Rembrandt

Rembrandt
netherl  Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Autorretrato (1665), Kenwood House , Londres
Nombrar al nacer Rembrandt Harmenszoon van Rijn
Fecha de nacimiento 15 de julio de 1606( 1606-07-15 ) [1] [2] [3] […]
Lugar de nacimiento
Fecha de muerte 4 de octubre de 1669( 1669-10-04 ) [1] [4] [3] […] (63 años)
Un lugar de muerte
País
Género retrato , pintura religiosa , pintura mitológica , pintura de género [8] , pintura de historia [8] , autorretrato , paisaje [8] , retrato [8] , Tronie [8] , naturaleza muerta [8] y vanitas [ocho]
Estudios
Autógrafo
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Rembrandt Harmenszoon van Rijn ( holandés .  Rembrandt Harmenszoon van Rijn , holandés:  [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin] (  escuchar ) ;  15 de julio de 1606 - 4 de octubre de 1669) - artista holandés , grabador , gran representante de la Edad de Oro , el máximo representante de la pintura holandesa del Siglo de Oro [10] . Consiguió plasmar en sus obras todo el abanico de experiencias humanas con tal riqueza emocional, que las bellas artes no conocían antes que él [11] . Las obras de Rembrandt, extremadamente diversas en género , abren al espectador el mundo espiritual atemporal de las experiencias y sentimientos humanos [12] .

Biografía

Años de aprendizaje

Rembrandt Harmenszoon ("hijo de Harmen") van Rijn nació el 15 de julio de 1606 [13] (según algunas fuentes, en 1607) en una familia numerosa del rico propietario de un molino Harmen Gerritszoon van Rijn en Leiden . El padre del artista pertenecía a la Iglesia Reformada Holandesa . La madre era católica [12] .

El propio Rembrandt probablemente era protestante y bautizó a todos sus hijos en iglesias protestantes.

En Leiden, Rembrandt asistió a la escuela de latín en la universidad , pero su mayor interés fue la pintura. A la edad de 13 años, fue enviado a estudiar bellas artes con el pintor histórico de Leiden, Jacob van Swanenbürch . Los investigadores no han podido encontrar obras de Rembrandt relacionadas con este período, por lo que la cuestión de la influencia de Swanenbürch en la formación de la forma creativa de Rembrandt sigue abierta: hoy en día se sabe muy poco sobre este artista de Leiden.

En 1623, Rembrandt estudió en Ámsterdam con Pieter Lastman , quien se había formado en Italia y se había especializado en temas históricos, mitológicos y bíblicos [12] . Al regresar a Leiden en 1627, Rembrandt, junto con su amigo Jan Lievens , abrió su propio taller y comenzó a reclutar estudiantes. En pocos años ganó gran popularidad.

Influencia de Lastman y los caravagistas

El gusto de Lastman por el abigarramiento y el detalle en la ejecución [10] tuvo un gran impacto en el joven artista. Se ve claramente en sus primeras obras sobrevivientes: "La masacre de San Esteban " (1625), "Una escena de la historia antigua" (1626) y "El bautismo de un eunuco" (1626) [12] . En comparación con sus obras maduras, son inusualmente coloridas, el artista se esfuerza por escribir cuidadosamente cada detalle del mundo material [11] , para transmitir lo más auténticamente posible el escenario exótico de la historia bíblica [12] . Casi todos los héroes aparecen ante el espectador ataviados con elegantes trajes orientales, resplandecientes de joyas, lo que crea una atmósfera de mayor esplendor, festividad (“Alegoría de la Música”, 1626; “ David ante Saúl ”, 1627).

Las obras finales del período, " Tobit y Anna", " Balaam y el burro", reflejan no solo la rica imaginación del artista, sino también su deseo de transmitir las experiencias dramáticas de sus héroes de la manera más expresiva posible. Al igual que otros maestros del barroco , comienza a comprender el significado del claroscuro agudamente modelado para transmitir emociones [12] . Sus maestros en relación al trabajo con la luz fueron los caravagistas de Utrecht [12] , pero se guió aún más por las obras de Adam Elsheimer  , un alemán que trabajaba en Italia [12] . Las pinturas más caravaggistas de Rembrandt son “La parábola del rico insensato” (1627), “Simeón y Ana en el templo” (1628), “Cristo en Emaús ” (1629).

