La historia del diseño es la ciencia de la formación y desarrollo de las actividades técnicas y estéticas propias de la sociedad industrial y posindustrial [1] .
La variedad de definiciones del tema y método de diseño del diseño, sus variedades, tendencias y escuelas regionales da lugar naturalmente a una variedad de conceptos de su origen y desarrollo histórico [2] . Entre ellos, los principales son los siguientes:
Según V. F. Runge, el surgimiento del diseño como un tipo especial de actividad de diseño se debe a los siguientes factores:
Según el concepto del crítico de arte, historiador de las artes decorativas, aplicadas y bellas de la Nueva Era N. V. Voronov , el concepto de diseño se puede atribuir a la antigüedad, cuando el hombre primitivo se encontró por primera vez con la necesidad del uso adecuado de herramientas, materiales y técnicas para su procesamiento. Por lo tanto, nació en ese momento la tríada del diseño clásico "función-forma-calidad". Para fundamentar su teoría, N. V. Voronov presentó un concepto generalizador de "el arte del mundo objetivo" [4] [5] .
Sin embargo, en la era de la Edad Media y el Renacimiento italiano , la palabra "dizegno" se entendía, según la tradición clásica, como dibujo en el sentido general de "componer, inventar" ( diseño italiano - dibujo), y no solo diseño. La palabra "disegno" aparece muchas veces en el texto original de "Vidas de pintores, escultores y arquitectos eminentes" de Giorgio Vasari (1550). Para Vasari y otros artistas del Renacimiento italiano, este es un concepto clave, cercano a la palabra " concetto " ( ital. concetto , del lat. conceptio - interpretación, composición, idea), así como a la definición clásica de composición , dada por L. B. Alberti en el tratado "Tres libros sobre pintura" (1435-1436): "La composición es una composición, invención, invención" como "un acto de libre voluntad artística" [6] .
En el tratado “La idea de los pintores, escultores y arquitectos” (1607), el artista manierista italiano F. Zuccaro justificó el concepto de “dibujo interno” (disegno interni), que surge misteriosamente en la imaginación del artista, del estado del alma. Para fundamentar su tesis, Zuccaro llegó incluso a una etimología fantástica: ( italiano Disegno - segno di Dio in noi - Dibujar es un signo de Dios en nosotros) [7] . El Oxford English Dictionary de 1588 registró una definición similar: "El plan o esquema de un hombre para realizar algo, el primer boceto de una futura obra de arte". Por lo tanto, la mayoría de los investigadores, al no compartir el concepto amplio del origen del diseño, utilizan una definición delicada en relación con la antigüedad preclásica y clásica: el protodiseño” [8] . Según esta teoría, los cambios significativos en la producción comenzaron solo en el siglo XVII, en relación con la revolución industrial en Holanda e Inglaterra, y se hicieron evidentes en las fábricas europeas a mediados del siglo XVIII. Sin embargo, al principio, la metodología del proceso tecnológico siguió siendo la misma, en sentido figurado, las máquinas "reproducían los movimientos de las manos del artesano" y solo más tarde la estructura del proceso tecnológico en sí se convirtió en objeto de un diseño especial [9]. .
La palabra inglesa "diseño" en el sentido de "diseño de ingeniería" entró en uso en el siglo XIX en relación con el crecimiento intensivo de la industria y la industria de materiales de construcción en la arquitectura. En 1805, un artículo del escritor francés T.-B. Emeric-David, Sobre la influencia de la pintura en la industria del arte. En 1825 se estableció en Nueva York la Academia Nacional de Diseño , pero en un principio se llamó New York Drawing Association, al año siguiente pasó a llamarse The National Academy of the Arts of Drawing Design), posteriormente a National Academy of Bellas Artes, y de nuevo a la Academia de Diseño. Estos hechos hablan del polisemantismo y de la incertidumbre del propio término en aquella época.
En 1849 en Londres , el artista y teórico, el iniciador de la primera Exposición Mundial de 1851 y el primer director del Museo de South Kensington, Sir Henry Cole comenzó a publicar el Journal of Design and Manufactures. Uno de los primeros números de la revista decía: “El diseño tiene una naturaleza dual. En primer lugar, el cumplimiento estricto del propósito de la cosa creada. En el segundo: decoración u ornamentación de esta estructura útil. La palabra "diseño" para muchos se asocia más a menudo con el segundo, con un ornamento independiente, opuesto a una función útil, que con la unidad de ambos lados. Durante mucho tiempo dominó un punto de vista de compromiso sobre el diseño como diseño y como decoración . [10] .
En la década de 1850, la activa actividad periodística y científica del arquitecto Gottfried Semper comenzó a crear una teoría estética que combina las leyes de la conformación en la arquitectura y las bellas artes tradicionales. En 1862, el científico e ingeniero alemán F. Rehlo publicó el libro On Style in Mechanical Engineering. A fines del siglo XIX, se publicó en ruso su propio libro de referencia "Diseñador" (1878), en el que el autor escribió sobre la necesidad de encontrar un estilo al crear máquinas. En particular, consideró útil diseñar los soportes metálicos de las máquinas bajo las columnas de varios órdenes arquitectónicos.
En 1863, se creó en Francia la Unión de Artes Aplicadas e Industria. En 1864-1866, se publicó en París la Historia de las artes y la producción en la Edad Media y el Renacimiento (Histoire des arts, industriels au moyen âge et à l'époque de la Renaissance; otra traducción: Historia de las artes industriales) en cinco volúmenes. .Labart . En 1895, A. Van de Velde , uno de los creadores del estilo Art Nouveau , escribió que en un futuro próximo, la industria podría ser capaz de combinar el arte y la tecnología, que ahora luchan por separarse, y pronto, probablemente, “ellos hablará no sólo de arquitectura y pintura, sino también del arte de la industria y el diseño. El botánico inglés y más tarde artista, Christopher Dresser , después de participar en la Exposición Mundial de Londres en 1862, publicó varios libros sobre la teoría del diseño y la ornamentación , entre ellos El arte del diseño decorativo (1862), El desarrollo del arte decorativo en la Exposición internacional. ” (El Desarrollo del Arte Ornamental en la Exposición Internacional, 1862) y el artículo “Principios de Diseño” (Principios de Diseño, 1873).
