Jean-Leon Gerome | |||
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fr. Jean-Leon Gerome | |||
Fotografía de Nadar , principios del siglo XX. | |||
Fecha de nacimiento | 11 de mayo de 1824 | ||
Lugar de nacimiento | Vesoul , Alto Saona | ||
Fecha de muerte | 10 de enero de 1904 (79 años) | ||
Un lugar de muerte | París | ||
Ciudadanía | Francia | ||
Género | pintura de historia , orientalismo | ||
Estudios | Pablo Delaroche | ||
Estilo | academicismo | ||
Premios |
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rangos |
miembro de pleno derecho del Instituto de Francia (1865)
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Jean-Léon Gerome ( fr. Jean-Léon Gérôme ; 11 de mayo de 1824 , Vesoul , Haute-Saône - 10 de enero de 1904 , París ) - Pintor y escultor francés , representante del academicismo y el orientalismo , o "estilo pompeyano". Pintó cuadros de diverso contenido, principalmente representando la vida del mundo antiguo y de Oriente ; al final de su vida también se dedicó a la escultura, realizando plásticamente las imágenes de sus pinturas. Habiendo ganado fama en la Francia monárquica, se unió a la oposición al movimiento impresionista y se convirtió en una especie de símbolo de la rigidez del arte académico. Después de su muerte en 1904, fue prácticamente olvidado, su obra fue mencionada solo en un aspecto negativo. Tras el resurgimiento del interés por el arte de salón-académico en la década de 1970, fue reconocido como un clásico de la pintura del siglo XIX, sus obras se conservan en la exposición permanente de los museos más grandes del mundo. Una exposición retrospectiva, que refleja las características de su arte, se inauguró solo en 2010.
El padre del artista era el joyero Pierre Gerome de Vesoul , quien en abril de 1823 se casó con la hija de un comerciante, Francoise Wilmot. El 11 de mayo de 1824 nació su primer hijo, llamado Jean-Leon. A los 9 años ingresó al gimnasio local, donde mostró inclinaciones artísticas y comenzó a aprender la técnica del dibujo. Su primer mentor fue Claude-Basile Carage (1798-1875), alumno de Ingres y Regno , quien introdujo a sus alumnos las bases de la pintura académica [1] . En sus años de gimnasio, Jerome hizo una exitosa copia de una de las pinturas de A. Descampes (1803-1860), Paul Delaroche la vio y elogió el talento de Jean. Esto ayudó a convencer al padre de que dejara ir a su hijo a París, donde fue en 1841 con una carta de recomendación de Cariage. El padre no se cansaba de repetir que los artistas, a diferencia de los joyeros, son pobres, y al final le dio a su hijo un año para alcanzar el éxito artístico; en caso de fracaso, tenía que regresar a su casa paterna [2] .
La obra más antigua que se conserva de Gérôme es el Retrato de un niño tondo . Incluso este trabajo demuestra la habilidad de un joven artista que audazmente giró la cabeza en relación con su cuerpo. Esto demostró una posesión segura de la técnica de contraposte [3] . Los éxitos de Jean-Leon fueron tan notorios que su padre, que lo visitaba en París, aprobó sus estudios y comenzó a enviarle 1.000 francos de manutención anuales, lo que permitió a Jerome dedicarse exclusivamente a mejorar sus habilidades. Las relaciones con el mentor también se desarrollaron con éxito, Delaroche recomendó a su alumno a las revistas de arte parisinas y en 1843 lo llevó con él en un viaje de negocios de un año a Roma [4] . A los 52 años, Jérôme escribió una autobiografía en la que calificó el año de su viaje a Italia como uno de los mejores de su vida:
“Yo no sabía nada, y por lo tanto tenía todo por aprender. <…> Dibujé monumentos arquitectónicos, paisajes, personas y animales, en una palabra, sentí que trabajaba en unidad con la naturaleza” [5] .
El año romano se dedicaba principalmente al estudio de la naturaleza, pero hasta el momento no había preferencias especiales. Sin embargo, contrariamente a la costumbre académica, a Jérôme le gustaba trabajar al aire libre más que en los museos. Sin embargo, en Nápoles, se sintió atraído por la armadura de gladiador encontrada en las excavaciones en Pompeya . En sus propias palabras, esto "le abrió un horizonte enorme" [6] . Se sorprendió de que ni un solo artista europeo de esa época se inspirara en las peleas de gladiadores, y comenzó a estudiar diligentemente fuentes antiguas, así como colecciones de museos, en busca de imágenes antiguas de peleas en la arena. El arte moderno fue decepcionante: Jerome fue muy crítico con Friedrich Overbeck , entonces famoso en Roma :
“Me mataba <…> la monotonía de sus dibujos: los hombres parecían mujeres sin senos; las cortinas tenían pliegues en el mismo lugar; el paisaje parecía copiado de los delgados árboles de Rafael... No me atrevía a condenar a un artista que tenía una reputación tan significativa. <…> ¡Qué injusto!” [6] .
Una de las obras notables de Jérôme de la época romana fue La cabeza de una mujer. Según A. Shestimirov, "la angulosidad de las formas, cierta sequedad y esbozo de la escritura traicionan a un artista novato". Al mismo tiempo, la imagen fue ejecutada con mucho cuidado y la técnica de escritura le dio a la imagen una monumentalidad [7] . Según N. Wolf , los primeros retratos de Jérôme muestran una influencia directa de la técnica y las decisiones compositivas de Ingres [8] .
En 1844, hubo una epidemia de tifus en Roma , que Jean-Léon tampoco pudo evitar. Según las memorias de los contemporáneos, si no fuera por el cuidado de su madre, que vino especialmente a Roma desde Vesoul , Jerónimo difícilmente habría sobrevivido [9] .
Desde que Delaroche cerró su taller, puso a los alumnos bajo el mando del suizo Charles Gleyre . Aunque fue considerado un maestro famoso ( Sisley , Renoir , Monet , Whistler pasaron por el taller de Gleyre en diferentes años ), la relación entre él y Jerome claramente no funcionó. En su autobiografía, afirmó que estudió con Gleyre durante solo 3 meses y que su arte no tuvo un impacto significativo en el pintor novato. Según A. Shestimirov, Jerome distorsionó el estado real de las cosas. De Gleyre sin duda se interesó por las escenas de género en escenarios antiguos. En lugar de tramas melodramáticas de la mitología y la historia clásicas, las tramas entretenidas se pusieron de moda en la década de 1840 y más allá. Dado que tales pinturas estaban lejos tanto del realismo como del academicismo, surgió la designación " neo-griego " [9] . En el catálogo del Salón de 1847, J. Gerome figuraba precisamente como alumno de Gleyre, y al examinarlo más de cerca, se nota su influencia. En contraste con la paleta de color marrón claro de Delaroche, Gleyre usó una escala clara, que también afectó la forma de Jerome. Fue Gleyre quien le inculcó un profundo interés por Oriente Medio. Sin embargo, las diferencias personales resultaron insalvables: el círculo de "neo-griegos" que surgió en su taller molestó a Gleyre [10] .
