kodo II. Ya después de la restauración Meiji, el sistema se desarrolló en términos de precisión en la fijación del ritmo. La variación adoptada en tozan-ryu se deriva del sistema kinko-ryu. Myoan-ryu también utiliza el sistema ro-tsu-re, sin embargo, debido al hecho de que los honkyoku constituyen todo el repertorio de la escuela, esta variante es en todos los aspectos más tacaña y ascética. De las escuelas clave, solo la chikuho-ryu utiliza una modificación del sistema arcaico fu-ho-u [11] .

Tradicionalmente, las piezas de shakuhachi se escribían en tablatura caligráfica , usando sílabas katakana para indicar digitación , así como instrucciones verbales; líneas, puntos y otras marcas adicionales son de naturaleza aclaratoria y se relacionan con la variación del tono, su duración y dinámica [10] . Al mismo tiempo, no existe una unificación estricta en el uso de este último en relación con honkyoku, incluso dentro de la misma escuela, lo que dificulta la lectura del texto sin explicar quién lo escribió [12] . El concepto de urtext no existe en la tradición de la música shakuhachi. Con la excepción de la práctica de kinko-ryu, las partituras de honkyoku casi nunca se imprimen. El texto en sí es predominantemente una herramienta mnemotécnica auxiliar , la transferencia real de información se lleva a cabo directamente del profesor al alumno. En las últimas décadas, sin embargo, ha habido tendencias tanto en la grabación de obras de teatro utilizando la notación musical moderna como en el uso de la tecnología de la información, lo que puede nivelar significativamente la naturaleza esotérica de la transferencia de conocimiento [13] .

La grabación de piezas de conjunto gaikyoku era originalmente de una naturaleza mucho más precisa debido a la necesidad de sincronizar múltiples voces. Los sistemas de notación adoptados en varias escuelas, con algunas reservas, permiten convertir texto de un sistema a otro sin perder información [12] . Los científicos japoneses también han propuesto un lenguaje unificado para la representación informática de la notación musical para todo el repertorio de shakuhachi, denominado COMSO [14] .

Historia del shakuhachi

Hay varias versiones de la apariencia del shakuhachi. Uno de ellos sugiere que el shakuhachi viajó un largo camino desde Egipto a la India, luego a China y luego a Japón. En cuanto a la aparición del instrumento en el propio Japón, la hipótesis dominante es que el shakuhachi (en forma de flauta chiba, variedades de xiao : el chino “chiba” y el japonés “shakuhachi” se escriben con los mismos jeroglíficos) provino originalmente de China. a través de Corea durante el período Nara (710 -794) como uno de los instrumentos de la música de la corte togaku (literalmente, "música de la dinastía Tang"), que ahora se considera una variante de gagaku [12] . Los ejemplos más antiguos de shakuhachi se encontraron en el tesoro imperial de Shosoin como pertenecientes al emperador Shomu. Entre los instrumentos musicales que participaron en la ceremonia de consagración del templo Todai-ji en el año 752, se encontraron 8 shakuhachi de origen chino (también llamados "gagaku-shakuhachi" o "kodai-shakuhachi" [15] ), algunos hechos de bambú, otros - de jade y marfil y con seis agujeros de juego y un sistema heptatónico [16] . Después de la reforma Gagaku a mediados del siglo X. El shakuhachi surgió de la práctica musical y no se menciona en absoluto en los documentos históricos sobrevivientes durante varios siglos .

La primera mención de shakuhachi después de este período de olvido se produce en 1233 en el tratado de diez volúmenes del bailarín de la corte Koma Chikazane "Kyokunsho", dedicado al gagaku. El texto señala que en el momento de su redacción, el instrumento era utilizado activamente por monjes ciegos (mekurahoshi) y también en sarugaku . La imagen más antigua que se conserva de un shakuhachi data de finales del siglo XIV. y demuestra el llamado. hitoyogiri (flauta de una sola campana) con cinco agujeros para tocar y una entrada en ángulo (presumiblemente similar a gagaku-shakuhachi) [16] . Tanto el hitoyogiri como el miyogiri (tres flautas) se consideran vínculos entre el gagaku shakuhachi y el instrumento moderno. La flauta de ese período era muy diferente del shakuhachi moderno: estaba hecha de las ramas superiores de bambú, tenía paredes delgadas y cortas, no más de tres ramas (mientras que el shakuhachi moderno está hecho de siete ramas de bambú basal) .

