Seicento ( italiano seicento , traducido literalmente como seiscientos ) es un período de la historia y la cultura italiana que abarca el siglo XVII . Seicento marcó el final del Renacimiento en Italia y el comienzo de la era barroca también .
La mayoría de los avances culturales, políticos y artísticos importantes en los principados italianos y en Europa no se iniciaron en el siglo XVII. Fueron solo una continuación lógica de poderosos procesos ideológicos que surgieron en el siglo XVI y se desarrollaron aún más en el siglo XVII. Entre tales cambios se encuentran el nacimiento del manierismo y el barroco, el surgimiento de las primeras academias de arte, las primeras victorias del conocimiento científico sobre la cosmovisión medieval.
Todos los mejores logros del arte italiano en la primera mitad del siglo XVII pertenecen o fueron iniciados por artistas que nacieron en el siglo XVI:
El saqueo y destrucción de Roma en mayo de 1527 tuvo importantes consecuencias políticas, morales, religiosas y artísticas. Como bando perdedor, el Papa , bajo la presión del emperador Carlos V , renunció a los derechos sobre Parma , Piacenza , Civitavecchia y Módena . A la fuerza, accedió a la coronación del emperador Carlos V también como emperador de Italia. Esto debilitó significativamente la posición política del Papa tanto en la propia Italia como en Europa. Los acontecimientos en Roma provocaron incluso el traslado de la coronación de Carlos V a Bolonia , ya que en Roma no había una sola iglesia saqueada o fragmentada digna de recibir a los invitados y al séquito del emperador.
Además, ya en el siglo XVI , el protestantismo europeo reforzó sus posiciones (a través del declive de la autoridad del poder papal). El luteranismo estaba ganando fuerza en Alemania . El anglicanismo surgió en Inglaterra , donde el gobernante secular, el rey Enrique VIII , se convirtió en la cabeza de la iglesia local . Por lo tanto, Gran Bretaña se negó oficialmente a enviar dinero a Roma y no reconoció la supremacía del Papa en el estado. A expensas del papa, incluso los principados italianos reforzaron sus posiciones. Sigismondo Malatesta , señor hereditario de la ciudad, volvió a la ciudad de Rímini . Los dogos venecianos independientes subyugaron las ciudades papales de Cervia y Rávena . Solo tomará unas pocas décadas para que los Papas de Roma restablezcan sus posiciones en Italia. Pero la comunidad de Europa occidental se dividió para siempre en dos campos religiosos: el catolicismo y el protestantismo . La Roma papal respondió a la reforma en Europa con la contrarreforma , cuya estrategia y disposiciones principales fueron determinadas por el Concilio de Trento (1545-1563).
En el siglo XVII, el gobierno papal prosiguió su curso ofensivo tanto en Europa como en otros continentes (en América, en Asia). En Italia, los cruzados no se detuvieron en la persecución de los científicos (represiones contra Galileo Galilei y Tommaso Campanella ) e incluso antes de la quema de individuos ( Giordano Bruno ), para intimidar a los creyentes. Pero, al mismo tiempo, el movimiento misionero y la propaganda de las ideas del catolicismo con la ayuda del arte se están intensificando extremadamente. Tanto las artes (monopolizadas en Italia por el gobierno papal y la aristocracia reaccionaria) como la imprenta se están volcando a la propaganda de las ideas del catolicismo. Solo unos pocos estados católicos sobrevivirán al último florecimiento del arte nacional.
Pero la iniciativa ya no está del lado del Papa. En el siglo XVII , después de la supresión del separatismo de los aristócratas por parte del rey de Francia, nació un poderoso estado francés bajo el liderazgo del absolutismo . Francia podrá oponerse a Roma incluso con su propio sistema estilístico: el clasicismo académico , que pudo hacer frente a las tareas de exaltar el absolutismo no peor que el barroco romano . Los maestros del clasicismo francés estudian cuidadosamente la herencia cultural de la antigua Roma y utilizan no tanto los efectos dramáticos del barroco como la grandeza solemne y la moderación de las imágenes, manteniendo el equilibrio, la simetría, la elegancia y la sofisticación de la decoración. Es en Francia donde la idea del conjunto, nacida de los artistas italianos del Alto Renacimiento, recibirá una continuación creativa y sus formas acabadas ( Vaux-le-Vicomte ). Los arquetipos creados al estilo del clasicismo francés , como Versalles o el jardín barroco francés , tendrán un impacto significativo en la arquitectura de otros estados.
Al comienzo de su independencia de España (y del feudalismo como tal), Europa conquistó las provincias del norte de los Países Bajos, donde reinaba el protestantismo . En la Gran Bretaña protestante, una burguesía nacional llegó al poder y aprovechó al máximo su "gloriosa revolución". Están surgiendo nuevas superpotencias en el horizonte europeo: la Commonwealth , la Suecia protestante , que siguen su propia política, no coordinada con la Roma papal. A principios del siglo XVIII , Rusia se unirá a las superpotencias , que rápidamente se convertirán en otro imperio que no está sujeto al Papa ni económica, política ni religiosamente.