A fines de 1846, Jerome completó su primera gran pintura: "Los jóvenes griegos se divierten con las peleas de gallos", con la esperanza de exhibirla en el Salón. Antes de eso, compartió sus dudas con Delaroche, con quien se comunicaba constantemente, y cuya opinión lo guiaba. Jerome dijo con franqueza que el resultado de sus esfuerzos parecía "débil y plano". Delaroche respondió que todo esto es cierto, y Jean Leon puede escribir mejor, pero eso es todo en el futuro, pero por ahora la imagen debe ser enviada al Salón [11] . Como resultado, 1847 se convirtió en un año decisivo en su carrera. La pintura se colocó en lo alto de la sala de exposiciones, pero los críticos la notaron, incluido el entonces respetado Théophile Gautier . Gauthier señaló que la trama es trivial, y un tema de este tipo debería plasmarse en un pequeño lienzo, pero "las figuras están escritas en tamaño natural y ejecutadas con tanto cuidado que hace que la imagen sea histórica" [12] .
Según J. Ackerman y A. Shestimirov, las evaluaciones de Gauthier parecen al menos controvertidas porque, habiendo proclamado el principio del " arte por el arte ", admiraba incondicionalmente a los académicos y criticaba duramente las nuevas tendencias en el arte. A. Shestimirov señaló que la figura de la niña es anatómicamente desproporcionada, su postura es incómoda y esta creación, más bien, no es un maestro establecido, sino un estudiante. La figura del niño está más lograda, pero su desnudez es inapropiada. En un lienzo enorme (143 × 204 cm), estas carencias se convierten en una "anécdota divertida" [14] . El crítico de Chanfleury reprochó al artista precisamente por violar los cánones académicos: “las figuras parecen talladas en mármol, mientras que los pájaros parecen vivos” [15] . Sin embargo, a la mayoría de los observadores les gustó la forma de Jérôme, ya que correspondía al estado de ánimo del público de la Monarquía de julio , a quien no le gustaban las tramas históricas y mitológicas profundas y anhelaba el entretenimiento. El lienzo trajo al artista una medalla del Salón de la tercera dignidad [16] .
Durante la Revolución de febrero de 1848, que proclamó una república, Jerónimo, por única vez en su vida, intervino activamente en la política: según algunos informes, ingresó en la Guardia Nacional e incluso fue elegido capitán de una de las unidades. Sin embargo, nada se sabe con certeza sobre sus actividades durante la revolución [16] . Poco antes de la Insurrección de Junio , Jérôme participó en un grandioso concurso de una pintura que glorificaba la república. Se suponía que esta imagen se colgaría en lugares oficiales en lugar del retrato real. En total, más de 700 artistas ingresaron a la competencia, incluidos Díaz de la Peña , Daumier , Corot , Millet y algunos otros. Según Chanfleury , la exposición, celebrada en el Palais des Beaux-Arts , "fue triste". El principal problema era que "los artistas creían inocentemente que la competencia los liberaba de todo, incluso del talento" [17] . El boceto de Jerome era de composición tradicional y estilo pomposo: representó una figura de mujer de dos metros con una corona de laurel, sosteniendo una espada en la mano derecha y una rama de olivo en la izquierda como símbolo de paz. Según A. Shestimirov, un amanecer rosado-lila parece especialmente antinatural [16] . Sin embargo, el jurado consideró que las obras de 20 artistas, incluido Jerome, llegaron a la final de la primera ronda, por lo que los autores recibieron un premio de 500 francos cada uno. Tras la elección de Luis Napoleón como presidente, el concurso fue anulado [13] .
Durante la revolución, tres amigos -Jean Gerome, Henri Picot (1824-1895) y Jean Hamon (1821-1874)- formaron un " falange de artistas" en una casa en la rue Fleurus, 27. Cada uno ocupaba un estudio separado, conectado entre sí con otros por un pasillo; todo el trabajo doméstico y todos los gastos los pagaban los falangistas, la guardia de cocina duraba una semana. Dos o tres veces al mes, los amigos se reunían en el falansterio, las reuniones se pagaban con multas por diversas faltas y contribuciones de los visitantes. La compañía era musical, por lo que a menudo se realizaban conciertos en casa. El papel de Jérôme en la comuna fue tan grande que los críticos posteriores llamaron al círculo social de los falangistas "la escuela de Jérôme" [18] .
Durante su vida en el falansterio, Jerónimo pintó un gran lienzo "Anacreonte, Baco y Cupido", encargado por el Ministerio de Bellas Artes de la República (el precio fue de 1800 francos). El cuadro se escribió en poco tiempo y no satisfizo al artista, pero se exhibió en el Salón de 1848 y le valió una medalla de segunda dignidad. El público y la crítica probablemente se sintieron atraídos por la atmósfera de celebración y despreocupación, que luego se percibió como una alegoría del establecimiento de un sistema republicano. El lienzo es de tamaño grande: 134 × 203 cm. Representa a un anciano bailando Anacreonte con una lira, está rodeado por Baco y Cupido , así como una Bacante desnuda tocando aulos . La escena está inmersa en el crepúsculo del atardecer. El mismo Jerome evaluó este cuadro como una imitación de Rafael, pero admitió francamente que era "aburrido" y "ensamblado a partir de piezas, cuyo estilo e invención son terribles" [19] . Los críticos ignoraron el trabajo del propio Jerome, pero Chanfleury evaluó muy severamente las pinturas del amigo del artista, Pico, e incluso afirmó que dichas pinturas deberían ser permanentemente excluidas de las exposiciones [20] .
En el Salón de 1849, Jerónimo presentó un solo paisaje, pero en la obra del Salón de 1850 se le presentaron tres cuadros, uno de los cuales está perdido. El mayor escándalo fue causado por un boceto llamado "Interior griego". De hecho, se trataba de una imagen de un lupanar , respectivamente, las chicas en poses lánguidas esperaban clientes en el patio de un burdel. Los críticos tomaron resueltamente las armas contra la imagen:
¿Cómo puede la policía, que retira grabados obscenos de los estantes de las tiendas, permitir que tal obscenidad se muestre al público aquí, en un museo público? <...> Esta decadencia por parte de Jerónimo debería ser una advertencia para toda la escuela neogriega [21] .