Contiguo a este grupo se encuentra el cuadro “ El artista en su estudio ” (1628; quizás se trate de un autorretrato ), en el que el artista se plasma en el estudio en el momento de contemplar su propia creación. El lienzo en el que se está trabajando se lleva al frente de la imagen; en comparación con él, el propio autor parece ser un enano [12] .

Taller en Leiden

Una de las cuestiones no resueltas de la biografía creativa de Rembrandt es su superposición artística con Lievens. Trabajando codo con codo, abordaron más de una vez el mismo tema, como, por ejemplo, " Sansón y Dalila " (1628/1629) o "La resurrección de Lázaro " (1631). En parte, ambos se sintieron atraídos por Rubens , quien entonces era conocido como el mejor artista de toda Europa [12] , a veces Rembrandt tomó prestados los hallazgos artísticos de Lievens, a veces fue exactamente lo contrario [12] . Por ello, la distinción entre las obras de Rembrandt y Lievens de 1628-1632 presenta ciertas dificultades para los historiadores del arte [12] . Entre sus otras obras famosas se encuentra " El burro de Valaam " (1626).

En 1629, el artista fue notado por el secretario del Príncipe de Orange , Constantine Huygens (padre de Christian Huygens ), un conocido poeta y mecenas de las artes en ese momento . En una de las cartas de la época, Huygens ensalza a Lievens y Rembrandt como jóvenes artistas prometedores [12] , y compara el Judas Returns 30 Pieces of Silver de Rembrandt con las mejores obras de Italia e incluso de la antigüedad [12] . Fue Huygens quien ayudó a Rembrandt a ponerse en contacto con clientes adinerados y le encargó varias pinturas religiosas para el Príncipe de Orange.

Desarrollando tu propio estilo

En 1631, Rembrandt se mudó a Amsterdam , donde el dinamismo inherente a la estética barroca y el patetismo externo de las pinturas [10] encontraron muchos admiradores adinerados que, como Huygens, lo vieron como un nuevo Rubens . Un año después, Lievens cerró el taller de Leiden y partió hacia Inglaterra , donde cayó bajo la influencia de van Dyck , luego, hasta regresar a su tierra natal en 1644, trabajó en Amberes [12] .

El período de mudanza a Amsterdam estuvo marcado en la biografía creativa de Rembrandt por la creación de muchos estudios de cabezas masculinas y femeninas [12] , en los que explora la originalidad de cada modelo, experimenta con expresiones faciales conmovedoras . Estas pequeñas obras, luego confundidas con imágenes del padre y la madre del artista, se convirtieron en una verdadera escuela de Rembrandt como retratista [12] . Fue el retrato lo que permitió al artista en ese momento atraer pedidos de los burgueses ricos de Amsterdam y, por lo tanto, lograr el éxito comercial.

En los primeros años de Amsterdam, un lugar destacado en la obra de Rembrandt lo ocupa el género del autorretrato. Representándose a sí mismo con atuendos fantásticos y poses intrincadas, describe nuevas formas para el desarrollo de su arte. A veces, los personajes ancianos de los bocetos, ataviados por el artista con lujosos trajes orientales, son transformados por su imaginación en personajes bíblicos [12] ; tal es el melancólico Jeremías lamentando la destrucción de Jerusalén (1630). Para el estatúder Federico Enrique de Orange , crea los lienzos emparejados "Exaltación de la cruz" (1633) y "Descendimiento de la cruz" (1632/1633), inspirados en los grabados de múltiples figuras de Rubens [12] .