De la vuelta de los siglos XIV-XV. hitoyogiri se convierte en una parte integral del arsenal de monjes errantes "komoso" ( jap. 薦僧 komoso :) , que literalmente significa " monje estera de paja ". Eran monjes errantes sin dinero que deambulaban por Japón recogiendo limosnas. Una característica importante era que personas de cualquier clase podían unirse a las filas de Komoso. El pico de popularidad del instrumento se produjo a finales del siglo XVII, que estuvo marcado, entre otras cosas, por la aparición de una serie de tratados que describen las técnicas básicas de interpretación y los sistemas de notación. En años posteriores, sin embargo, el hitoyogiri como instrumento prácticamente cayó en desuso, a principios del siglo XIX. siendo reemplazado por el tipo de shakuhachi que todavía se usa en la actualidad.

A principios del siglo XVII dar cuenta de la institucionalización de los monjes errantes en la forma de la secta zen Fuke. Komuso ( jap. 虚無 僧 komuso :) , como se les llama ahora, ideológicamente jugando con el nombre original que suena similar, cargándolo con el significado de "monje de la nada y el vacío", mientras reciben derechos especiales, incluido el derecho de monopolio de uso. el shakuhachi y la libre circulación en todo el territorio de Japón (en el contexto de la prohibición de este último para la población). El shakuhachi se usaba como herramienta para la práctica espiritual, así como para recolectar limosnas. El estatus de los komuso era ambiguo: detrás del séquito de ascetismo religioso y sombreros que ocultaban completamente el rostro, a menudo se encontraban complicidades con las autoridades y funcionaban como espías-informantes [15] . Solo los representantes de la clase alta, los samuráis, podían unirse a las filas del komuso. Según la tradición, un samurái que quisiera alejarse de los asuntos mundanos podía acudir al templo, entregar su espada y recibir a cambio una flauta y comenzar la práctica espiritual. Al mismo tiempo, los monjes recién convertidos no perdieron sus habilidades de lucha, utilizando el shakuhachi como arma defensiva, lo que, en particular, supuestamente contribuyó a un cambio en su diseño en términos de un engrosamiento significativo y la formación de una campana característica. [15] . Las reglas de conducta y vestimenta del komuso estaban estrictamente reguladas. Los investigadores han contado 77 templos Fuke repartidos por todo el imperio japonés, y el corpus total de obras de teatro utilizadas en estos templos es de unos 150 honkyoku, el más antiguo de los cuales se remonta al comienzo de la era Edo [17] . Los contactos entre los templos y el desarrollo de una cierta comunidad de tradición se llevaron a cabo a través de komuso en constante itinerancia, como resultado de lo cual los honkyoku se mezclaron y transformaron, lo que llevó a la coexistencia tanto de diferentes nombres para las mismas piezas, como de diferentes piezas que llevan el mismo nombre. mismo nombre [12] . El análisis informático de textos musicales se propone como la solución más prometedora a este problema de genealogía y mutación de honkyoku [12] . A pesar de que el shakuhachi siguió siendo un instrumento predominantemente monástico, las tendencias hacia su desacralización ya eran evidentes en 1847, cuando entró en vigor el decreto sobre la “liberalización” del shakuhachi en la forma de privar a Fuke del monopolio de su uso, que fue facilitado en parte por los propios monjes, que ejecutaban activamente música secular que estaba formalmente prohibida.