En el punto álgido del escándalo, la pintura fue comprada por el presidente Louis Napoleón, lo que fue un gran honor para el joven artista (más tarde, Paul Cezanne creó un grabado basado en esta trama ). Según A. Shestimirov, "las opiniones polarizadas que surgieron entre los críticos y el presidente de la república muestran una vez más cuán grande era el abismo entre los conocedores del arte pertenecientes a diferentes estratos de la sociedad francesa" [22] . Las composiciones francamente eróticas que Jerome continuó creando, un ejemplo es la imagen con el inocente nombre "Idilio". Según A. I. Somov , en estas obras de Jerome, se manifestó su capacidad para “suavizar la seducción de la trama mediante un procesamiento estricto de las formas y, por así decirlo, una actitud fría hacia lo que puede despertar la sensualidad en el espectador” [23] .
A finales de las décadas de 1840 y 1850, Jerome también experimentó con el retrato, pero, en general, rara vez recurrió a este género. Él mismo declaró que era contrario a su naturaleza pintar retratos, ya que trababa su imaginación; además, de acuerdo con los cánones del academicismo, idealizaba sus modelos, y esto a menudo no gustaba a los clientes. En su autobiografía, no mencionó sus retratos en absoluto. Quizás esto se debió a un incidente desagradable en 1854: se interesó en una actriz, Mademoiselle Durand, y la convenció de que posara. Sin embargo, ella se negó a pagar su retrato y Jerome le exigió 2.000 francos en la corte. El juez dictó el siguiente veredicto:
"... El principal requisito para un retrato es la imagen de las verdaderas características del modelo... Dado que es imposible reconocer a Mademoiselle Durand en el retrato presentado por Jerome, entonces Mademoiselle Durand no debería aceptarlo ni pagar por él" [ 21] .
En 1853, el emperador Napoleón III anunció que la Exposición Universal de 1855 se celebraría en París . Se suponía que ampliaría enormemente el departamento de bellas artes, y Jerome solicitó a la dirección de la exposición que escribiera una imagen de contenido alegórico basada en una trama elegida por él mismo. Jean-Leon decidió tomar el tema de la glorificación del emperador Augusto , en cuyo reinado nació Jesucristo , tal combinación debería haber agradado al emperador y al público. Jérôme estimó el presupuesto de la obra en 20.000 francos ; y ya en febrero de 1853 recibió un adelanto de 5.000 para hacer un viaje a pintar paisajes y tipos etnográficos del natural para el cuadro. Eligió "Asia rusa" para el viaje, pero cuando se fue, la Guerra de Crimea había comenzado y tuvo que viajar a los Balcanes . En el viaje, Jerome estuvo acompañado por el actor de teatro parisino Edmond Francois Goth (1822-1901) [24] .
Mientras que en Valaquia , Jerome y Goth fueron testigos de la llegada del ejército ruso . Un día, Jerome observó a los reclutas , junto a los cuales estaba un oficial con un látigo. El artista esbozó rápidamente el episodio, en base al cual creó la pintura "Descanso en el campo ruso", sustentada en el espíritu del realismo, que provocó una reacción entusiasta de los críticos. La pintura se encuentra ahora en una colección privada en los EE . UU. [25] .
Al regresar a París, Jerome comenzó a realizar la pintura "Edad de agosto". Sobre un enorme lienzo (6,2 × 10,15 m), dispuso figuras de tamaño natural. En el mismo centro, sobre un estrado, se colocó la figura del mismo Augusto, y en primer plano y, por así decirlo, debajo de él, la escena de la Natividad de Cristo . Los críticos no estaban encantados con la imagen: estaban especialmente indignados por el menosprecio del evento más importante en la historia de la humanidad, el nacimiento del Dios-hombre, y la exaltación simultánea del emperador. Además, los críticos notaron la artificialidad de la trama y la composición, la excesiva variedad de colores. Los reproches por la falta de integridad también son justos, la trama se deshizo en escenas separadas en el espíritu del “neogriego”; A los contemporáneos les pareció que esto mostraba la falta de seriedad necesaria para la alegoría académica. La única crítica totalmente positiva la dejó T. Gauthier , quien afirmó que aquí hay "una imagen fiel de la historia". No se sabe nada sobre la reacción del emperador, pero a Jerónimo se le otorgó el título de Caballero de la Legión de Honor [26] .
La primera visita de Jérôme a Oriente fue en 1853 cuando visitó Estambul . Durante una breve estancia allí, surgió el deseo de familiarizarse con la vida de la verdadera Asia, por lo que en 1856 Jerome emprendió un largo viaje a Egipto, en el que participaron otras personas creativas: el dramaturgo E. Ogier , los artistas N. Becher y L. Nayi, así como el escultor O. Bartholdi . Este último llevó consigo un aparato fotográfico y entusiasmó mucho a Jerome con esta ocupación; en el futuro, el artista utilizó constantemente fotografías como fuente de información detallada para sus lienzos. El viaje a Egipto duró 4 meses, durante los cuales los viajeros alquilaron un barco con camarotes y participaron activamente en excursiones por el país, pescando y otras cosas. Jerome hizo muchos dibujos y bocetos, que capturaron a los árabes, fellahs egipcios , nubios y otros habitantes del país del Nilo. Gran parte del espacio de sus bocetos estaba ocupado por perros, caballos y camellos [26] .
Pinturas, cuyas tramas e imágenes se inspiraron en el viaje egipcio, Jerome exhibió en el Salón de 1857. La mayor impresión la causaron "Reclutas egipcios" y "Oficial de Arnaut", un estudio para el anterior, "Camellos en un abrevadero", "Paisaje de Thebaid" y algunos otros. "Reclutas" en la trama se parece vagamente a "Peselnikov en el campo ruso", ya que representan la escena de la esclavitud de civiles por parte de los militares. Al mismo tiempo, la imagen es desafiantemente neutral en un sentido ético, ya que el artista no dejó ni un solo indicio del estado de las personas dirigidas, ya sean voluntarios o fellahs , obligados a la construcción del recién inaugurado Canal de Suez. , al igual que no condena la situación y no admira el coraje de las personas unidas por acciones. En parte, esto fue una demostración de la posición adoptada por Jérôme en la discusión sobre el realismo iniciada por G. Courbet . T. Gauthier volvió a aprobar las obras orientales del artista, ya que valoró las imágenes de los contemporáneos de otros países con sus hábitos y vestimentas como “una verdadera y nueva idea de Oriente Medio” [27] .
