La escena de la ducha es una escena clave en el thriller Psycho , dirigido por Alfred Hitchcock en 1959 y estrenado en Estados Unidos en 1960. La película es una adaptación de la novela del mismo nombre del escritor estadounidense Robert Bloch , basada en los hechos de la vida del maníaco asesino Ed Gin . Según la trama de la imagen, Marion Crane roba una gran cantidad de dinero de su empresa y se hospeda en un motel . Decide devolverle el dinero al dueño, tras lo cual se desnuda y va a la ducha, donde es atacada con un cuchillo por un desconocido, que parece una anciana. El asesino da muchos golpes, lo que hace que Marion muera desangrado. Posteriormente, resulta que esta muerte, así como varias otras, estuvo implicada por el dueño del motel Norman Bates , quien se disfrazó de su madre, quien fue asesinada por él antes; mantuvo su cuerpo en el sótano. El maníaco cometió esta serie de asesinatos, ya que en él convivían dos personalidades: él y su madre, quienes poco a poco se volvieron dominantes, sobre todo a la hora de conocer mujeres. Norman no se dio cuenta de su culpa, ya que estaba seguro de que su "madre" era responsable de las muertes, y solo destruyó las huellas de sus crímenes.
La originalidad de la trama de la imagen radica en el hecho de que la línea del personaje principal termina inesperadamente: su muerte en el primer tercio de la historia. Fue este escenario el que inicialmente interesó al director. La reconocida actriz Janet Leigh protagonizó el papel de una niña que se embarcó en el camino del crimen . El director durante algún tiempo la persuadió para que apareciera desnuda, pero ella no estuvo de acuerdo. En este sentido, se utilizaron lugares íntimos de enmascaramiento del revestimiento del cuerpo y se involucró a un suplente. El papel del asesino no fue interpretado por Anthony Perkins , el intérprete del papel de Norman Bates, sino por una suplente. Al igual que la película, la escena fue filmada en blanco y negro no solo por el ahorro de costos por parte de Hitchcock, obligado a filmar sin la ayuda de los grandes estudios, sino también para reducir la violencia de la escena para los espectadores acostumbrados a las producciones tradicionales de Hollywood. de la época, y también por motivos de censura. Según algunos informes, se suponía que la película saldría en color y el asesinato de Marion en blanco y negro. Un papel importante en la creación de la escena lo desempeñó el autor del guión gráfico Saul Bass , un diseñador gráfico , cartelista de películas , quien durante algún tiempo incluso reivindicó la prioridad en su creación. De los más de 30 días filmados a finales de 1959 y principios de 1960, se creía que la escena tardó una semana en completarse y, según algunas fuentes, incluso más. El episodio consiste en un montaje fraccionario con decenas de cortes. Muchas de las tomas fueron tomadas en primeros planos, incluidos muy primeros planos, con la excepción de planos medios inmediatamente antes e inmediatamente después del asesinato. El acompañamiento musical del compositor Bernard Hermann , reconocido como uno de los más famosos del cine de terror e incluso de la historia del cine, contribuye a un mayor efecto de influencia en el espectador. Hitchcock originalmente quería que el episodio transcurriera sin música, pero aceptó la sugerencia del compositor de que la pieza se tocara solo con cuerdas.
Psycho se estrenó a mediados de junio de 1960. A pesar de los temores de los involucrados en su creación y los comentarios de algunos críticos, de repente se convirtió en un fenómeno cultural y de taquilla, y con el tiempo adquirió un estatus de culto . La escena del asesinato de Marion, que es considerada una de las más célebres no solo de la obra de Hitchcock, sino de todo el cine mundial, causó una especial impresión en espectadores y críticos. Según una encuesta de la revista de cine británica Total Film , es reconocida como la "mejor escena de muerte" de la historia del cine. La escena quedó reflejada en la cultura popular, se convirtió en objeto de investigaciones, numerosas parodias e imitaciones. En torno a su creación, detalles artísticos y técnicos, la polémica no ha cesado desde el rodaje de la película.
Según la trama de la película, la secretaria de una oficina de bienes raíces , Marion Crane, quien recibió instrucciones de depositar $ 40,000 recibidos de un cliente rico, los secuestra inesperadamente y se va en automóvil para comenzar una nueva vida con su amante. Decidiendo esconderse, cansada de la tensión, se desvía de la concurrida carretera. Durante una tormenta, se hospeda en el Bates Motel, regentado por Norman Bates , un joven que claramente sufre la opresión de su amada pero dominante madre. Después de la cena y una conversación con Marion, Norman se retira a su vieja y lúgubre casa. A partir de ahí, se escucha una tormentosa conversación entre madre e hijo, cuyos sonidos llegan hasta la propia niña [1] [2] . La voz de una anciana regaña a Norman por tener un contacto cercano con el invitado [3] .
Regresa discretamente al motel, saca una reproducción de la pintura [4] [5] y observa en secreto a Marion desnudándose en su habitación a través de un agujero en la pared, y luego regresa a su casa "gótica" en ruinas [6] . En la habitación, Marion, vestida con casaca y falda, saca el dinero robado y un recibo del banco. En una hoja de papel, escribe cuidadosamente "40,000-700 = 39,300", después de lo cual la rompe en pedazos, la tira al inodoro y tira de la cadena. Se quita el albornoz y se mete en la bañera, tira de la cortina de la ducha y abre la ducha, exponiendo su cara a los chorros de agua con alivio. Su condición mejora notablemente: se relaja y se lava con placer. La habitación es deslumbrantemente luminosa y limpia [3] . El contorno del cuerpo de Marion es visible a través de la cortina de plástico esmerilado. De repente, a través de él, se puede ver que alguien abre la puerta y camina lentamente hacia la chica. Poco a poco, se hace visible la silueta borrosa de una mujer alta y delgada con un vestido oscuro y el pelo con raya al medio. Descorre la cortina con la mano izquierda. En su mano derecha tiene un cuchillo grande y largo; Al ver esto, la niña grita de horror. Ella trata de resistir pero no puede hacer nada con sus propias manos y recibe varios golpes en la parte superior del cuerpo que se hacen más frecuentes. La mujer moribunda se aferra a la cortina, deslizándose en agonía por la pared de azulejos blancos hacia el baño. Antes de morir, extiende convulsivamente la mano. La presión del agua se debilita: mezclada con sangre y retorciéndose, fluye hacia el desagüe de la bañera. La cámara enfoca el ojo muy abierto de la víctima, que yace boca abajo en el suelo; sus piernas están cubiertas de sangre [7] .
