Musica electronica

La música electrónica ( alemán  elektronische Musik , inglés  música electrónica ) es música creada utilizando instrumentos musicales eléctricos y tecnologías electrónicas (tecnologías informáticas desde las últimas décadas del siglo XX). Como una dirección específica en el mundo de la música, la música electrónica tomó forma en la segunda mitad del siglo XX y, a principios del siglo XXI, se había generalizado en la cultura académica y popular.

La música electrónica opera con sonidos que son capaces de producir instrumentos musicales electrónicos y electromecánicos , así como sonidos que surgen con la ayuda de dispositivos eléctricos/electrónicos y diversos transductores (grabadoras, generadores, tarjetas de sonido de computadora, pastillas, etc.), que en sentido estricto no son instrumentos musicales.

Hasta el último tercio del siglo XX, la música electrónica se asoció principalmente con experimentos (tanto en la URSS como en el extranjero) en música académica , pero esta situación cambió con el establecimiento de la producción en masa de sintetizadores de sonido en la década de 1970. Los sintetizadores, debido a su costo moderado, se pusieron a disposición del público en general. Esto cambió la imagen de la música popular: muchos músicos de jazz, rock y pop comenzaron a utilizar sintetizadores. A principios del siglo XXI, la música electrónica incluye una amplia gama de estilos y géneros, desde experimentos únicos de artistas de vanguardia hasta música aplicada ampliamente reproducida .

Origen: finales del siglo XIX y principios del XX

La capacidad de grabar sonidos a menudo se asocia con la idea de producir música electrónica. Pero esto no significa que la producción de música electrónica sea el objetivo del proceso de grabación.

En 1857, el editor y librero francés Edouard Léon Scott de Martinville patentó un dispositivo que había inventado, el fonoautógrafo .

El fonoautógrafo fue el primer dispositivo que permitía grabar sonidos, pero no reproducirlos.

En 1878, el inventor estadounidense Thomas A. Edison patentó el fonógrafo . El fonógrafo de Edison, como el fonoautógrafo de Scott, usaba cilindros para grabar sonidos, pero a diferencia del fonoautógrafo, el sonido podía grabarse y reproducirse.

En 1887, el inventor estadounidense Emile Berliner presentó su invento: un fonógrafo de disco.

En 1906 apareció un gran invento que tuvo un profundo efecto en el desarrollo de la música electrónica. Era un amplificador de válvulas triodo ( audión ) diseñado por el inventor estadounidense Lee de Forest . Fue el primer tubo de vacío, consistente en un recipiente de vidrio con un cátodo termoiónico en su interior, que permitía generar y amplificar señales eléctricas. La invención del tubo de vacío marcó el comienzo de la radiodifusión e hizo posible la aparición de los procesos informáticos electrónicos.

Mucho antes de que existiera la música electrónica, los compositores deseaban utilizar las nuevas tecnologías emergentes con fines musicales.

Se crearon varios instrumentos, en cuyo diseño se utilizaron componentes mecánicos y electrónicos. Fueron estos instrumentos los que allanaron el camino para la aparición de instrumentos electrónicos más avanzados.

En el período de 1898 a 1912, el inventor estadounidense Tadeusz Cahill trabajó en la creación de un instrumento electromecánico llamado telharmonium ( ing.  Telharmonium ). Pero este instrumento no fue aceptado por sus dimensiones: su versión de 1906 pesaba unas 200 toneladas, su movimiento cubría un área aproximadamente igual a 18 m².

El theremin es considerado el primer instrumento electrónico . Theremin fue creado por el inventor ruso Lev Theremin alrededor de 1919-1920. Este es un instrumento en el que el sonido es extraído por el movimiento de las manos del ejecutante en el campo electromagnético de dos antenas metálicas.

Los primeros instrumentos electrónicos también incluyen: la cruz de sonido ( fr.  Croix Sonore ), inventada en 1926 por el compositor ruso Nikolai Obukhov , y las ondas de Martenot , inventadas por el músico francés Maurice Martenot en el período de 1919 a 1928. El ejemplo más famoso del uso de las Ondas de Martenot es la Sinfonía Turangalila de Olivier Messiaen y sus otras composiciones. El instrumento Waves de Martenot también ha sido utilizado para escribir música por otros compositores predominantemente franceses como André Jolivet .

Esbozo para una nueva estética del arte musical

En 1907, apenas un año después de la invención del audión, Ferruccio Busoni publicó el tratado Esbozo para una nueva estética del arte musical (en alemán: Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst ), en el que consideraba la posibilidad de utilizar fuentes sonoras eléctricas y de otro tipo. en la música del futuro. Supuso que en el futuro la octava se dividiría en más semitonos de lo que sería posible la afinación clásica, en la que la octava consta de 12 semitonos, y esto sería posible gracias al dinamófono de Cahill: “Sólo una serie larga y cuidadosamente ejecutada de experimentos y el entrenamiento constante del oído ayudarán a una nueva generación a hacer que este material desconocido sea adecuado para el trabajo y el arte.