Entre las pinturas expuestas por Jérôme en el Salón de 1857, se destacó como tema el lienzo " Duelo después de la Mascarada ". Entre los contemporáneos, en parte despertó desconcierto y suscitó interrogantes sobre la fuente literaria o dramática. Mientras tanto, según A. Shestimirov, la trama de la imagen era completamente original e ilustraba un aspecto importante de las opiniones estéticas de Jerome, a saber, la idea de la vida como un escenario teatral. “Parece que el telón se cerrará y Piero, herido de muerte, se pondrá de pie y se inclinará ante el público. <…> Y una mascarada no es una mascarada, y un drama no es un drama” [28] . Según Norbert Wolf , la pintura está llena de verdadero dramatismo, que se logra con su combinación de colores: brillantes estallidos de blanco, teñidos de negro y rojo, en la esquina izquierda se equilibran con la "neutralidad melancólica" del fondo y las figuras que salen a la derecha. Los críticos del " Times " de Londres en 1858 enfatizaron que la imagen es muy expresiva y que entre los artistas contemporáneos no hay nadie que, como Jerome, pueda representar la tragedia de la muerte [29] . La pintura era popular y J. Gerome hizo dos copias del autor: la primera fue escrita para el emperador ruso Alejandro II (ahora conservada en el Hermitage estatal ), la segunda versión estaba destinada a la reproducción impresa y pertenece al Museo Walters. . El original (ahora conservado en el Musée Condé ) fue comprado por el conocido marchante de arte Ernest Gambard , que trajo a Jérôme 20.000 francos [30] .
En 1858-1859, Jerome fue invitado, entre otros artistas, a diseñar la residencia del príncipe Napoleón José Bonaparte en la calle Montaigne. Su prototipo fue la villa pompeyana de Diomedes. Jerónimo pintó figuras alegóricas basadas en la trama de la Ilíada y la Odisea. Paralelamente, recibió un encargo muy prestigioso: el diseño de la berlina personal del Papa Pío IX [31] .
En el Salón de 1859, Jerome presentó pinturas sobre temas egipcios modernos y antiguos, destacando en particular la pintura "Ave Caesar". El cuadro fue pintado en la trama del próximo golpe en el Imperio Romano, que llevó a Vitelio al poder . Aquí, también, Jerome no estaba satisfecho con su pintura y luego admitió que estaba llena de inexactitudes arqueológicas. Allí también se exhibió una composición erótica "Rey Kandavl " basada en una trama de Herodoto . Según A. Shestimirov, la erótica fue diseñada para mitigar la tragedia de la situación (el rey mostró a su hermosa esposa desnuda al guardaespaldas Giges , después de lo cual la reina puso a este último ante una elección: suicidarse o matar al rey y casarse con ella) . Como resultado, el trabajo de Jérôme fue popular entre los amantes de los temas históricos y los conocedores del género desnudo [32] . El artista intentó utilizar su éxito en el Salón para conseguir un puesto como profesor en la Escuela de Bellas Artes , envió la solicitud correspondiente, pero nunca obtuvo respuesta.
Friné ante el AreópagoEn el Salón de 1861, Jérôme presentó varios cuadros, entre los que destacaba el cuadro Friné frente al Areópago . Según los relatos de los autores antiguos (y especialmente de Ateneo ), el escultor esculpió a la diosa con su amada Friné , lo que era una blasfemia. Según otra versión, interpretó el papel de Afrodita. El orador Euthius (Euthias), su admirador rechazado, acusó al geter de impiedad. El abogado, el famoso orador Hyperid , al ver que su discurso no causa una impresión especial en la corte, se quitó la ropa de Phryne. La belleza impresionó tanto a los jueces que estaba justificada; después de todo, según las ideas griegas sobre la belleza, un cuerpo tan perfecto no podía ocultar un alma imperfecta (el concepto de kalokagatiya ) [33] .
Jerónimo, aunque pintó un lienzo sobre la trama del pasado lejano, lo dirigió a sus contemporáneos. N. Wolf definió el programa estético de este cuadro como “a medio camino entre Ingres y Delaroche, su maestro”. Una oposición adicional estaba escondida dentro de la imagen: en el centro de la composición del altar hay una estatuilla de Palas Atenea , la diosa de la sabiduría, que nunca fue representada desnuda [33] . En los rostros de los jueces se presentaron todas las reacciones posibles al cuerpo femenino desnudo, desde la admiración gozosa y la ternura íntima hasta el miedo y la irritación. La artista pintó la figura de Phryne a partir de un modelo contemporáneo, y no a partir de sus imágenes antiguas. En otras palabras, Jerome no sorprendió a la audiencia, pero respetó su parte conservadora: representando la modestia de la heroína y desviándose deliberadamente de las fuentes antiguas (Fryne fue juzgada por una helia , no por un Areópago ), trató de cumplir con las normas de la moralidad contemporánea. [34] . Como resultado, los críticos estaban muy divididos. Edgar Degas ya en 1891 se indignó:
“¿Qué podemos decir del pintor que presentó a Friné frente al Areópago como una niña miserable y tímida que se cubre? Phryne no se cubrió porque la desnudez era la fuente de su fama. Jérôme no entendió esto e hizo de su pintura, por falta de comprensión, una pintura pornográfica .
Por el contrario, el crítico ruso V. V. Stasov , muy escéptico del academicismo, escribió en el artículo “Exposiciones de arte de 1879”:
“No, mira de nuevo a Phryne Jerome, un viejo conocido: hay belleza corporal, hay vergüenza en las rodillas temblorosas, buscándose unos a otros; incluso hay dedos de los pies, y dicen: estamos avergonzados y tratamos de agacharnos y escondernos de alguna manera; así que las manos subieron a la cara y la cubrieron. Esto es lo que llamo: una obra de arte, esto es lo que llamo: sentimiento y expresión, esto es lo que llamo: un artista .
En 1889, a partir de la pintura de Jerome, el famoso pintor académico Henryk Semiradsky creó su lienzo: " Friné en el Festival de Poseidón en Eleusis ". Quería crear una obra sensual que, aunque erótica, se mantuviera dentro de los límites del decoro [37] .
A fines de 1861, Jerome completó la pintura "El prisionero", que le valió la reputación de "un realista del academicismo". En la terminología de mediados del siglo XIX, después de que Courbet realizara el "Pabellón del Realismo" - una exposición individual, el término "realismo" se convirtió en sinónimo de tosquedad y vulgaridad, ya que el círculo de Courbet se centró en los vicios y problemas sociales [38] . Jerome estuvo lejos de representar los aspectos desagradables de la vida francesa, que justificó de la siguiente manera:
"A una persona culta le agradará más asociarse con gente de las clases altas que pasar su vida en un campo de maíz con un labrador, en un taller con un zapatero, o en una chimenea con un deshollinador" [39] .
Al mismo tiempo, debe tenerse en cuenta que en su obra prácticamente no hay pinturas que representen directamente la vida contemporánea de las clases altas. Por lo tanto, "realismo" significó la precisión documental de las escenas transmitidas, vestuario con accesorios. Este "Prisionero" fue del agrado de los contemporáneos, y Jerome tuvo que escribir una repetición. Los críticos incluso compararon la barca del jeque con la barca de Caronte , y la imagen misma fue percibida como una porción del verdadero Oriente: "inquebrantable, voluptuosa y refinada en su crueldad" [40] .