Con fines políticos oportunistas (en particular, la monopolización y la obtención de beneficios del gobierno), la secta Fuke retrospectivamente, como un mito fundamental, también fabricó la leyenda de la aparición del shakuhachi en Japón [15] , según la cual el monje Chan Puhua vagó por China. durante la dinastía Tang en el siglo IX (en la tradición japonesa - Fuke), quien tocó la campana y llamó a la iluminación a quienes lo rodeaban. Alguien bajo la influencia del "sermón" hizo una flauta de bambú y comenzó a imitar el sonido de la campana Fuke. Por lo tanto, supuestamente nació la primera pieza para shakuhachi, llamada (según la escuela) kyorei ( japonés 虚鈴) , kyotaku ( japonés 虚鐸) y una serie de otras expresiones de juego de palabras que emanan de la imagen original del llamado. "campana imaginaria" Las “ediciones” de la obra que han sobrevivido hasta el día de hoy, que tradicionalmente se identifican en cada una de las escuelas con el supuesto sonido de “kyotaku”, difieren tanto que no es posible reconstruir su forma original con alguna exactitud, y la existencia misma de la obra, como toda la historia, tiene un estatus legendario. También se critica otra leyenda cultivada en el fuke sobre la aparición real del shakuhachi en Japón [12] . Según la mitología fuke, el monje Kakushin estudió el arte del shakuhachi en la China Song , donde este último se transmitía de generación en generación desde los Tang, y en 1254, de regreso a su tierra natal, introdujo el instrumento en la práctica musical y espiritual de Japón. La improbabilidad de la historia suele demostrarse por el hecho de que el shakuhachi del modelo de la era Tang (más precisamente, una familia de 12 flautas de varias longitudes) ya estaba garantizado que no existiría durante la vida de Kakushin, lo que hace que la flauta dongxiao sea la candidato más probable para el instrumento que dominaba Kakushin, sin embargo, soluciones constructivas entrada dongxiao, etc. Tan gagaku-shakuhachi son directamente opuestos, lo que nos permite afirmar con confianza su pedigrí diferente [12] .

Al comienzo de la Restauración Meiji, la secta Fuke fue disuelta por el gobierno [18] y, como resultado, para preservar la tradición del shakuhachi, se crearon las primeras escuelas: kinko-ryu, tozan-ryu y myoan-ryu. .

Escuelas Shakuhachi

Como resultado de la Restauración Meiji y la subsiguiente persecución de los budistas, la escuela fuke se disolvió en 1871, y la prohibición de recolectar limosnas, que estuvo vigente desde 1872 hasta 1881, proscribió la forma de vida tradicional de los komuso en general. . Esta combinación de circunstancias afectó más seriamente el estatus del shakuhachi y condujo a una especie de división entre la creación musical secular y el ejercicio espiritual. El desarrollo del primero fue el resultado de la lucha por la supervivencia económica de los intérpretes de shakuhachi, quienes comenzaron a unirse a conjuntos de tipo sankyoku (junto con koto y shamisen, desplazando a kokyu del “trío” ) e institucionalizar su arte, construyendo estructuras organizativas. estructuras (las llamadas “Ryuha" ( Jap. 流派) ) a imagen de las adoptadas en Japón en las artes marciales, entre los artesanos, así como en una serie de artes tradicionales (con el establecimiento de una jerarquía interna, una sistema de grados "dan", etc.).

Entre las escuelas laicas de este tipo, de las que hay varias decenas, se pueden distinguir las siguientes [19] :