En la década de 1860 nació en Inglaterra el movimiento Arts and Crafts . Fue creado por el artista, teórico y político William Morris para contrarrestar la industrialización del siglo XIX. Los estetas sofisticados y las figuras del Movimiento Estético , que se originó en la época victoriana en Inglaterra , estaban convencidos de que la producción en masa conduce inevitablemente al deterioro de la apariencia y la calidad de los bienes. El núcleo del movimiento estaba formado por artistas, arquitectos, escritores, artesanos que compartían las ideas de John Ruskin , el ideólogo del Prerrafaelismo , sobre la superioridad estética y artística de los productos artesanales sobre los productos industriales de la era industrial.
John Ruskin en Lectures on Art (1870) usó la palabra "diseño" en el sentido más amplio. Después de haber fundado el "Gremio de San Jorge" en 1869, Ruskin designó el trabajo de los maestros medievales con la palabra "diseño", lo que implica la comprensión de la "belleza natural" con la ayuda del trabajo manual y artesanal. Los maestros asociados con la producción de máquinas, Raskin y Semper, calificaron la palabra despectiva "tramposo" ( ing. tramposo - un engañador, un estafador), porque tales maestros enmascararon la verdadera esencia de las cosas con estilización y decoración superficial. Y así fue realmente al comienzo del desarrollo del "dibujo para la industria".
El libro y la conferencia de William Morris en 1881 se llamaron "Algunos consejos sobre el diseño de patrones" (Algunos consejos sobre el diseño de patrones, 1899) [11] [12] . Muchos investigadores de su trabajo llaman a Morris diseñador, aunque, de hecho, no lo era. Los escritores estadounidenses Rudolf Rosenthal y Helen Ratzka, autores de The Story of Modern Applied Art (1948), dedicado al arte de finales del siglo XIX y XX, utilizaron la palabra “diseño” para referirse a “componer, dibujar, diseñar” tanto en relación con la artesanía tradicional y el diseño innovador de artículos hechos a máquina [13] .
En 1896, Hermann Muthesius , un arquitecto racionalista alemán que se mudó a Inglaterra, se unió a la empresa Arts and Crafts, más tarde uno de los principales teóricos y practicantes del funcionalismo europeo .
En 1863, se creó en Francia la Unión de Artes Aplicadas e Industria. En 1864-1866, se publicó en París la Historia de las artes y la producción en la Edad Media y el Renacimiento (Histoire des arts, industriels au moyen âge et à l'époque de la Renaissance; otra traducción: Historia de las artes industriales) en cinco volúmenes. .Labart . En 1895, A. Van de Velde , uno de los creadores del estilo Art Nouveau , escribió que en un futuro próximo, la industria podría ser capaz de combinar el arte y la tecnología, que ahora luchan por separarse, y pronto, probablemente, “ellos hablará no sólo de arquitectura y pintura, sino también del arte de la industria y el diseño. El botánico inglés y más tarde artista, Christopher Dresser , después de participar en la Exposición Mundial de Londres en 1862, publicó varios libros sobre la teoría del diseño y la ornamentación , entre ellos El arte del diseño decorativo (1862), El desarrollo del arte decorativo en la Exposición internacional. ” (El Desarrollo del Arte Ornamental en la Exposición Internacional, 1862) y el artículo “Principios de Diseño” (Principios de Diseño, 1873).
Los elementos de diseño separados se originaron en el arte del período Art Nouveau , principalmente en el trabajo de artistas ingleses de artes decorativas: Walter Crane , autor de Las tareas del arte decorativo (1892), Principios del dibujo (1898), Línea y forma (1900). ), líder de la asociación Guild of the Century , Arthur McMurdo , Selwyn Image y muchos otros, miembros del movimiento Arts and Crafts y de la Association of Arts and Industry fundada en 1884 en Inglaterra.
En Francia, Henri van de Velde y Hector Guimard , trabajando dentro de los límites de la estética Art Nouveau, también sentaron las bases para el futuro del diseño europeo. Las actividades de Charles Mackintosh y el personal de su taller y escuela en Glasgow fueron de gran importancia .
Desde 1915, la "Asociación de Diseño e Industria" ha estado operando en Inglaterra. En 1934, el Metropolitan Museum of Art (Nueva York) acogió la exposición “Modern Industrial Art” (Arte Industrial Contemporáneo). En el mismo año, el Museo de Arte Moderno de Nueva York acogió la exposición Machine Art. En 1934, G. Reed publicó el libro "Arte e industria", L. Mumford - el trabajo "Tecnología y civilización", J. Gloag - "Explicación del arte industrial" (El arte industrial explicado). En 1936, la obra capital de N. Pevzner “Pioneros del diseño moderno. De William Morris a Walter Gropius. A esto le siguieron otros trabajos de L. Mumford, N. Pevsner, artículos y libros de J. Gloag, V. Gropius, Le Corbusier y muchos otros.
En 1938, el famoso diseñador industrial Henry Dreyfuss fundó el American Institute of Design, y en 1944, junto con W. D. Teague y R. Lowy, la Industrial Designers Society of America. En 1944 se creó el "Consejo Británico de Estética Técnica". Se puede decir que todo el siglo XX estuvo marcado por el diseño. Sin embargo, en los países de habla inglesa, la palabra "diseño" se siguió utilizando durante mucho tiempo en relación con las artes y oficios tradicionales y las artes y oficios .