En 1861, Jerome se batió en duelo con el marchante de arte Stevens. Según R. Boner , el motivo era una mujer. Aunque el artista no era un duelista experimentado, escapó con una herida leve en el brazo. Inmediatamente después de esto, dejó Francia y emprendió un viaje de un año a través de Egipto, Siria y Palestina. Este viaje fue descrito con gran detalle en su autobiografía. Le sucedieron muchas aventuras: durante 17 días atravesó el desierto de Siria, en Semana Santa visitó la Iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén , etc. Al regresar a París en enero de 1863, Jérôme se casó con Marie Goupil (1842-1912), la hija de un marchante de arte. Juntos vivieron hasta el final de la vida del artista, tuvieron cuatro hijos [41] . Son Jean mostró inclinaciones artísticas, pero murió temprano - en 1891 a la edad de 27 años - de tisis [42] .
El 15 de enero de 1863 se anunciaron nuevas reglas para la aceptación de pinturas al Salón: a partir de ahora, cada artista tenía derecho a presentar no más de tres obras y se introdujo la selección competitiva. El 25 de enero, un grupo de artistas (incluidos Jérôme y Édouard Manet ) dirigió una carta abierta al emperador contra las nuevas reglas. Todo fue en vano, surgió un escándalo que, entre otras cosas, derivó en la apertura del Salón de los Rechazados . El 13 de noviembre del mismo año, por decreto imperial, la Academia fue privada del derecho de dirigir la Escuela de Bellas Artes. Se abrieron tres nuevos talleres en la Escuela y se introdujeron tres vacantes de profesorado, uno de los cuales fue para Jérôme [41] .
En 1860, Siam abrió relaciones comerciales y diplomáticas con Francia , cuyos embajadores fueron presentados a Napoleón III en el verano siguiente. Jérôme recibió un pedido de un lienzo oficial para capturar el evento; para el artista, este fue un pedido muy rentable y, además, su pintura estaba destinada a Versalles. Cuando empezó a trabajar, descubrió que tendría que retratar a unas 80 personas reales, lo que no le resultaba fácil debido a su disgusto por el género del retrato. Sin embargo, el cuadro fue presentado en el Salón de 1865. Algunas órdenes oficiales no interfirieron con el trabajo sobre temas históricos y de género, incluidos los desnudos (" Cleopatra y César ") [43] .
La Exposición Mundial de 1867 se organizó para "al menos un renacimiento artificial de la industria y el comercio franceses" [44] . No se esperaban logros serios en el campo de las bellas artes, pero Jerome presentó 12 de sus lienzos para el pabellón francés. Entre ellos destacaba el cuadro “ La muerte de César ”, que volvió a suscitar desmedidos elogios por parte de T. Gauthier:
“Si la fotografía hubiera existido en tiempos de César, cabría creer que el cuadro fue pintado a partir de una fotografía del lugar y momento en que ocurrió la tragedia” [45] .
El 1 de enero de 1868, Jerome dejó a sus alumnos al cuidado de G. Boulanger y partió hacia el Medio Oriente en compañía de sus camaradas, ocho artistas y escritores. En El Cairo, el artista recibió una audiencia con el Jedive Ismail Pasha , luego examinó Giza y el oasis de Faiyum . Después de su regreso, Jerome exhibió en el Salón de 1868 varias pinturas de los acontecimientos de la historia de Napoleón: "7 de diciembre de 1815" y " La ejecución del mariscal Ney " [46] . En noviembre de 1869, Jérôme representó a los artistas franceses en la inauguración del Canal de Suez [47] . Basado en los resultados de sus viajes a Egipto, Jerome pintó varios retratos de género y etnográficos que dan una idea de varios habitantes del Este: Arnauts, Arabs, Bashi-Bazouks. Muchos de estos cuadros ya estaban pintados en París a partir de las fotografías que habían traído [46] .
Durante la guerra franco-prusiana, Jerome y su familia se refugiaron en Inglaterra, pero apenas podían trabajar. En los catálogos de sus obras, solo hay una pintura de esta época, "Pifferari", que representa a músicos callejeros en Londres. En junio de 1871 regresa a París. La casa con el taller resultó dañada durante el bombardeo, pero la casa de campo no sufrió daños, y pronto Jerónimo reanudó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes. Continuó viajando activamente: en el invierno de 1871 visitó Turquía, y en 1873, junto con G. Boulanger y tres estudiantes, pasó por España hasta Argelia, donde le gustó mucho menos que en Egipto [46] .
AI Somov argumentó que en la década de 1870, las pinturas de Jerome eran notablemente inferiores en sus cualidades artísticas a los lienzos creados en la década anterior. Al mismo tiempo, continuó con todas las ideas principales de su arte: pintó retratos de género, tipos, vistas arquitectónicas. Los paisajes comienzan a jugar un significado autónomo en sus pinturas. El cuadro "El árabe y su caballo" fue una de sus obras más famosas del siglo XIX. Con el telón de fondo de un desierto sin vida bajo el sol abrasador, el artista representó el dolor genuino de un árabe después de caer de un caballo que no podía soportar el calor. Jerome logró transmitir de manera convincente la desesperación del jinete, que no puede aceptar la muerte del animal. Al mismo tiempo, el centro óptico del cuadro se desplaza a la izquierda del centro geométrico del lienzo, lo que convierte al desierto en el protagonista principal, y el hombre se muestra como una víctima insignificante [48] .
En 1872, Jérôme logró realizar el tema que lo había fascinado en 1843 en el Museo de Nápoles: una batalla de gladiadores. El resultado fue la imagen " Pollice Verso " (del latín - " Thumbs down ", es decir, "¿Terminar con el gladiador?"); se hizo bastante famosa entre las pinturas históricas del siglo XIX. Allá por 1859, Jerome pintó " Ave César ", un cuadro que a él mismo no le gustó. Habiendo conservado la composición de la obra anterior, en 1872 corrigió las deficiencias técnicas y pudo crear un lienzo que tenía un contenido verdaderamente dramático. Además, trabajó con copias de armaduras genuinas de gladiadores que podía usar en sus modelos. Jerome consideró sinceramente que este cuadro en particular era el mejor de su obra [49] .