Italia entra en un largo período de crisis económica y política. Posiciones de liderazgo durante las primeras décadas del siglo XVII . solo se conservará la versión italiana del barroco, el estilo es flexible, poderoso, efectivo, capaz de resolver varios problemas y tiene toda la gama de cargas ideológicas (desde reaccionario hasta progresista).
El barroco tenía sus propias características regionales. Por tanto, el barroco de México o Brasil no puede confundirse con el barroco de Portugal y Austria o Ucrania. Por supuesto, los italianos y los jesuitas marcaron la dirección principal , por lo que el estilo barroco se denominó erróneamente "estilo jesuita". Por otro lado, fueron los jesuitas quienes hicieron del barroco su estilo característico y construyeron catedrales y monasterios en este estilo.
Había dos direcciones en el barroco: las llamadas. barroco secular (palacios de la aristocracia y familias reales, monumentos) y barroco eclesiástico (edificios religiosos desde monasterios hasta capillas individuales). Las direcciones existían por separado, pero se enriquecían constantemente con medios similares de procesamiento y uso de materiales o decoración. Así, en el siglo XVIII , el salón de la iglesia se parecía al magnífico salón del palacio y viceversa.
El estado de la arquitectura en el estado papal del siglo XVII dependía enteramente del enfrentamiento y la lucha competitiva entre Bernini y Borromini .
Allá por el siglo XVI , en una Roma construida caóticamente, se llamó la atención sobre la necesidad de remodelar la ciudad. El conjunto ya era inherente a los complejos individuales en Roma. Por ejemplo, los patios del Vaticano diseñados por Donato Bramante , Villa Madama diseñada por Rafael Santi , Villa Giulia diseñada por Giacomo Vignola . Ahora se intenta equipar las plazas romanas con un desfile. Por ejemplo, un nuevo trazado diseñado por Michelangelo Buonarroti recibió una plaza en lo alto de la Colina Capitolina . A pesar de la destrucción de la disposición de los patios del Vaticano, diseñada por Donato Bramante , a pesar de la abandonada e inacabada Villa Madama, diseñada por Rafael Santi , la experiencia de los predecesores no ha desaparecido. Sus proyectos estudian cuidadosamente y transfieren creativamente hallazgos y principios a la remodelación de lugares individuales e importantes de la ciudad, cuya remodelación parcial encargó el Papa al talentoso Domenico Fontana (1543-1607) allá por la década de 1580.
La Piazza del Popolo tenía una importante función urbana , a donde llegaban los peregrinos católicos de los países del norte (la Roma papal vivió durante siglos y alimentó su propia economía a expensas del dinero de los peregrinos). Domenico Fontana le dio a esta plaza una nueva imagen, ocultando los caóticos edificios con paredes semicirculares. Utilizando el trapezoide de la plaza histórica, introdujo en él tres ejes, que dieron lugar al trazado en tres vigas de las calles principales, y conectaba la plaza con las principales iglesias para los peregrinos visitantes. Los acentos, los pilones frontales de la Piazza del Popolo serán dos iglesias casi idénticas en la esquina de tres calles: Santa Maria dei Miracoli y Santa Maria in Montesanto , construidas mucho más tarde por el arquitecto Carlo Rainaldi . La espectacular plaza con una composición casi teatral, un cruce de tres ejes y perspectivas lejanas en lo profundo de la ciudad causó una fuerte impresión en sus contemporáneos y descendientes. Y tuvo un impacto significativo en la situación de la planificación urbana en diferentes ciudades y jardines barrocos en diferentes países (el diseño de la ciudad de Versalles , el diseño de San Petersburgo , el diseño del Parque Inferior en Peterhof , etc.).
La función de ocultar los caóticos, todavía medievales edificios del Vaticano, todavía la realiza la enorme columnata Lorenzo Bernini . Lorenzo Bernini - se convirtió en el conductor de la línea oficial de los papas romanos en el arte de la época barroca, posicionándose como una persona capaz de dedicarse igualmente productivamente a la pintura, la arquitectura y la escultura. Pero resultó ser un artista débil, y en arquitectura siguió siendo un aficionado talentoso, capaz de desarrollar una idea, un programa de trabajo, pero arrojando toda la molestia de los cálculos, el apoyo de ingeniería y la implementación real en un gran ejército de escultores y asistentes. arquitectos de su propio taller romano. Se dejó enormes honorarios y fama. No todos los proyectos y mejoras de Lorenzo Bernini fueron aprobados ni siquiera en Roma. Por ejemplo, dos campanarios agregados por Bernini al panteón romano fueron objeto de burlas en Roma . Se vieron obligados a retirarlos. Como arquitecto, también conoció la amargura de sus propios proyectos no realizados.