  1. Myoan-ryu ( Jap. 明暗流 myo : anryu: ) (también Meian-ryu), se considera convencionalmente fundado en 1890 y lleva el nombre de la antigua fortaleza del templo Myoanji komuso. En realidad, es más bien un nombre colectivo para todas las tradiciones locales del templo que el kinko-ryu no ha absorbido [15] . La escuela se considera en realidad la única sucesora de la tradición de la escuela Fuke , que se cerró en 1871. La escuela no es secular y, por regla general, no practica la interpretación de gaikyoku [20] . Por los mismos portadores de la tradición, se niega la existencia de Myoan-ryu en el mismo sentido en que existen otras escuelas debido a la falta de una organización estricta de la misma; además, se cree que el repertorio original de la escuela se perdió en su mayoría a mediados del siglo XX. [21] . Entre las características musicales de myoan-ryu se encuentran las notas largas que duran 20 segundos o más y corresponden al principio Zen "un sonido: el estado de la mente de un Buda" [15] .
  2. Kinko-ryu (琴古流kinkoryu : )  se considera formalmente el más antiguo, rastreando su genealogía hasta las actividades de Kurosawa Kinko (黒沢 琴古 kurosawa kinko ) (1710-1771), un ronin conocido por su "investigación de campo" en varios templos budistas, en el que logró recopilar y sistematizar el corpus honkyoku de 36 piezas, así como reelaborarlos. Fundada supuestamente en 1756 [22] , pero como escuela en el sentido moderno, comenzó a funcionar en las realidades de la era Meiji, habiendo sobrevivido a una escisión, pero también ganando gran popularidad bajo el liderazgo de la línea iemoto de Araki Kodo . La escuela es bastante heterogénea en su composición y puede ser considerada como tal con cierto grado de convencionalismo. Inicialmente, tenía el estatus de aristocrático.
  3. Tozan-ryu (都山 流 to:zanryū:) fundado por Nakao Tozan (1876-1956) en 1896 y ya no está directamente relacionado con el shakuhachi, ya que se usaba en la secta fuke. Nakao Tozan desde el principio se centró en gaikyoku, que, como piezas de conjunto, se distinguían por una mayor regularidad rítmica en comparación con el ritmo flotante de honkyoku [15] . Esta propiedad se transfirió al actual honkyoku, canonizado en la escuela, y también contribuyó al desarrollo de una notación que fijó con precisión el ritmo. Este último distingue tangiblemente a tozan-ryu de kinko-ryu. La escuela simpatiza con el estilo occidental de música y las nuevas composiciones: en su repertorio, por ejemplo, se pueden encontrar regularmente piezas con exposición de acordes y cuartas y quintas paralelas, lo que no tiene precedentes en la música tradicional japonesa [15] . Como organización, junto con kinko-ryu, es la escuela más grande y numerosa de Japón (tenía alrededor de medio millón de miembros según 1968 [21] ). Dirigido a la clase media.
  4. Ueda - ryu _ _ _ _ Fundado en 1917. Formado como resultado de una división en Tozan-ryu. El fundador de la escuela, Hodo Ueda, inicialmente se dirigió a la modernización del shakuhachi, el uso de un sistema musical moderno, un "constructivo" de 7 rodillas y otras innovaciones. Posteriormente, Ueda-ryu volvió a la notación tradicional, pero se sigue utilizando el shakuhachi de 7 tribus. Nombre de la escuela moderna : Ueda - ryu shakuhachi - do Tenía reputación de ser una escuela para la clase obrera [21] .
  5. Chikuho-ryu (竹保流 : ) . Fundada en 1917 por Chikuho Sakai. Cercano a Tozan-ryu en términos de actitud hacia la música occidental. Desempeñó un papel clave en llevar el shakuhachi a la vanguardia musical japonesa. Utiliza un sistema de notación específico basado en los caracteres katakana "fu-ho-u-e" (en lugar de "ro-tsu-re-ti", como es habitual en otras escuelas). Fue en chikuho-ryu que, por primera vez en la historia de la escuela shakuhachi, se otorgó el título más alto en la jerarquía del daishihan ("gran maestro") a un músico de origen no japonés. Se convirtieron en Riley Lee .

Con la excepción de myoan-ryu, las escuelas enriquecieron hasta cierto punto su repertorio y pensamiento musical con los logros de la música europea (incluida la armonía funcional) y transformaron el instrumento mismo para este propósito. En este sentido, es de interés un instrumento híbrido, llamado condicionalmente en la literatura "flutohati", y originalmente llamado "okuraulo" ( una palabra-billetera , formada a partir del nombre del maestro Okura que creó el instrumento y la transcripción japonesa del nombre del dios griego Eol ), presentado al público en 1936 [12 ] (según otras fuentes - ya en la década de 1920 [23] ) y combinando el cuerpo de una flauta longitudinal del sistema Boehm con el parche y la rodilla de la shakuhachi, que permitía obtener una mezcla específica de los timbres de dos instrumentos en función del registro [23] . A pesar del entusiasmo inicial, el instrumento no arraigó en la práctica musical, al igual que otras innovaciones como el shakuhachi con 9 agujeros de sonido que apareció en el mismo período [12] .