El diseño de ingeniería se desarrolló en el siglo XIX en el campo de la creación de nuevas máquinas, mecanismos, estructuras de construcción y dio lugar a nuevos tipos de objetos que destruyeron las ideas habituales sobre formas artesanales o arquitectónicas. Golpearon la imaginación de las personas con el arte de la ingeniería como tal, por ejemplo, las obras del ingeniero francés Gustave Eiffel : "Galería de máquinas" (1867), "Palacio de las máquinas" (1880), Torre Eiffel (1889).
El arquitecto alemán Karl Friedrich Schinkel dio un paso importante hacia la transición de la estilización de formas individuales a la composición de conceptos espaciales visuales. Por ello, se le considera el primer diseñador en arquitectura. A mediados del siglo XIX, comenzaron a aparecer en Francia e Inglaterra dependencias y edificios de fábricas de construcción de marcos. Hubo una demarcación gradual de la profesión de un artista-arquitecto y un ingeniero de diseño. Además, el ingeniero comenzó a ocupar el lugar principal, ya que los arquitectos académicos durante el período de estilización y eclecticismo de la segunda mitad del siglo XIX eran considerados retrógrados, lo que generó todo tipo de conflictos entre clientes e intérpretes. Así, por ejemplo, en Rusia, los constructores, graduados del Instituto de Ingenieros Civiles , eran más confiables que los arquitectos académicos [14] .
Un ejemplo característico de un enfoque de diseño según la fórmula "función-forma-calidad" son las sillas y sillones vieneses de madera curvada de los hermanos Thonet . En 1841, el fabricante de muebles alemán Michael Thonet patentó un mueble de madera contrachapada doblada. En 1849, Thonet fundó su propio taller de muebles en Viena, y al año siguiente hizo un lote experimental de sillas con troncos de haya doblados bajo vapor caliente. Las sillas estaban destinadas al popular café "Daum" de Viena, de ahí el nombre posterior: sillas vienesas.
En general, se acepta que por primera vez el término "diseño" en un nuevo significado fue aplicado en 1919 a los productos industriales por el diseñador estadounidense Joseph Claude Chenel . Agregó una definición aclaratoria de "industrial" (industrial), aunque él mismo en entrevistas posteriores negó la autoría de la frase "diseño industrial" [15] . El término se estableció en los Estados Unidos y luego se generalizó en todo el mundo. En 1959, en el primer congreso del CIADI (ICSID; International Council for Industrial Design) en Estocolmo, el término “diseño industrial” fue reconocido como el mejor para designar un nuevo campo de actividad profesional, su método y resultado (diseño de producto) [ 16] .
Los fundadores del diseño industrial europeo fueron arquitectos funcionalistas. Así, el arquitecto alemán Peter Behrens es considerado el “padre del diseño industrial” y el primer diseñador de plantilla (corporate designer) . En 1907, Behrens aceptó una oferta para convertirse en asesor de la empresa de ingeniería eléctrica AEG y, por primera vez en la historia, llevó a cabo su " cambio de marca " completo (desarrolló una estrategia de mercado), diseñando con el mismo estilo no solo fábricas y edificios de oficinas, pero también gráfica corporativa (marca, tipografías, folletos publicitarios), mobiliario de oficina , vallas publicitarias, modelos básicos de productos técnicos y packaging. Behrens se convirtió en uno de los fundadores del Werkbund alemán , una asociación de artistas y arquitectos cuyo objetivo era reorganizar la construcción y la artesanía sobre una base industrial moderna.
El fundador de la escuela alemana de diseño Bauhaus , el arquitecto y teórico funcionalista alemán Walter Gropius no utilizó la definición de "diseño industrial", porque consideró necesario luchar por una "unidad ideal de todas las artes basada en la arquitectura", que se refleja mejor en otros términos más generales: "construcción" (Bau) y "moldeado" (Gestaltung) [17] [18] .
El desarrollo del diseño industrial fue facilitado por las actividades de los arquitectos de la Escuela de Viena, estudiantes y seguidores de Otto Wagner , así como empleados de la Werkbund alemana y los Talleres de Viena . De gran importancia fueron las actividades del grupo holandés De Stijl , la revista del mismo nombre, y The Elementarist Manifesto (1926), en el que Theo van Doesburg abogó por el arte abstracto de un "lenguaje universal".
Una de las etapas en la formación del diseño industrial en las décadas de 1920 y 1930 fue el diseño por parte de artistas de los estilos Art Nouveau y Art Deco de los interiores de los transatlánticos Ile de France, Atlantic, Normandy, Queen Mary, así como el interiores del famoso Oriental Express (1929). En los EE. UU., las locomotoras de ferrocarril, su apariencia, el diseño interior de los vagones, fueron diseñados por los ingenieros de General Motors, en particular, Richard Dilworth, y el famoso diseñador estadounidense Raymond Loewy , quien en los años 30 y 40 creó el diseño sobresaliente del American Baldwin Locomotive Works locomotoras diesel con formas aerodinámicas: con un "bozal de tiburón" ( ing. Sharknose ). El competidor más cercano de Lowy fue el diseñador estadounidense Henry Dreyfuss .
En 1957, se estableció en Londres el Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial (ICSID) . El término "diseño industrial" (diseño industrial) fue aprobado en 1959 en el primer congreso del CIADI en Estocolmo. Fue reconocido como el mejor por designar una nueva área de actividad profesional, su método y resultado (diseño de producto) [19] [20] . Los centros de información y las organizaciones educativas desempeñaron un papel importante, como la Hochschule für Gestaltung Ulm, que heredó el papel de la Bauhaus, fue fundada en 1953 en el sur de Alemania (Baden-Württemberg). En 1958, Thomas Maldonado se convirtió en director de la Escuela de Ulm .