Francesco Borromini : se dedicaba solo a la arquitectura, nunca se posicionó como una persona universal. Fue un arquitecto practicante virtuoso, un maestro del dibujo, que trabajó fructíferamente en Milán. Los dibujos de Borromini no tenían paralelo en excelencia profesional en la Italia del siglo XVII. La gráfica arquitectónica de Francesco Borromini (profesional y algo seca) no era pintoresca, pero sin embargo podía competir con los dibujos de cualquier arquitecto romano. Y esto es en el centro del barroco europeo , donde trabajaron las mejores fuerzas arquitectónicas de Italia, entre ellas el propio Lorenzo Bernini, Pietro da Cortona , Pirro Ligorio , Giovanni Francesco Grimaldi , quienes fueron capaces de resolver simultáneamente complejos problemas de ingeniería y artísticos.
Francesco Borromini pasó por una buena escuela de constructores lombardos, históricamente asociada a las tradiciones de los maestros góticos del norte. A diferencia de un Bernini aficionado, realizó una pasantía profesional en el taller de Carlo Maderno . Gracias a su talento y determinación, pudo realizar económica y magistralmente una imagen arquitectónica inesperada y fantástica. Al mismo tiempo, Borromini se basó solo en sí mismo, en sus propios cálculos. No tuvo esas oportunidades colosales que se aseguró Lorenzo Bernini, habiendo ganado el puesto de arquitecto de la corte para varios papas de sus competidores. El virtuosismo de Francesco Borromini era aterrador, era capaz de realizar cualquier fantasía o quimera arquitectónica . Así, despertó respeto y hasta ocultó resistencias. Incluso Lorenzo Bernini domará su propio orgullo cuando reúna un equipo para desarrollar un proyecto para un nuevo tipo de edificio para Roma: el Palacio Barberini , limitándose solo a ideas y bocetos dibujados artísticamente. Francesco Borromini será invitado a implementar un proyecto inusual.
Siendo empujado a los márgenes de la práctica arquitectónica en Roma, Borromini se convierte en el arquitecto de las órdenes monásticas y, a menudo, solo completa algo. Por lo tanto, su obra es injustificadamente modesta. Pero el importante valor artístico y la popularidad de las obras de Boromini cruzarán las fronteras de Italia y encontrarán verdaderos sucesores y conocedores en personalidades creativas, como Gvarino Gvarini en Turín , Nicolo Michetti ( Palacio Konstantinovsky , Strelna, Imperio Ruso ) o Jan Blazhey Santini Aichl ( Checo República ).
Francisco Borromini. El plano de la Iglesia de Sant Ivo alla Sapienza y dibujo de las bóvedas de la iglesia
Francisco Borromini. Patio de la Iglesia Universitaria de Sant Ivo
Francisco Borromini. Composición del palacio e iglesia de Sant Ivo
El centro de la arquitectura barroca , independiente de Roma , se desarrolló en el Reino de Cerdeña (noroeste de Venecia y Lombardía ). Los ejércitos de Emmanuel Philibert y, posteriormente, Charles Emmanuel contribuyeron a la creación de un reino sardo fuerte y capaz de defenderse. Tradicionalmente, Cerdeña no se ha centrado en la Roma papal, sino en Francia y París. Importantes logros militares y culturales del absolutismo francés , la victoria sobre la aristocracia opositora, el magnífico desarrollo de París y la creación de una gran residencia en Versalles se convierten en modelos para el Reino de Cerdeña .
La capital del reino, la ciudad de Turín , está perdiendo rápidamente su trazado medieval y construyéndose como un tablero de ajedrez (con amplias avenidas que terminan en plazas rectangulares). Turín se diferenciaba favorablemente de la mayoría de las ciudades italianas e incluso de la propia Roma con sus amplias avenidas, su diseño claro, su arquitectura un tanto seca y racionalista.
Después de la muerte de Ascanio Vittozzi en 1615, Carlo y Amedeo Castelmonte continuaron la remodelación y el desarrollo de la ciudad capital . El modelo para ellos es el edificio de París, con calles convenientes para el movimiento de carruajes, plazas rectangulares, palacios de ciudadanos adinerados y aristócratas locales, el rey de la Casa de Saboya ( Palazzo Reale diseñado por Amedeo Castelmonte). El parque del Palazzo Reale utilizó bocetos del famoso paisajista francés André Le Nôtre . El castillo de Valentino es un palacio de Turín que sigue el modelo francés (tanto en términos de diseño en el parque como detrás de la fachada que da al río Po ).