Después de eso, entra corriendo Norman, quien, a pesar del horror de lo sucedido, se recompone y comienza a limpiar la habitación para deshacerse de los rastros del asesinato [3] . Envuelto en una cortina de baño, el cuerpo, un bolso y una maleta con cosas, mete en la cajuela del auto de la víctima. Sin darse cuenta de que había dinero en el paquete de periódicos, también lo arroja al automóvil, que ahoga en un pantano [6] [8] . Al final de la imagen, resulta que Bates es el culpable de la muerte de Marion y una serie de otros asesinatos, quien es arrestado, pero internado en una clínica psiquiátrica . Allí se le diagnostica una compleja desdoblamiento de la personalidad : después de haber matado a su madre y al amante de ella por celos de ella, robó su cadáver del ataúd y comenzó a dialogar con ella. Gradualmente, la personalidad más fuerte y dominante de su madre se apodera de él, especialmente cuando aparecen chicas bonitas, lo que lleva a varios asesinatos [6] . Esto sucedió cuando se reencarnó como una "madre", poniéndose ropa de mujer y una peluca [3] . El asesino en serie no se dio cuenta de su culpabilidad, pues estaba seguro de que su “madre” era la responsable de las muertes, y solo destruyó las huellas de sus crímenes [1] .
La película número 47 de Alfred Hitchcock, inicialmente conocida como "Proyecto 9401" y luego llamada "Psicosis", se basa en la historia del maníaco de la vida real de Wisconsin , Ed Geen , en base a la cual Robert Bloch escribió la novela " Psicosis " [9] . Atrajo repetidamente la atención de criminólogos, escritores y cineastas. Geene nació en el condado de La Crosse , Wisconsin, el 27 de agosto de 1906, hijo de George Philip Geene y Augusta Wilhelmina Lerke. A pesar de que la madre despreciaba a su marido, que abusaba del alcohol y no tenía un trabajo fijo, no disolvió el matrimonio por creencias religiosas. Augusta creció en el seno de una devota familia luterana , cuyos miembros eran fervientes opositores a todo lo relacionado con el sexo, por lo que en todo veía sólo suciedad, pecado y lujuria [10] . El padre de Gin, que padecía neumonía , murió en abril de 1940, a la edad de 66 años, de un paro cardíaco provocado por el alcoholismo [11] . El hermano de Ed murió en circunstancias sospechosas mientras quemaban vegetación en su granja. Poco después de su muerte, Augustus sufrió un derrame cerebral y quedó postrado en cama. Su hijo la cuidó las 24 horas, pero ella todavía estaba descontenta con algo. Ella constantemente le gritaba, llamándolo débil y perdedor. De vez en cuando lo dejaba acostarse con ella en la cama durante la noche. En 1945, la madre se recuperó de un derrame cerebral, pero al final del año sufrió un nuevo derrame cerebral, a consecuencia del cual murió a la edad de 67 años [12] . Ed, que ahora estaba completamente solo en la granja y haciendo trabajos ocasionales, se interesó en la anatomía, leyendo sobre las atrocidades nazis durante la Segunda Guerra Mundial , diversa información sobre exhumaciones , reasignación de género , así como el periódico local, especialmente la sección de obituarios [13 ] . Dependía mucho emocionalmente de su madre, estaba abrumado por su personalidad. Entonces, convirtió su habitación en un lugar de culto, y todo "el resto de la casa pronto se convirtió en una carnicería loca" [10] . Poco a poco, comenzó a manifestar trastornos psicopáticos. A los pocos meses de la muerte de su madre, comenzó a desenterrar los cadáveres de ancianas en el cementerio, y en diciembre de 1954 asesinó a Mary Hogan, la dueña de una taberna local . Logró trasladar discretamente a la gorda a su finca, donde la descuartizó y guardó los restos en su domicilio. El 16 de noviembre de 1957, la dueña de una ferretería, una anciana viuda, Bernice Warden, desapareció sin dejar rastro. Las sospechas recayeron sobre Gin, a quien a menudo se la veía fuera de la tienda de la víctima. La policía allanó la granja, donde se encontró el cadáver destripado y mutilado de Warden en una de las dependencias. Fue desfigurado y colgado como el cadáver de un ciervo [14] . Máscaras hechas de piel humana y cabezas cortadas fueron colgadas en las paredes, también se encontró un guardarropa completo, hecho de manera artesanal a partir de piel humana curtida: dos pantalones, un chaleco, un traje [15] , así como una silla hecho de piel humana, un cinturón de pezones femeninos, tazón de sopa de calavera [16] . El refrigerador estaba repleto de órganos humanos y se encontró un corazón en uno de los recipientes [17] . Más tarde admitió que le gustaba vestirse con piel de mujer y fingir ser su madre. Las circunstancias de la vida de Gin se convirtieron en parte del folklore local, y su granja se hizo famosa como una "Casa de los Horrores" que se incendió en marzo de 1958. El maníaco ganó notoriedad en todo el país. Esto se produjo después de artículos sobre la historia de su vida en las revistas populares Life and Time en diciembre de 1957. De acuerdo con el veredicto de la corte, Gin fue declarada loca y enviada a tratamiento obligatorio. En 1968, bajo la presión pública, comenzó un nuevo juicio: Gin fue declarado culpable de asesinato, pero, como estaba legalmente loco, pasó el resto de su vida en un hospital psiquiátrico, donde murió en julio de 1984 de cáncer [18] [19] .
En una entrevista con los escritores Randy y Jean-Marc Loffissier, Robert Bloch dijo que en el momento en que aparecían en la prensa artículos sobre un asesino en serie , él mismo vivía a 50 millas de la residencia de Gene, en un pueblo igualmente pequeño, y se interesó en esta historia. Según Bloch, en ese momento no conocía los detalles de la vida del prototipo de la novela, por lo que su historia se basa más bien en la "situación", y solo más tarde, cuando los hechos sobre el maníaco se filtraron a la prensa, él se asombró de cuántas coincidencias había entre la imagen inventada de su “imaginación enferma” y la personalidad real de Gin [20] . El escritor en prosa admitió que lo que más le atrajo del comportamiento de Gin fue la actividad necrófila "efervescente" del maníaco y el hecho de que las aterradoras rarezas del comportamiento no causaban preocupación por parte de los demás [21] . Después de que se publicó la novela "Psicosis", recibió críticas positivas en la prensa. Una de las reseñas del escritor y crítico literario Anthony Bucher , colocada en The New York Review of Books , vio a Hitchcock y decidió hacer una película basada en el libro [20] [22] . La asistente de Hitchcock, Peggy Robertson , dijo más tarde que cuando le presentó el libro, estaba segura de que él estaría interesado en las atrocidades no estándar, el travestismo y los fetiches sexuales tabú [23] . En nombre del maestro, los derechos cinematográficos de la novela se compraron de forma anónima por 9.000 dólares, y casi toda la edición número diez mil se compró para mantener en secreto el desenlace inesperado [24] . El proyecto no interesó al estudio Paramount , con el que Hitchcock había estado cooperando fructíferamente durante mucho tiempo: prometieron solo ayuda con los alquileres [24] , ya que esperaban que Hitchcock continuara haciendo películas de gran presupuesto con estrellas para ellos [25 ] . Como resultado, Alfred decidió filmar un thriller en blanco y negro de bajo presupuesto con su propio dinero, manteniendo la estimación por debajo de $ 1,000,000. Buscó "hacer un largometraje sólido hecho con medios modestos" [26] . Otra razón por la que el director se negó a utilizar películas en color caras, que ya se usaban mucho en ese momento, aparentemente fue el deseo de evitar que la escena del crimen en la ducha pareciera demasiado impactante y sangrienta. Así, en una de las entrevistas, el director dijo: "... en color, la sangre que fluya por el desagüe del baño será repugnante " [27] .