La fuente de inspiración del artista esta vez fue la famosa novela de Bulwer-Lytton "Los últimos días de Pompeya", traducida al francés allá por 1838. El segundo capítulo de la quinta parte contiene una descripción de un duelo de gladiadores, en el que Jerónimo impuso auténticos apoyos históricos, rechazando además cualquier idealización [50] . La pintura representa a un gladiador victorioso que aplastó a su oponente derrotado con el pie, quien levantó la mano con horror, esperando la misericordia de la audiencia. Sin embargo, el público claramente desea la muerte, votándola con el pulgar hacia abajo. V. V. Stasov, que vio la pintura en la Exposición Universal de Viena en 1873, estaba encantado:
“ Los gladiadores de Jerónimo son una de las páginas más significativas de la historia antigua jamás transmitida por el arte... Esta imagen es asombrosa, apasionante, emocionante; cosas así no encontrarás en los museos de arte antiguo de los últimos tres siglos, eso es lo que estamos acostumbrados a considerar desde la cuna como grandes y “clásicos”” [51] .
El crítico socialista contemporáneo Guy Debord escribió en 1996 que en esta pintura, Jérôme expuso las raíces de la más antigua de las barreras sociales, la "barrera de la violencia" [50] .
En el Salón de 1874, Jérôme exhibió tres lienzos históricos, entre ellos Colaboración: Corneille y Molière y El cardenal gris. IE Repin los calificó como "inteligentes, pero secos". El jurado del Salón otorgó por unanimidad a Jerome una medalla de oro. Esto causó indignación entre los críticos parisinos, quienes dijeron que los pintores de género no deberían haber recibido medallas. El artista estaba entonces en Holanda y telegrafió que rechazaba el premio. Sin embargo, el jurado también acudió al principio, se negó a aceptarlo, y Jerónimo tuvo que trasladar la medalla a la Escuela de Bellas Artes [52] .
La composición de la "Eminencia Grey" se utilizó en la pintura de 1878 " La recepción de Condé en Versalles ". Su trama se basaba en una anécdota histórica: en 1674, tras una batalla con el ejército hispano-flamenco, Luis XIV recibe al Príncipe de Conde en la Gran Escalinata, lo que es contrario a la etiqueta y no se había hecho antes. El príncipe, a causa del reumatismo, se levantó lentamente y pidió disculpas al monarca por la demora. A esto el rey respondió: “Mi prima, no te apresures. Cualquiera que tuviera tantos laureles como tú no habría podido ir rápido” [53] .
El artista siguió viajando mucho: pasó 1874 en los Países Bajos, estudiando la obra de Frans Hals , en 1879 visitó Turquía, en 1880 - en Egipto, en 1881 - en Grecia, en 1888 - en Inglaterra, y en 1889 - en Italia Llevaba a sus alumnos de viaje, con la mayoría de los cuales desarrolló cálidas relaciones. El artista mantuvo relaciones amistosas con Charles Bargh (quien fue su alumno), participó en la compilación de su "Curso de dibujo" (1667-1670). Jérôme podía visitar a los estudiantes cuando estaban enfermos, encontrar compradores para ellos, a veces podía comprar sus pinturas a través de los propios nominados e hizo todo lo posible para emplearlos como ilustradores, profesores de arte, etc. Había rumores de que usaba a los estudiantes para escribir sus lienzos. usando el método de brigada, por ejemplo, al escribir un fondo, pero no hay evidencia inequívoca de esto. Jérôme participó activamente en obras de caridad, estuvo en varios comités para ayudar a los artistas enfermos y sus viudas, y siempre asistía a los funerales de sus colegas. En el entierro de Camille Corot en 1875, ocurrió un incidente: el sacerdote comenzó a leer un sermón sobre la "vida inmoral de los artistas", después de lo cual Jerónimo sacó de la iglesia a todos los colegas allí presentes [54] .
Después de la caída del imperio y el establecimiento de la Tercera República, la pintura de historia se volvió menos apreciada y, después de 1875, Jerome cambió principalmente a composiciones de género pequeño. La mayoría de las veces tienen una trama concisa, no requieren explicación, pero al mismo tiempo conservan la majestuosidad de la imagen, especialmente si están asociados con la vida religiosa de Oriente. Al mismo tiempo, comenzó a pintar toda una serie de cuadros condicionales de "harén" con desnudos (" Venta de esclavos ", "Odalisca", "Baño moruno" y muchos otros). Las escenas de harén y baño de Jerome son más bien arbitrarias, aquí se manifiestan plenamente los principios estéticos de Ingres, quien siempre reemplazó la “sensualidad erótica” por la “poesía topográfica” [55] . Sin embargo, en comparación con Ingres, los desnudos de Jerome están lejos de los cánones de la belleza clásica, ya que desde la década de 1870, junto a parisinos ataviados con trajes orientales, comenzó a pintar genuinas mujeres de Oriente. Jerome se sintió especialmente atraído por los almei (almechi), bailarines egipcios. En una de las pinturas, representó a Almaea con un cigarrillo, lo que enfatizó la europeización de Egipto, que comenzó en ese momento. Sin embargo, en no menor medida, se caracteriza por el motivo de las puertas cerradas, percibido por su alumno, VV Vereshchagin [56] . Entre sus alumnos se encontraba el famoso grabador Charles Albert Waltner .
En la década de 1880, Jerome se caracterizó por un interés en la animalidad y comenzó a pintar depredadores: leopardos, leones y tigres. Una de las pinturas más notables de este género es Las dos majestades, que representa a un león contemplando el sol. Los investigadores franceses (en particular, Helen Lafont-Couturier) argumentaron que aquí se insinúa el “ sol de Austerlitz ” : el artista quería expresar tristeza y nostalgia por la grandeza del Segundo Imperio. En general, esta imagen transmite una atmósfera de melancolía y soledad, algo compensada por los tonos rosados del Sol naciente [57] .
Ejemplos vívidos de obras de este tipo son las pinturas "Watching Tiger" y "Pasha's Woe". Conociendo bien el mundo de Oriente, Jerome tuvo la idea de que los tigres inspiraban horror místico en los lugareños. Al mismo tiempo, este animal simbolizaba fuerza, nobleza y masculinidad, era visto como protector y patrón. Por lo tanto, a los gobernantes de Oriente se les dieron tigres y al mismo tiempo creían que la muerte de un depredador presagia el final de su dueño. En la pintura “Pasha's Woe”, un tigre muerto, como un hombre, descansa sobre una alfombra cubierta de pétalos de rosa; un bajá se sienta a su lado, y su dolor es genuino [58] . Para esta pintura se utilizó el interior del Patio de los Leones de la Alhambra , visto durante un viaje a España. "Observar al tigre" refleja el otro lado de las creencias orientales: supuestamente, los tigres o los leones pueden proteger las ciudades o influir en el curso de la batalla que se muestra en esta imagen [59] .