Guarino Guarini . Cúpula de la Iglesia de San Lorenzo
Calle Garibaldi (Turín)
Iglesia de San Michele , Turín
Edificio de la Plaza de la Ley
Muy importante para la ciudad fue la actividad del arquitecto Guarino Guarini , natural de la ciudad de Módena . Monje de la orden de los Teatinos , matemático y filósofo, logró formarse y trabajar como arquitecto en Messina y París . Durante su estancia en Roma, estudió las obras de Borromini y Bernini. El conocimiento completo y el talento sobresaliente del monje-filósofo y científico se revelaron en Turín . Entre las mejores obras de Guarini en la ciudad se encuentran la Capilla Sacra Sindone en la Catedral, la Iglesia de San Lorenzo , Palazzo Carignano . Los arquitectos de Turín utilizaron hábilmente materiales tanto valiosos como baratos: mármol, metal, rejillas decorativas, yeso, estuco, óxido y sus imitaciones, ladrillo modelado . Las fachadas frontales de los palacios de Turín a menudo están hechas de ladrillo simple, donde sus propiedades son ventajosamente golpeadas, mampostería virtuosa, juegan en diferentes condiciones de iluminación. Solo a veces las fachadas frontales de las iglesias de Turín se asemejan a los ejemplos famosos de las iglesias de Roma (la fachada principal de la iglesia de Santa Cristina , construida según el proyecto de Filippo Juvarra solo en 1718). Siguiendo el ejemplo de Roma, también se están construyendo villas suburbanas, donde se utiliza todo el arsenal de decoración barroca ( Villa della Regina cardenal Mauricio de Saboya ) - nichos, esculturas, balaustradas, yeso, obeliscos, mascarons y similares. Un evento único para Italia y el barroco local será el diseño y construcción del castillo de caza real Stupinigi , donde se realizó la idea arquitectónica del arquitecto francés Germain Beaufran .
Los edificios de Guarino Guarini se distinguieron por la audacia en los cálculos matemáticos racionales, la sofisticación real, la sorpresa constructiva, el préstamo de diversas fuentes arquitectónicas (el diseño de los arcos de la Córdoba musulmana, utilizados en la cúpula de la iglesia de San Lorenzo). Las creaciones arquitectónicas de Guarino Guarini fueron una confirmación de la internacionalidad y el carácter apolítico de la arquitectura al servicio de la belleza.
Iglesia de Santa Cristina , Turín
Iglesia de San Lorenzo , Turín
iglesia y santuario de Consolata , Turín
Iglesia de San Felipe Neri , Turín
El período de desarrollo del Barroco en la pintura no coincide con la distribución política. Los investigadores creen que políticamente este período se divide en la contrarreforma , encabezada por la Roma papal, y el absolutismo , cuya imagen característica surgió en Francia en el siglo XVII bajo el " rey sol ".
En Roma, la capital oficial del Papa, se ha desarrollado la llamada Manera Majestuosa en la pintura (Maniera grande). Esta pintura estaba íntimamente asociada al género de la historia y la mitología, y la encarnación de las tramas estaba determinada por temas antiguos o bíblicos en un ambiente ideal, con figuras ideales despojadas artificialmente de la vida cotidiana. Los héroes eran majestuosos, eternamente jóvenes, llenos de salud y vigor, moviéndose o de pie en poses majestuosas y con gestos majestuosos. Las imágenes fueron francamente glorificadas y presentadas como ejemplos de virtudes o como modelos a seguir en el comportamiento. Ejemplos de Maniera grande en el siglo XVII fueron Pietro da Cortona , Annibale Carraci , Guido Reni , Guercino . La manera majestuosa glorificó a los santos católicos, el Papa, los antiguos emperadores romanos y los gobernantes políticos contemporáneos. Murales y frescos en iglesias y palacios, pintura histórica, pintura de altar, una pintura religiosa en sí misma, un retrato oficial ceremonial fueron arrastrados a la órbita de la Maniera grande . La línea oficial fue encarnada por los artistas que servían en la corte papal.
Annibale Carraci . Triunfo de Baco y Arianna, fresco
Pedro da Cortona . Plafón del Palacio Barberini
Pedro da Cortona . Papa Urbano VIII
En la misma Roma apareció una rama democrática del barroco, personificada en las obras de Caravaggio y sus seguidores. Caravaggio no correlacionó sus obras con las exigencias de la aristocrática Maniera grande (aunque la mayoría de sus obras eran de temática religiosa), sino que las llenó de sentimientos reales de un ambiente democrático y popular, sentimientos que él mismo conocía bien. La extranjería de Caravaggio fue bien sentida por los representantes del arte oficial de la capital papal, que iniciaron una campaña de críticas aplastantes a la forma artística del artista y de desprestigio de su autoridad tanto en vida como en tratados teóricos y memorias. Esto no impidió que artistas menos dotados del campo del arte oficial estudiaran los hallazgos artísticos de Caravaggio y los utilizaran en sus obras ( Giovanni Baglione ).
Gverchino . "David orando junto a la cabeza cortada de Goliat"
"Judith con la cabeza de Holofernes"
Georges de Latour . "Santa Irene salva a San Sebastián"
Orazio Gentileschi . "Niña tocando el laúd"
Capucha. Valentín de Boulogne . "Martirio de San Martirio y Processus"
Theodor Rombouts . "Jugadores de cartas"
Battistello Caracciolo . "Camino al Calvario"
Matías Stom . "El cautivo Mucius Scaevola se quema la mano para asustar al invasor Porsena"
Artemisia Gentileschi . "Judit decapitando a Holofernes"
José de Ribera . "Un ángel saca de la cárcel al apóstol Pedro"
En el siglo XX continuó el proceso de profundización del arte de épocas pasadas, iniciado en el siglo XIX. Si los historiadores del arte del siglo XIX devolvieron la gloria de Frans Hals , Jan Vermeer , El Greco , entonces los científicos del siglo XX redescubrieron la grandeza y las altas cualidades artísticas de las esculturas de Pinzel y los "artistas de la realidad" barrocos.
