La música posmoderna puede verse como música de la era posmoderna , o música que sigue las líneas estéticas y filosóficas del posmodernismo . Como estilo musical, el posmoderno incluye los rasgos característicos del posmoderno artístico: es arte después del modernismo (ver Modernismo en la música ). Se caracteriza por una combinación de diferentes estilos y géneros musicales. También son característicos el abismo y la ironía, el deseo de borrar los límites entre el "arte elevado" y el kitsch , (D. Albright. Daniel Albright, 2004).
En cuanto a la posición de la música en el ambiente posmoderno, independientemente del estilo o dirección de tal o cual música, esta posición se caracteriza por los siguientes rasgos: si la música de la era moderna se consideraba como una forma de expresión, entonces en la posmoderna la música de época es más bien un espectáculo, un producto de consumo masivo y un indicador de identificación grupal, por ejemplo, un signo que ayuda a determinar la pertenencia a una determinada subcultura .
En la era del modernismo, la creación de música se veía como un reflejo del mundo exterior, tal como un fotógrafo capturaba una determinada realidad. Sin embargo, con la invención de la cinta magnética en la década de 1930, se hizo posible considerar la grabación de audio como el producto final de la creatividad musical. Durante la década de 1950, la música, incluida la música popular , se presentaba como una interpretación fija, incluso si el resultado final se lograba mediante una técnica de mezcla .
Una reunión previa a este proceso se puede encontrar una década antes. A partir de finales de la década de 1940, compositores académicos como Edgar Varèse , Pierre Schaeffer , Karlheinz Stockhausen y John Cage crearon composiciones que existían exclusivamente como grabaciones de audio usando grabación multicanal, editando o variando la velocidad de grabación de los sonidos, lo que significaba crear música que pudiera no puede reproducirse por medios tradicionales, sino que sólo puede existir como disco.
Posteriormente, una técnica similar llegó a la música electrónica . Las elaboradas grabaciones de múltiples pistas de muchos artistas se han alejado mucho de lo que los músicos pueden representar de manera realista en el escenario.
Durante la era del modernismo , la música popular se consideraba secundaria frente a géneros más "pesados". La filosofía de la posmodernidad, sin embargo, ha puesto en duda la legitimidad y aceptabilidad de la división de la cultura en "alta" y "baja".
La tercera ronda de música posmoderna está asociada con un cambio fundamental en las ideas sobre de qué debería tratarse la música. Con el establecimiento del posmodernismo, se afirmó la idea de que la música es "en sí misma". Las alusiones y citas estilísticas se han convertido no solo en un dispositivo técnico, sino en el lado esencial de la música, que ha pasado de ser una posibilidad a una necesidad. Esto también muestra una desviación del paradigma moderno , cuando la entonación, el ritmo y los motivos se consideraban los elementos principales del arte musical; el posmodernismo considera que los flujos de medios, los objetos industriales y los géneros individuales son el tema principal del arte. En otras palabras, el posmodernismo reduce el papel del arte a comentar sobre la sociedad de consumo y sus productos, abandonando el deseo moderno de comprender la "realidad" del universo en sus formas fundamentales.
Las posibilidades de grabación de audio y su posterior mezcla dieron lugar a numerosas ideas de incluir varios sonidos artificiales, ruidos, muestras de la voz humana en obras musicales. Innovadores individuales, como Edgard Varèse , comenzaron a experimentar con las posibilidades de las nuevas tecnologías electrónicas, en particular, los sintetizadores y los bucles de sonido. John Cage usó cintas, radio y grabaciones de artistas en vivo para usar muestras grabadas en una variedad de formas, como se ejemplifica en obras como "Paisaje imaginario" y "Europera". En el campo de la música popular, estas tecnologías fueron muy utilizadas por Abbey Road , Pink Floyd y representantes del estilo musical dub, en particular Lee Perry . Con la llegada de la tecnología digital , que ha facilitado mucho el trabajo con samples, este tipo de técnicas se han vuelto habituales en el hip-hop y especialmente en el pop bastardo.