En 1961, en el segundo congreso del CIADI en Venecia, Maldonado dio su propia definición de diseño, que luego se convirtió en un clásico: “El diseño es una actividad cuyo objetivo principal es identificar la calidad de los productos producidos industrialmente en términos de su forma” [21] . Thomas Maldonado es el autor del concepto de diseño anticomercial. Según este concepto, el arte y el comercio son incompatibles, y una mercancía nunca se convertirá en una obra de arte. En el artículo "El diseño industrial y su significado social" (1949), Maldonado argumentó la necesidad de crear no solo una forma hermosa, sino también conveniente, de "alta calidad", que distinga la forma "honesta" de la estilización . Argumentó que el diseño no es arte, y el factor estético es solo uno de los muchos en los que un diseñador debe centrarse.
La posición de Maldonado con respecto a los objetivos de la actividad de diseño provocó acaloradas discusiones en la comunidad profesional, ya que consideró críticamente tales enfoques del diseño como comercial, artístico y también utópico-socialista. En el segundo congreso del CIADI en 1961 en Venecia, Maldonado presentó su propia definición:
“ El diseño es una actividad cuyo objetivo principal es identificar la calidad de los productos producidos industrialmente en términos de su forma. Estos no son signos externos, sino principalmente relaciones constructivas y funcionales que los justifican lógicamente tanto para los fabricantes como para los consumidores. Si el diseño de productos es a menudo el resultado de un deseo de hacerlos más atractivos o de ocultar sus fallas internas, entonces su configuración es el resultado de tener en cuenta y coordinar todos los factores que intervienen en el proceso de su creación (funcionales, culturales, tecnológico y económico). En otras palabras, el diseño tiene el carácter de azar, y la conformación es algo real, correspondiente a la organización interna del producto, surgiendo y desarrollándose simultáneamente ” [22] .
En 1964, después de discusiones y aclaraciones, esta definición fue adoptada en un seminario internacional sobre educación en arte y diseño en Brujas (Bélgica). En 1969, la redacción fue adoptada en el sexto congreso del CIADI en Londres [23] .
Los diseñadores de la Escuela de Ulm desarrollaron la identidad corporativa de la empresa Lufthansa , muchos ejemplos de productos de la empresa Brown , los vagones del ferrocarril elevado de Hamburgo y mucho más. Después del cierre de la Escuela de Ulm en 1968 en la Universidad de Stuttgart (noroeste de Ulm), se organizó el "Instituto de Planificación Ambiental de Ulm", desde 1973, el "Instituto de Planificación Teórica". Los edificios de la antigua escuela albergan la fundación y el Centro de diseño de la escuela de Ulm, así como el Museo de la escuela de Ulm [24] [25] .
El diseñador de personal estadounidense George Nelson creía que el diseño, ante todo, es arte, creatividad libre, un medio para formar un círculo de valores humanos, que abarca el entorno natural y social, el sistema político y económico, así como la ciencia y la producción [26 ] . Sostuvo que la imagen visual de una cosa no es producto de una función utilitaria, sino de cierto tipo de percepción estética de la forma y el espacio. Sus propios diseños son maravillosos ejemplos de diseño imaginativo e irónico.
Según la irónica definición de J. Nelson, “staff” es “diseño cautivo”. Se distingue del "diseño libre" por un sistema de "gestión" forzado. Sin embargo, a mediados del siglo XX ocupó el lugar que le corresponde en el sistema de relaciones económicas y fue muy eficaz. Dentro del diseño de personal, hay muchas formas de organización de la actividad de diseño: desde un diseñador individual o pequeñas oficinas privadas hasta corporaciones burocráticas complejas con cientos de especialistas. Al mismo tiempo, en los países de Europa Occidental, a diferencia de los Estados Unidos, donde los líderes de las grandes empresas jugaron el papel principal, el papel de la personalidad del diseñador siempre ha sido de particular importancia.
El diseñador industrial alemán Dieter Rams , diseñador líder de Braun , representante del minimalismo , formuló su credo: “Menos diseño significa más diseño” [27] . La marca "estilo Brown" estaba enfocada al "consumidor modesto", incluso al profano de la clase media, cuyas necesidades hasta ese momento habían prestado poca atención a las grandes corporaciones industriales. En este sentido, V. L. Glazychev comentó sarcásticamente: los productos antiguos correspondían completamente a las ideas de "bueno" del consumidor, pero los diseñadores de la compañía Brown introdujeron una idea de un consumidor diferente con diferentes ideas de "bueno" y "hermoso". ". Para este consumidor, se requería un nuevo diseño. "El retrato del consumidor se refina consistentemente a través del retrato de las cosas para el consumidor" [28] . De hecho, el propio Arthur Brown afirmó esto: “El consumidor tiene su propia idea de lo que es bello y lo que es feo. La tarea del diseñador no es satisfacer estos gustos, sino crear una nueva imagen del consumidor con ideas diferentes sobre la belleza. Luego, el diseñador debe diseñar con esta imagen en mente” [29] .
Un destacado representante de la escuela finlandesa de diseño escandinavo fue Alvar Aalto , uno de los fundadores del estilo internacional [30] [31] .
Muchas muestras de muebles de diseño diseñados por A. Aalto, E. Saarinen , J. Nelson , J. Prouvé , los esposos Eames son producidos por la fábrica suiza Vitra, fundada en 1950 en la ciudad de Birsfelden por miembros de la familia Felbaum. En 1989, según el proyecto del arquitecto F. Gehry, se construyó el Vitra Design Museum en Weil am Rhein, en la frontera alemana con Francia y Suiza. La firma tiene sucursales y talleres en muchos países del mundo.