El historiador de arte italiano Roberto Longhi llamó la atención sobre un grupo de maestros barrocos que ocuparon un lugar especial en el arte de esa época. No adherían a la maniera grande, pero tampoco eran partidarios del caravagismo . Pequeños préstamos de ambas tendencias estilísticas solo confirmaron su coexistencia con los caravaggistas y los maestros de la maniera grande oficial. Al mismo tiempo, estos maestros no perdieron su individualidad, su diferencia con los creadores de frescos de iglesias y palacios o los partidarios del caravagismo .
Roberto Longhi y los llamó "artistas de la realidad". Incluyen:
De estos, un tanto artificialmente, se añadieron al grupo de los “artistas de la realidad” Gaspare Traversi y Giacomo Ceruti , cuya obra recaía en el siglo XVIII, aunque continuaban las tendencias realistas del siglo anterior en el estilo barroco de Italia .
Puede decirse que en la pintura de Italia del siglo XVII se ha desarrollado históricamente una situación de coexistencia de tres direcciones artísticas:
A principios del siglo XVII, los representantes del manierismo italiano tardío , que estaban perdiendo sus posiciones, todavía trabajaban activamente. Los logros creativos de las nuevas generaciones de maestros italianos y extranjeros están empujando el manierismo a los márgenes del arte en los países periféricos de Europa ( Holanda , principados alemanes, el estado ruso ).
Eberhard Keil . "Encajadora"
Gaspar Traversi . "Si la juventud supiera, si la vejez pudiera"
Giacomo Ceruti . "Enano"
Eberhard Keil . "Regreso de la caza"
Giovanni Battista Recco . "Bodegón con manzanas y verduras"
Bartolomeo Passarotti . "Carnicería"
Caravaggio . "Canasta de frutas"
Guido Cagnacci . "flores"
Giuseppe Recco . "Bodegón con pescado"
Paolo Porpora . "Reptiles"
Cristoforo Munari . "Bodegón con platos de cerámica, calabaza y col"
Un acontecimiento en el arte de la ciudad fue una breve y obligada visita de Miguel Ángel da Caravaggio , que salvó su propia vida en Nápoles del castigo por un asesinato cometido en Roma. Dos composiciones de Caravaggio ("Siete obras de misericordia" y "La flagelación de Cristo") establecen un nivel muy alto de exigencias morales en la pintura local. Los artesanos locales también quedaron impresionados por el estilo artístico del artista, con sus fuertes contrastes de luces y sombras, y el tipo de carácter de la gente común. La escuela de arte napolitana no se guió por los gustos aristocráticos de los ricos. Por lo tanto, percibió positivamente los hallazgos de la rama democrática del barroco, cuya personificación fueron las obras de Caravaggio. Además, en Nápoles no hubo duro enfrentamiento entre representantes del manierismo tardío y el barroco , como en Roma. La mayoría de los artistas napolitanos estarán entre los seguidores de Caravaggio, incluido el español José de Ribera , su alumno Luca Giordano (todas obras tempranas), Battistello Caracciolo , Artemisia Gentileschi , Mattia Preti , Massimo Stanzione . En Nápoles, los requisitos de Maniera grande y la jerarquía académica de los géneros eran apenas tangibles, por lo que los artistas pintan voluntariamente los llamados. "géneros bajos" - paisajes y naturalezas muertas. Y desarrollan estos géneros a su manera, o fantásticos (paisajes fantásticos de las ciudades de Monsou Desiderio , paisajes de Salvator Rosa ), o puramente realistas (bodegones de Jacopo da Empoli , Giovanni Battista Ruoppolo , Paolo Porpora , Giuseppe Recco ).
La pintura alegórica y decorativa Bravura es desarrollada por Luca Giordano (período tardío de la creatividad) y Francesco Solimena .
La contribución de los artistas venecianos al arte barroco del siglo XVII fue tan insignificante que no puede compararse con las etapas del siglo XV o XVI . Parte de los artistas - nativos de Venecia lo dejan y trabajan en otros centros de arte. Por ejemplo, Carlo Saraceni , veneciano de nacimiento, trabajó casi toda su vida en Roma , donde se convirtió en uno de los seguidores de Caravaggio . Pero su obra no influyó en la situación artística de Venecia. A fines del siglo XVII , varios maestros trabajaron en Venecia, adhiriéndose al estilo tenebroso , iniciado por Caravaggio y desarrollado por sus seguidores ( caravaggismo ), pero sin los logros significativos de sus predecesores.