Éxito en Ámsterdam

La fama de Rembrandt como un maestro destacado se extendió por Ámsterdam después de que completó el retrato grupal " La lección de anatomía del Dr. Tulp " (1632), en el que los cirujanos atentos no se alinearon en filas paralelas de cabezas frente al espectador, como era costumbre. en el retrato de la época, pero estrictamente distribuidos en una composición piramidal, que permitía unir psicológicamente a todos los actores en un solo grupo [12] . La riqueza de las expresiones faciales de cada rostro y el uso dramático del claroscuro resumen años de experimentación, atestiguando el inicio de la madurez creativa del artista.

Los primeros años en Ámsterdam fueron los más felices de la vida de Rembrandt. El matrimonio con Saskia van Uilenbürch , que tuvo lugar en 1634, abre las puertas de las mansiones de burgueses adinerados a la artista, a la que pertenecía su padre, el burgomaestre de Leeuwarden [12] . Las órdenes le llegan una tras otra; al menos cincuenta retratos datan de los primeros años de la estancia de Rembrandt en Amsterdam [12] . Los menonitas conservadores lo favorecían especialmente . Mucho ruido hizo su doble retrato del predicador menonita Cornelis Anslo, que el propio Vondel cantó en verso [12] .

El bienestar material de Rembrandt le permitió adquirir su propia mansión (ver Museo Casa de Rembrandt ), que llenó con objetos de arte que compró a los anticuarios [11] . No se trataba solo de pinturas y grabados de maestros italianos, sino también de esculturas antiguas, armas e instrumentos musicales [11] . Para estudiar a los grandes predecesores, no necesitaba salir de Ámsterdam, porque en la ciudad de entonces se podían ver obras maestras como el "Retrato de Gerolamo (?) Barbarigo" de Tiziano y el retrato de Baltazar Castiglione de Rafael [12] .

Entre los retratos más significativos de esos años se encuentran las imágenes de Saskia, a veces en casa, acostada en la cama, a veces con túnicas lujosas (Retrato de Kassel, 1634) y disfraces teatrales (" Saskia en forma de Flora ", 1634). En 1641 nació su hijo Titus ; tres niños más murieron en la infancia. El exceso de vitalidad del artista durante los años de matrimonio con Saskia se expresa con la mayor bravura en el cuadro " El hijo pródigo en una taberna " (1635). La iconografía de esta ilustre obra se remonta a las imágenes moralistas del libertinaje del hijo pródigo de la parábola bíblica [12] .

Saskia murió un año después del nacimiento de su hijo, y la vida de Rembrandt comenzó un período de pérdida personal continua [11] .

Diálogo con los italianos

El diálogo creativo de Rembrandt con grandes artistas italianos está indicado no solo por retratos, sino también por pinturas de múltiples figuras sobre temas mitológicos y bíblicos, que reflejan la preocupación del artista por los efectos externos y, en este sentido, en consonancia con las obras de los maestros de la Italia barroca [ 11] .

La famosa " Dánae " (1636/1643) está toda radiante de luz [11] . " El rapto de Europa " (1632) y " El rapto de Ganímedes " (1635) - también temas comunes de la pintura italiana - son completamente transformados por Rembrandt al introducir, en el primer caso, el paisaje holandés, en el segundo - por un interpretación irónica del legendario joven apuesto como un bebé con una mueca distorsionada de cara de horror [12] .

Como en sus años con Lastman, la imaginación creativa de Rembrandt requiere temas bíblicos con una iconografía relativamente poco desarrollada . En El festín de Belsasar (1635), los rostros de los personajes de la imagen muestran un auténtico horror, la impresión de ansiedad se ve reforzada por la iluminación dramática de la escena. No menos dinámico es el " Sacrificio de Abraham " (1635) - un cuchillo congelado en el aire le da a la escena la inmediatez de una imagen fotográfica [12] . Una versión posterior de esta composición de Munich  es un ejemplo de lo bien que sus aprendices copiaron las pinturas de Rembrandt [12] .