El funcionalismo racional de la escuela de diseño escandinava encontró su encarnación óptima en la identidad corporativa de IKEA . La empresa fue fundada en 1943. La primera tienda IKEA en Suecia abrió en 1958. En 1963, IKEA entró en el mercado europeo. Desde la fundación de la empresa, se ha profesado el principio de "Hágalo usted mismo" y, formalmente, el estilo de los muebles de la empresa a menudo se considera en línea con la continuación de las tradiciones de la Bauhaus y la Escuela de Ulm.
Sobre la base de tales ideas, a mediados del siglo XX, surgió un diseño simbólico, alegórico o "estilo" ( Estilo inglés - estilización) . El estilo estuvo más extendido en el diseño comercial en Europa Occidental y los Estados Unidos en las décadas de 1950 y 1960. El impulso para el surgimiento del estilo fue la crisis económica en los Estados Unidos en 1929-1939. Durante la Gran Depresión, los diseñadores estadounidenses se vieron obligados a trabajar directamente en la producción en un entorno cada vez más competitivo. Se trabajó en crear la apariencia de productos que pudieran batir en el mercado muestras de productos similares de otras empresas que no fueran en absoluto peores en términos funcionales, constructivos y económicos. Al diseñar productos, la forma comenzó a determinarse no según la función y las características del diseño, sino mediante el método de estilización superficial para un patrón dictado por la moda y la ganancia material. Así, a mediados del siglo XX. el estilo comercial resolvió en parte el problema de reunir las bellas artes tradicionales y el diseño industrial previamente dispares.
El fenómeno del estilo demostró por primera vez cómo, en el pináculo de la tecnología, es posible ir más allá de los límites de la base funcional y constructiva del producto. El estilo "incorporó una forma elegante" en el sistema de relaciones comerciales e ideas masivas sobre la calidad de vida, pero tuvo un alto precio: la delimitación de los criterios artísticos y de consumo para la calidad del producto. El método de estilo es lo opuesto al funcionalismo, la forma externa del objeto en esta dirección de diseño es relativamente independiente de la función, la construcción y las propiedades del material, puede adquirir un carácter arbitrario según las condiciones del mercado y el arquetipo de la moda. Esto hace que el producto sea más atractivo. Por ejemplo, un automóvil estilizado como un avión de alta velocidad es más fácil de vender, es más prestigioso. De ahí el irónico nombre de las tendencias estilísticas en el diseño automotriz de EE. UU. a fines de los años 50 y 60: "estilo de aletas" o "estilo aerodinámico".
El fenómeno del desarrollo histórico del diseño europeo es el inesperado auge de la escuela italiana en un país arruinado por la guerra y en crisis económica. En 1956, en Milán , el arquitecto Gio (Gio) Ponti fundó la Asociación de Diseño Industrial ( en italiano: Associazione per il Disegno Industriale: ADI ). En 1928 - la revista "Domus" ( lat. Domus - House), una de las revistas mensuales más autorizadas sobre la teoría y la práctica de la arquitectura y el diseño. Ponti se convirtió en su editor jefe.
Ettore Sottsass - pintor, dibujante, fotógrafo, más tarde conocido como el creador de los grupos Alchemy y Memphis, en 1959 se convirtió en consultor de Olivetti . Después de visitar Nueva York en 1956, desarrolló un interés por el arte pop . En 1976, en Milán, Alessandro Guriero fundó el grupo de estudio "Alquimia" (Studio Alchimia). El nombre pretendía expresar una burla del diseño científico serio. El grupo incluía a Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Andrea Branzi. Crearon cosas que no estaban destinadas a la producción industrial. Mendini llamó a esta dirección "rediseño" (abreviado del diseño de investigación en inglés - diseño de búsqueda). Las nuevas tendencias en el desarrollo del diseño italiano de la posguerra se expresaron en la transición de las “formas de utilidad” (el lema de la IX Trienal de Milán en 1951) a la “ola de vanguardia”, la búsqueda de nuevos materiales y enfoques para creando cosas Surgieron grupos de la dirección posmoderna del radical, o antidiseño. Los representantes de la nueva generación de diseñadores vieron el propósito de la creatividad en la negación de los valores formales y estilísticos del modernismo italiano en arquitectura y pintura, el deseo de actualizar el papel cultural del diseño.
El 11 de diciembre de 1980, varios diseñadores liderados por Sottsass se reunieron para discutir la necesidad de una nueva dirección en el diseño. El nuevo grupo se llamó "Memphis" (por el título de una canción de Bob Dylan que estaban escuchando durante su conversación). Se suponía que la aleatoriedad del nombre enfatizaba la libertad de la creatividad asociativa. Los participantes de Memphis se inspiraron tanto en temas futuristas , incluido el art déco, como en el arte de las civilizaciones antiguas, el arte popular primitivo, los dibujos infantiles y el kitsch de la década de 1950. Se burlaron abiertamente de la pretensión del "buen diseño". Además de la mezcla demostrativa de métodos y técnicas propias del arte posmoderno , los integrantes del grupo utilizaron el juego de materiales, texturas, formas y colores. El apogeo del estudio duró poco, pero mostró una salida tanto del dogmatismo del diseño industrial como del estilo comercial [33] .
Fundado en 1968 en Nueva York, los diseñadores del grupo estadounidense "SITE" ("Lugar"; inglés SITE: "Sculpture in the Environment" ), fundado en 1968 en Nueva York, desarrollaron ideas similares de "imágenes inesperadas", conectando esculturas con el entorno de diseño en las situaciones más inesperadas, el líder del grupo, James Vines, escultor de formación, profesor de la Parsons School of Design de Nueva York, pidió un replanteamiento radical de la semántica del mundo objetivo, el rechazo de estereotipos de percepción de las obras de arte y del "no-arte". Los diseñadores del grupo crearon diseños inusuales para edificios, interiores y artículos para el hogar. Los participantes promovieron activamente las ideas del ecodiseño: publicaron decenas de monografías y artículos de revistas, realizaron exposiciones, instalaciones y presentaciones.