También en su obra "Esbozo de una nueva estética del arte musical" escribe Busoni (comparando la música con formas de arte más antiguas: pintura, arquitectura y escultura):

La música como arte apenas tendrá 400 años; el estado de la música en este momento es solo una de las etapas de su desarrollo, quizás la primera etapa más allá del concepto aceptado hoy, y nosotros, decimos que la forma musical que se ha desarrollado hoy es "clásicos" y "tradiciones sagradas". ! ¡Y hemos estado hablando de esto durante bastante tiempo! Hemos hecho reglas, establecido principios, impuesto leyes; Aplicamos al niño las leyes creadas para una persona madura. ¡Pero el niño no sabe nada de responsabilidad! Este niño es pequeño, nos damos cuenta de que de alguna manera es especial, y esta característica nos hace entender que ya ha ido más lejos que sus hermanas mayores. Y los legisladores no verán esta característica, porque de lo contrario sus leyes están destinadas al olvido. ¡Este bebé está flotando en el aire! No toca el suelo con los pies. Este niño no está sujeto a la ley de la gravedad. Él es intangible. Consiste en una materia transparente. Este niño está hecho de aire resonante. Este niño es casi la encarnación de la Naturaleza en toda su esencia. ¡Es gratis! Pero la libertad es algo que la humanidad nunca ha entendido del todo, nunca se ha dado cuenta de su verdadera esencia. La gente no puede entender ni reconocer la existencia de la libertad. Legisladores niegan la misión de este niño; cuelgan una pesada carga de reglas y leyes sobre sus hombros. Difícilmente se le permite saltar, mientras es su naturaleza, para seguir la línea del arco iris y romper las corrientes de luz solar con nubes.

Las ideas de Busoni expresadas en este tratado tuvieron una profunda influencia en la mente de muchos músicos y compositores. Pero, sobre todo, influyó en su alumno Edgard Varèse :

Anteriormente, discutimos juntos qué camino tomará la música en el futuro, o más precisamente, debería seguir, pero no puede porque está atada de pies y manos por las reglas que la escala temperamental ha establecido. Lamentó que su instrumento de teclado hubiera condicionado nuestros oídos para percibir solo una parte infinitesimal de los infinitamente variados sonidos de la naturaleza. Estaba muy interesado en los instrumentos eléctricos de los que escuchamos y recuerdo haber leído sobre el dinamofono. En su tratado, puedes encontrar una gran cantidad de predicciones sobre la música del futuro, que se están realizando gradualmente. Ahora no hay nada que él no pudiera prever. Por ejemplo: “Estoy bastante seguro de que se necesitarán máquinas para crear buena música nueva. Quizás la industria también contribuya al auge artístico”.

Futuristas

En Italia, los futuristas abordaron el cambio de estética musical desde diferentes ángulos. La idea principal de la filosofía futurista es apreciar el "ruido" y colocar los componentes artísticos y expresivos en sonidos que ni siquiera podrían considerarse aproximadamente musicales.

En 1911, el musicólogo y compositor italiano Balilla Pratella publicó el "Manifiesto técnico para la música del futuro", según el cual el credo de los futuristas es: "Mostrar el alma musical de las masas, las grandes fábricas, las líneas ferroviarias, los transatlánticos , buques de guerra, automóviles y aviones. A los eternos temas principales de las obras musicales, agregue el espíritu de la maquinaria y la Electricidad, que ha penetrado en todas las esferas de la vida.

El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto El arte de los ruidos . El 21 de abril de 1914, en Milán, realizó el primer concierto de "arte del ruido". Este concierto utilizó sus máquinas de ruido, que el propio Russolo describió como "instrumentos acústicos de ruido, cuyos sonidos (aullidos, rugidos, barajar cartas, gorgoteos y similares) se hacían a mano y llegaban al público a través de bocinas y megáfonos" . En junio, se dieron conciertos similares en Noterbung.

Décadas de 1920-1930

Durante estos diez años aparecieron muchos instrumentos electrónicos y las primeras composiciones para ellos.

El primer instrumento electrónico fue el éterófono, inventado por Lev Theremin en 1919-20 en Leningrado, más tarde rebautizado como theremin [1] . Con la llegada del theremin aparecieron también las primeras composiciones para instrumentos electrónicos. Estas composiciones eran muy diferentes de las obras de los "shumoviks". Y esto ha llevado a que el propósito de usar máquinas en la música haya cambiado.

En 1927, el inventor estadounidense JA O'Neill desarrolló un dispositivo que utilizaba cinta magnética, lo que llevó el proceso de grabación a un nuevo nivel. Pero este dispositivo no trajo éxito comercial.

En 1928, Maurice Martenot , violonchelista francés, inventó el instrumento de las " ondas de Martenot " y debutó con él en París.