Todas las mejores cualidades del barroco italiano están plenamente incorporadas en la escultura. La escultura estaba íntimamente ligada a la arquitectura y su carga ideológica, servía de acento a las plazas romanas, se reflejaba en las hornacinas de las fachadas de iglesias, palacios y en sus antepechos. Como en el Renacimiento , los principales materiales de los escultores italianos fueron el bronce y el mármol . Parece que cada evento en la vida de una iglesia o en la vida de una persona podía ser utilizado por clientes y arquitectos para crear esculturas. Se trata de altares y relieves sobre temas bíblicos o mitológicos, esculturas para fuentes y monumentos de bronce, lápidas, esculturas decorativas para casas de campo y numerosos jardines barrocos.
Pero los escultores estaban estrechamente controlados por los clientes: el mismo Papa, los cardenales , representantes de las comunidades eclesiásticas, altos funcionarios, banqueros y la nobleza. Fueron ellos quienes regularon el tema y la carga ideológica de las obras futuras. El objetivo es alabar el catolicismo como credo y su victoria sobre sus enemigos. La Roma papal, hogar de lo espiritual y lo pecaminoso, lo celestial y lo terrenal, lo religioso y lo real, demostró con la arquitectura y la escultura su propia devoción al catolicismo y la piedad. Por eso en la escultura italiana hay tantos altares sobre temas bíblicos, esculturas individuales de los apóstoles y padres de la iglesia, relieves con escenas de la vida de la Virgen y Cristo, ángeles y escenas del martirio de los santos.
Stefano Maderno es considerado el primer escultor exclusivamente barroco (nacido de las obras de Miguel Ángel Buonarroti ) . Entre las obras características del escultor se encuentra la Santa Cecilia de mármol (en un nicho sobre el altar de la iglesia que lleva su nombre). El escultor utilizó la leyenda y presentó a Cecilia en la posición en la que supuestamente encontraron a la mujer muerta en la tumba (postura antinatural, cabeza echada hacia atrás, etc.). Stefano Maderno se convertirá en la principal figura de la escultura italiana.
El alto nivel artístico y técnico de la escultura barroca romana lo marcan las obras de Lorenzo Bernini y algo menos las de Alessandro Algardi . También hubo un enfrentamiento entre los dos maestros autorizados de la escultura barroca, pero no tan tenso y dramático como entre Lorenzo Bernini y Francesco Borromini .
Lorenzo estudió con su padre, el escultor Pietro Bernini , exponente del manierismo . Cuando padre e hijo se mudaron a Roma, comenzaron como maestros de jardines regulares y esculturas de jardín. Varias circunstancias se desarrollaron favorablemente a favor de Lorenzo y su padre, y las aprovecharon con éxito. Fueron el padre y el hijo de Bernini quienes trabajaron en la creación del jardín de la Villa Borghese en Frascati , que era propiedad de Scipione Borghese , sobrino del Papa y el más influyente de los mecenas de la entonces Roma. Al darse cuenta de las brillantes habilidades de Lorenzo, el cardenal se convierte en su patrón y patrón . El patrocinio del cardenal era una tapadera oficial del patrocinio y del propio Papa. Tres de las mejores obras del primer período de Lorenzo Bernini fueron creadas específicamente para Scipione Borghese (Plutón y Proserpina 1622, David 1623, Apolo y Dafne 1622-1625).
Las primeras obras escultóricas de Lorenzo indican su estudio de la escultura de la época helenística , con influencias menores del manierismo . Además de las estatuas temáticas, Lorenzo también hizo retratos: un busto . A la edad de 22 años, creó un busto del Papa Pablo V, que fue una tarea extremadamente responsable. Me gustó el busto. Como resultado, la carrera de Lorenzo se aceleró rápidamente.
Lorenzo Bernini jugó un papel muy importante en la decoración del interior de San Pedro con esculturas . Un enorme copón de bronce , la Cátedra de San Pedro (el primer Papa según la leyenda de la iglesia), una serie de esculturas de santos, relieves, lápidas, paredes enfrentadas y pilones con mármol multicolor: todo esto fue creado de acuerdo con los bocetos. de Lorenzo Bernini por maestros de su gran taller romano. Bernini participará en la decoración de la catedral durante casi cincuenta años (con una pausa).