Rembrandt también desarrolló los efectos de luz y sombra en grabados (“Cristo ante Pilatos”, 1636), que a menudo iban precedidos de numerosos dibujos preparatorios. A lo largo de su vida posterior, los grabados le reportaron a Rembrandt no menos ingresos que la pintura misma [12] . Como grabador, fue especialmente famoso por su uso de la punta seca, los trazos dinámicos y las técnicas de soplado [ 10 ] .

Guardia Nocturna

En 1642, Rembrandt recibió el encargo de uno de los seis retratos de grupo de los mosqueteros de Ámsterdam para el nuevo edificio de la Shooting Society; otros dos encargos fueron para sus alumnos. Al crear esta pintura de cuatro metros, la más grande de sus obras [12]  , Rembrandt rompió con los cánones del retrato holandés, durante dos siglos predijo los hallazgos artísticos del siglo XIX, la era del realismo y el impresionismo . Los modelos fueron representados de forma muy directa, en movimiento, lo que no agradó en absoluto a los clientes, muchos de los cuales fueron relegados a un segundo plano:

La monumental creación de Rembrandt, que capta la repentina marcha de una compañía de fusileros dirigida por sus comandantes, es decidida por él como una escena de masas, impregnada del movimiento de una multitud de personajes específicos e innombrables y construida sobre un vacilante contraste de puntos de color muy iluminados. y áreas sombreadas. La aleatoriedad de la situación representada en el lienzo, que crea la impresión de discordia y tensión, está al mismo tiempo imbuida de solemnidad y entusiasmo heroico, acercándose en su sonido a la composición histórica [11] .

Una combinación tan audaz de un retrato de grupo con recuerdos de guerra de la Revolución holandesa asustó a algunos clientes. Los biógrafos de Rembrandt discuten sobre la medida en que el fracaso de La ronda de noche (fue precisamente un nombre tan erróneo el que recibió posteriormente la pintura, escondida bajo barniz oscurecido y hollín hasta la restauración de la década de 1940) influyó en la carrera posterior del artista [14] . Con toda probabilidad, la extendida leyenda sobre el fracaso de esta obra no tiene fundamentos serios [14] . La versión de conspiración de la historia de Night Watch se da en las películas The Night Watch (2007) [15] del director británico Peter Greenaway y Rembrandt. ¡Yo culpo! » (2008) [16] .

Cualesquiera que fueran las razones del enfriamiento del público de Amsterdam hacia Rembrandt, el resultado de un cambio en los gustos fue el desvanecimiento de su fama y el empobrecimiento gradual. Después de La ronda de noche, solo quedan unos pocos estudiantes en el estudio de Rembrandt. Sus antiguos aprendices, habiendo tomado prestado y desarrollado cualquier rasgo del primer Rembrandt, se convierten en artistas más exitosos y buscados que su maestro. Especialmente característico en este sentido es Govert Flinck , quien dominó a la perfección la bravura externa de las dinámicas pinturas de Rembrandt de la década de 1630. El Leiden Gerard Dou  , uno de los primeros alumnos de Rembrandt, permaneció bajo la influencia de la estética de Lastman a lo largo de su vida en pinturas como la Alegoría de la música de 1626 [12] . Fabritius , que trabajó en el taller alrededor de 1640, experimentó de buena gana con la perspectiva y desarrolló fondos brillantes, lo que le valió un éxito extraordinario en Delft [17] .

El hecho de que los clientes se alejaran de Rembrandt y los estudiantes se fueran durante la década de 1640 se explica no tanto por la evaluación ambigua de La ronda de noche, sino por el giro general de la moda pictórica hacia el detalle escrupuloso, al que el propio Rembrandt se inclinaba más en la década de 1640. primeros años [12] . La lógica del desarrollo creativo llevó al artista en la dirección opuesta. Con el paso de los años, comenzó a preferir las pinceladas atrevidas y los fuertes contrastes de luces y sombras, ocultando casi todos los detalles del fondo [12] .