En 1929, el compositor Joseph Schillinger escribió una suite para theremin y orquesta - "First Airphonic Suite" . La suite se presentó por primera vez con la Orquesta de Cleveland , con Lev Theremin como solista. En el mismo año, el compositor estadounidense George Antheil , por primera vez en su obra, escribió partes para instrumentos mecánicos, máquinas de ruido eléctrico, motores y amplificadores. Escribió estas partes para la ópera Monsieur Bloom, que nunca terminó.

En 1930, Lawrence Hammond (Hammond) fundó su empresa de instrumentos electrónicos. Comenzó la producción generalizada del " órgano Hammond ", que implementó el mismo principio de producción de sonido que en el telarmonio de Cahill . Hammond también puso en producción otros inventos, como la reverberación inicial. Además, Hammond, en colaboración con John Hanert ( John Hanert ) y CN Williams ( CN Williams ), inventó otro instrumento electrónico: "novacord". Novacord fue el primer sintetizador polifónico comercial. Por primera vez, "novacord" se presentó al público en 1939 en la Exposición Mundial de Nueva York, pero ya en 1942 se suspendió.

El método de grabación fotoóptica del sonido, utilizado en cinematografía, permitió ver una imagen gráfica de una onda de sonido. Este método también hizo posible implementar el proceso de síntesis de sonido al mostrar gráficamente el futuro sonido en la superficie de la película. El músico tenía que pintar literalmente la música.

Durante este período, músicos como Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti y otros comenzaron a experimentar con el "arte sonoro" o arte sonoro .

Desarrollo: 1940 y 1950

Música electroacústica para cinta magnética

Las máquinas de grabación magnética de estado sólido de baja calidad han estado en uso desde 1900. A principios de la década de 1930, la industria cinematográfica comenzó a aplicar el método de grabación de sonido fotoóptico a las películas sonoras. Casi al mismo tiempo, la empresa electrónica alemana AEG desarrolló el primer aparato de grabación magnética, el "Magnetophon" K-1, que se presentó en agosto de 1935 en la exposición internacional de radio en Berlín [2] .

En 1940, el ingeniero alemán Walter Weber recibió una patente para la tecnología de polarización de corriente alterna de alta frecuencia, que mejoró enormemente la calidad de grabación y reproducción. En 1941, AEG lanzó un nuevo modelo de grabadora de cinta (Magnetophon K4-HF), que fue la primera en utilizar la tecnología de polarización de alta frecuencia descubierta por Weber. En 1942, AEG realizó experimentos para grabar sonido en estéreo [3] .

La cinta magnética abrió una serie de nuevas posibilidades para manipular el sonido para músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta magnética era un portador de sonido relativamente barato y muy fiable. Y sonaba mejor que cualquier otro portador de sonido de esa época. Pero lo más importante, la película magnética era tan fácil de usar como la película. Al igual que la película, podría modificarse de acuerdo con la idea del autor: las partes no deseadas de la película podrían eliminarse o trasladarse a otro lugar; era posible combinar películas de diferentes medios. La cinta podría pegarse de manera que se creara un efecto de bucle de uno o más sonidos. La velocidad de la película se puede ralentizar o acelerar. La cinta podía reproducirse de un lado a otro y rebobinarse.

Los amplificadores de señal y los equipos de edición han ampliado aún más las capacidades de la cinta como medio de grabación, lo que permite que las grabaciones (sonidos en vivo, discursos, música) se multipliquen para mezclarlas y grabarlas en otra cinta con una pérdida de calidad de sonido relativamente pequeña. Otra sorpresa inesperada fue que las grabadoras se podían convertir en máquinas de eco que reproducirían efectos de eco y reverberación complejos y controlables de alta calidad . La mayoría de estos efectos simplemente no podían simularse con dispositivos mecánicos.

La producción de dispositivos de grabación magnética, puesta en marcha, condujo inmediatamente a la aparición de una nueva forma de música electrónica: la música electroacústica .

La primera pieza electroacústica fue escrita en 1944 por Halim El-Dabh, un estudiante de El Cairo , la capital de Egipto [4] . Halim El Dabh, presente en el antiguo ritual de limpieza mística zaar ( ing.  zaar ), grabó los sonidos de los instrumentos y las voces de los cantantes utilizando una grabadora voluminosa en un soporte sólido (en un cable). Procesó el material grabado en el estudio de una de las estaciones de radio locales, agregando efectos de eco y reverberación a la grabación. La obra se llamó "La Imagen Musical de la Ceremonia de Zaar" ( Ing.  La Expresión de Zaar ) y fue presentada en 1944 en uno de los eventos organizados en la galería de arte de El Cairo. Los experimentos de película magnética de Halim El-Dabh no se conocían fuera de Egipto en ese momento, pero es conocido por su trabajo posterior en música electrónica en el Centro de Princeton de la Universidad de Columbia a fines de la década de 1950.