Giovanni Battista Foggini . Vittoria della Rovere
Alejandro Algardi . "El duelo del Arcángel Miguel con el demonio"
Pietro Taca . escultura de fuente "Niño con pipa"
Massimiliano Soldani . "Lamentación de Cristo"
Giovanni Battista Foggini . "Duque Fernando II Medici"
Massimiliano Soldani . Florero con Galatea, terracota dorada
Pierre Le Gros el Joven . Santo Tomás Apóstol, terracota
Ercole Ferrata . Lápida de Julio del Como
Antonio Tarsia . Estatua de Némesis en el Jardín de Verano de San Petersburgo
Bernardo Falconí . "Madonna and Child" (fachada de la Iglesia de Santa Santa Maria di Nazareth )
Lorenzo Bernini . "La verdad que el tiempo revelará"
Stefano Maderno . "Hércules"
Entre la gran cantidad de escultores romanos había varias generaciones: Stefano Maderno (1576-1636), Pietro Baratta (1659-1729), Alessandro Algardi (1598-1654), Pietro Tacca (1577-1640), Giovanni Battista Foggini (1652- 1725), Ercole Ferrata (1610-1686), Giuliano Finelli (1602-1653), Paolo Naldini (1619-1691), Domenico Guidi (1625-1701), Camillo Rusconi (1658-1728), Melchiore Cafa (1636-1667) Giuseppe Mazzuoli (1644-1725) y otros.
El atractivo del barroco romano y las perspectivas de creatividad en la capital papal fueron tan importantes que escultores católicos extranjeros también vinieron a trabajar a Italia. El flamenco François Duquesnoy (1597-1643), el francés Pierre-Etienne Monnot (1657-1733), Jacques Sarazin (1590-1660) y Pierre Le Gros el Joven (1666-1719) se involucrarán en el proceso artístico italiano en Roma o en Italia . Giovanni Maria Morlaiter (1699-1781), alemán de nacimiento, trabajó en Venecia.
Menos controlada por la censura fue la escultura de retratos. Los mejores ejemplos del retrato de la era Seichento incluyen las obras de Lorenzo Bernini : retratos de busto del duque Francesco I d'Este y el rey francés Luis XIV . Encarnaron plenamente el don de Bernini en el arte decorativo y la capacidad de crear una imagen complementaria pero espectacular, que recuerda el ideal de la nobleza.
Villa Poiana . granja de tierra
Pietro Baratta . Iglesia de San Ste , grupo escultórico en la fachada
El segundo centro conocido de escultura decorativa y paisajística se desarrolló en la República de Venecia . Después de la captura militar de Constantinopla por los turcos otomanos y la desaparición de Bizancio como estado, la escala del comercio en Venecia disminuyó notablemente. El gobierno de Venecia encabezó una campaña para la adquisición por parte de los mercaderes de terrenos para granjas terra . La campaña fue un éxito y los antiguos comerciantes y propietarios de barcos se convirtieron en terratenientes. Sin embargo, las tierras eran pantanosas, por lo que se inició un trabajo de recuperación a gran escala para drenarlas. Hay numerosas granjas, viñedos y villas de campo. Las villas a lo largo del río Brenta se hicieron especialmente famosas . Los propietarios también transfirieron aquí hábitos aristocráticos: los edificios están decorados con frescos , se invitan pinturas, músicos, cantantes y actores, se equipan fuentes, canales y muelles, se crean jardines barrocos con esculturas. Por ejemplo, se hizo famosa la villa de Antonio Riccardi, donde incluso se equipó un teatro al aire libre, que ha sobrevivido hasta nuestros días.
El barroco tuvo una influencia mínima en la escuela escultórica veneciana, porque en Venecia los jesuitas desconfiaban del monopolio del barroco. El estilo de los maestros venecianos es menos teatral y más equilibrado, aunque la mayoría de los maestros se adhieren a los mismos esquemas argumentales e imágenes alegóricas. En Venecia, hay menos maestros virtuosos y están más cerca del ambiente artesanal (arte popular de albañiles y talladores). Hay casos en que los carpinteros de barcos se dedicaron a tallar esculturas de jardín de mármol, que se utilizaron para decorar pequeños jardines en casas de campo (villas). Entre ellos se encuentran Pietro Baratta , Alvise Tagliapietra , Giovanni Bonazza , Francesco Robba , Giuseppe Torretto , Antonio Tarsia , Antonio Corradini .
La escultura de jardines y parques experimentó un gran florecimiento. Estaba dominado por cualidades decorativas, tramas mitológicas y alegóricas inherentes al trabajo de la serie: cuatro estaciones (invierno, primavera, verano, otoño), cuatro alegorías del curso del día (día, tarde, noche, estrella de la mañana o aurora). ), alegorías de las ciencias (Astronomía, Navegación) o de las virtudes (Misericordia, Justicia, Generosidad), los dioses del antiguo panteón romano, etc.
Pietro Baratta . "Alegoría del Comercio" en el Jardín de Verano de San Petersburgo
Pietro Baratta . "Alegoría de la Arquitectura", en el Jardín de Verano de San Petersburgo
Finca Villa Porto terra
Villa Pisani en Stra , escultura barroca en el jardín
Jacques Callot . "Old Nobleman" (serie "Nobleza de Lorena")
Jacques Callot . "Apóstol Pablo"
Jacques Callot . "El ciego y su compañero" de la serie "Mendigos"
Daniel Maro . "Puerta de metal"
Juan Beren. "Adorno de panel"
Simón Wue . "Patrón de lo grotesco"
Claudio Lorena . "Baile en la orilla del río", aguafuerte
Roberto Nanteuil . "Ministro Jean Baptiste Colbert "
Stefano della Bella . "Puerto". grabando
Daniel Maro . "Grotesco con paisaje"
José Ribera , "Silenus borracho", aguafuerte
Jacques Callot . "Dos personajes teatrales"
Daniel Maro . Interior de la biblioteca.