La técnica de utilizar material existente también se refleja en la música instrumental tradicional. Se encontraron citas como referencias a obras ya existentes incluso entre compositores de la primera mitad del siglo XX. Por ejemplo, Richard Strauss en sus poemas sinfónicos y Charles Ives en sus "caminos sonoros" utilizaron citas de obras escritas un siglo antes. En la segunda mitad del siglo XX, estos ejemplos se vuelven mucho más numerosos. Por ejemplo, la 15ª sinfonía de D. Shostakovich contiene una cita de "Guillermo Tell" de G. Rossini y "El anillo de los Nibelungos" de R. Wagner. Otro ejemplo bien conocido de collage musical es el tercer movimiento de la Sinfonía de L. Berio , que cita la Sinfonía de la Resurrección de Gustav Mahler . El propio compositor, sin embargo, rechaza el término collage , argumentando que los vínculos no son aleatorios, sino simbólicos en el concepto de un todo compositivo.
Olivier Messiaen se refiere a una forma específica de citar : en obras como "Pájaros exóticos" y " Catálogo de pájaros " por medio de una orquesta sinfónica, el compositor intenta imitar el canto de los pájaros, mientras se esfuerza por lograr la máxima precisión.
Un fenómeno característico de la música académica posmoderna ha sido la disminución del papel del compositor en la composición musical, lo que se expresa no sólo en el uso de material musical prestado, sino también en el uso del azar como técnica del compositor. El requisito previo para el surgimiento de la música aleatoria fue la dodecafonía de Arnold Schoenberg , y más tarde la técnica del serialismo , utilizada por varios compositores como P. Boulez, K. Stockhausen. De hecho, ya en la música serial, el papel del compositor es “desplazado” por el papel de los algoritmos matemáticos, a partir de los cuales se crean las composiciones seriales.
Más tarde, estos compositores, especialmente John Cage , abandonan el determinismo total del compositor y emprenden una dirección aleatoria, que pone al azar como base de la composición musical. En varias obras, J. Cage se "elimina" por completo del proceso de composición. En la famosa pieza 4′33″, el pianista no emite ningún sonido, y la composición en sí, según el autor, contiene solo ruido ambiental. Así, en la música aleatoria, los límites entre el intérprete y el público, o entre los músicos y el entorno, se desdibujan, lo cual es una tendencia posmoderna.
Al mismo tiempo, hay un aumento del interés académico por las tradiciones no europeas, la música prebarroca y la música popular. Esta atención a todas las tradiciones musicales es un rasgo posmoderno típico; la división en arte "alto" y "bajo" se considera ilusoria. György Ligeti se interesó por las estructuras rítmicas de la canción pigmea, que más tarde influyó en todas sus composiciones posteriores. Olivier Messiaen estudió a fondo el raga indio y la música medieval, lo que se reflejó en sus obras. Tan Dun , nacido en China, en su trabajo buscaba formas de combinar las tradiciones musicales chinas y occidentales. Steve Reich ha estudiado la percusión de África Occidental, el gamelan de Indonesia y la cantilación hebrea, y en ocasiones se le ha comparado con Perotin o la música rock .
Si comparamos la actitud de los compositores de las eras moderna y posmoderna con la cultura musical "exótica", no europea, podemos ver un enfoque significativamente diferente. La diferencia radica en la profundidad de penetración. Por ejemplo, "Rondo alla Turca" de W. A. Mozart puede haber sido influenciado por la música turca, pero esta influencia es muy superficial y encaja en una forma clásica pura. El posmodernismo continúa la línea que en el modernismo quedó plasmada en la obra de Bela Bartok , quien estudió sistemática y minuciosamente los principios básicos de la música “exótica”. Como resultado, los principios "exóticos" penetran la escritura del compositor de manera tan sutil que es imposible incluso imaginar el origen de ciertos elementos hasta que se muestran claramente.