Música específica

Poco después de la introducción de los nuevos medios de grabación, la grabadora y la cinta, los compositores comenzaron a utilizar estos medios para crear una nueva técnica para componer música, en la que el sonido grabado jugaría un papel importante. Esta técnica de composición ha sido denominada " música concreta " ( en francés  musique concrète ). La tarea del compositor que utiliza esta técnica es crear un fonograma a partir de fragmentos grabados de sonidos naturales e industriales.

En 1918, Arseniy Avraamov , bajo el seudónimo de Revarsavr, escribió la "Sinfonía de cuernos", que utilizó disparos, el rugido de los motores, bocinas de fábrica y ruido de la ciudad [1] . Las primeras obras realizadas en esta técnica fueron editadas por el sonidista e ingeniero francés Pierre Schaeffer . El 5 de octubre de 1948, la French Broadcasting Company ( Fr.  Radiodiffusion Française - RDF ) emitió el programa de Schaeffer titulado "Concierto de ruidos". El programa incluía cinco piezas, incluida una de las primeras obras del compositor, Etude  aux chemins de fer . Este evento marcó el comienzo de una nueva dirección musical: "tape music" ( ing.  tape music ). La forma de interpretar esta música es la ejecución pública del fonograma creado.

En 1949, Pierre Henri se incorporó a Schaeffer . Su colaboración tuvo un impacto profundo y duradero en el desarrollo de la música electrónica.

Otro colega de Pierre Schaeffer fue el compositor Edgard Varèse , quien en ese momento estaba trabajando en la obra "Deserts" ( fr.  Déserts ), una composición para orquesta de cámara y cine. Partes de la cinta se grabaron en el estudio de Schaeffer y luego se remasterizaron en la Universidad de Columbia .

En 1950, Pierre Schaeffer dio el primer concierto público de música concreta en la escuela de música de París. En esta actuación, Schaeffer utilizó un sistema de amplificación de sonido, varios tocadiscos y varias mesas de mezclas. La actuación no transcurrió sin problemas, ya que es increíblemente difícil y nuevo combinar en vivo todos los instrumentos que normalmente se montan secuencialmente en un entorno de estudio [5] . En el mismo año, Pierre Henri y Pierre Schaeffer trabajaron en Symphony for a Lonely Man (en francés:  Symphonie pour un homme seul ), la primera pieza importante de música concreta.

En 1951 RDF abrió el primer estudio de producción de música electrónica. Después del estudio francés, comenzaron a abrirse estudios de grabación similares en todo el mundo. En el mismo año, Henri y Schaeffer compusieron una ópera para sonidos y voces específicos, Orpheus ( inglés:  Orpheus ).

Música electrónica

En 1949, el físico alemán Werner Meyer-Eppler publicó el libro "Sound Radiation: Electronic Music and Synthetic Speech" ( en alemán:  Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und synthetische Sprache ), en el que planteaba la idea de cómo sintetizar música. exclusivamente de señales producidas por dispositivos eléctricos. En esto, el concepto de música electrónica alemana se diferenciaba del concepto de música concreta, en el que la idea principal era la grabación del sonido, no su síntesis.

Para investigar la posibilidad de sintetizar señales musicales en Colonia , en 1950 se fundó un estudio de grabación en la estación de radio WDR . A pesar de que en 1950 el estudio recién comenzaba a construirse, la WDR Corporation ya había comenzado a transmitir música electrónica en 1951. Herbert Eimert se convirtió en el primer director del estudio de Colonia. Pronto Karlheinz Stockhausen y Godfried Michael König se unieron al equipo del estudio, formado por Werner Mayer-Eppler, Robert Bayer .

La figura más famosa y destacada de la música electrónica alemana es K. Stockhausen. Es autor de más de 350 piezas musicales, una parte significativa de las cuales pertenece al campo de la música electrónica experimental. Stockhausen describió la experiencia que tenían los oyentes al escuchar su música. Algunos de sus oyentes afirmaron que tenían la sensación de volar, o estar en el espacio o en algún mundo fantástico e irreal.

Música electrónica soviética

En 1929, Nikolai Obukhov inventó la "cruz sonora" (la croix sonore), comparable al principio del theremin [6] . En la década de 1930, Nikolai Ananiev inventa el "sonar", y el ingeniero Alexander Gurov - neoviolena , I. Ilsarov - ilston [7] , A. Rimsky-Korsakov y A. Ivanov - emiriton [6] . El compositor e inventor Arseniy Avraamov se dedicó al trabajo científico sobre la síntesis del sonido y realizó una serie de experimentos que más tarde formarían la base de los instrumentos musicales eléctricos soviéticos [1] . En 1956, Vyacheslav Meshcherin creó el primero en el Conjunto de Instrumentos Musicales Eléctricos (EMI) de la URSS, que usó theremin , arpas eléctricas , órganos eléctricos, el primero en el sintetizador de la URSS " Ekvodin " [6] , y también creó la primera reverberación soviética . . El estilo en el que tocó el conjunto Meshcherin se llamó " pop de la era espacial " en Occidente.» [1] . En 1957, el ingeniero Igor Simonov armó un modelo de trabajo de un teléfono de ruido (electroeolyphon), con el que fue posible extraer varios timbres y armonías de carácter de ruido [6] .

