Jerónimo, Jean-Leon

En el Salón de 1861, Jérôme presentó varios cuadros, entre los que destacaba el cuadro Friné frente al Areópago . Según los relatos de los autores antiguos (y especialmente de Ateneo ), el escultor esculpió a la diosa con su amada Friné , lo que era una blasfemia. Según otra versión, interpretó el papel de Afrodita. El orador Euthius (Euthias), su admirador rechazado, acusó al geter de impiedad. El abogado, el famoso orador Hyperid , al ver que su discurso no causa una impresión especial en la corte, se quitó la ropa de Phryne. La belleza impresionó tanto a los jueces que estaba justificada; después de todo, según las ideas griegas sobre la belleza, un cuerpo tan perfecto no podía ocultar un alma imperfecta (el concepto de kalokagatiya ) [33] .

Jerónimo, aunque pintó un lienzo sobre la trama del pasado lejano, lo dirigió a sus contemporáneos. N. Wolf definió el programa estético de este cuadro como “a medio camino entre Ingres y Delaroche, su maestro”. Una oposición adicional estaba escondida dentro de la imagen: en el centro de la composición del altar hay una estatuilla de Palas Atenea  , la diosa de la sabiduría, que nunca fue representada desnuda [33] . En los rostros de los jueces se presentaron todas las reacciones posibles al cuerpo femenino desnudo, desde la admiración gozosa y la ternura íntima hasta el miedo y la irritación. La artista pintó la figura de Phryne a partir de un modelo contemporáneo, y no a partir de sus imágenes antiguas. En otras palabras, Jerome no sorprendió a la audiencia, pero respetó su parte conservadora: representando la modestia de la heroína y desviándose deliberadamente de las fuentes antiguas (Fryne fue juzgada por una helia , no por un Areópago ), trató de cumplir con las normas de la moralidad contemporánea. [34] . Como resultado, los críticos estaban muy divididos. Edgar Degas ya en 1891 se indignó:

“¿Qué podemos decir del pintor que presentó a Friné frente al Areópago como una niña miserable y tímida que se cubre? Phryne no se cubrió porque la desnudez era la fuente de su fama. Jérôme no entendió esto e hizo de su pintura, por falta de comprensión, una pintura pornográfica .

Por el contrario, el crítico ruso V. V. Stasov , muy escéptico del academicismo, escribió en el artículo “Exposiciones de arte de 1879”:

“No, mira de nuevo a Phryne Jerome, un viejo conocido: hay belleza corporal, hay vergüenza en las rodillas temblorosas, buscándose unos a otros; incluso hay dedos de los pies, y dicen: estamos avergonzados y tratamos de agacharnos y escondernos de alguna manera; así que las manos subieron a la cara y la cubrieron. Esto es lo que llamo: una obra de arte, esto es lo que llamo: sentimiento y expresión, esto es lo que llamo: un artista .

En 1889, a partir de la pintura de Jerome, el famoso pintor académico Henryk Semiradsky creó su lienzo: " Friné en el Festival de Poseidón en Eleusis ". Quería crear una obra sensual que, aunque erótica, se mantuviera dentro de los límites del decoro [37] .

Academicismo y realismo

A fines de 1861, Jerome completó la pintura "El prisionero", que le valió la reputación de "un realista del academicismo". En la terminología de mediados del siglo XIX, después de que Courbet realizara el "Pabellón del Realismo" - una exposición individual, el término "realismo" se convirtió en sinónimo de tosquedad y vulgaridad, ya que el círculo de Courbet se centró en los vicios y problemas sociales [38] . Jerome estuvo lejos de representar los aspectos desagradables de la vida francesa, que justificó de la siguiente manera:

"A una persona culta le agradará más asociarse con gente de las clases altas que pasar su vida en un campo de maíz con un labrador, en un taller con un zapatero, o en una chimenea con un deshollinador" [39] .

Al mismo tiempo, debe tenerse en cuenta que en su obra prácticamente no hay pinturas que representen directamente la vida contemporánea de las clases altas. Por lo tanto, "realismo" significó la precisión documental de las escenas transmitidas, vestuario con accesorios. Este "Prisionero" fue del agrado de los contemporáneos, y Jerome tuvo que escribir una repetición. Los críticos incluso compararon la barca del jeque con la barca de Caronte , y la imagen misma fue percibida como una porción del verdadero Oriente: "inquebrantable, voluptuosa y refinada en su crueldad" [40] .