Período de transición

Hay poca información sobre la vida privada de Rembrandt en la década de 1640 [12] . De los discípulos de este período, sólo se conoce a Nicolás Mas de Dordrecht [12] . Aparentemente, el artista siguió viviendo a lo grande, como antes. La familia de la difunta Saskia expresó su preocupación por cómo se deshizo de su dote [12] . La niñera de Titus, Gertje Dirks , lo demandó por romper su promesa de casarse; para resolver este incidente, el artista tuvo que desembolsar [12] .

A fines de la década de 1640, Rembrandt se hizo amigo de su joven sirviente Hendrickje Stoffels , cuya imagen aparece en muchos retratos de este período: Flora (1654), Mujer bañándose (1654), Hendrickje en la ventana (1655). El consejo parroquial condenó a Hendrickje por "cohabitación pecaminosa" cuando, en 1654, nació su hija Cornelia con el artista. Durante estos años, Rembrandt se alejó de temas que tuvieran un grandioso sonido nacional o universal [12] . Las obras pintorescas de este período no son numerosas [12] .

El artista trabajó durante mucho tiempo en retratos grabados del burgomaestre Jan Six (1647) y otros burgueses influyentes. Todas las técnicas y técnicas de grabado que él conocía se utilizaron en la fabricación del grabado cuidadosamente elaborado " Cristo curando a los enfermos ", más conocido como la "Hoja de los cien florines", - fue por un precio tan alto para el 17 siglo que una vez fue vendido. Trabajó en este aguafuerte durante siete años, de 1643 a 1649 [12] . En 1661 se continuó con el grabado " Tres cruces " realizado en 1653 (no terminado).

Durante los años de penuria, la atención del artista es atraída por paisajes con nubes ceñudas, fuertes vientos y otros atributos de naturaleza románticamente agitada en la tradición de Rubens y Segers [12] . El "Paisaje de invierno" de 1646 pertenece a las perlas del realismo de Rembrandt. Sin embargo, el pináculo de la habilidad de Rembrandt como paisajista no fueron tanto las pinturas como los dibujos y grabados, como " El molino " (1641) y " Tres árboles " (1643) [12] . Dominó otros géneros nuevos por sí mismo: una naturaleza muerta (con animales de caza y cadáveres desollados) y un retrato ecuestre (aunque, según todos los informes, Rembrandt nunca tuvo éxito en los caballos) [18] [19] .

Escenas de la vida doméstica cotidiana [11] como las dos " Sagradas Familias " de 1645 y 1646 reciben una interpretación poética en estos años. Junto con La adoración de los pastores (1646) y Descanso en la huida a Egipto (1647), nos permiten hablar de la tendencia de Rembrandt a idealizar la forma patriarcal de vida familiar [10] . Estas obras están animadas por cálidos sentimientos de parentesco, amor, compasión [11] . El claroscuro en ellos alcanza una riqueza de matices sin precedentes. La coloración es especialmente cálida, con predominio de rojos brillantes y marrones dorados [10] .

Último Rembrandt

En 1653, atravesando dificultades financieras, el artista transfirió casi todas sus propiedades a su hijo Titus [12] , tras lo cual se declaró en quiebra en 1656 . Tras la venta en 1657-1658 de la casa y la propiedad (se conserva un interesante catálogo de la colección de arte de Rembrandt) [12] , el artista se trasladó a las afueras de Ámsterdam, al barrio judío, donde pasó el resto de su vida. vida [10] . La persona más cercana a él en esos años, aparentemente, siguió siendo Titus; son sus imágenes las más numerosas. En algunos, aparece como un príncipe de un cuento de hadas, en otros, como un ángel tejido con los rayos del sol [11] . La muerte de Titus en 1668 fue uno de los últimos golpes del destino para el artista; él mismo se había ido un año después.

Una característica distintiva de la obra de Rembrandt de la década de 1650 es la claridad y la monumentalidad de las composiciones de figuras grandes [10] . Característica en este sentido es la obra “ Aristóteles con un busto de Homero ”, realizada en 1653 para el aristócrata siciliano Antonio Ruffo y vendida en 1961 por sus herederos en una subasta al Museo Metropolitano de Arte por una cantidad récord de más de dos millones. dólares en ese momento [20] . Aristóteles está inmerso en un pensamiento profundo; la luz interior parece provenir de su rostro y del busto de Homero sobre el que puso la mano [12] .