Tanto el sintetizador "Ekvodyn" como el sintetizador óptico " ANS " se produjeron en pequeñas series; El primer instrumento musical eléctrico producido en masa fue el órgano eléctrico Yunost-70, desarrollado en 1965. Creado por Evgeny Murzin en 1966, el Estudio Experimental de Música Electrónica de Moscú (MESEM) se convirtió en la base para una nueva generación de experimentadores: E. Artemiev , A. Nemtin , Sh. Kallosh , S. Gubaidulina , A. Schnittke , V. Martynov y otros [ 6] [1] .

A fines de la década de 1960, aparecieron grupos musicales en la URSS que tocaban música electrónica ligera (el cuarteto de electrones , el conjunto rococó y varios conjuntos de jazz ). A nivel estatal, esta música comenzó a utilizarse para atraer turistas extranjeros al país y para la transmisión de radio a países extranjeros [8] . El compositor A. Zatsepin en los años 70 diseñó una orquesta - una versión del mellotron [9] .

En los países bálticos , también aparecieron sus pioneros: en Estonia  , Sven Grunberg , en Lituania  , VIA "Argo" bajo la dirección de Giedrius Kupryavicius, en Letonia  , los grupos " Opus " y " Zodiac " [1] .

Música electrónica japonesa

En el Japón de antes de la guerra, los primeros instrumentos electrónicos como el Martenot Waves , el theremin y el trautonium ( alemán:  Trautonium ) apenas se conocían. Pero algunos compositores, incluido Minao Shibata, sabían que tales instrumentos ya existían. Unos años después del final de la Segunda Guerra Mundial, los músicos japoneses comenzaron a experimentar con la música electrónica. En algunos casos, estos experimentos dieron resultados positivos únicamente debido al apoyo financiero institucional: los músicos tuvieron la oportunidad de trabajar con los últimos modelos de equipos de grabación y procesamiento de sonido. Así, la música asiática se ha convertido en parte del género emergente de la música electrónica. Más tarde, esto llevó a Japón a convertirse en líder en el desarrollo de la tecnología musical en unas pocas décadas.

Música electrónica americana

En Estados Unidos la música se creaba por medios electrónicos, y esto se ve claramente en Marginal Intersection de Morton Feldman . Este trabajo utiliza los sonidos del viento, percusión, instrumentos de cuerda, generadores de frecuencia de sonido. Además, esta obra es especial porque está escrita en la notación "gráfica" especial de Feldman .

Las piezas para el proyecto Música para cintas magnéticas fueron escritas por miembros del grupo de arte de vanguardia de Nueva York (Escuela de Nueva York ), que incluía a: John Cage , Earl Brown , Christian Wolfe , David Tudor y Morton Feldman . Este grupo existió durante tres años: de 1951 a 1954.

Centro de Princeton, Universidad de Columbia

En 1951, la Universidad de Columbia compró una grabadora, un dispositivo de grabación magnética profesional de la empresa estadounidense Ampex , para grabar conciertos.

Vladimir Usachevsky , que trabajaba en el Departamento de Música de la Universidad de Columbia, se hizo cargo de la nueva grabadora y casi de inmediato comenzó a experimentar con la grabación de música.

Así, se inauguró el Centro de Música Electroacústica de Princeton en la Universidad de Columbia. En 1959, habiendo recibido una beca Rockefeller , se inauguró oficialmente el centro. Los fundadores del centro son Vladimir Usachevsky y Otto Luening.

Música estocástica

La música estocástica se clasifica como música académica de vanguardia . Se considera que el fundador del método de composición estocástica es el compositor francés de origen griego Janis Xenakis , “sin embargo, de hecho, los fundamentos de este método se conocían antes, y el mérito histórico de Xenakis en este sentido radica en combinar estos fundamentos con un alto nivel de técnica de composición musical (lo que, unido a la originalidad y contenido de las propias ideas artísticas, daba a sus obras el sentido de las clásicas)” [10] .

Xenakis comenzó a aplicar las matemáticas (estadística matemática, ley de los grandes números, teoría de la probabilidad) y algunas disciplinas científicas generales (teoría de la información, teoría de conjuntos) a la música en 1954; el nombre de "música estocástica" apareció dos años después, en 1956 [11] .

El término "estocástico" en la teoría de la probabilidad significa un evento aleatorio. Desde el punto de vista de la música estocástica, un evento aleatorio es un solo sonido o nota. Un solo sonido en una computadora se representa como un número. En forma de números, también puede mostrar los parámetros de sonido (tono, duración).