En la Rusia soviética, los arquitectos constructivistas crearon los cimientos del diseño en los VKhUTEMAS (Talleres técnicos y artísticos de toda la Unión) de Moscú. Los primeros diseñadores de la década de 1920 se llaman Alexander Rodchenko y Vladimir Tatlin , el autor del proyecto de la Torre de la III Internacional . Sin embargo, después de la decisión del Politburó del Comité Central del Partido Comunista de los Bolcheviques de toda la Unión "Sobre la reestructuración de las organizaciones literarias y artísticas", se disolvieron los grupos y asociaciones de arte, lo que tuvo un impacto negativo en el desarrollo del diseño nacional. [34] . Solo después de la Gran Guerra Patria, en relación con las tareas de restaurar la economía nacional destruida, optimizar la industria y producir bienes de consumo, el gobierno prestó atención a las posibilidades del diseño.
En febrero de 1945, tres meses antes de la victoria final sobre la Alemania nazi, el gobierno de la URSS, a sugerencia de una comisión especial, adoptó una resolución que establecía que "a fin de formar personal altamente calificado para la industria del arte y restaurar ciudades y monumentos de arte", la Escuela Industrial Artística Superior de Moscú (MVHPU, antigua Escuela de Dibujo Técnico Stroganov) y la Escuela Superior de Arte Industrial de Leningrado (LVHPU, antigua Escuela de Dibujo Técnico del Barón Stieglitz).
Los ingenieros de diseño entendieron la necesidad y las posibilidades de la configuración técnica y estética, principalmente en el campo del diseño de medios de transporte. En 1946, se fundó la Oficina de Aviación de Diseño Experimental bajo el liderazgo de O.K. Antonov . Otro diseñador de aviones, A. A. Tupolev , entró en la historia del diseño soviético con la frase característica: "¡Un automóvil feo nunca volará!". En el mismo 1946, se creó en la URSS la primera organización de diseño especializada en los años de la posguerra: la Oficina de Arquitectura y Arte (AHB) dependiente del Comisariado del Pueblo de Construcción de Máquinas Medianas, cuyo jefe fue nombrado posteriormente el conocido diseñador Yu . B. Soloviov .
En 1946, el primer lote de automóviles GAZ-M-20 Pobeda, un logro sobresaliente del diseño soviético, se ensambló en la planta de automóviles de Gorki . Los nuevos autos soviéticos "Volga" (GAZ 21) y "Chaika" (GAZ 13) se demostraron por primera vez en la Exposición Mundial de 1958 en Bruselas, recibieron el "Gran Premio" y fueron un gran éxito. En 1957, I. A. Vaks y L. S. Katonin crearon un nuevo modelo del tranvía LM-57 de Leningrado (automóvil "motor de Leningrado" de 1957) con "formas aerodinámicas" aerodinámicas.
En 1957, la revista " Arte Decorativo de la URSS " ("DI URSS") fue fundada bajo la Unión de Artistas de la URSS en Moscú . Su competencia incluía la discusión de temas de historia, teoría y práctica del folklore, artes y oficios, monumental y decorativo, arte y diseño de diseño. El diseñador gráfico, pintor y decorador M. F. Ladur se convirtió en el redactor jefe de la revista . Uno de los iniciadores de la creación y subdirector de la revista, de hecho, su líder, fue el filósofo y teórico del arte K. M. Kantor .
En 1958, en la planta de Krasnoye Sormovo en la ciudad de Gorki, se formó un grupo de diseño artístico en la Oficina Central de Diseño de hidroalas. Incluyó a los graduados de LVHPU ellos. V. I. Mukhina bajo la dirección de O. V. Frolov. Durante varios años, un grupo de diseñadores completó proyectos para los barcos de la serie Raketa (diseñador jefe R. E. Alekseev). Posteriormente, comenzó la producción en serie de hidroalas de pasajeros "Meteor" (1961), "Kometa" (1961). Sus inusuales formas aerodinámicas atrajeron la atención de todos.
En 1962, se publicó el Decreto del Consejo de Ministros de la URSS "Sobre la mejora de la calidad de los productos y bienes de ingeniería para fines culturales y domésticos mediante la introducción de métodos de diseño artístico". El principal desarrollador del decreto fue Yu . La nueva definición no tuvo éxito: el diseño no puede ser artístico (correctamente: diseño artístico), por lo que con el tiempo, el "arte industrial" comenzó a dominar. La palabra "diseño" se usó de manera informal, entre profesionales, pero también generó controversia sobre cómo escribir "diseño" o "diseño" [35] .
En el mismo 1962, el Instituto de Investigación Científica de Estética Técnica de toda la Unión (VNIITE) fue establecido por un decreto del gobierno bajo el Comité del Consejo de Ministros de la URSS sobre Ciencia y Tecnología . Se encuentra en el territorio de VDNKh (Exposición de Logros de la Economía Nacional de toda la Unión). VNIITE tenía su propia editorial, archivo, biblioteca. Las conferencias científicas se llevaron a cabo regularmente. Se crearon sucursales en Leningrado, Kyiv, Vilnius, Minsk y otras ciudades. Se crearon SHKB (Oficinas Especiales de Diseño) sectoriales, así como oficinas de diseño y laboratorios en empresas industriales. Yu. B. Solovyov fue el primer director del VNIITE de Moscú en 1962-1987. En Leningrado, la sucursal de VNIITE estaba ubicada en el edificio del Castillo Mikhailovsky. En 1965-1967, el laboratorio de teoría de la estética técnica de VNIITE estuvo dirigido por K. M. Kantor .