Creatividad de la década de 1860

En 1861, Jerome se batió en duelo con el marchante de arte Stevens. Según R. Boner , el motivo era una mujer. Aunque el artista no era un duelista experimentado, escapó con una herida leve en el brazo. Inmediatamente después de esto, dejó Francia y emprendió un viaje de un año a través de Egipto, Siria y Palestina. Este viaje fue descrito con gran detalle en su autobiografía. Le sucedieron muchas aventuras: durante 17 días atravesó el desierto de Siria, en Semana Santa visitó la Iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén , etc. Al regresar a París en enero de 1863, Jérôme se casó con Marie Goupil (1842-1912), la hija de un marchante de arte. Juntos vivieron hasta el final de la vida del artista, tuvieron cuatro hijos [41] . Son Jean mostró inclinaciones artísticas, pero murió temprano - en 1891 a la edad de 27 años - de tisis [42] .

El 15 de enero de 1863 se anunciaron nuevas reglas para la aceptación de pinturas al Salón: a partir de ahora, cada artista tenía derecho a presentar no más de tres obras y se introdujo la selección competitiva. El 25 de enero, un grupo de artistas (incluidos Jérôme y Édouard Manet ) dirigió una carta abierta al emperador contra las nuevas reglas. Todo fue en vano, surgió un escándalo que, entre otras cosas, derivó en la apertura del Salón de los Rechazados . El 13 de noviembre del mismo año, por decreto imperial, la Academia fue privada del derecho de dirigir la Escuela de Bellas Artes. Se abrieron tres nuevos talleres en la Escuela y se introdujeron tres vacantes de profesorado, uno de los cuales fue para Jérôme [41] .

En 1860, Siam abrió relaciones comerciales y diplomáticas con Francia , cuyos embajadores fueron presentados a Napoleón III en el verano siguiente. Jérôme recibió un pedido de un lienzo oficial para capturar el evento; para el artista, este fue un pedido muy rentable y, además, su pintura estaba destinada a Versalles. Cuando empezó a trabajar, descubrió que tendría que retratar a unas 80 personas reales, lo que no le resultaba fácil debido a su disgusto por el género del retrato. Sin embargo, el cuadro fue presentado en el Salón de 1865. Algunas órdenes oficiales no interfirieron con el trabajo sobre temas históricos y de género, incluidos los desnudos (" Cleopatra y César ") [43] .

La Exposición Mundial de 1867 se organizó para "al menos un renacimiento artificial de la industria y el comercio franceses" [44] . No se esperaban logros serios en el campo de las bellas artes, pero Jerome presentó 12 de sus lienzos para el pabellón francés. Entre ellos destacaba el cuadro “ La muerte de César ”, que volvió a suscitar desmedidos elogios por parte de T. Gauthier:

“Si la fotografía hubiera existido en tiempos de César, cabría creer que el cuadro fue pintado a partir de una fotografía del lugar y momento en que ocurrió la tragedia” [45] .

El 1 de enero de 1868, Jerome dejó a sus alumnos al cuidado de G. Boulanger y partió hacia el Medio Oriente en compañía de sus camaradas, ocho artistas y escritores. En El Cairo, el artista recibió una audiencia con el Jedive Ismail Pasha , luego examinó Giza y el oasis de Faiyum . Después de su regreso, Jerome exhibió en el Salón de 1868 varias pinturas de los acontecimientos de la historia de Napoleón: "7 de diciembre de 1815" y " La ejecución del mariscal Ney " [46] . En noviembre de 1869, Jérôme representó a los artistas franceses en la inauguración del Canal de Suez [47] . Basado en los resultados de sus viajes a Egipto, Jerome pintó varios retratos de género y etnográficos que dan una idea de varios habitantes del Este: Arnauts, Arabs, Bashi-Bazouks. Muchos de estos cuadros ya estaban pintados en París a partir de las fotografías que habían traído [46] .