Las escuelas estaban lo suficientemente abiertas al público en general y desempeñaron un papel importante en la remodelación del shakuhachi de una herramienta de práctica de meditación monástica a una herramienta para la creación musical profesional y amateur. La tradición del uso zen adecuado del shakuhachi sobrevivió, pero fue muy marginada por la corriente principal de las escuelas populares. Hoy en día, existen dojos donde se enseña shakuhachi de acuerdo con la tradición de una u otra escuela secular en Rusia, Sudáfrica, Brasil, Perú, China, Taiwán y otros países [7] .

Repertorio de Shakuhachi

  1. Honkyoku ( jap. 本曲 honkyoku )  - "piezas principales". El shakuhachi no se creó originalmente como un instrumento musical, sino como un instrumento para la práctica espiritual. Las obras de este género fueron escritas específicamente para este propósito y no pueden considerarse musicales. Es la música de meditación utilizada por los monjes de la escuela Rinzai que practican suizen .
  2. Gaikyoku ( Jap. 外曲 gaikyoku )  es música secular (literalmente "externa") para un conjunto, por ejemplo, en los géneros de sokyoku (con un solo koto ) o (música vocal acompañada por un shamisen o conjunto), donde el La parte de shakuhachi es la que lo acompaña . Como excepciones, también hay antífonas de fuki-awase y duetos de shakuhachi, donde uno de los instrumentos toca un ostinato [12] . Antes de la Restauración Meiji, existía una prohibición formal para que los monjes jugaran gaikyoku, pero en la práctica a menudo se violaba.
  3. Minyo (民謡minyo : )  es música folclórica. Inicialmente, la flauta hitoyogiri (un prototipo de un instrumento moderno) se usaba en gaikyoku, así como en minyo, pero con el surgimiento de escuelas y el comienzo de la enseñanza de shakuhachi a laicos, hitoyogiri fue suplantado por shakuhachi.
  4. Shinhogaku ( en japonés 新邦楽 shinho:gaku )  ​​son obras creadas desde la era Meiji hasta aproximadamente las tres primeras décadas de la era Showa .
  5. La música moderna Hogaku ( Jap. 現代邦楽 gendaiho: gaku )  ​​son composiciones para shakuhachi y otros instrumentos japoneses, escritas en línea con la tradición clásico - romántica .
  6. Música Académica Contemporánea .

Shakuhachi en la música académica moderna

En la primera mitad del siglo XX. durante el período de modernización intensiva de Japón y la importación activa de ideas y tecnologías occidentales, la música tradicional japonesa y los propios instrumentos comenzaron a ser considerados una especie de mauvais ton: por ejemplo, una de las figuras clave de esa época, el compositor Yoritsune Matsudaira , retrospectivamente admitió abiertamente que durante su formación musical simplemente odiaba el shakuhachi y todo el contexto zen asociado con él [24] . En los años de la posguerra, sin embargo, el clima ideológico cambió gradualmente y el shakuhachi comenzó a ser ampliamente utilizado no tanto para la práctica espiritual y la interpretación de obras clásicas japonesas, sino para la interpretación de música académica moderna. Entonces, a fines de 1991, había más de 500 obras de compositores japoneses solamente, en las que se asignaban partes solistas al shakuhachi [25] , y había alrededor de 100 piezas de autores europeos y estadounidenses, incluidas obras de Schelsi , Cowell y otros famosos . compositores [6 ] [26] .