El instituto recibió instrucciones de "proporcionar un estudio sistemático de la experiencia extranjera en el campo del diseño". El Ministerio de Educación Superior y Secundaria Especializada, junto con otros departamentos, “revisar el sistema de capacitación del personal para garantizar la liberación de artistas profesionales calificados para la industria”, y también crear en el MVHPU y LVHPU “departamentos nocturnos para el formación de artistas-diseñadores entre ingenieros y artistas titulados”. Desde 1992, el instituto ha estado operando bajo el nombre de Instituto de Investigación de Estética Técnica de toda Rusia. En 1968, se organizó en Moscú el Consejo Científico sobre Problemas de Estética Técnica. Junto con los ingenieros y tecnólogos, los diseñadores, los primeros graduados de las escuelas de Moscú y Leningrado, comenzaron a desempeñar un papel importante en la industria. Se instruyó a las empresas a “establecer un procedimiento por el cual, al diseñar productos industriales, simultáneamente con la aprobación del diseñador jefe del proyecto, se apruebe el diseñador jefe adjunto del proyecto para el diseño artístico” [36] .
En la URSS, los problemas del nivel estético de los productos (apariencia, facilidad de uso, etc.) fueron tratados por el Instituto de Investigación de Estética Técnica de toda la Unión (VNIITE), la evaluación y el examen de estas cualidades de los productos fue un condición necesaria para la concesión de la Marca de Calidad del Estado de la URSS [37]
En 1965, tuvo lugar la Primera Exposición y Conferencia de toda la Unión sobre Diseño Artístico. Las mejores exhibiciones de la exposición fueron premiadas por primera vez con juegos de medallas de VDNKh de la URSS. En el otoño de 1968, se celebró con éxito en Varsovia la exposición "Diseño artístico en la URSS". En 1964-1992 se publicó en Moscú un boletín mensual especializado y luego la revista Estética Técnica . Fue creado por empleados de VNIITE en base a muestras de revistas extranjeras "Diseño", "Diseño industrial", "Domus", "Form", "Form und Zweck", "Projekt" [38] .
Un centro importante para la formación de la teoría estética del diseño de diseño fue el Senezh Art Design Studio , un estudio educativo y experimental de la Unión de Artistas, creado en 1964 en la Casa de la Creatividad Senezh cerca de Moscú bajo la dirección de E. A. Rosenblum y K. M. Cantor [39] .
Arquitecto Yu. S. Somov fue uno de los fundadores de la Unión de Diseñadores de la URSS en 1987 , es autor de veinte libros y numerosos artículos sobre la teoría de la arquitectura y el diseño, incluidos los libros Diseño artístico de productos industriales (1967) y Composición en Tecnología (1972) .
Sin embargo, la realidad no fue del todo desfavorable. No había un consumidor real de diseño en la Unión Soviética. D. A. Azrikan, un empleado de VNIITE y diseñador-practicante, recordó: “El profano, y para nosotros este profano-fabricante-consumidor era, por regla general, el ingeniero jefe de alguna planta o un funcionario del ministerio, percibía el diseño como un estorbo molesto, impuesto a nadie desde arriba, embellecimiento necesario... En la ausencia total de un mercado, la industria de alguna manera funcionó. En lugar de un mercado, había un plan. Pero considerar que torciendo las manos de una planta es posible crear un producto hermoso fue, por supuesto, el colmo de la ingenuidad ... Sin embargo, se crearon poderosos departamentos de examen en VNIITE y sus sucursales, lo que generó miedo en las plantas circundantes. y fábricas. Diseño forzado... Pero había algo en común. Creo que no todo el mundo es consciente de ello. Este común fue, como se vio después, el potencial de protesta más poderoso del diseño. Independientemente de las opiniones de este o aquel diseñador en particular, su trabajo estaba objetivamente dirigido a exponer la naturaleza antihumana del sistema. Las tabletas y los diseños de los diseñadores dijeron claramente: ¡mira cómo resulta que puedes hacerlo! ¡Y qué estás produciendo! [40] [41] .
E. N. Lazarev defendió su primera tesis doctoral sobre diseño titulada "El diseño como sistema técnico y estético" en 1984 en el VNIITE de Moscú. Por primera vez en la estética doméstica, se creó un concepto morfológico, teórico y metodológico holístico de la actividad de diseño. En 1974, Lazarev organizó en la Facultad de Arte Industrial LVHPU ellos. V. I. Mukhina "Curso de capacitación experimental", y en 1986 se creó el departamento de diseño de software. E. N. Lazarev, a diferencia de los empleados del estudio Senezh, definió el diseño no como artístico, sino exclusivamente como un "sistema técnico y estético". El objetivo principal de la actividad profesional de un diseñador es la "estructuración armoniosa de un objeto" o, más complicado, la estructuración armoniosa del sujeto y los aspectos procedimentales de los sistemas "persona-objeto-entorno" [42] . Según el concepto de E. N. Lazarev, dado que "tanto en la práctica real como en la investigación teórica, el diseño siempre actúa como un método para traducir tareas ideales en instalaciones materiales", entonces "el diseño no es una especie de actividad independiente, sino un escenario, y es bastante universal, de cualquier actividad” [43] .
Entre los historiadores nacionales y los teóricos del diseño, los más famosos son V. R. Aronov, N. V. Voronov, O. V. Genisaretsky, V. L. Glazychev, L. A. Zhadova, A. V. Ikonnikov, K. M. Kantor, E. N. Lazarev, V. Yu. Medvedev, G. B. Minervin, V. O. Rodin, E. A. Rosenblum, V. F. Sidorenko. L. A. Zhadova trajo información actualizada sobre los logros e innovaciones del diseño mundial de viajes al extranjero . Historiadora del diseño, las bellas artes y las artes decorativas, fue empleada del VNIITE entre 1963 y 1966 e hizo una contribución significativa al establecimiento del Instituto como centro de investigación histórica y teórica. L. A. Zhadova fue miembro del consejo editorial de la revista "Estética técnica". Desde 1968 fue empleada del estudio Senezh.