Entonces lo notó, solo un rostro mirándola a través de las cortinas abiertas como una máscara colgando en el aire. El cabello no era visible debajo del tocado. Ojos oscuros y sin vida la estudiaron a quemarropa, y había algo inhumano en esa mirada. Pero no era una máscara, sino el rostro de una persona viva. Una gruesa capa de polvo lo cubría. Se habría visto mortalmente pálido si no fuera por las manchas rosadas en los pómulos, un signo de excitación. No era una máscara... Era la cara de una vieja loca.
Mary gritó penetrantemente, y las cortinas se abrieron más y más. Entre ellos apareció una mano con un enorme cuchillo de carnicero. Fue el cuchillo lo que interrumpió el grito ahogado de Mary.
Su cabeza se había ido.
Ned Brown, el agente encargado de adquirir los derechos del libro, dijo que Hitchcock estaba "fascinado" por la idea original de que la historia comienza como "la historia del dilema de una niña y luego, después de un horrible asesinato, se convierte en algo completamente diferente" [29] . En una conversación sobre la película, Hitchcock le dijo a François Truffaut que fue la muerte de la heroína lo que atrajo su atención y le hizo querer hacer una película basada en la novela de Bloch, es decir, le interesó "lo repentino del asesinato en el baño." En respuesta, Truffaut expresó la opinión de que esta escena en la adaptación cinematográfica recuerda más a la " violación " [30] . Hitchcock señaló que se emplearon siete días en el episodio del asesinato de Crane por parte del psicópata Bates, se aplicaron setenta planes desde diferentes puntos para los 45 segundos de tiempo planificados [K 1] . También compartió algunos detalles: “Para filmar, preparamos un modelo del torso, se suponía que la sangre saldría de la hoja del cuchillo, pero no la usamos. Trabajamos con una chica viva, una modelo desnuda, a la que llamaron Janet Leigh. Solo hemos mostrado las manos, los hombros y la cabeza de la Sra. Li. Todo lo demás pertenecía al suplente. Naturalmente, el cuchillo no tocó su cuerpo, estaba todo montado. Utilicé cámara lenta y, como resultado de la edición, se creó una sensación de velocidad de acción normal. Truffaut llamó al asesinato de una niña filmada "joyería", y la impresión que causó la escena - "shock". Coincidiendo con esta última afirmación de que esta es la escena más impactante de la película, Hitchcock agregó que no necesitaba usar escenas tan violentas más adelante, ya que "el recuerdo de este terrible asesinato persigue al espectador hasta el final de la película y extiende la atmósfera". de suspenso a todo lo que sucede después" [ 32 ] .
Varias actrices ( Eva Marie Saint , Piper Laurie , Martha Hyer , Hope Lang , Shirley Jones , Lana Turner ) fueron consideradas para el papel del personaje principal, quien, en violación de los cánones de Hollywood , muere en la primera mitad de la película. [K 2] [34] . Sin embargo, para sorpresa de muchos, Hitchcock eligió a Janet Leigh, quien lo explicó por el hecho de que podía interpretar a una provinciana de Phoenix, a diferencia de otros artistas de Hollywood. Según la intención del director, se suponía que la heroína se volvería más "viva" que en la novela, para parecer decisiva, pero al mismo tiempo dar la impresión de ser débil [35] . Discutió repetidamente la imagen de Marion con ella, afirmando que no interferiría en el juego de actuación siempre que no contradijera su plan. Lee se refirió a su personaje no como una criminal en absoluto, sino como una simple "niña envejecida" que tenía miedo de que su amante la dejara y estaba constantemente en busca de dinero. Tanto Hitchcock como Lee buscaron transmitir en su imagen "una profunda sensación de desesperanza" [36] .
| Actrices de Hollywood consideradas para el papel de Marion Crane: Eva Marie Saint, Piper Laurie, Martha Hyer, Hope Lang, Shirley Jones, Lana Turner | ||||||||||
James P. Cavanagh fue asignado originalmente para escribir el guión y debía presentar su borrador a fines de julio de 1959. De acuerdo con su plan, Mary Crane (luego el nombre fue cambiado a Marion) quien ingresó al motel durante una tormenta eléctrica [K 3] , decidiendo devolver el dinero robado, conoce a un dueño extraño, por quien siente simpatía. Después de eso, va a la ducha, donde es atacada por una "anciana" que blande una navaja y le corta la garganta. Algún tiempo después del asesinato, Norman, que previamente estaba borracho, encuentra abierta la puerta del baño y en la habitación de la niña encuentra un vestido cubierto de sangre y una navaja. Después de eso, cubre las huellas del crimen y ahoga el auto de la víctima en un pantano [38] . Ya en esta etapa, se vislumbraba el movimiento de la cámara en el baño, donde se captó en primer plano un orificio de desagüe, donde el agua fluye en espiral [39] . Después de deliberar, Hitchcock decidió abandonar el guión de Kavanaugh: después de hablar con él y discutir los comentarios, el 27 de julio de 1959, pagó a Kavanaugh una tarifa de $ 7166 [40] . Después de eso, el guionista Joseph Stefano se involucró en la obra , luego catalogada en los créditos como la única. Después de leer la novela, se sintió decepcionado por la historia "extraña" y "discreta" para el venerable director, que no dejó de declararle personalmente. El personaje del maníaco (un borracho de cuarenta años, amante de “espiar por el ojo de la cerradura”), que sigue siendo muy cercano a la novela, así como la “terrible” escena del crimen, provocó grandes reparos por su parte. . Estas características de la fuente original hicieron que toda la historia no fuera interesante para él. Después de conocer la opinión de Stefano sobre el borrador original del guión, Hitchcock lo tranquilizó preguntándole: "¿Cómo te sentirías si Anthony Perkins interpretara a Norman ?". En respuesta, Stefano, encantado, le ofreció al director su plan de trama, que comenzaba con la historia de Marion, y no con un maníaco asesino. Se ofreció a mostrar primero a la chica en una escena de amor durante la cena, según Rebello, "instintivamente" despertó el interés de Hitchcock, un hombre de "voluptuosidad", aparentemente logrando jugar con su "sexualidad oculta". Después de eso, el guionista esbozó el siguiente esquema de la trama: "Descubrimos qué está haciendo la niña, vemos cómo roba dinero y se escapa con Sam, y en el camino sucede esta escena aterradora". Esta opción inspiró al director, que apreció el espectáculo de la historia, lo que, según Stefano, aseguró su contrato [41] . Mientras discutían el guión, se rieron mucho y el director consideró que el guionista era una persona muy ingeniosa. Continuaron su comunicación en la segunda reunión, celebrada en la oficina del director, donde preguntó qué pasaría si una verdadera estrella de cine fuera elegida para el papel de una niña. Al mismo tiempo, nadie debería adivinar que la heroína morirá tan rápido. Stefano se dio cuenta de que no solo se estaba considerando a Janet Leigh, sino que personalmente le gustaba la idea de usarla a ella y a Perkins [42] .