Se cree que el pionero en el campo del uso de shakuhachi en la música moderna es Makoto Moroi , quien creó en 1964 un ciclo histórico de honkyoku "Five Pieces" en 1964 [6] . La razón para escribir el ciclo fue la relación personal del compositor con el iemoto de la escuela Chikuho-ryu y su hijo, para quienes se escribió la música. Escrita originalmente usando la notación específica adoptada en Chikuho-ryu, la composición se transfirió más tarde a la notación Tozan-ryu , así como a la notación musical moderna , lo que contribuyó a su popularización. La composición se distingue por un alto grado de complejidad técnica y el uso de técnicas que no son estándar para el repertorio tradicional de shakuhachi (por ejemplo, en largos pasajes entrecortados con un tempo en movimiento). En lo que se considera una carencia del instrumento (control limitado sobre el tono y su dinámica, heterogeneidad del timbre, etc.), Moroi, que asistía regularmente a los Cursos Internacionales de Verano de Nueva Música en Darmstadt , vio algo en consonancia con las tendencias actuales en la música de su tiempo. Las Cinco Piezas, así como los Cinco Diálogos más radicales que les siguieron, tuvieron un impacto significativo en la integración del shakuhachi en el proceso artístico moderno y generaron un gran número de respuestas e imitaciones [6] .

Ampliamente conocido creado a finales de 1960-70. composiciones de Toru Takemitsu " Eclipse " (para biwa y shakuhachi), así como orquestales " Pasos de noviembre " y "Otoño" [27] . Al mismo tiempo, el compositor replanteó la tradición utilizando la combinación de shakuhachi y biwa, que no existe en la música japonesa [28] . Los "pasos de noviembre" se encuentran entre las obras más importantes de la historia de la música académica japonesa [24] .

Además de las obras de Takemitsu, ganó fama Wandlungen (1967) para dos shakuhachi con orquesta del compositor Yoshiro Vladimir Irino . Irino también fue autor de una de las primeras piezas para shakuhachi escritas en la técnica del dodecáfono (Dúo Concertante, para shakuhachi y koto, 1969). El compositor se convirtió en pionero en el estudio de los multifónicos , utilizados por primera vez en la misma composición.

De los otros compositores importantes que trabajaron activamente con el shakuhachi, se debe destacar a Maki Ishii . La primera experiencia de Ishii en esta dirección fue Collision, I (1970, para shakuhachi y piano), donde el compositor resolvió el problema de la "coexistencia" de dos instrumentos diferentes escribiendo dos piezas separadas, pero conceptualmente estrechamente relacionadas (cada una de las cuales se presenta como un conjunto de bloques-módulos discretos que opera el ejecutante), dejando en manos de los ejecutantes implementar la posibilidad de “encontrar” (de ahí el nombre de la obra) estos componentes en el tiempo. Ishii recurrió regularmente al shakuhachi durante los años siguientes, pero al mismo tiempo notó que el rastro de la tradición espiritual, con el que está sobrecargada la historia del shakuhachi, lo agobiaba bastante, lo que hacía más cómodo recurrir al conjunto gagaku para implementar ideas similares [24] .

La música Shakuhachi es una parte esencial del legado creativo de Ryohei Hirose .(“Concierto para shakuhachi y orquesta” (1976) y otras composiciones). Hirose también posee la idea original de reconstruir las técnicas de tocar el shakuhachi ("yuri", "mary", "kari": cambios de tono, logrados principalmente debido a los movimientos de la cabeza) utilizando los medios disponibles para el violonchelo, encarnados por él en el concierto para violonchelo “Triste” (1971). Una idea estructuralmente similar subyace en la composición más famosa de Hirose, Rolling Thunder (1964, para shakuhachi y cuerdas).

Entre los compositores no japoneses, el compositor británico Frank Denyer hizo una contribución importante a la expansión del repertorio moderno para el shakuhachi, así como al estudio de las posibilidades no estándar del instrumento . Sin precedentes en el contexto de todo el corpus de composiciones de shakuhachi, se advierten las complejidades de carácter entonativo rítmico y microtonal, que abundan en su ciclo "Folio para shakuhachi" (1981) [6] . Las tareas técnicas establecidas por el compositor llevaron a la expansión del registro existente de opciones de digitación, así como al desarrollo de las llamadas. "técnica de rodilla", cuando la rodilla del artista se utiliza para bloquear parcialmente el flujo de aire. Nuevos horizontes musicales para el shakuhachi fueron abiertos por la composición electrónica cuadrafónica de Jonathan Harvey “Ritual Melodies” (1990) creada en el IRCAM , donde se presentaron modelos de una serie de instrumentos y voces de la música ritual de los pueblos de Oriente, que en el espacio de la obra mutan libremente unas en otras; Durante el proceso de modelado, el autor y su asistente encontraron que era el shakuhachi el que resultó ser el instrumento más complejo y sutil en términos de su lógica espectral [29] .