La estadística matemática en la música se utiliza para revelar la lógica del pensamiento musical. Al analizar el trabajo de diferentes compositores, calculan la estructura de la composición (por ejemplo, el número de compases en la composición y el intervalo de su repetición), las reglas de la composición (por ejemplo, si cinco notas van secuencialmente en forma creciente). dirección, entonces el sexto debe bajar, y viceversa). Cuando se forma un determinado conjunto de reglas de composición, se compila un programa (algoritmo) para una computadora, según el cual se seleccionan las notas para construir una melodía.

La música estocástica es un caso especial de música algorítmica.

Segunda mitad de la década de 1950

Los científicos australianos Trevor Pearcey y Maston Beard inventaron y construyeron el CSIRAC ,  una de las primeras computadoras digitales .  El primer programa de prueba se llevó a cabo en 1949. Entre 1950 y 1951, la máquina se utilizó para reproducir música. El matemático Geoff Hill programó una computadora para reproducir melodías populares de principios de los años 50. En 1951, la computadora reprodujo la popular marcha militar " Coronel Bogey 's March" . Sin embargo, la computadora solo reproducía el repertorio estándar y no participaba en la investigación de la creación musical. El repertorio de CSIRAC nunca ha sido grabado, pero la música que toca ha sido minuciosamente restaurada.   

El himno nacional británico y la canción infantil sobre la oveja negra fueron las primeras grabaciones de música reproducidas por ordenador [12] . Fueron reproducidos por la computadora Ferranti Mark 1 ( ing.  Ferranti Mark 1 ) , una versión comercial del Manchester Mark 1 . El programa para tocar música fue escrito por el científico británico Christopher Strachey . 

En 1954, Stockhausen escribió la pieza "Estudios electrónicos-2", el primer trabajo de música electrónica, cuya partitura se publicó.

En 1955 aparecieron varios estudios para experimentar con la música electrónica.

Un evento importante para el mundo de la música electrónica fue la apertura de tres estudios: Studio "Fonologiya" (Studio di Fonologia) en Milán; estudios en el edificio de la emisora ​​japonesa NHK , fundada por Toshiro Mayuzumi ; Estudios Philips en la ciudad holandesa de Eindhoven (en 1960, este estudio se trasladó a la Universidad de Utrecht y pasó a llamarse Instituto de Estudios de Sonido ( ing.  Instituto de Sonología )).

1956 le dio al mundo una serie de importantes descubrimientos e inventos en el campo de la música electrónica:

1. Louis y Bebe Barron escribieron la música para la película Forbidden Planet .  El propio Louis Barron diseñó circuitos electrónicos, entre los que se encontraba el circuito de modulación en anillo . Los circuitos se crearon para producir sonidos como zumbidos, crujidos, chirridos y una serie de efectos "cósmicos". Cuando se grabaron todos los sonidos necesarios, los Barron, para un sonido aún más convincente, los finalizaron con retraso , reverberación , reversa, cambios de velocidad.  

2. El químico, programador y compositor Lejaren Hiller , junto con Leonard Isaacson ,  crean la Suite Iliac para cuarteto de cuerda, la primera composición por computadora. Hiller estaba seriamente interesado en la teoría de la información y argumentó que una computadora podría "aprender" a escribir música por sí misma si se creaba un algoritmo de composición especial para ella, que pudiera aislarse analizando la música de grandes compositores.  

3. Karlheinz Stockhausen escribe la obra "Canción de los jóvenes" (Gesang der Jünglinge), una obra destacada para su época ,  que utiliza tecnología de síntesis de voz. La obra se basa en el texto del libro del profeta Daniel .

4. El compositor e inventor estadounidense Raymond Scott patentó su invento: el sintetizador de teclado de una sola voz Clavivox, cuyos circuitos electrónicos fueron diseñados, a pedido de Scott, por Robert Moog .

En 1957, el ingeniero Max Matthews , trabajando en Bell , creó el programa MUSIC, el primer programa de síntesis de sonido por computadora.

En 1958, en la exposición internacional de Bruselas, en el pabellón de la compañía Philips, se representó por primera vez el "Poema electrónico" de Edgard Varèse ( fr.  Poème électronique ).

Desde la década de 1960 hasta la actualidad

Los 60 fueron años fructíferos para la música electrónica. El éxito lo lograron no solo los músicos de la electrónica académica, sino también los músicos independientes: la tecnología de síntesis de sonido se volvió más accesible y, como resultado, aparecieron los primeros sintetizadores a la venta.

En ese momento, se había formado y desarrollado suficientemente una comunidad de compositores y músicos que trabajaban con nuevos sonidos y nuevos instrumentos.

A principios de la década de 1960, surgieron dos obras importantes de dos influyentes compositores de música electrónica:

En "contactos" Stockhausen se apartó de la forma musical tradicional, que se basa en el desarrollo constante de la composición en el tiempo y el clímax dramático. Propagó la idea de "estar en la música" que no requiere "anterior" y "siguiente": estar estáticamente concentrado en cada momento [13] . Stockhausen llamó a su enfoque "forma de momento" (es similar a la técnica cinematográfica de pegar la película de extremo a extremo, que se utilizó en cinematografía a principios del siglo XX).