El trabajo del guionista fue discutido con el director durante más de un mes todos los días a partir de las 10:30 am [43] . Las ideas de escenarios se elaboraron en detalle: se estudiaron los detalles más pequeños de la historia (por ejemplo, se contrató a un detective como consultor técnico) y a Stefano se le proporcionó una amplia variedad de datos (precios de habitaciones de motel, información de taxidermia , descripciones de oficinas y conducta de agentes inmobiliarios, etc.).) relacionados con la construcción de solares. Muy pronto resultó que Hitchcock estaba más interesado en la escena del crimen, su desarrollo cuadro por cuadro. Según las memorias de Stefano, el maestro se sintió atraído principalmente por una estructura de trama inusual: la muerte de un personaje principal atractivo, con quien el espectador tenía que empatizar, además, en la primera mitad de la película, e incluso en el desempeño de una película. estrella. Al desarrollar el guión, esta escena fue la que más se discutió, ya que los autores ya querían imaginar cómo se vería en la pantalla. Un día, recordó Stefano, estaban trabajando en él en la oficina privada de Hitchcock en Paramount Studios . El director lo invitó a convertirse por un tiempo en una “cámara” filmando el asesinato: “Y Hitchcock interpretó cada movimiento, cada gesto, cada matiz, envolviendo el cadáver…” De repente, la esposa del último Alma entró a la oficina para ellos. , quien rara vez lo visitaba en el estudio, y los asustó tanto que involuntariamente gritaron. "¡En ese momento, el impacto de su invasión fue tan fuerte que luego nos reímos durante unos cinco minutos!" [44]
A pesar de las afirmaciones iniciales de Stefano sobre la base literaria, se cree que tomó mucho de Bloch. Al mismo tiempo, Hitchcock no interfirió con el guionista en el desarrollo de sus ideas y no interfirió particularmente en el proceso. Según las memorias del guionista, en realidad el director hizo solo algunos comentarios, pero los hizo durante el rodaje. En primer lugar, se trata de varias alusiones y símbolos sexuales, fálicos , la complicación de los personajes, la manifestación de los sentimientos: todas estas notas se hicieron para mantener la tensión y "una atmósfera de misterio" [45] . El 2 de noviembre de 1959 se completó la versión del guión de Stefano; posteriormente fue modificado los días 10 y 13 de noviembre y 1 de diciembre. Luego de eso, Stefano discutió en detalle el plan futuro de la película en la casa de Hitchcock, ya que este último era conocido por el estudio detallado del proceso de filmación ya en la etapa preparatoria. El guionista dijo que incluso entonces decidieron no mostrar detalles naturalistas, en particular, un cuchillo golpeando la carne de la víctima en la escena del crimen. Stefano explicó esto como un deseo de proteger al espectador, quien simpatiza con Marion, quien ya decidió devolver el dinero robado [46] .
Al elaborar el plan de filmación, Stefano se enteró de que un miembro del equipo de filmación Saul Bass , diseñador gráfico , cartelista de películas , quien durante 40 años de su carrera colaboró con directores tan importantes como Hitchcock, Otto Preminger , Stanley Kubrick , Stanley Kramer y Martín Scorsese [47] [48] . Para "Psicosis" también diseñó los créditos de la "banda" que luego se harían famosos . Su concepto general se concibió originalmente para el drama de la corte de Preminger Anatomy of a Murder (1959), pero Preminger se negó a usarlos, calificándolos de "pueriles" [49] . Bass había trabajado con Hitchcock en Vertigo (1958) y North by Northwest (1959), tras lo cual fue invitado a trabajar en Psycho como "consultor de pintura" y "consultor de imagen" ( consultor pictórico ); se le encomendó la creación de guiones gráficos de varias escenas clave . Según Bass, no estaba demasiado agobiado en el estudio. Entonces, después de recibir instrucciones de Hitchcock, las siguió diligentemente, le mostró, después de lo cual tuvo mucho tiempo para "vagar" por el estudio. En general, este proceso para él era como el de un trompetista de orquesta que sólo conoce su parte: “Digamos que el trompetista está fuera todo el día, y luego vuelve y se entera de que la orquesta toca Carmen ” [40] .
Bass hizo muchos guiones gráficos (según algunas fuentes, incluso toda la película [51] ), pero no todos llegaron a la imagen [6] . Entre otras cosas, ante la insistencia de Hitchcock, abordó los episodios clave más difíciles: la escena en la ducha, el asesinato de Arbogast, el hallazgo del cuerpo momificado de la "Madre", la aparición de la "casa fantasma". [52] . Se sabe que Hitchcock pagó a Bass 2.000 dólares por hacer un storyboard de la escena del asesinato de Marion y aceptó su concepto, a pesar de que el estudio contaba con otros reconocidos profesionales en su campo, como Joseph Hurley -uno de los destacados ilustradores cinematográficos estadounidenses que trabajó en la película con Robert Clatworthy como diseñador de producción. Este último dijo más tarde que aprobaba traer a Bass al proyecto, ya que Hurley ciertamente podría crear un guión gráfico completo de calidad; mientras que "Sol estaba libre de los clichés que nos dominaban" [53] .