Abraham Boss , " Imprenta de aguafuertes "
Roberto Nanteuil . "Ana enferma de Austria , reina de Francia"
Abraham Boss , "taller de grabadores"
La era barroca produjo más coleccionistas de medallas que artesanos destacados en el campo. Los gabinetes eran muy utilizados: contenían muebles específicos, donde guardaban joyas, cartas, material de escritura, monedas y medallas. Posteriormente, a los pasillos donde se colocaba este mueble también se les llamó armarios.
Italia está perdiendo su posición de liderazgo en el arte de las medallas , que tenía en los siglos XV y XVI. Esto es algo sorprendente, porque en Italia hubo una serie de escultores y joyeros de gran talento tradicionalmente asociados con el arte de las medallas en las etapas anteriores.
Si bien la producción de medallas no se detuvo por completo, los centros no italianos (Alemania) comenzaron a fortalecer sus posiciones en el horizonte del arte de las medallas . Además, surgen nuevos estados: la Commonwealth , Suecia , Rusia . Se sabe que Falso Dmitry I , después de entrar en Moscú, dio la orden de hacer varias medallas. Han sobrevivido. Se cree que fueron realizados con los sellos de maestros polacos de Cracovia o Sandomierz .
Después de la batalla de Nuremberg en 1632, el rey Gustavo II Adolfo Vasa de Suecia ordenó la producción de medallas especiales para los militares, que se usaban en cadenas de oro. Se convirtieron en los precursores de los premios modernos.
En Moscú en 1682, la princesa Sofya Alekseevna otorgó la medalla al general Shepelev por la represión de la revuelta de Streltsy . La fama de un medallista de Alemania, que trabajó en las ciudades de Augsburgo y Nuremberg , también llegó a Rusia. Philip Heinrich Müller (1654-1719) Cumplió órdenes tanto de ricos de los principados alemanes como del zar ruso Pedro I , donde la escuela de medallas, al estilo europeo occidental, apenas estaba dando sus primeros pasos.
Medalla en honor a la victoria de Segismundo III cerca de Smolensk en 1611
El rey polaco Segismundo III y su esposa Ana de Austria
Massimiliano Soldani . Medalla en honor a Cristina de Suecia
15 ducados de la época de Segismundo III con el escudo de armas de la Commonwealth
Medallista Samuel Amón. Segismundo III
Las tradiciones nacionales de producción de cerámica se establecieron en Italia durante el Renacimiento . Ya en la primera mitad del siglo XVI. varios centros de cerámica se hicieron famosos, entre ellos: Gubbio , Castel Durante, Siena , Faenza , Deruta , Savona . Fue entonces cuando aparecieron los utensilios de boticario, los jarrones, los llamados "platos de boda", decorados con retratos de novias y sus nombres. Un poco más tarde, las escenas de pinturas y grabados famosos de artistas italianos se transfieren a la pintura. La producción de loza y mayólica no se detuvo ni siquiera en el siglo XVII. Los más famosos son los productos de la manufactura Castelli con imágenes de paisajes, y los productos de los talleres Savona , pintados con motivos que imitan las pinturas de porcelana china.
La valiosa porcelana china ha llamado la atención de los ceramistas, químicos y tecnólogos europeos durante décadas. Los ceramistas de Florencia intentaron encontrar los secretos de la fabricación de porcelana china , lo que solo condujo a la creación de la suave porcelana Medici . El honor de redescubrir los secretos de la porcelana china pertenece al científico y tecnólogo Böttger de Sajonia , y no a los italianos.
La producción de alfombras no estaba muy extendida en Italia. Aunque se conocen casos raros en los que las paredes de las iglesias y catedrales italianas estaban decoradas con alfombras. Por ejemplo, la famosa Capilla Sixtina del Vaticano tiene su propio juego de alfombras de trama .
Varios artistas italianos participaron en la creación de cartones para futuras alfombras, incluidos Rafael Santi , Giulio Romano , Beccafumi , Antonio Baccacca, Battista Dossi y otros maestros de la era manierista . Los tejedores italianos no entendían los detalles de la producción de alfombras, por lo que confiaron su producción a extranjeros más calificados, encargando alfombras de trama en Francia o Flandes. Los italianos pudieron crear una serie de talleres de alfombras en las ciudades de Mantua , Ferrara , Florencia , Milán en las cortes de los príncipes locales. Pero los productos eran significativamente inferiores a las alfombras de los maestros de Francia y especialmente de Flandes. Los italianos fueron por el otro lado. Entonces, la fábrica de alfombras en Roma en la corte del Papa fue fundada por el francés Renaud de Menuar. Esta fábrica duró hasta el siglo XIX.