En 1963 apareció el primer sintetizador, de la autoría del ingeniero e inventor Don Buchla . 

El theremin ha estado en uso desde la década de 1920, pero ganó gran popularidad cuando se utilizó para componer una serie de películas de ciencia ficción de la década de 1950 (por ejemplo, la partitura de Bernard Hermann para The Day the Earth Stood Still).

En 1958, se fundó el Taller Radiofónico de la BBC en el Reino Unido. Este estudio comenzó en relación con el lanzamiento a principios de la década de 1960 de la serie de ciencia ficción de la BBC Doctor Who. El tema musical de la serie fue compuesto por Ron Grainer y grabado por el miembro del personal Delia Darbyshire.

En 1961, el compositor israelí Josef Tal fundó el Centro de Música Electrónica de Israel en la Universidad Hebrea de Jerusalén .

Décadas de 1960-1970: de la psicodelia a la electrónica

El comienzo de la música electrónica como una dirección independiente se estableció entre los años 60 y 70 gracias a los esfuerzos de los artistas de kraut rock Can , Popol Vuh , Klaus Schulze y Tangerine Dream , Organization , Kraftwerk , Cluster , Neu! . Basándose en las ideas principales tanto del rock espacial como del rock psicodélico , así como de la vanguardia académica Karlheinz Stockhausen y Janis Xenakis , estos músicos crearon collages sonoros experimentales. La idea principal era utilizar la electrónica como un nuevo medio de expresión capaz de conjurar imágenes surrealistas.

A fines de la década de 1960, Robert Moog creó su primer sintetizador comercial , el MiniMoog . A lo largo de la década de 1970, los sintetizadores se convirtieron en una innovación popular y de moda en la música, reemplazando gradualmente a los órganos eléctricos. La música electrónica de la década de 1970 es principalmente música de teclado y sintetizador.

A principios de la década de 1980, se establecieron tres direcciones principales en el desarrollo de la electrónica:

  1. Música instrumental que utiliza instrumentos musicales eléctricos para crear piezas extensas con temas "espaciales". Los líderes de esta tendencia son Tangerine Dream , Vangelis . Hubo características nacionales: los representantes de la Escuela de Berlín gravitaron hacia la música psicodélica (Tangerine Dream, Klaus Schulze ) y los artistas franceses, hacia un estilo más ligero y popular ( Jean-Michel Jarre , Space ).
  2. "Música ambiental" de fondo, desprovista de un ritmo claro y de una melodía determinada, denominada " ambiental ". El autor de esta definición fue Brian Eno , a quien legítimamente se le considera el fundador del estilo.
  3. Formas de "canción" de música electrónica ( synth-pop , electro-pop , techno-pop ) caracterizadas por un ritmo de baile mecánico claro, artificialidad demostrativa del sonido (los sintetizadores ya no imitan el sonido de los instrumentos musicales reales), uso de voces ( a menudo robótico) como arreglo de sintetizador de contrapunto, minimalismo y estructura de composición de ostinato . Las letras suelen tener un enfoque sociofuturológico y de ciencia ficción . Los pioneros de este estilo son el grupo Kraftwerk . Con la llegada de la nueva ola, esta dirección se ha generalizado y popularizado, empujando al gran escenario al grupo Depeche Mode , que se ha convertido en un pionero en el mundo de la música electrónica, y a muchos de sus colegas en el género ( Pet Shop Boys). , Gary Newman , OMD , The Human League , Ultravox y otros).

1980-1990

A fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, surgieron una serie de nuevas tecnologías y nuevos géneros asociados con ellas. Con la llegada de las cajas de ritmos programables , como la Roland TR-808 , la batería en vivo casi ha desaparecido de la electrónica. La aparición del breakbeat (ritmo roto) tuvo una gran influencia en la música . Las composiciones comenzaron a utilizar grabaciones de otros artistas, en bucle o procesadas. La profesión de DJ (DJ, Disk Jockey) se ha trasladado a la música electrónica de las discotecas y la radio , que opera con discos en un tocadiscos especial.

Tras el éxito de los pioneros, muchos grupos musicales han crecido, enriqueciendo la música electrónica con nuevas ideas. " New Age " fue influenciado por la música electrónica. La habilidad de crear melodías electrónicas líricas brilló en el japonés Kitaro . El polaco Marek Bilinsky y la banda de Alemania Oriental Pond , el húngaro Laszlo Benkö, el búlgaro Simo Lazarov, el yugoslavo Micha Krall contribuyeron al desarrollo del popular estilo de sintetizador ; y en la URSS/Rusia - Mikhail Chekalin , Janis Lusens y el grupo Zodiac , Giedrius Kupryavicius y el grupo Argo , Eduard Artemiev , Sven Grunberg , Lepo Sumera , Vadim Ganzha y el dúo de música electrónica New Collection (Igor Kezlya y Andrey Morgunov). Sus mejores trabajos no son inferiores a los éxitos reconocidos de venerables ingenieros electrónicos. Laserdance y Koto tocan música rítmica poderosa con motivos de baile . Pero sobre todo, varios subestilos y ramas contienen música tecno . Las ideas de Kraftwerk fueron recibidas con fuerza en los clubes de DJ, y un nuevo estilo de techno surgió gradualmente del club underground, en el que el ritmo y los efectos se ponen en primer lugar. La melodía no es obligatoria, porque el propósito de tal música es el logro del éxtasis tecnotrónico. No es casualidad que los estimulantes químicos se usaran a menudo en las fiestas del club para mejorar el efecto.