Obras de género de las décadas de 1870 y 1880

La evolución de la creatividad

Durante la guerra franco-prusiana, Jerome y su familia se refugiaron en Inglaterra, pero apenas podían trabajar. En los catálogos de sus obras, solo hay una pintura de esta época, "Pifferari", que representa a músicos callejeros en Londres. En junio de 1871 regresa a París. La casa con el taller resultó dañada durante el bombardeo, pero la casa de campo no sufrió daños, y pronto Jerónimo reanudó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes. Continuó viajando activamente: en el invierno de 1871 visitó Turquía, y en 1873, junto con G. Boulanger y tres estudiantes, pasó por España hasta Argelia, donde le gustó mucho menos que en Egipto [46] .

AI Somov argumentó que en la década de 1870, las pinturas de Jerome eran notablemente inferiores en sus cualidades artísticas a los lienzos creados en la década anterior. Al mismo tiempo, continuó con todas las ideas principales de su arte: pintó retratos de género, tipos, vistas arquitectónicas. Los paisajes comienzan a jugar un significado autónomo en sus pinturas. El cuadro "El árabe y su caballo" fue una de sus obras más famosas del siglo XIX. Con el telón de fondo de un desierto sin vida bajo el sol abrasador, el artista representó el dolor genuino de un árabe después de caer de un caballo que no podía soportar el calor. Jerome logró transmitir de manera convincente la desesperación del jinete, que no puede aceptar la muerte del animal. Al mismo tiempo, el centro óptico del cuadro se desplaza a la izquierda del centro geométrico del lienzo, lo que convierte al desierto en el protagonista principal, y el hombre se muestra como una víctima insignificante [48] .

En 1872, Jérôme logró realizar el tema que lo había fascinado en 1843 en el Museo de Nápoles: una batalla de gladiadores. El resultado fue la imagen " Pollice Verso " (del  latín  -  " Thumbs down ", es decir, "¿Terminar con el gladiador?"); se hizo bastante famosa entre las pinturas históricas del siglo XIX. Allá por 1859, Jerome pintó " Ave César ", un cuadro que a él mismo no le gustó. Habiendo conservado la composición de la obra anterior, en 1872 corrigió las deficiencias técnicas y pudo crear un lienzo que tenía un contenido verdaderamente dramático. Además, trabajó con copias de armaduras genuinas de gladiadores que podía usar en sus modelos. Jerome consideró sinceramente que este cuadro en particular era el mejor de su obra [49] .

La fuente de inspiración del artista esta vez fue la famosa novela de Bulwer-Lytton "Los últimos días de Pompeya", traducida al francés allá por 1838. El segundo capítulo de la quinta parte contiene una descripción de un duelo de gladiadores, en el que Jerónimo impuso auténticos apoyos históricos, rechazando además cualquier idealización [50] . La pintura representa a un gladiador victorioso que aplastó a su oponente derrotado con el pie, quien levantó la mano con horror, esperando la misericordia de la audiencia. Sin embargo, el público claramente desea la muerte, votándola con el pulgar hacia abajo. V. V. Stasov, que vio la pintura en la Exposición Universal de Viena en 1873, estaba encantado:

“ Los gladiadores de Jerónimo son una de las páginas más significativas de la historia antigua jamás transmitida por el arte... Esta imagen es asombrosa, apasionante, emocionante; cosas así no encontrarás en los museos de arte antiguo de los últimos tres siglos, eso es lo que estamos acostumbrados a considerar desde la cuna como grandes y “clásicos”” [51] .

El crítico socialista contemporáneo Guy Debord escribió en 1996 que en esta pintura, Jérôme expuso las raíces de la más antigua de las barreras sociales, la "barrera de la violencia" [50] .

En el Salón de 1874, Jérôme exhibió tres lienzos históricos, entre ellos Colaboración: Corneille y Molière y El cardenal gris. IE Repin los calificó como "inteligentes, pero secos". El jurado del Salón otorgó por unanimidad a Jerome una medalla de oro. Esto causó indignación entre los críticos parisinos, quienes dijeron que los pintores de género no deberían haber recibido medallas. El artista estaba entonces en Holanda y telegrafió que rechazaba el premio. Sin embargo, el jurado también acudió al principio, se negó a aceptarlo, y Jerónimo tuvo que trasladar la medalla a la Escuela de Bellas Artes [52] .