Las principales obras para shakuhachi escritas en los siglos XX-XXI.

Shakuhachi en la música popular

Shakuhachi es relativamente ampliamente utilizado en jazz (principalmente japonés), étnico y otros estilos populares de música [30] [31] .

Superando las fronteras estilísticas y nacionales, shakuhachi aparece en las bandas sonoras de los éxitos de taquilla de Hollywood Jurassic Park , Batman y The Mask of Zorro [7] .

En cuanto a la integración del shakuhachi en el jazz mainstream, se considera un hito el Festival de Jazz de Newport de 1972 , cuando Nobuo Hara incluyó en su equipo a un maestro del shakuhachi y poseedor del llamado título. " Tesoro nacional viviente " Hozan Yamamoto , con quien interpretó una serie de estándares de jazz japoneses , incluidos "Sakura, Sakura" y "Soran-bushi"; el concierto tuvo una gran resonancia en el ambiente jazzístico y contribuyó a la popularización del instrumento en él [32] . También se sabe que el shakuhachi fue tocado por John Coltrane , quien adquirió el instrumento (junto con el koto) durante la gira de su quinteto por Japón en 1966 [33] [34] y posteriormente lo llevó con él a menudo cuando se movía por los Estados Unidos . , explorando la herramienta de posibilidades y conduciendo al mismo tiempo [35] .

El álbum de Boris Grebenshchikov "Time N" (2018) contiene la pista "Shakuhachi" (el nombre de este instrumento en transcripción alternativa).