En muchos sentidos, las características de la creación de la escena del crimen fueron dictadas por su naturaleza sangrienta y el hecho de que la víctima estaba desnuda. Se sabe que Hitchcock le explicó al director de fotografía Leonard (Lenny) South que estaba tratando de escenificar la acción y el montaje del asesinato "jerky" para que no quedara claro lo que estaba pasando. Bass se mostró entusiasmado con tal tarea, que redujo a la siguiente fórmula: "algo así como el deseo de cometer un asesinato terrible, pero sin sangre". Los ensayos para el primer asesinato de la película se llevarían a cabo durante la segunda semana de filmación, utilizando un cuarto de baño simulado construido por Clatworthy y Hurley en forma de bañera y dos paredes. Sin embargo, Hitchcock rechazó este conjunto temporal debido a sus fallas (la pintura no se secó, el agua salpicó en todas direcciones y el desagüe no funcionó), calificando lo sucedido como "por parte del departamento de malentendidos". Directamente para la filmación, los diseñadores de producción ensamblaron un juego de baño plegable de cuatro paredes, cada una de las cuales se podía quitar rápidamente para filmar. Los elementos estructurales tenían libertad de movimiento y permitieron fotografiar la ducha y la bañera por separado y como parte del decorado del baño en el Pabellón 18-A. Bajo la dirección del director, el diseño del baño se distinguió por "azulejos blancos deslumbrantes" y accesorios metálicos brillantes. Dichos elementos se pueden rastrear ya en las obras anteriores del maestro del suspenso (" ¡Asesinato! " (1930) y " Embrujada " (1945)) [54] . Aparentemente, se suponía que esto contribuiría a un mayor realismo de la "escena más terrible de la película", liberándola de estereotipos cinematográficos. Así, el guión de Stefano apuntaba a la blancura casi deslumbrante del baño; sin embargo, Hitchcock insistió en que el decorador George Milo colocara azulejos brillantes en el baño e instalara muchos espejos [55] . Después de terminar los guiones gráficos de la película con Stefano y Bass, Hitchcock programó el inicio del rodaje a principios de diciembre de 1959. Al mismo tiempo, según las memorias del guionista, a pesar del ambiente festivo, el director se veía cansado y triste. Le dijo a Stefano que la película ya estaba terminada y que todo lo que quedaba era transferirla a la película [56] .
En la versión final del guión, Marion Crane se describe de la siguiente manera: "Su rostro... delata cierta tensión interna, un conflicto inquietante... Ella es... una chica atractiva, luchando por llegar al borde del abismo". [57] . Janet Leigh luego mencionó que el director comenzó a prepararla para una escena pesada a mediados de noviembre. Le mostró los guiones gráficos de Bass, detallando cómo pretendía usarlos. En ese momento ya se habían planificado todas las posiciones de la cámara, que debía estar en constante movimiento, cambiando el ángulo. Stefano se reunió con Hitchcock después de que discutiera el plan de filmación con la actriz. El director le dijo a Bass que era probable que la actriz tuviera problemas: “Está demasiado preocupada por sus senos. Piensa que es demasiado grande". El director tuvo una premonición de lo que le esperaba, ya que Lee estaba encadenada en la escena de amor que abre la película: allí se suponía que debía aparecer en sostén. Según Stefano, en su interés, Alfred buscó eliminar todo muy rápidamente: "No quería que Janet tuviera problemas ni dificultades". El maquillador Jack Barron dijo que durante algún tiempo Hitchcock trató de convencer a la actriz principal para que apareciera desnuda, pero ella no accedió. Después de eso, le dijo al maquillador que no necesitaba preparar ningún truco, sino que simplemente debería obtener más jarabe de chocolate en lugar de sangre. Por un tiempo, Lee incluso especuló que el director estaba tratando de que sus compañeros de trabajo masculinos se interesaran en la escena de desnudos, pero señaló que nunca insistió en que posara desnuda, incluso para los estándares de censura de la época. "Una escena con una 'desnudez' explícita habría puesto en duda su capacidad para transmitir sus ideas de manera inteligente y sutil", señaló. Para prepararse, incluso tuvo que mirar fotos de strippers ("todos estaban vestidos con plumas, lentejuelas, pedrería y pájaros del paraíso"). La situación fue facilitada en gran medida por las modistas Helen Colvig ( Helen Colvig ) y Rita Riggs . Entonces, esta última sugirió una buena idea para cubrir los senos de la actriz y sus lugares íntimos con piel artificial. Li lo llamó un movimiento "brillante" y estaba entusiasmado con él [58] .
Eso sí, debido al maquillaje, la modelo no pudo ponerse nada. Pero se puso tan cómoda que recuerdo cómo se sentaba y hablaba tranquilamente con el Sr. Hitchcock completamente desnuda, escondida detrás de un pequeño paño en el área púbica. Una mañana estaba mirando al Sr. Hitchcock, un modelo de moda y un equipo de filmación, tomando café y donas tranquilamente, y pensé: “Esto es una especie de surrealismo”.
La diseñadora de vestuario Rita Riggs sobre el doble de acción de Janet Leigh, Marley Renfro [59] .Riggs primero se ocupó de la desnudez cinematográfica; trató de imaginarse a sí misma en el lugar de la intérprete y decidió que su cuerpo debía ser percibido como una "escultura". Las almohadillas para el cuerpo tomaron mucho tiempo: requerían mantenimiento, pero permitieron que la actriz se sintiera más segura [60] . Para ir a lo seguro, Hitchcock contrató a la bailarina pelirroja Marley Renfro que actuó en escenarios de Nueva York y Las Vegas. Su físico (altura 175 cm, 91-60-90) era similar al de Lee, a quien el director trató de proteger de todas las formas posibles. En cuanto a atraer a Renfro, le explicó a Stefano que la tomó, ya que "la desnudez es su parte"; declaró a la prensa que esto se debía a "la vista trasera de la señorita Li" [61] . En el documental 78/52 (2017) de Alexandre O. Philippe sobre la escena de la ducha, Renfro recordó haber trabajado como modelo pin-up a principios de la década de 1960 . Su fotógrafo descubrió que Universal Studios necesitaba un suplente para una película de Hitchcock. Llamó allí, y concertó una cita con el director, en la que tuvo que desvestirse. Después de eso, todavía estaba desnuda hasta los calzoncillos cuando conoció a Lee, a quien, según datos externos, era bastante similar. Como resultado, Renfro fue contratado como suplente durante unos días. Después de uno o dos días, se convirtió en el personaje principal y comenzó a prepararse para la filmación. Medio siglo después, trató de presentar el caso de tal manera que su nombre no se asociara con el striptease, y dijo que durante su estancia en el estudio tuvo miedo de causar esa impresión en los demás [62] .