La composición de la "Eminencia Grey" se utilizó en la pintura de 1878 " La recepción de Condé en Versalles ". Su trama se basaba en una anécdota histórica: en 1674, tras una batalla con el ejército hispano-flamenco, Luis XIV recibe al Príncipe de Conde en la Gran Escalinata, lo que es contrario a la etiqueta y no se había hecho antes. El príncipe, a causa del reumatismo, se levantó lentamente y pidió disculpas al monarca por la demora. A esto el rey respondió: “Mi prima, no te apresures. Cualquiera que tuviera tantos laureles como tú no habría podido ir rápido” [53] .

Relaciones con los estudiantes. Transición a la pintura de género

El artista siguió viajando mucho: pasó 1874 en los Países Bajos, estudiando la obra de Frans Hals , en 1879 visitó Turquía, en 1880 - en Egipto, en 1881 - en Grecia, en 1888 - en Inglaterra, y en 1889 - en Italia Llevaba a sus alumnos de viaje, con la mayoría de los cuales desarrolló cálidas relaciones. El artista mantuvo relaciones amistosas con Charles Bargh (quien fue su alumno), participó en la compilación de su "Curso de dibujo" (1667-1670). Jérôme podía visitar a los estudiantes cuando estaban enfermos, encontrar compradores para ellos, a veces podía comprar sus pinturas a través de los propios nominados e hizo todo lo posible para emplearlos como ilustradores, profesores de arte, etc. Había rumores de que usaba a los estudiantes para escribir sus lienzos. usando el método de brigada, por ejemplo, al escribir un fondo, pero no hay evidencia inequívoca de esto. Jérôme participó activamente en obras de caridad, estuvo en varios comités para ayudar a los artistas enfermos y sus viudas, y siempre asistía a los funerales de sus colegas. En el entierro de Camille Corot en 1875, ocurrió un incidente: el sacerdote comenzó a leer un sermón sobre la "vida inmoral de los artistas", después de lo cual Jerónimo sacó de la iglesia a todos los colegas allí presentes [54] .

Después de la caída del imperio y el establecimiento de la Tercera República, la pintura de historia se volvió menos apreciada y, después de 1875, Jerome cambió principalmente a composiciones de género pequeño. La mayoría de las veces tienen una trama concisa, no requieren explicación, pero al mismo tiempo conservan la majestuosidad de la imagen, especialmente si están asociados con la vida religiosa de Oriente. Al mismo tiempo, comenzó a pintar toda una serie de cuadros condicionales de "harén" con desnudos (" Venta de esclavos ", "Odalisca", "Baño moruno" y muchos otros). Las escenas de harén y baño de Jerome son más bien arbitrarias, aquí se manifiestan plenamente los principios estéticos de Ingres, quien siempre reemplazó la “sensualidad erótica” por la “poesía topográfica” [55] . Sin embargo, en comparación con Ingres, los desnudos de Jerome están lejos de los cánones de la belleza clásica, ya que desde la década de 1870, junto a parisinos ataviados con trajes orientales, comenzó a pintar genuinas mujeres de Oriente. Jerome se sintió especialmente atraído por los almei (almechi), bailarines egipcios. En una de las pinturas, representó a Almaea con un cigarrillo, lo que enfatizó la europeización de Egipto, que comenzó en ese momento. Sin embargo, en no menor medida, se caracteriza por el motivo de las puertas cerradas, percibido por su alumno, VV Vereshchagin [56] . Entre sus alumnos se encontraba el famoso grabador Charles Albert Waltner .

Jérôme y la animalidad

En la década de 1880, Jerome se caracterizó por un interés en la animalidad y comenzó a pintar depredadores: leopardos, leones y tigres. Una de las pinturas más notables de este género es Las dos majestades, que representa a un león contemplando el sol. Los investigadores franceses (en particular, Helen Lafont-Couturier) argumentaron que aquí se insinúa el “ sol de Austerlitz ” : el artista quería expresar tristeza y nostalgia por la grandeza del Segundo Imperio. En general, esta imagen transmite una atmósfera de melancolía y soledad, algo compensada por los tonos rosados ​​del Sol naciente [57] .