Pero también hay más variantes musicales del techno. Cuando se combinaron techno y ambient, nació el estilo IDM  : música techno seria, abierta a todo tipo de experimentos. Este es interpretado por Orb , Autechre , Aphex Twin . Los líderes del " trance psicodélico " son Juno Reactor y Astral Projection . Y por último, combinando música electrónica y rock, obtuvimos " techno-industrial ", representantes de Skinny Puppy , Front Line Assembly , Front 242 .

Durante este período, comienza el apogeo de la música electrónica de baile, que incluye direcciones como techno, electro , drum and bass , house y trance . La música electrónica de baile fue creada por músicos electrónicos cuyo objetivo principal era proporcionar composiciones para sus DJ (DJ), los representantes típicos de esta cultura fueron: Robert Miles , Moby , Tiesto , Paul Van Dyk , BT , ATB , Paul Oakenfold , Armin van Buuren y por encima y más allá . Pero la música dance electrónica a menudo se puede encontrar en el formato de un álbum de música completo, como "Pulse 1" y "512 KB" de los pioneros de la música electrónica rusa Andrey Rodionov y Boris Tikhomirov .

Siglo XXI

El comienzo del siglo XXI para la música electrónica está marcado por el deseo de unidad a través de una variedad infinita de formas. Los estilos puros quedaron solo en teoría. En la práctica, casi cualquier trabajo contiene elementos de tantos tipos de música, y se deben usar definiciones compuestas complejas para describir los álbumes. La idea de crear techno-remixes sobre temas de composiciones famosas de los años 70-80 es muy popular. La música de Jarre , Space , Vangelis , Tangerine Dream ha pasado por ese proceso . Muchos músicos techno aprendieron música electrónica de las obras maestras de los fundadores del género, y ahora los propios fundadores incluyen las ideas de los innovadores en sus obras. El álbum de Jarre " Metamorphoses " está hecho con una notable infusión de techno/pop/new age, y Klaus Schulze está experimentando activamente con el sonido techno/drum and bass (álbumes " Dosburg Online " y " Trance Appeal "). Techno, trance, ambient e industrial entrelazados en los álbumes Delerium , System 7 y Synaesthesia . La síntesis de heavy punk rock alternativo y techno es presentada por Velvet Acid Christ y Wumpscut .

Véase también

Notas

  1. ↑ 1 2 3 4 5 6 Música electrónica soviética
  2. ↑ 1935 AEG Magnetophon Tape Recorder // Mix: Producción profesional de audio y música  (  mixonline.com). - 2006. Archivado el 8 de febrero de 2013.
  3. ↑ Friedrich Engel, Peter Hammar; edición adicional de Richard L. Hess. Una historia seleccionada de la grabación magnética  . Richardhess.com (2006).
  4. ↑ Rob Young. Érase una vez: en El Cairo  //  The Wire . - 2007. - marzo ( ed. 277 ). — Pág. 24 .
  5. ↑ Jeff Snyder. Pierre Schaeffer: inventor de Musique Concrete  (inglés)  (enlace no disponible) . Archivado desde el original el 15 de mayo de 2008.
  6. ↑ 1 2 3 4 5 "ANS", noisephone y theremin: cómo nació la música electrónica soviética
  7. ↑ Revista "Tecnología - Juventud", No. 3 para 1960. Autor: B.Orlov
  8. ↑ Konstantin Bakanov. Melodía olvidada. Música condenada a la destrucción hace cuarenta años fue encontrada en los archivos de una compañía discográfica  // Novye Izvestia . - 2005. - 8 de julio.
  9. ↑ Tatyana Antsiferova: "No tenía ningún deseo de conquistar el mundo..."
  10. ↑ Xenakis J. "Música formalizada", p. 6
  11. ↑ Xenakis J. "Música formalizada", p. 17
  12. ↑ Fildes, Jonathan . Música de computadora 'más antigua' presentada  (inglés)  (17 de junio de 2008).
  13. ↑ Savenko S. I. Karlheinz Stockhausen // Siglo XX. Música extranjera. Ensayos. Documentos.- Emisión. 1.- M., 1995. Págs. 15-18.

Literatura

Enlaces

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 estilos de musica electronica