A fines de la década de 1950 - 1960, se originan una serie de estilos debido a la situación del posmodernismo.
En la música popular, el jazz , el rythm and blues y el rock and roll primitivo , la innovación se debe a la introducción de tecnologías de grabación fundamentalmente nuevas. Al crear un sonido tridimensional, sus productores ya no intentan imitar el espacio acústico de una sala de conciertos, la voz del vocalista suena en primer plano, mientras que el resto de voces crean un "muro" de fondo. Desde mediados de la década de 1960, esta técnica se ha convertido en el estándar para la mayoría de las radios comerciales. La incorporación de técnicas de mezcla de estudio, electrónica y el uso de bandas sonoras sobregrabadas se están convirtiendo en una parte integral de la música rock. La música pop evita el protagonismo de las guitarras eléctricas, privilegiando los sintetizadores , los instrumentos acústicos y el sonido generalmente más suave de la sección rítmica.
A principios de la década de 1970, los DJ de Nueva York abrieron un nuevo camino en la música posmoderna. Intentaron reproducir discos de pista de baile, controlar la velocidad de reproducción de un disco y usar una mesa de mezclas para aplicar reverberación y otros efectos de sonido . Al mismo tiempo, hablaron por un micrófono sobre la música, lo que sentó las bases para el surgimiento del hip hop .
Una mayor evolución del hip hop en la década de 1990 se destacó durante el turntableism , donde la música se hace casi en su totalidad a partir de la mezcla de discos de vinilo. Entre los DJ de tocadiscos más famosos se encuentran Q-Bert , Mixmaster Mike y J-Rocc y Babu de The Beat Junkies . Esto sucedió en algo de música electrónica, en el género de "breakbeat-hardcore" y posteriores (gr. The Prodigy, etc.).
El término post-rock pasó a aplicarse a bandas que utilizaban instrumentos asociados a la música rock, así como ritmos, melodías, timbres y progresiones de acordes que no son propios del rock tradicional. Un número significativo de grupos del movimiento post-rock se desarrollaron en los últimos años del siglo XX, en particular Mogwai , Tortoise , Explosions in the Sky y otros. Su rica instrumentación melódica y su fuerte riqueza emocional se han convertido en un sello distintivo del post-rock.
En la música académica, el minimalismo puede considerarse uno de los fenómenos posmodernos . El minimalismo fue en parte una reacción al elitismo y al tipo de estrechez de la música académica moderna (desde Arnold Schoenberg y Anton Webern hasta Pierre Boulez y John Cage ). Los primeros minimalistas incluyen al estudiante de Schoenberg, La Monty Young , quien usó elementos de serialismo en sus primeros trabajos minimalistas, y Terry Riley , cuyo trabajo está influenciado por la música india y rock.
Algunos de los experimentos de John Cage (en particular, “ 4′33″ ”, piezas experimentales basadas en una selección aleatoria de fragmentos sonoros, “Europera”) se acercan “a la frontera entre el arte y el no arte” [1] , a partir de un replanteamiento lúdico del género establecido, estereotipos formales y significativos, imbuidos de reflexión sobre las posibilidades de los géneros utilizados [2] , compuestos por fragmentos musicales confeccionados o material extramusical aleatorio (por ejemplo, el aire actual de las estaciones de radio ).
El método postmodernista del collage ( pastisha ) es ampliamente utilizado por Luciano Berio , muchas de cuyas obras (por ejemplo, “ Sinfonía ”, “ Ópera ”) son collages de obras clásicas de músicas del mundo (de Monteverdi a Mahler), así como heterogéneos fragmentos de texto (desde Beckett y Levy -Strauss hasta conversaciones telefónicas).
El juego posmoderno con formas tradicionales de concierto se realiza en el llamado " teatro instrumental " de Maurizio Kagel ) [3] , donde los músicos pueden moverse por el escenario, cambiar notas libremente y realizar otras acciones diseñadas para la percepción visual.