A pesar de la intención declarada de Bass de organizar un "asesinato sin sangre", sus guiones gráficos todavía incluían primeros planos naturalistas, como las manos cubiertas de sangre de una mujer moribunda apretadas alrededor de su cuello herido. El 10 de diciembre, después de que el director aprobara los dibujos de la escena, Bass filmó algunas imágenes de prueba con la cámara de un viejo reportero. Estaba muy interesado en cómo congelar el marco justo antes del pezón del seno. En esto lo ayudaron las características de su cámara de mano, cuyos carretes estaban diseñados para 25 pies de película y, con un resorte cargado, tenían que detenerse exactamente donde se necesitaba. Ese día, ya por la noche, Bass le pidió al suplente que se quedara más tiempo para lograr lo necesario. “Simplemente instalamos la luz principal y arrojamos veinticinco pies de material y luego lo cortamos para ver cómo funcionaba”. Después de revisar el material presentado, Hitchcock lo aprobó. Fue necesario realizar pruebas de tiro para probar en la práctica la mejor manera de implementar la idea de Bass. Según el diseñador, el concepto principal de la escena se basó en "una serie de imágenes repetitivas que tenían mucho movimiento, pero poca actividad". En palabras, podría expresarse simplemente: la niña se ducha, la matan, se desliza lentamente en el baño. Sin embargo, en la cinta, según Bass, se captó algo más: “… ella se ducha, se ducha, se ducha. La matan-matan-matan-matan. Ella se desliza, se desliza, se desliza. La matan-matan-matan-matan. Ella se desliza, se desliza, se desliza. En otras palabras, el movimiento era muy limitado y la dinámica para involucrar al espectador era bastante significativa .
Bass le mostró su trabajo a Hitchcock, dándose cuenta de que la escena con una secuencia de cuadros tan rápida no se correspondía no solo con el estilo del “maestro del suspenso”, sino también con la práctica cinematográfica común en ese momento. “Para un gran director, para lograr una imagen impresionista, en lugar de una imagen lineal del asesinato, es bastante natural usar una técnica de edición que cambia rápidamente”, señaló Bass. Habiéndose familiarizado con los desarrollos de este último, Hitchcock decidió tentativamente que se necesitarían 78 posiciones de cámara y una plataforma especial. Un artículo de James W. Merrick de Variety , basado en una entrevista con Hitchcock y un estudio del proceso desde el set, destacó las técnicas sobresalientes de dirección y cámara de la escena futura. Se indicó que primero se montaría con una cámara de mano móvil, que deberá ubicarse en diferentes puntos de la puesta en escena: rodará escenas de miedo con una cámara de cine tradicional” [64] .
El 18 de noviembre de 1959, el guión se envió para su aprobación a la Oficina de Cumplimiento del Código Hays de la Feature Film Association of America . Durante este período, la censura en Paramount estuvo a cargo Luigi Lurashi , quien se enteró menos de una semana después de que "probablemente sería imposible emitir un certificado a una película basada en ese guión". Las objeciones de censura se referían a expresiones individuales ("maldita sea", "Dios", "maldita sea"), así como alusiones sexuales, relaciones incestuosas entre Norman y su madre, su travestismo . Se supone que tales temas tabú para el cine de la época se introdujeron en el guión deliberadamente, por razones tácticas: era una especie de estratagema destinada a desviar la censura de los episodios centrales relacionados con el asesinato de Marion. Preocupada, Lurasi le informó a Hitchcock que la filmación requeriría una delicadeza extrema: “Hay que tener mucho cuidado en estas escenas... en el baño y en el intento de Norman de exponer el cuerpo [de Marion]. Estas escenas, desde el momento en que entra en la ducha, deben filmarse con mucho cuidado y buen gusto". La dirección del estudio y el comité de censura recomendaron que los asesinatos se dirigieran y editaran de tal manera que fuera posible realizar cambios en la película terminada si surgían objeciones sobre su contenido durante el alquiler [65] .
La fotografía principal de Psycho comenzó el 30 de noviembre de 1959 en Universal Studios Revue Studios 18-A . Allí, bajo la dirección de Hitchcock , los episodios de Alfred Hitchcock Presents fueron filmados por el equipo de televisión de Shamley Productions , cuyos miembros se incorporaron al nuevo proyecto del "maestro del suspenso". La fotografía principal duró 30 días de los 36 previstos [66] [50] . Al mismo tiempo, la película debía completarse en su totalidad a más tardar el 22 de febrero de 1960 [51] . Como era su costumbre, Hitchcock siguió principalmente una secuencia basada en la cronología de los acontecimientos del guión. Naturalmente, si de acuerdo con la trama, la acción se desarrollaba en un solo lugar, utilizando el mismo escenario, etc., entonces la combinó en un día de rodaje, el proceso. Durante la primera semana, se filmaron escenas de la reunión de la policía de tránsito y Marion Crane ( Janet Leigh ), su aparición en el Bates Motel, así como la reunión con su dueño, Norman Bates ( Anthony Perkins ) . El rodaje fue cuidadosamente planeado, la ubicación y los movimientos de los actores fueron cuidadosamente verificados, el director se limitó a solo 3-4 tomas [27] .
Según el asistente de dirección Hilton Green, de hecho, incluso antes de que comenzara la filmación, todo estaba tan pensado y ensayado que no causó mucha dificultad: tomó mucho tiempo solo mover la cámara y colocarla en el ángulo correcto [68 ] . La secuencia de la ducha se filmó sin Perkins, que se estaba preparando para el estreno en Broadway del musical Greenwillow de Frank Lesser en marzo siguiente. Stefano dijo más tarde, entre risas, que Hitchcock encontró al actor "muy tímido" con las mujeres y hubiera preferido prescindir de él. Más tarde, treinta años después, Perkins, al enterarse de esta actitud hacia sí mismo, dijo que tal opinión sobre su modestia, aunque "bastante generosa", no tenía nada que ver con la realidad. Según el actor, simplemente se acercó al director y le dijo que necesitaba estar en Nueva York para un ensayo de una obra musical, y recibió una amable respuesta de que sus servicios no serían necesarios en el plató de la escena [69] .
En lugar de Perkins en este episodio, el papel de "Madre" fue interpretado por la doble de riesgo hereditaria Margo Epper ( Margo Epper ) [70] - en ese momento tenía 24 años. Su participación se limitó a un solo día de rodaje, lo que le dejó una impresión "extraña". El episodio fue filmado en la plataforma, el director se paró debajo y dio órdenes detalladas. Su papel era ir “una y otra vez” con un cuchillo a la víctima, y la exigente directora hizo muchas tomas de lo que estaba pasando. De todos los dobles de riesgo de Perkins, Epper, con su figura esbelta con caderas estrechas y "masculinas", en la imagen de "Madre", se parecía más a él en su físico [71] . A pesar de que en la novela y el guión la madre de Norman fue asesinada por él a la edad de 40 años, Hitchcock insistió en que pareciera una anciana. Esto se debió al deseo de engañar al espectador sobre la identidad del verdadero asesino [72] .