Si en los lienzos de la década de 1650 el número de figuras nunca supera las tres, en la última década de su vida Rembrandt vuelve a crear composiciones de múltiples figuras. En dos casos, se trataba de pedidos grandes y prestigiosos. La monumental pintura heroica " La conspiración de Julius Civilis " (1661) fue creada para el nuevo Ayuntamiento de Ámsterdam , pero por alguna razón no satisfizo a los clientes y no fue pagada [12] . Un fragmento del cuadro, conservado en Estocolmo , impacta con severo realismo e inesperados destellos de colores claros sobre el fondo de la oscuridad circundante [11] . El retrato de grupo de Sindiki (1662), a pesar de la naturalidad de las poses, la viveza de las expresiones faciales y la coherencia de la solución compositiva, es un paso atrás respecto al naturalismo intransigente de La ronda de noche [12] . Pero se cumplieron todos los requisitos de los clientes.

Las últimas dos décadas de la vida de Rembrandt fueron el pináculo de su habilidad como retratista [11] . Los modelos no son solo los compañeros del artista ( Nicholas Breining , 1652; Gerard de Leresse , 1665; Jeremias de Dekker , 1666), sino también soldados desconocidos, ancianos y ancianas, todos aquellos que, como el autor, atravesaron años de dolorosas ensayos [11] . Sus rostros y manos están iluminados con una luz espiritual interior. El retrato ceremonial de Jan Six (1654), poniéndose un guante, se distingue por una rara armonía de color, la amplitud de los trazos pastosos . La evolución interna del artista se transmite a través de una serie de autorretratos, revelando al espectador el mundo de sus experiencias más íntimas. La serie de autorretratos acompaña a una serie de imágenes de los apóstoles sabios en vida ; a menudo en el rostro del apóstol se adivinan los rasgos del propio artista [12] .

Obras recientes

El genio artístico de Rembrandt se desarrolló en orden ascendente [11] . Sus últimas obras representan un fenómeno único en la historia de la pintura. El secreto de sus colores pegajosos, como si fluyeran por el lienzo, aún no se ha descifrado. Las figuras son monumentales y deliberadamente cercanas al plano frontal del lienzo. El artista se detiene en temas bíblicos raros, la búsqueda de correspondencias en la Biblia todavía está ocupada por investigadores de su trabajo. Le atraen esos momentos de la vida en que las experiencias humanas se manifiestan con mayor fuerza [11] .

La profunda tensión dramática es característica de obras como " Artajerjes, Amán y Ester " (1660) y "La negación del apóstol Pedro " (1660). Según la técnica de ejecución, los últimos cuadros unidos por un tema familiar están en consonancia con ellos: el inacabado “ El regreso del hijo pródigo ” [21] (1666/1669), un retrato familiar de Braunschweig (1668/1669), etc. " La novia judía " (1665). La datación de todas estas obras es condicional, las circunstancias de su creación están rodeadas de misterio. A los investigadores les resulta difícil encontrar palabras para describir sus gruesos “colores iridiscentes y ardientes en una neblina dorada”, aplicados al lienzo con una espátula o espátula [ 12] :

No hay acción activa, personajes estáticos, aparentemente sobrios, a veces envueltos en el resplandor de las ropas de brocado, sobresalen del espacio umbrío que los rodea. Los tonos dominantes de color marrón dorado oscuro dominan todos los colores, entre los cuales un papel especial pertenece a los tonos de rojo que arden desde el interior, como carbones ardientes. Densos trazos en relieve, impregnados del movimiento de una masa luminosa de pintura, se combinan en zonas de sombra con veladuras transparentes escritas en una fina capa . La textura de la superficie colorida de las obras del último Rembrandt parece ser una joya resplandeciente. La apasionante humanidad de sus imágenes está marcada por el sello de la misteriosa belleza [11] .