Un ejemplo cercano a Berio y Kagel en la música rusa es la Primera Sinfonía de Alfred Schnittke , en la que se entretejen en la dramaturgia de la composición citas de obras musicales clásicas y populares de forma original y humorística, mezcladas entre sí, formando una compleja simbiosis musical. , y los músicos, según la partitura, se mueven regularmente en el escenario (sin embargo, en la mayoría de las demás obras, el compositor todavía está lejos de la estética del posmodernismo y es más propenso a una seria reflexión ética y estética utilizando símbolos culturales establecidos).
La situación posmoderna del "fin de la cultura" varía en las construcciones teóricas y obras musicales de Vladimir Martynov . A partir de la composición " Opus posth " ( 1984 ), Martynov juega deliberadamente con estereotipos estilísticos prefabricados, enfatizando de todas las formas posibles el agotamiento de la estética de la autoría y el estilo de la interpretación en concierto. En algunas composiciones de la década de 1970 (Hoja de álbum para violín, piano, conjunto de cámara y grupo de rock, ópera rock Seraphic Visions of Francis of Assisi, Ciclo de himnos para solista y grupo de rock) Martynov integra formas de música académica y no académica; En los últimos tiempos, estos experimentos se han desarrollado en proyectos conjuntos con Leonid Fedorov .
El minimalismo y otros intentos de simplificar el lenguaje musical sentaron las bases para la integración de la música ligera y académica, que se rompieron con el desarrollo del modernismo . En la década de 1970 , músicos de rock y pop de vanguardia (como Suicide y Throbbing Gristle ) se interesaron por la instrumentación electrónica, el uso de ritmos musicales orientales e instrumentos no tradicionales, frases musicales monótonas (Drone) o repetitivas estilísticamente similares al minimalismo ( como la música de The Velvet Underground , Tangerine Dream , Kraftwerk y, más tarde, Stereolab ). Por otro lado, el minimalismo tardío -postminimalismo- en muchas de sus manifestaciones se está acercando seriamente a la música no académica. La difusión del minimalismo en la música contemporánea ha dado lugar a corrientes similares en la música electrónica, como el minimal house y el minimal techno .
Otro elemento de la convergencia de la música ligera y académica es el método de bucles de sonido ("cortar y pegar") de las obras posteriores de Stockhausen (quien utilizó elementos tanto del arte "alto" como del "bajo"). El método fue muy relevante para los músicos de rock de la década de 1970 - 1990, por ejemplo, para The Residents , más tarde encontró aplicación en la música techno y house, y scratch (tirar manualmente de la pista de sonido) cercano en significado - en hip-hope.
El jazz posmoderno también ha influido en la música pop y rock contemporánea. Se pueden distinguir dos factores de desarrollo: estas son las innovaciones de Charlie Parker a mediados del período de posguerra y el trabajo de Arnold Schoenberg; cierto, no tanto su dodecafonía , sino su estilo atonal de preserie, en el que se rechazaba toda forma de organización tonal. La fusión de estas dos tradiciones fue un factor en el desarrollo del free jazz en la década de 1950 , en particular en el trabajo de Ornette Coleman , quien inspiró a una nueva generación de músicos en las décadas de 1960 y 1970, incluidas figuras como John Coltrane , Albert Ayler y SunRa . El free jazz ha tenido una influencia significativa en muchos músicos de rock: The Stooges y Lou Reed se encuentran entre ellos . A su vez, estos artistas influyeron en la generación de músicos punk de las décadas de 1970 y 1980 (como The Lounge Lizards y The Pop Group ).
Uno de los ejemplos más claros de un músico posmoderno de jazz es el saxofonista John Zorn . Desde obras de Godard y Spillane hasta Naked City, la música de Zorn es conocida por dar saltos estilísticos radicales. Los críticos no pueden encajar su trabajo en ninguna dirección musical, y el propio Zorn dijo que el concepto de estilos modernos es más comercial.