Ejemplos vívidos de obras de este tipo son las pinturas "Watching Tiger" y "Pasha's Woe". Conociendo bien el mundo de Oriente, Jerome tuvo la idea de que los tigres inspiraban horror místico en los lugareños. Al mismo tiempo, este animal simbolizaba fuerza, nobleza y masculinidad, era visto como protector y patrón. Por lo tanto, a los gobernantes de Oriente se les dieron tigres y al mismo tiempo creían que la muerte de un depredador presagia el final de su dueño. En la pintura “Pasha's Woe”, un tigre muerto, como un hombre, descansa sobre una alfombra cubierta de pétalos de rosa; un bajá se sienta a su lado, y su dolor es genuino [58] . Para esta pintura se utilizó el interior del Patio de los Leones de la Alhambra , visto durante un viaje a España. "Observar al tigre" refleja el otro lado de las creencias orientales: supuestamente, los tigres o los leones pueden proteger las ciudades o influir en el curso de la batalla que se muestra en esta imagen [59] .

• El animalismo en la obra de J. Gerome

• Pasha's Woe 1890, Museo de Arte Joslin, Omaha

• Viendo tigre. 1888, Museo de Bellas Artes (Houston)

• Dos Majestades. 1883, Museo de Arte, Milwaukee

Trabajo posterior

En la Exposición Universal de 1878, Jérôme debutó como escultor presentando los "Gladiadores", esculpidos a partir del grupo central del cuadro "Pollice verso". Un amigo y compañero, E. Fremier , le dio lecciones de escultura, y en el futuro, Jerome invariablemente se llamó a sí mismo estudiante de Fremier en los catálogos. Al principio, repitió en bronce las imágenes de sus primeras pinturas, por ejemplo, "Anacreonte", pero hizo cambios en esta composición: un Anacreonte borracho sostiene en sus brazos a los bebés Baco y Cupido. En la década de 1890, comenzó a desarrollar tramas independientes, como " Pigmalión y Galatea ", "Ay", "Tanagra". En 1895, Jerome esculpió un retrato escultórico de Sarah Bernard [60] . El interés por la escultura se manifestó en Jerónimo al comienzo de su carrera, por lo que, en 1849, pintó la pintura "Miguel Ángel", que representa al famoso escultor en el trabajo. En el futuro, consideró la escultura como una etapa preparatoria necesaria para trabajar en pinturas y combinó las figuras de los personajes principales moldeadas en yeso. Esto también se aplica a las obras de animales: el propio Jerome dijo repetidamente que era la escultura lo que hacía posible representar leones y tigres anatómicamente correctamente. Con el tiempo, la escultura y la pintura se fusionaron en un todo indisoluble, que se manifestó en la pintura de 1890 " Pigmalión y Galatea ", en la que representó su propio taller [61] [29] .

En las imágenes de Jerónimo en la década de 1880 aparece un principio pasivo-heroico. En 1883, el artista completó una pintura a gran escala " La última oración de los mártires cristianos ", que le encargó hace 20 años el coleccionista estadounidense Walters. En cuanto a la trama y la forma de ejecución, recuerda a "Ave Caesar" y "Pollice verso", pero esta vez los primeros cristianos son representados como víctimas. De acuerdo con la estética del academicismo, la crueldad propia del escenario es compensada por el coraje y la fe inquebrantable de los mártires. La composición está construida de tal manera que el espectador puede no notar inmediatamente las cruces con esclavos crucificados. Por eso, a pesar de que no haya dudas de que el depredador ganará en un duelo desigual con un puñado de personas, la imagen deja una sensación de gran victoria del espíritu; a este respecto, A. Shestimirov lo distingue de la tradición de las imágenes del martirio en la pintura europea [62] .

La década de 1880 fue difícil para Jerome en un sentido puramente personal: en 1884 murió su padre, su madre se mudó a París. Poco después, en el mismo año, fallecieron el cuñado, Albert Goupil, y su padre, Adolf. Jean-Leon vivió muy duramente la pérdida de familiares, porque era amigo de Albert, realizaba su trabajo a través de él y lo llevaba con él en los viajes. En 1886 moría el académico Paul Baudry , con quien Jérôme había sido amigo durante muchos años. Un fuerte golpe para él fue la muerte de G. Boulanger, que siguió en 1888. Finalmente, en 1889-1890, estalló una epidemia de gripe en París, de la que también fue víctima el artista. Su estado de salud fue cubierto incluso por periódicos de los Estados Unidos, donde era extremadamente popular [29] . Sin embargo, el artista logró recuperarse y dijo que le gustaría morir en el trabajo [63] .