Pasha's Woe 1890, Museo de Arte Joslin, Omaha
Viendo tigre. 1888, Museo de Bellas Artes (Houston)
Dos Majestades. 1883, Museo de Arte, Milwaukee
En la Exposición Universal de 1878, Jérôme debutó como escultor presentando los "Gladiadores", esculpidos a partir del grupo central del cuadro "Pollice verso". Un amigo y compañero, E. Fremier , le dio lecciones de escultura, y en el futuro, Jerome invariablemente se llamó a sí mismo estudiante de Fremier en los catálogos. Al principio, repitió en bronce las imágenes de sus primeras pinturas, por ejemplo, "Anacreonte", pero hizo cambios en esta composición: un Anacreonte borracho sostiene en sus brazos a los bebés Baco y Cupido. En la década de 1890, comenzó a desarrollar tramas independientes, como " Pigmalión y Galatea ", "Ay", "Tanagra". En 1895, Jerome esculpió un retrato escultórico de Sarah Bernard [60] . El interés por la escultura se manifestó en Jerónimo al comienzo de su carrera, por lo que, en 1849, pintó la pintura "Miguel Ángel", que representa al famoso escultor en el trabajo. En el futuro, consideró la escultura como una etapa preparatoria necesaria para trabajar en pinturas y combinó las figuras de los personajes principales moldeadas en yeso. Esto también se aplica a las obras de animales: el propio Jerome dijo repetidamente que era la escultura lo que hacía posible representar leones y tigres anatómicamente correctamente. Con el tiempo, la escultura y la pintura se fusionaron en un todo indisoluble, que se manifestó en la pintura de 1890 " Pigmalión y Galatea ", en la que representó su propio taller [61] [29] .
En las imágenes de Jerónimo en la década de 1880 aparece un principio pasivo-heroico. En 1883, el artista completó una pintura a gran escala " La última oración de los mártires cristianos ", que le encargó hace 20 años el coleccionista estadounidense Walters. En cuanto a la trama y la forma de ejecución, recuerda a "Ave Caesar" y "Pollice verso", pero esta vez los primeros cristianos son representados como víctimas. De acuerdo con la estética del academicismo, la crueldad propia del escenario es compensada por el coraje y la fe inquebrantable de los mártires. La composición está construida de tal manera que el espectador puede no notar inmediatamente las cruces con esclavos crucificados. Por eso, a pesar de que no haya dudas de que el depredador ganará en un duelo desigual con un puñado de personas, la imagen deja una sensación de gran victoria del espíritu; a este respecto, A. Shestimirov lo distingue de la tradición de las imágenes del martirio en la pintura europea [62] .
La década de 1880 fue difícil para Jerome en un sentido puramente personal: en 1884 murió su padre, su madre se mudó a París. Poco después, en el mismo año, fallecieron el cuñado, Albert Goupil, y su padre, Adolf. Jean-Leon vivió muy duramente la pérdida de familiares, porque era amigo de Albert, realizaba su trabajo a través de él y lo llevaba con él en los viajes. En 1886 moría el académico Paul Baudry , con quien Jérôme había sido amigo durante muchos años. Un fuerte golpe para él fue la muerte de G. Boulanger, que siguió en 1888. Finalmente, en 1889-1890, estalló una epidemia de gripe en París, de la que también fue víctima el artista. Su estado de salud fue cubierto incluso por periódicos de los Estados Unidos, donde era extremadamente popular [29] . Sin embargo, el artista logró recuperarse y dijo que le gustaría morir en el trabajo [63] .
El taller se convirtió en el principal refugio de Jerónimo, lo ayudó a salir de la depresión y consolarse a sí mismo. El grueso de sus pinturas de esta época son composiciones de género variadas, pintadas según bocetos de años anteriores, paisajes egipcios, un autorretrato que es raro en él. Casi todos ellos abundan en detalles precisos, pero no difieren en ninguna idea profunda. La temática egipcia fue continuada por El vendedor de alfombras y Marabú, la primera de las cuales encarna la típica idea de Oriente como un bazar donde se puede encontrar de todo. Alguna excepción a la regla es el cuadro "Salida del toro", en el que se interpreta la corrida española como un tema de gladiadores [64] .
La combinación de escultura y pintura se manifestó en varias obras de Jérôme en la década de 1890. En ese momento, se interesó por las estatuillas antiguas-tanagrianos . En la estatua de "Tanager" representó a una mujer desnuda que sostiene en su mano izquierda una figura de Tanager con un aro. La estatua fue esculpida a la manera de los antiguos maestros que pintaban figuras a imitación de un cuerpo vivo. El resultado fue que el público y la crítica del Salón, acostumbrados a las estatuas de mármol blanco, quedaron impactados. También se pintó el retrato escultórico de Sarah Bernard [65] . La figura de Tanagra se coloca sobre un taburete en la composición "Modelo del escultor". En esta imagen, Jerome se representó a sí mismo, su taller, el modelo y la estatua de Tanager, en la que estaba terminando el trabajo. Una reproducción de Pigmalión y Galatea cuelga de la pared, enfatizando el hedonismo de la escena presentada. En la pintura "Los colores dan vida a la escultura", se utiliza nuevamente la unidad de pintura y escultura; al fondo, en el centro, vuelve a aparecer "Tanagra". La imagen también tenía un significado puramente práctico: Jerónimo, después de haber mostrado a una joven griega pintando una figurilla, quería "envejecer" la figura que inventó con un aro. Muchos artistas del siglo XIX colocaron en sus lienzos auténticas obras antiguas encontradas en excavaciones o expuestas en museos. La realización en pintura, por así decirlo, certifica su antigüedad y autenticidad [66] . La estatua de Tanagra fue comprada por el estado por 10.000 francos [67] .
Tanagra 1890, Musée d'Orsay . (Fotografía en blanco y negro)
Modelo de escultor (obra de mármol) 1890, Museo de Arte de Dahesh, Nueva York
Los colores dan vida a la escultura 1893, Museo Haggin , Stockton
En 1895, Jerome fue invitado a participar en una edición ilustrada de la Biblia, en la que participaron 22 académicos de la época, entre ellos Alma-Tadema , Burne-Jones , Tissot , Puvis de Chavannes , I. Repin y muchos otros. Jérôme realizó 8 ilustraciones de estilo y trama bastante tradicionales, de las cuales se desconoce el paradero de cinco. El pináculo de la carrera académica del artista fue su ascenso al rango de Gran Oficial de la Orden de la Legión de Honor [68] .
El comienzo de la década de 1900 estuvo marcado para Jerome por una ruptura decisiva con la corriente principal del arte. Su actitud negativa hacia el impresionismo se expresó por primera vez en 1884, cuando el profesor se pronunció duramente contra la exposición póstuma de Manet en la Escuela de Bellas Artes, lo que provocó la incomprensión del público. Jerónimo entonces declaró:
“[Manet] es elegido para ser el apóstol de la moda decadente, el arte del fragmento. Yo, por mi parte, he sido elegido por el estado para enseñar las bases del arte a los jóvenes artistas... Por lo tanto, creo que es un error ofrecerles un modelo extremadamente arbitrario y sensacional de un hombre que, aunque poseía raras cualidades. , nunca los desarrolló” [69] .