Según la creencia popular, el rodaje de la escena tuvo lugar del 17 al 23 de diciembre de 1959 [73] , es decir, se tardó una semana en rodar: Hitchcock y Lee lo han mencionado en repetidas ocasiones. Sin embargo, según el registro de producción, se dedicaron 11 días a esto, sin contar el material de prueba filmado el 10 de diciembre, así como varios días dedicados al episodio con Norman limpiando la bañera [74] . La filmación se pospuso dos veces debido a la condición de Lee: la primera vez se debió a una secreción nasal y la segunda a sus días críticos . Hitchcock perdió los estribos varias veces por el comportamiento tímido de la actriz, diciendo que uno no debe avergonzarse de la desnudez, ya que "ya lo hemos visto todo en la playa" [75] . Directamente en la escena del crimen, se usó un cuchillo retráctil, que el propio Hitchcock sostuvo en el marco, lo que, según Lee, se debió al hecho de que él sabía mejor que nadie exactamente dónde se suponía que debía estar [76] .
No me importa si es un cuadro grande o uno pequeño. No iba a montar una obra maestra. Disfruté trabajando en ello yo mismo. Costó 800 mil dólares. Y se convirtió en una especie de experimento: quería ver si podía hacer una película dentro de los límites financieros de una película para televisión. En aras de esto, invité a un equipo de televisión a mi empresa que sabe trabajar rápido. Los retrasos estaban relacionados solo con la filmación de las secuencias de asesinato y limpieza. Todo lo demás fue filmado al ritmo de la televisión.
Alfred Hitchcock sobre el rodaje de la película [77] .Se sabe por las notas de Hitchcock en los márgenes del guión que logró el efecto de "triturar": "La impresión de triturar, como si la tela de la pantalla misma, la película misma, se estuviera rasgando" [78] . Para simular la sangre, se utilizó una novedad de Shasta : jarabe de chocolate en una botella de plástico. Antes de esto, bebidas similares de Hershey's o Bosco [79] [80] en latas se usaban en todas partes del cine , pero la " revolución plástica" permitió que se usara más sangre falsa que en los envases más tradicionales [81] . El sonido de un cuchillo al entrar en la carne se imitó al clavar un cuchillo en un melón yuca [82] [80] . Inicialmente, el utilero Robert Bowen, en nombre del director, tuvo que comprar sandías de varios tamaños para esto, pero también se llevó consigo varias variedades de melones. Hitchcock hizo personalmente la selección, sucedió en el estudio de grabación. Durante este proceso, se sentó con los ojos cerrados y escuchó los sonidos que se hacían al apuñalar los melones y las sandías en la mesa de exhibición. Cuando ya se había acumulado una buena cantidad de frutas cortadas, abrió los ojos y dijo: "Melón de invierno Casaba". Se nota en la literatura que estaba muy satisfecho con el resultado y el hecho de que su gente pudiera lograrlo [83] . Hitchcock ha dicho en entrevistas con varios periodistas que se diseñó especialmente un " accesorio de goma para el torso que chorreaba sangre " , pero nunca se usó. Sin embargo, los investigadores cuestionan este hecho, atribuyendo la afirmación a un relato anecdótico inventado por el director, y refiriéndose a los testimonios de los tripulantes [84] . Al mismo tiempo, el periodista y escritor estadounidense Robert Kolker sugirió que señalar el uso de un maniquí y negar que el cuchillo lo penetró a él o al cuerpo de la actriz era parte de una estrategia destinada a minimizar los problemas de censura [85] .
Con los escritores Ian Cameron y W. F. Perkins, Hitchcock compartió su método de filmación: muchos episodios se filmaron a cámara lenta. “Hice que tanto la cámara como la chica se movieran lentamente para poder medir los movimientos y enmascarar partes impresentables del cuerpo, movimientos, gestos, etc.” [86] . Surgieron dificultades adicionales debido al deseo de los creadores de evitar que la cara del suplente quedara enmarcada en las superficies brillantes y fuertemente iluminadas de la cabina de ducha. Durante algún tiempo, esto no se pudo lograr a pesar de que el camarógrafo John L. Russell y los operadores de luces solo la iluminaban desde atrás. En relación con tal problema, un episodio tuvo que ser filmado nuevamente: el rostro de Renfro fue maquillado en un tono oscuro por Jack Barron ( Jack Barron ) [66] , quien posteriormente participó en varios proyectos más del maestro [87] . El director planteó otra tarea difícil para el personal técnico: para identificar mejor al espectador con la heroína, decidió filmar uno de los momentos de la escena de tal manera que los chorros de agua de la ducha golpearan la lente de la cámara. En respuesta a una pregunta sobre cómo se podría hacer esto sin dañar los electrodomésticos, Hitchcock dijo: "Configure una cámara con una lente larga y tape los orificios internos en el cabezal de la ducha para que el agua no se escape". Marshal Shlom, el supervisor del guión que contó sobre esto, recordó que el equipo de filmación hizo exactamente eso: el agua cayó más allá de la cámara, mojando solo a unas pocas personas que estaban de pie [88] .
Hay diferentes versiones de si Janet estuvo en la ducha todo el tiempo o si el suplente todavía se metió en la versión de la película del director. Según Lee, a pesar del arduo trabajo con Renfro, la película finalmente incluyó solo tomas cuando el personaje de Perkins se deshizo de los rastros del asesinato y envolvió el cadáver en una cortina. La propia Lee le pidió que la liberaran de la filmación de este episodio, ya que no quería "mostrar desnuda". El director fue a su encuentro y le explicó que de todos modos nadie entendería quién estaba filmando allí [89] . Sin embargo, según otras fuentes, el cuerpo de un suplente apareció en algunas tomas, y Hitchcock y Lee trataron de ocultarlo [90] .