El taller se convirtió en el principal refugio de Jerónimo, lo ayudó a salir de la depresión y consolarse a sí mismo. El grueso de sus pinturas de esta época son composiciones de género variadas, pintadas según bocetos de años anteriores, paisajes egipcios, un autorretrato que es raro en él. Casi todos ellos abundan en detalles precisos, pero no difieren en ninguna idea profunda. La temática egipcia fue continuada por El vendedor de alfombras y Marabú, la primera de las cuales encarna la típica idea de Oriente como un bazar donde se puede encontrar de todo. Alguna excepción a la regla es el cuadro "Salida del toro", en el que se interpreta la corrida española como un tema de gladiadores [64] .

La combinación de escultura y pintura se manifestó en varias obras de Jérôme en la década de 1890. En ese momento, se interesó por las estatuillas antiguas-tanagrianos . En la estatua de "Tanager" representó a una mujer desnuda que sostiene en su mano izquierda una figura de Tanager con un aro. La estatua fue esculpida a la manera de los antiguos maestros que pintaban figuras a imitación de un cuerpo vivo. El resultado fue que el público y la crítica del Salón, acostumbrados a las estatuas de mármol blanco, quedaron impactados. También se pintó el retrato escultórico de Sarah Bernard [65] . La figura de Tanagra se coloca sobre un taburete en la composición "Modelo del escultor". En esta imagen, Jerome se representó a sí mismo, su taller, el modelo y la estatua de Tanager, en la que estaba terminando el trabajo. Una reproducción de Pigmalión y Galatea cuelga de la pared, enfatizando el hedonismo de la escena presentada. En la pintura "Los colores dan vida a la escultura", se utiliza nuevamente la unidad de pintura y escultura; al fondo, en el centro, vuelve a aparecer "Tanagra". La imagen también tenía un significado puramente práctico: Jerónimo, después de haber mostrado a una joven griega pintando una figurilla, quería "envejecer" la figura que inventó con un aro. Muchos artistas del siglo XIX colocaron en sus lienzos auténticas obras antiguas encontradas en excavaciones o expuestas en museos. La realización en pintura, por así decirlo, certifica su antigüedad y autenticidad [66] . La estatua de Tanagra fue comprada por el estado por 10.000 francos [67] .

• Tema de Tanagra en la obra de J. Gerome

• Tanagra 1890, Musée d'Orsay . (Fotografía en blanco y negro)

• Modelo de escultor (obra de mármol) 1890, Museo de Arte de Dahesh, Nueva York

• Los colores dan vida a la escultura 1893, Museo Haggin , Stockton

• Pigmalión y Galatea 1890, Museo Metropolitano de Arte

En 1895, Jerome fue invitado a participar en una edición ilustrada de la Biblia, en la que participaron 22 académicos de la época, entre ellos Alma-Tadema , Burne-Jones , Tissot , Puvis de Chavannes , I. Repin y muchos otros. Jérôme realizó 8 ilustraciones de estilo y trama bastante tradicionales, de las cuales se desconoce el paradero de cinco. El pináculo de la carrera académica del artista fue su ascenso al rango de Gran Oficial de la Orden de la Legión de Honor [68] .

Jerónimo y el impresionismo. Muerte

El comienzo de la década de 1900 estuvo marcado para Jerome por una ruptura decisiva con la corriente principal del arte. Su actitud negativa hacia el impresionismo se expresó por primera vez en 1884, cuando el profesor se pronunció duramente contra la exposición póstuma de Manet en la Escuela de Bellas Artes, lo que provocó la incomprensión del público. Jerónimo entonces declaró:

“[Manet] es elegido para ser el apóstol de la moda decadente, el arte del fragmento. Yo, por mi parte, he sido elegido por el estado para enseñar las bases del arte a los jóvenes artistas... Por lo tanto, creo que es un error ofrecerles un modelo extremadamente arbitrario y sensacional de un hombre que, aunque poseía raras cualidades. , nunca los desarrolló” [69] .