En el autorretrato de Colonia de 1662, los rasgos del autor están distorsionados por una sonrisa amarga, y en los últimos autorretratos de 1669 (la Galería de los Uffizi , la Galería Nacional de Londres y el Mauritshuis ), a pesar de su conspicua debilidad física, serenamente mira el destino a la cara [11] . Rembrandt murió el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam. Fue enterrado en la iglesia de Westerkerk en Amsterdam [12] . Detrás del ataúd solo estaba su hija Cornelia.

En total, durante su vida, Rembrandt creó unas 350 pinturas, más de 100 dibujos y unos 300 grabados. Los logros de Rembrandt como dibujante no son inferiores a sus logros en el campo de la pintura [11] ; son especialmente apreciados sus últimos dibujos realizados con pluma de caña [10] .

Problemas de atribución

Hasta hace poco, uno de los problemas insolubles para el investigador de la obra de Rembrandt era la ingente cantidad de copias y réplicas de sus lienzos, que desde tiempos inmemoriales se encontraban en catálogos bajo su nombre [22] . Así, por ejemplo, hay diez versiones de la pintura “Judas devuelve treinta piezas de plata”, que no pueden atribuirse sin ambigüedades a un artista en particular [23] .

En 1968, se lanzó el proyecto de investigación Rembrandt en Amsterdam , con el objetivo de compilar un registro verificado de las obras de Rembrandt utilizando los últimos métodos de atribución . El catálogo final del proyecto, publicado en 2014, contiene una lista de 346 pinturas, mientras que a principios del siglo XX se creía que unas 800 pinturas pertenecían a los pinceles de Rembrandt [24] . Por ejemplo, de las 12 pinturas expuestas en la Colección Wallace bajo el nombre del gran artista, el proyecto inicialmente confirmó la autoría de Rembrandt en una sola [25] , aunque luego su número aumentó a cinco. En cuanto a las pinturas de Rembrandt expuestas en los museos rusos, según el catálogo, solo hay tres obras de Rembrandt en el Museo Pushkin , y  14 en el Hermitage .

Aprendices

Fama póstuma

La humanidad tardó dos siglos en apreciar plenamente la importancia de la obra de Rembrandt. Aunque Giovanni Castiglione y Giovanni Battista Tiepolo se inspiraron en sus grabados [12] , el coraje de Rembrandt como pintor y la precisión de sus observaciones como dibujante ganaron reconocimiento por primera vez en el siglo XIX , cuando los artistas de la escuela realista de Courbet (y en Rusia - los Wanderers ) opuso a su poesía profundamente sentida la luz y la sombra de la incuestionable claridad y claridad del academicismo francés [26] .

Hace cien años, el Hermitage Imperial [27] podía presumir de la mayor colección de pinturas de Rembrandt , sin embargo, en el siglo XX , parte de esta colección fue vendida, algunas pinturas fueron trasladadas al Museo Pushkin , la autoría de otras fue disputada . A lo largo del siglo XX, los holandeses compraron minuciosamente las pinturas de Rembrandt y las devolvieron a su tierra natal; como resultado de estos esfuerzos, la mayor cantidad de pinturas de Rembrandt ahora se pueden ver en el Amsterdam Rijksmuseum [28] . Una de las plazas centrales de Amsterdam, Botermarkt , en 1876 recibió el nombre moderno de Rembrandt Square ( holandés.  Rembrandtplein ) en honor al gran artista. En el centro de la plaza hay un monumento a Rembrandt. Desde 1911, también funciona un museo en la casa del artista de Ámsterdam , donde se exhiben principalmente grabados [29] . En 2009, un cráter del planeta Mercurio , uno de los más grandes del sistema solar , recibió su nombre del artista .

Los empleados del Rijksmuseum de Amsterdam decidieron acercar el arte de Rembrandt a la gente. En abril de 2013, "revivieron" la pintura "La ronda de noche", creando una actuación completa, y trasladaron su acción al territorio de un gran centro comercial [30] .