Véase también

Notas

  1. ↑ Takaki I. Un estudio práctico de Shakuhachi para la educación musical de secundaria: un estudio de caso de Shika no Tone Takaki, K. Fujii // 島根大学教育臨床総合研究. - 2012. - V. 11. - Un estudio práctico de Shakuhachi para la educación musical de secundaria. - S. 119-133.
  2. ↑ 城佳世. Un plan tentativo de Shakuhachi para las clases de apreciación musical (尺八を用いた鑑賞授業の一試案) - 2013. - T. 50. - Nº 1. - S. 105-118.
  3. ↑ Tani T. Control of Shakuhachi Performance Robot: desarrollo de una válvula de control de caudal para el robot Shakuhachi Takashima // - 2003. - Vol. 33. - Control de Shakuhachi Performance Robot.
  4. ↑ Izuta I. Un caso de amusia con discrepancia en el rendimiento de la capacidad de lectura y escritura entre la notación shakuhachi y la notación de pentagramas / I. Izuta, J. Tanemura, T. Kishimoto // Higher Brain Function Research. - 2008. - T. 28. - N° 4. - S. 404-415.
  5. ↑ Matsunobu K. ​​​​El Shakuhachi como epistemología deconstructiva: hacia una visión ecológica de la educación musical / K. Matsunobu // 熊本大学教育学部紀要. - 2013. - V. 62. - El Shakuhachi como Epistemología Deconstructiva. - S. 177-182.
  6. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 Iwamoto Y. El potencial de Shakuhachi en la música contemporánea / Y. Iwamoto // Contemporary Music Review. - 1993. - T. 8. - Nº 2. - S. 5-44.
  7. ↑ 1 2 3 4 5 Día de Kikutsubo Galathea Mikhailovna Mizuno. Recuerdo de cosas pasadas: creación de un repertorio contemporáneo para el arcaico jinashi shakuhachi. Tesis (Ph.D.). Universidad de Londres, Escuela de Estudios Orientales y Africanos, 2009.
  8. ↑ 1 2 3 Satoshi Shimura. Técnicas y espíritu de hacer el Shakuhachi: para una comprensión de los dos mundos espirituales que existen hoy. En Der "Schöne" Klang. Pülhorn, Wolfgang y Huß, Dörte (eds.) Nürnberg: Germanisches National Museum, 270-277.
  9. ↑ 1 2 3 4 5 Shimada, Akiko. Música intercultural: flautas japonesas y su influencia en la música de flauta occidental // Flutist Quarterly. Invierno 2009, vol. 34 Número 2, págs. 26-30
  10. ↑ 1 2 3 4 5 Jeffrey Lependorf. Notación contemporánea para Shakuhachi: manual básico para compositores // Perspectivas de la nueva música, vol. 27, núm. 2 (verano de 1989), págs. 232-251
  11. ↑ 1 2 Riley Kelly Lee. Fu Ho U vs. Do Re Mi: la tecnología de los sistemas de notación y las implicaciones del cambio en la tradición Shakuhachi de Japón // Música asiática. vol. 19, núm. 2, Asia oriental y sudoriental (primavera-verano de 1988), págs. 71-81
  12. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 Tsukitani Tsuneko, Seyama, T., Simura, S. traducido por Lee, RK 1994. The Shakuhachi: The Instrument and its Music, Change and Diversification. Revista de música contemporánea 8.2: 103-29.
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  14. ↑ 松島俊明. Comso ： 尺八 譜 の の 標準 データ 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式 形式: lenguaje de representación común para la notación shakuhachi) / 松島 俊明 坪井 志村哲 志村哲 情報 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理 処理学会 研究 音楽 情報 （mus）. - 1998. - Nº 74. - S. 9-16.
  15. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 Japón. II. Instrumentos y géneros instrumentales. 5. Shakuhachi // Música Grove en línea. — Prensa de la Universidad de Oxford, 2008.
  16. ↑ 1 2 3 Tsukitani Tsuneko. El Shakuhachi y su Música. En The Ashgate Companion to Japanese Music, editado por Alison M. Tokita y David W. Hughes. Londres: Ashgate 145-168.
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  19. ↑ Deeg, 2007 , pág. 12, 33.
  20. ↑ Nobukio Nakamata. Caminos del Shakuhachi: ¿Explotación o creación? // Revista de Música Contemporánea, 8:2, págs. 95-101
  21. ↑ 1 2 3 Weisgarber E. El Honkyoku del Kinko-Ryū: algunos principios de su organización / E. Weisgarber // Etnomusicología. - 1968. - Vol. 12. - El Honkyoku del Kinko-Ryū. - N° 3. - S. 313-344.
  22. ↑ Deeg, 2007 , pág. 28-29.
  23. ↑ 12Paul Lewis . El Flutahachi // Revista de la Sociedad Galpin. vol. 37 (marzo de 1984), págs. 118-119
  24. ↑ 1 2 3 Galliano L. Yogaku: música japonesa en el siglo XX. Yogaku / L. Galliano. — Lanham, Maryland; Oxford: Espantapájaros; Asociación pública de Oxford, 2003.
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  31. ↑ Kizan Daiyoshi (flauta shakuhachi japonesa, Japón) . " Cartel ". Consultado el 6 de junio de 2015. Archivado desde el original el 6 de junio de 2015.
  32. ↑ Joe B. Moore. Estudiar jazz en el Japón de la posguerra: ¿por dónde empezar? // Estudios Japoneses, 18:3 (1998), pp. 265-280
  33. ↑ La referencia de John Coltrane. ed. por Lewis Porter, Chris DeVito, Yasuhiro Fujioka et al. Routledge, 2007. Pág. 350.
  34. ↑ Shakuhachi: La flauta de bambú tradicional japonesa | LaPaginaJaponesa.com . Consultado el 30 de junio de 2015. Archivado desde el original el 9 de mayo de 2015.
  35. ↑ Leonard L. Brown. John Coltrane y Black America's Quest for Freedom: Espiritualidad y música. Oxford University Press, 2010. Pág. 67.

Literatura

Enlaces