Sin embargo, Jerónimo no contó con los recursos administrativos suficientes para impedir la exposición. Cuando la visitó, le comentó con moderación que las cosas no estaban tan mal como pensaba [70] . Un nuevo escándalo estalló diez años después, tras la muerte de G. Caillebotte , quien legó 65 pinturas de su colección impresionista al Museo de Luxemburgo . Jérôme hizo un gran alboroto en los periódicos, afirmando, en parte:

“El Museo de Luxemburgo es una escuela. ¿Qué lecciones van a aprender nuestros jóvenes artistas allí? Todos comenzarán con el impresionismo, porque el estado quiere impresionismo. ¡Oh! Estas personas creen que retratan la naturaleza, tan maravillosa en todos los sentidos. ¡Qué reclamo! ¡Pero la naturaleza no es para ellos! Este Monet , ¿recuerdas sus catedrales ? ¿Y este hombre sabe pintar? Sí, vi sus cosas buenas, pero ahora no .

Y en este caso, nadie escuchó la opinión de Jerome, por lo que se encontró aislado, convirtiéndose en "un enemigo de las tendencias progresistas en el arte". En este sentido, en la propia Francia, su legado comenzó a ser silenciado de manera constante. Continuó pintando sobre sus temas tradicionales: la caza de leones y tigres, los musulmanes rezando [68] . Su fuerza se fue secando poco a poco, el 31 de diciembre de 1903, le escribió a un ex alumno, Oble, que sentía la proximidad de la muerte. En la mañana del 10 de enero de 1904, Jean-Leon Gerome fue encontrado muerto en su propio estudio, tendido junto a un retrato de Rembrandt . Como oficial de la Legión de Honor, tenía derecho a un funeral de estado, pero estipuló específicamente en su testamento que esto no debería hacerse. Fue enterrado en el cementerio de Montmartre , a la ceremonia asistieron el titular del Senado de la República, el director de la Escuela de Bellas Artes y el alcalde de su Vesoul natal. La lápida de Jerome está decorada con una estatua de "Grief", creada en memoria del difunto hijo Jean [70] .

Herencia. Memoria

A lo largo de la mayor parte de su vida, Jérôme disfrutó de la aclamación de la crítica y del éxito entre los compradores, especialmente en los Estados Unidos, donde se hizo popular a partir de la década de 1870. También tuvo estudiantes estadounidenses, como Thomas Eakins [72] . Satisfizo igualmente las necesidades del público burgués y aristocrático [73] . Como afirma categóricamente N. Wolf, “para los contemporáneos, París era el centro mundial del arte no por Courbet , Manet o Monet , sino gracias a Cabanel , Meissonier y Jerome” [74] . Sin embargo, el ala izquierda de los críticos lanzó un ataque contra Jerome ya en el tercer cuarto del siglo XIX, y Emile Zola se convirtió en su iniciador . Acusó al artista de impasibilidad, falta de manifestación del "yo" del autor y argumentó que sus pinturas son como un espejo en el que puedes ver y sentir solo tus propios sentimientos. Zola declaró que con Jerome "la trama lo es todo, y la pintura no es nada"; por eso deja una impresión más fuerte en las reproducciones que en el original. Los críticos posteriores, incluidos los del siglo XX, tienden a estar de acuerdo con estos juicios [33] .

Los críticos rusos del siglo XIX encontraron otros motivos en el legado de Jerome, en particular, I. E. Repin y V. V. Stasov lo analizaron a través del trabajo de su alumno, V. V. Vereshchagin. Stasov notó en Jerome "la indignación escondida en las profundidades de las pinturas contra mil de los eventos más escandalosos del pasado o del presente". Repin escribió en una de sus cartas privadas:

“Resucitar fielmente todo el cuadro de la vida con su sentido, con tipos vivos; traer a la armonía completa las relaciones de las caras y el movimiento del momento vital general en el cuadro completo es también una tarea enorme. ¡Adivina y reproduce el ideal con el que sueña la mayoría razonable de las personas, viviendo sus necesidades éticas y estéticas de primer orden! [75] .