A finales del siglo XX, en línea con la teoría y la práctica del diseño de una sociedad postindustrial y el diseño "ecológico", surgieron dos enfoques de diseño principales. El primero implica que todo el mundo objetivo es diseñado por el diseñador de nuevo, simultánea y holísticamente, en estricta subordinación de elementos (diseño ambiental y del sistema). Este enfoque idealizado se llama "diseño fuerte". Está justificado cuando los diseñadores tienen que lidiar con megaobjetos complejos creados simultáneamente: ciudades, distritos, sistemas de transporte y comunicación [44] .
Según el concepto de E. N. Lazarev, el diseño no es un tipo de actividad independiente, sino una etapa, y bastante universal, de cualquier actividad. Surgiendo inicialmente como un diseño de ingeniería, el diseño está asimilando cada vez más los métodos y medios de otros tipos de actividad humana necesarios para su existencia. La evolución del diseño de sistemas puede conducir a su absorción de otros tipos de diseño, oa su disolución en un solo método de diseño. De ahí el concepto de diseño de software .
Como resultado, surgió una controversia en las páginas de la revista "Estética técnica" y las colecciones de obras de VNIITE. D. A. Azrikan separó fuertemente "dos diseños diferentes: pieza y sistema". Representan, según él, "dos tipos diferentes de actividad y dos profesiones, dos métodos, ideologías profesionales, dos actitudes diferentes hacia el mundo objetivo, hacia el hombre, su pasado y su futuro". En la transformación del diseño en "una actividad interdisciplinaria para crear estructuras sujeto-espaciales armoniosas", Azrikan vio el futuro del diseño doméstico y mundial.
"Mukhins" declaró enérgicamente la ilegalidad de oponerse al diseño artístico de productos únicos y al diseño de sistemas. Vieron la distinción entre los dos tipos de diseño no en la diferencia entre los objetos de diseño, sino en "la presencia o ausencia de un enfoque sistemático del diseño". Los intentos de compromiso llevaron al surgimiento de una definición generalizadora: "creatividad objetiva" . Según la idea de sus partidarios, tal definición debería unir las artes y oficios tradicionales, varios tipos de artes y oficios y el diseño industrial, lo que eliminará muchas contradicciones [45] .
El "estilo" americano de los años 50 y el radical o anti-diseño de los años 80 y 90 del grupo italiano Memphis demostraron una crisis en el diseño industrial tradicional. El nuevo diseño funcional de finales del siglo XX se centró no en la reproducción de las cosas, sino en modelar los procesos de la vida y aislar de ellos las funciones que, a través del diseño, pueden ser “sujetadas”. Pero tan pronto como esta etapa se agotó técnicamente, surgió una necesidad diferente: la orientación cultural del diseño, ya que se gestaba un conflicto entre las necesidades sociales y la calidad (en el sentido amplio de la palabra) de los productos industriales. En una nueva etapa en el desarrollo de la cultura artística, el problema de la relación entre el arte y el diseño se manifiesta de una manera nueva, “a través de toda la historia de la autodeterminación del diseño: sus métodos, escuelas, tendencias, estilos. Si el diseño en su mejor momento, los logros sobresalientes muestran al mundo la imagen de la cultura del diseño, entonces, dentro del diseño, el prototipo del diseño es el arte, a través de él, el diseño ingresa al mundo de la cultura artística y a la esfera de la creatividad, para lo cual los límites entre el arte y el diseño no son esenciales” [46] [47 ]. ] .
Los diseñadores comenzaron a recurrir no a una cosa, sino a una persona. El diseño se convirtió en un método de pronóstico y modelado de sistemas del entorno espacio-temporal. Así, a fines del siglo XX, surgió una nueva dirección: "diseño proyectivo o total" . En esta dirección, el diseñador no crea una cosa, ni su construcción racional, ni siquiera una situación, sino solo una "imagen de la racionalidad", lo deseado y no lo real. Pero es precisamente esa imagen la que se convierte en un signo, promueve la venta de productos (no por sus ventajas reales, sino por las imaginarias).
Una nueva dirección humanitaria está superando la crisis del diseño funcional, en esta dirección se están creando proyectos que muestran cómo deben ser las cosas y cómo debe ser una persona que consume estas cosas. A mediados de la década de 1960, el sociólogo estadounidense D. Bell presentó el concepto de una sociedad (de la información) posindustrial. En consecuencia, la dirección de la actividad de diseño está cambiando. Será fundamentalmente sintetizador, pero, al mismo tiempo, antipático, según la definición de V. L. Glazychev , “traducida al lenguaje de los valores humanos”. El diseño ya no servirá "a los intereses del capital bancario y de las corporaciones industriales, se volverá hacia el hombre común, sus hábitos y gustos personales [48] [49] . El concepto posmoderno de diseño de sistemas, el desarrollo de programas de diseño conceptual, ha llamado "desarrollo sostenible " desarrollo ).
Con origen en el campo de la producción industrial, el diseño, naturalmente, fue más allá de sus fronteras. Este es el llamado no diseño : una forma de diseño verbal, textual, verbal-lógica. A diferencia de otros tipos de diseño, su producto no es diseño-gráfico o modelo-modelo resultados de desarrollo, sino textos, presentaciones en video que contienen, por ejemplo, escenarios, normas, reglas, programas que reflejan ciertas estrategias de actividad y permiten los métodos más efectivos para lograr los resultados deseados resultados. Esta dirección acerca el diseño lo más posible a los tipos tradicionales de creatividad artística, que hasta principios del siglo XX resolvieron precisamente tales tareas humanitarias. El progreso tecnológico, por así decirlo, rompe los cánones artísticos solidificados. Según L. Mumford , "la tecnología moderna renueva constantemente la fuente de las ideas estéticas y se opone así a la deshumanización del mundo" [50] .