El 31 de octubre de 2013, se erigió un monumento de bronce a Rembrandt en la ciudad de Yoshkar-Ola (República de Mari El ) (escultor - Andrey Kovalchuk ).

El Rijksmuseum , un museo de arte de Ámsterdam, ha creado una pintura de hiperresolución de La ronda de noche de Rembrandt. La imagen consta de 528 fotografías individuales tomadas como parte del proyecto Operation Night Watch [31] .

En la literatura

En el cine

Véase también

Notas

  1. ↑ 1 2 Rembrandt  (holandés)
  2. ↑ Rembrandt // Diccionario de artistas Benezit  (inglés) - OUP , 2006. - ISBN 978-0-19-977378-7
  3. ↑ 1 2 Archivo de Bellas Artes - 2003.
  4. ↑ Rembrandt Harmensz. van Rhijn - 2009.
  5. ↑ http://www.bbc.co.uk/news/uk-scotland-13682474
  6. ↑ 1 2 Groot C. H. Catálogo razonado de las obras de los pintores holandeses más eminentes del siglo XVII Basado en la obra de John Smith  (alemán) - 1914. - S. 1.
  7. ↑ 1 2 https://data.bnf.fr/ark:/12148/cb11940484n
  8. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 RKDartists  (holandés)
  9. ↑ Rembrandt sporen aan de Universiteit Leiden - Universidad de Leiden , 2013.
  10. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 Dobroklonsky M. V. Rembrandt, Harmens van Rijn // Gran enciclopedia soviética / Cap. edición S. I. VAVILOV - 2ª ed. - M . : Sov. enciclopedia, 1965.
  11. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 T. Kaptereva . Rembrandt Harmenszoon van Rijn // Arte europeo: pintura. Escultura. Gráficos: Enciclopedia . - M. : Ciudad Blanca, 2006. - V. 3. Copia archivada (enlace inaccesible) . Consultado el 15 de febrero de 2009. Archivado desde el original el 30 de marzo de 2009. 
  12. ↑ 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32 33 34 35 36 37 38 39 40 41 4 _ 4 _ 4 _ 3 4 5 _ 50 51 Plata, Larry. Rembrandt. — Encyclopædia Britannica , 15ª edición.
  13. ↑ Rembrandt  / N. A. Istomina // Agripalma - Rumcherod. - M.  : Gran Enciclopedia Rusa, 2015. - S. 381-382. - ( Gran Enciclopedia Rusa  : [en 35 volúmenes]  / editor en jefe Yu. S. Osipov  ; 2004-2017, v. 28). - ISBN 978-5-85270-365-1 .
  14. ↑ 12Berger , Harry . Hombría, matrimonio y travesuras: 'Reloj de noche' de Rembrandt y otros retratos de grupos holandeses. — Prensa de la Universidad de Fordham, 2007. ISBN 0-8232-2557-7 . Página 177.
  15. ↑ The Night 's Watch de Peter Greenaway en Internet Movie Database . 
  16. ↑ Rembrandt de Peter Greenaway . ¡Yo acuso!"  (inglés) en Internet Movie Database .
  17. ↑ Roland E. Fleischer, Susan Scott Munshower, Susan C. Scott. La era de Rembrandt : estudios sobre la pintura holandesa del siglo XVII. - Prensa del Estado de Pensilvania, 1988. ISBN 0-915773-02-3 . Página 96.
  18. ↑ El truco de los espejos de Rembrandt  (inglés)  (enlace no disponible) . — Entrevista con Nigel Konstam. Consultado el 8 de marzo de 2009. Archivado desde el original el 23 de agosto de 2011.
  19. ↑ Arte en proceso: Rembrandt. - Prensa de la Universidad de Yale, 2006. Página 189.
  20. ↑ Knox, Sanka . El museo obtiene a Rembrandt por 2,3 millones , The New York Times  (16 de noviembre de 1961). Consultado el 9 de marzo de 2009.
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Literatura

Enlaces

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