En la era del dominio de la vanguardia , el nombre Jerome se convirtió en un nombre familiar para designar el arte de salón como artesanía del más bajo nivel. La misma línea se puede ver en las obras soviéticas de la historia del arte. Así, en el libro de N. N. Kalitina, la obra de Jerónimo se considera únicamente sobre la materia de sus pinturas debut expuestas en el Salón de 1847, sin mencionar su evolución posterior. Un lugar común en la crítica a Jerome es la condena de sus obras orientales, para las que posan modelos parisinas y modelos vestidas con trajes orientales [77] .

Dado que Jerome fue popular en los Estados Unidos durante su vida, y muchas de sus pinturas se encuentran en museos y colecciones privadas de este país, las posibilidades decorativas de su pintura nunca han sido olvidadas en Hollywood . En la era de las películas mudas, Gloria Swanson usó algunos de los hallazgos de estilo de Jerome para crear sus imágenes visuales. Al poner en escena el peplum " Ben-Hur " en 1959, el director utilizó las composiciones y las imágenes de Jérôme para crear una escena de carreras de carros [78] . Esta tradición continuó más tarde: al crear la película " Gladiator " Ridley Scott se inspiró en la pintura "Pollice verso" [50] .

No es de extrañar que la revisión de las actitudes hacia Jerome se iniciara precisamente en Estados Unidos, en consonancia con el cambio general de actitudes hacia el arte de salón-académico de los años setenta. El estudio de su patrimonio estuvo a cargo principalmente de Gerald Ackerman, quien publicó el primer catálogo en 1981 y en 1986 una detallada biografía del artista, en la que intentaba demostrar su patrimonio en el contexto de todo el arte del siglo XIX (en 1997 y 2009, se publicó una tercera edición - sin directorio). En 1981, por primera vez después de su muerte, se realizó la exposición de Jérôme (en casa de Vesoul), también organizada por Eckerman [79] . Sin embargo, por primera vez se organizó una exposición enciclopédica detallada de Jerome del 19 de octubre de 2010 al 23 de enero de 2011 por el Musee d'Orsay, una asociación de museos nacionales de Francia y el Museo Getty (Los Ángeles). De París se trasladó a Madrid, al Museo Thyssen-Bornemisza. La exposición de Jerome también se llevó a cabo en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo del 2 de noviembre de 2011 al 5 de febrero de 2012 (hay 4 pinturas y 2 esculturas del maestro en el museo) [80] [81] .

Durante las exposiciones de 2010-2011, surgieron nuevamente discusiones sobre el contenido y la forma del arte de Jérôme. En particular, se expresaron opiniones de que el trabajo de Jerome es "una radicalización kitsch del arte de salón" [82] .

Premios

• Orden de la Legión de Honor : Caballero (1855), Oficial (1867), Comendador (1878), Gran Oficial (1900) [83] .
• Orden del Águila Roja de tercer grado del Rey de Prusia (1868) [84] .

Comentarios

1. ↑ La pintura fue adquirida por el heredero al trono ruso , Alexander Alexandrovich . En 2001, el lienzo fue robado del Hermitage y devuelto a desconocidos en 2006, cuando cortado en cuatro pedazos y embalado en una bolsa de papel, resultó ser transferido a la facción Duma del Partido Comunista [76] .

Notas

1. ↑ Acerca de K.-B. Cariagé ver: Blumer M.-L. Carro / M.-L. Blumer // Dictionnaire de biographie française: [ fr. ]  / bajo la dirección. de M. Prevost,... et Roman d'Amat,... ; avec le concours de nombreux collab.. - París : Letouzey et Ané, 1956. - V. 7 : Bournonville - Cayrol. — col. 1143.-1528 col. — OCLC  873751712 .
2. ↑ Shestimirov, 2012 , pág. 5.
3. ↑ Ackerman, 2009 , pág. diez.
4. ↑ Shestimirov, 2012 , pág. 5-6.
5. ↑ Ackerman, 2009 , pág. veinte.
6. ↑ 1 2 Ackerman, 2009 , pág. 21
7. ↑ Shestimirov, 2012 , pág. 6-7.
8. ↑ Lobo, 2012 , pág. 172.
9. ↑ 1 2 Shestimirov, 2012 , pág. 7.
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Enlaces

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• Pinturas de Jean-Leon Gérôme Archivado el 12 de octubre de 2014 en Wayback Machine .

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