Sin embargo, Jerónimo no contó con los recursos administrativos suficientes para impedir la exposición. Cuando la visitó, le comentó con moderación que las cosas no estaban tan mal como pensaba [70] . Un nuevo escándalo estalló diez años después, tras la muerte de G. Caillebotte , quien legó 65 pinturas de su colección impresionista al Museo de Luxemburgo . Jérôme hizo un gran alboroto en los periódicos, afirmando, en parte:
“El Museo de Luxemburgo es una escuela. ¿Qué lecciones van a aprender nuestros jóvenes artistas allí? Todos comenzarán con el impresionismo, porque el estado quiere impresionismo. ¡Oh! Estas personas creen que retratan la naturaleza, tan maravillosa en todos los sentidos. ¡Qué reclamo! ¡Pero la naturaleza no es para ellos! Este Monet , ¿recuerdas sus catedrales ? ¿Y este hombre sabe pintar? Sí, vi sus cosas buenas, pero ahora no .
Y en este caso, nadie escuchó la opinión de Jerome, por lo que se encontró aislado, convirtiéndose en "un enemigo de las tendencias progresistas en el arte". En este sentido, en la propia Francia, su legado comenzó a ser silenciado de manera constante. Continuó pintando sobre sus temas tradicionales: la caza de leones y tigres, los musulmanes rezando [68] . Su fuerza se fue secando poco a poco, el 31 de diciembre de 1903, le escribió a un ex alumno, Oble, que sentía la proximidad de la muerte. En la mañana del 10 de enero de 1904, Jean-Leon Gerome fue encontrado muerto en su propio estudio, tendido junto a un retrato de Rembrandt . Como oficial de la Legión de Honor, tenía derecho a un funeral de estado, pero estipuló específicamente en su testamento que esto no debería hacerse. Fue enterrado en el cementerio de Montmartre , a la ceremonia asistieron el titular del Senado de la República, el director de la Escuela de Bellas Artes y el alcalde de su Vesoul natal. La lápida de Jerome está decorada con una estatua de "Grief", creada en memoria del difunto hijo Jean [70] .
A lo largo de la mayor parte de su vida, Jérôme disfrutó de la aclamación de la crítica y del éxito entre los compradores, especialmente en los Estados Unidos, donde se hizo popular a partir de la década de 1870. También tuvo estudiantes estadounidenses, como Thomas Eakins [72] . Satisfizo igualmente las necesidades del público burgués y aristocrático [73] . Como afirma categóricamente N. Wolf, “para los contemporáneos, París era el centro mundial del arte no por Courbet , Manet o Monet , sino gracias a Cabanel , Meissonier y Jerome” [74] . Sin embargo, el ala izquierda de los críticos lanzó un ataque contra Jerome ya en el tercer cuarto del siglo XIX, y Emile Zola se convirtió en su iniciador . Acusó al artista de impasibilidad, falta de manifestación del "yo" del autor y argumentó que sus pinturas son como un espejo en el que puedes ver y sentir solo tus propios sentimientos. Zola declaró que con Jerome "la trama lo es todo, y la pintura no es nada"; por eso deja una impresión más fuerte en las reproducciones que en el original. Los críticos posteriores, incluidos los del siglo XX, tienden a estar de acuerdo con estos juicios [33] .
Los críticos rusos del siglo XIX encontraron otros motivos en el legado de Jerome, en particular, I. E. Repin y V. V. Stasov lo analizaron a través del trabajo de su alumno, V. V. Vereshchagin. Stasov notó en Jerome "la indignación escondida en las profundidades de las pinturas contra mil de los eventos más escandalosos del pasado o del presente". Repin escribió en una de sus cartas privadas:
“Resucitar fielmente todo el cuadro de la vida con su sentido, con tipos vivos; traer a la armonía completa las relaciones de las caras y el movimiento del momento vital general en el cuadro completo es también una tarea enorme. ¡Adivina y reproduce el ideal con el que sueña la mayoría razonable de las personas, viviendo sus necesidades éticas y estéticas de primer orden! [75] .
En la era del dominio de la vanguardia , el nombre Jerome se convirtió en un nombre familiar para designar el arte de salón como artesanía del más bajo nivel. La misma línea se puede ver en las obras soviéticas de la historia del arte. Así, en el libro de N. N. Kalitina, la obra de Jerónimo se considera únicamente sobre la materia de sus pinturas debut expuestas en el Salón de 1847, sin mencionar su evolución posterior. Un lugar común en la crítica a Jerome es la condena de sus obras orientales, para las que posan modelos parisinas y modelos vestidas con trajes orientales [77] .
Dado que Jerome fue popular en los Estados Unidos durante su vida, y muchas de sus pinturas se encuentran en museos y colecciones privadas de este país, las posibilidades decorativas de su pintura nunca han sido olvidadas en Hollywood . En la era de las películas mudas, Gloria Swanson usó algunos de los hallazgos de estilo de Jerome para crear sus imágenes visuales. Al poner en escena el peplum " Ben-Hur " en 1959, el director utilizó las composiciones y las imágenes de Jérôme para crear una escena de carreras de carros [78] . Esta tradición continuó más tarde: al crear la película " Gladiator " Ridley Scott se inspiró en la pintura "Pollice verso" [50] .
No es de extrañar que la revisión de las actitudes hacia Jerome se iniciara precisamente en Estados Unidos, en consonancia con el cambio general de actitudes hacia el arte de salón-académico de los años setenta. El estudio de su patrimonio estuvo a cargo principalmente de Gerald Ackerman, quien publicó el primer catálogo en 1981 y en 1986 una detallada biografía del artista, en la que intentaba demostrar su patrimonio en el contexto de todo el arte del siglo XIX (en 1997 y 2009, se publicó una tercera edición - sin directorio). En 1981, por primera vez después de su muerte, se realizó la exposición de Jérôme (en casa de Vesoul), también organizada por Eckerman [79] . Sin embargo, por primera vez se organizó una exposición enciclopédica detallada de Jerome del 19 de octubre de 2010 al 23 de enero de 2011 por el Musee d'Orsay, una asociación de museos nacionales de Francia y el Museo Getty (Los Ángeles). De París se trasladó a Madrid, al Museo Thyssen-Bornemisza. La exposición de Jerome también se llevó a cabo en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo del 2 de noviembre de 2011 al 5 de febrero de 2012 (hay 4 pinturas y 2 esculturas del maestro en el museo) [80] [81] .
Durante las exposiciones de 2010-2011, surgieron nuevamente discusiones sobre el contenido y la forma del arte de Jérôme. En particular, se expresaron opiniones de que el trabajo de Jerome es "una radicalización kitsch del arte de salón" [82] .
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