Hitchcock quería escenificar el final de la escena utilizando la técnica del plano continuo y utilizando una cámara rodante : tras la muerte de Marion, la cámara debía moverse suavemente sobre un carro y mostrar un primer plano de los ojos de la víctima, para luego deslizarse por el suelo del baño. más allá del baño, después de lo cual entraría en la habitación de la víctima y se detendría en la mesita de noche, en la que yace un paquete con un paquete de dinero. En este momento, se muestra a Norman en la ventana abierta, quien desciende los escalones de la casa hacia el motel. El director planteó una tarea tan difícil para los camarógrafos, quienes inicialmente estaban desconcertados por las dificultades de filmar, pero al final las superaron con éxito. La dificultad que acompañó a este episodio se evidencia en el hecho de que hubo que volver a rodar más de 10 veces, lo que llevó varias horas. Hitchcock observó atentamente cada toma, chasqueando los dedos por Lee, indicando así que la cámara se movía a lo largo de su rostro inmóvil. Durante una toma casi completamente exitosa, la piel artificial de Lee se desprendió del agua tibia y el vapor en su pecho. La cansada actriz ya no empezó a reaccionar ante este incidente, pues en ese momento ya le era indiferente. Al preparar un plano tan largo, Hitchcock le exigió a Lee que usara lentes de contacto , y cuando el oftalmólogo dijo que la actriz necesitaría un mes y medio para adaptarse, cortó categóricamente: "Querida, tendrás que lidiar con esto tú misma". [ 91] . Después de la muerte de Marion en la película, sus ojos abiertos con pupilas contraídas se muestran en primer plano. Tras el lanzamiento de la cinta, el director recibió comentarios al respecto, ya que desde el lado fisiológico esto no es cierto: de hecho, las pupilas de una persona se dilatan después de la muerte. Uno de los médicos envió una carta donde señalaba este desliz y recomendaba que se instilara belladona en los ojos del "cadáver" para simular el efecto de un ojo muerto. Hitchcock usó este consejo cuando filmaba la película " Frenzy " (1972) [K 4] , en la escena del asesinato de Brenda ( Barbara Leigh-Hunt ) por un maníaco sexual [93] .
Debido a su forma de trabajar, Hitchcock se limitó a unas pocas tomas y terminó con menos metraje que sus colegas. En este sentido, le llevó menos tiempo instalarlo (generalmente varias semanas). Sin embargo, debido a las peculiaridades de la escena del asesinato de Marion, que podrían suscitar objeciones por parte de los censores, se decidió volver a montarla de manera urgente. El mariscal Shlom, invitado a pedido del director, y el editor George Tomasini participaron en el trabajo de edición. Además, según Saul Bass, también participó en la edición de las imágenes que filmó. Junto con Tomasini, lo tomaron el sábado, ya que este último trabajó durante el fin de semana para preparar rápidamente el material para la demostración al director. Bass dijo que después de ver a Hitch, hizo dos cambios. “Uno tenía una mancha de sangre en Janet Leigh cuando comienza a caer mientras el cuchillo continúa clavándose en ella; otro muestra un cuchillo siendo apuñalado en su estómago. Le pusimos un cuchillo en el estómago y de inmediato se lo quitamos. Creo que fue un suplente" [94] . Hitchcock le mostró la escena a su esposa, Alma Reville, quien había sido su asistente indispensable desde la década de 1930, incluso en la edición de películas. Según los biógrafos, la observadora Alma llamó la atención sobre un error que pasó por alto durante la edición. De una sola vez, Li, tirada en el suelo con la mirada fija, tragó saliva por reflejo. La actriz recordó más tarde que la esposa de Hitchcock vio una leve contracción muscular en un primer plano de su ojo. Shlom también comentó sobre esta situación: “En ese momento no había tantas posibilidades técnicas como ahora. Después de ver este episodio cien veces, no notamos nada en absoluto. Por lo tanto, tuve que cortar este cuadro y pegar el metraje nuevamente” [95] .
Se eliminó de la versión final un plano general tomado desde un punto alto que mostraba el cadáver de Marion tirado en el baño con las nalgas desnudas. Se suponía que debía aparecer justo antes de que se mostrara su ojo congelado. Molesto por tal proyecto de ley, Stefano, el director explicó que lo había hecho por motivos de censura. Tal como lo concibió el guionista, se suponía que el "marco desgarrador" que había concebido enfatizaría la "tragedia de una vida perdida", "la muerte de tal belleza": era a la vez "poético" y "terrible". Se produjo una discusión entre el escritor y el director, alimentada, entre otras cosas, por desacuerdos sobre la eliminación de otros elementos "sensuales" y "de la vida". Según Rebello, tras el fracaso de Vértigo, Hitchcock evitó este tipo de episodios de todas las formas posibles, explicando que quería rodar sólo una "sorpresa". En el calor de la discusión, Stefano afirmó que si el marco se cortó solo para evitar volver a insistir en el lado emocional de la historia, entonces él puede adoptar este enfoque. Sin embargo, no puede entender qué hay de reprobable en la exhibición de las nalgas femeninas. “¡Como si hubiera algo de sexual en ello!”, exclamaba en su corazón [96] .
Toda la banda sonora de la película está interpretada exclusivamente con instrumentos musicales de cuerda . Fue escrito por Bernard Hermann , quien había contribuido a cinco películas de Hitchcock antes de eso. El compositor ha estado trabajando en su nueva película desde noviembre de 1959 [97] . Originalmente, se suponía que la música en la escena del crimen no sonaba, como en general en las escenas del motel con Marion [K 5] , pero Hermann persuadió al director para que la incluyera allí [99] . Entre los requisitos que planteó Hitchcock al compositor, así como a los ingenieros de sonido Waldon O. Watson y William Russell, estaba que en la escena del crimen hubiera puñaladas, ruido de ducha (constante y monótono) y, sobre todo, durante la primer plano cuando se muestra el desagüe en el baño [100] .
Una conversación detallada entre el compositor y el director tuvo lugar después de la primera proyección de la primera versión (borrador), presentada el 26 de abril de 1960. Hitchcock no estaba satisfecho con el resultado, ya que arriesgó no solo su reputación, sino también los fondos personales invertidos en el proyecto. Estaba muy nervioso, y el compositor ofreció su solución para potenciar el impacto de la escena. “Simplemente se volvió loco. No sabía lo que había hecho”, recordó el músico, quien incluso dijo que no estrenaría la película, pero la mostraría en su serie de televisión Alfred Hitchcock Presents [101] . El director quedó tan impresionado con la música y especialmente con los "violines chirriantes" que casi duplicó los honorarios del compositor (recibió 34.501 dólares por la obra), por lo que el director decidió recompensarlo por su increíble música. Stefano dijo que la banda sonora fue sin duda un fenómeno pionero en la música de cine, pero fue preparada por colaboraciones previas entre Hitchcock y Herrman, sobre todo Vértigo. En "Psicosis" la música, según el guionista, transmite "sentimientos del abismo de la psique humana, miedos, deseos, arrepentimientos - en otras palabras, el universo inagotable de Hitchcock" [26] . Más adelante, el director dirá que “el 33% del efecto que se logra al ver una película pertenece a la música” [27] .
Muchos participantes en la filmación creían que el director decidió filmar una escena extremadamente audaz para esos tiempos, con cuya creación habría problemas insuperables. Entonces, el director de producción Lew Leary incluso dijo que esta vez el maestro no podría hacer frente. Casi todos creían que la versión final solo incluiría imágenes del asesino entrando al baño con un cuchillo en la mano, tras lo cual saldría sangre y la víctima caería. Según Helen Colvig, todos pensaban que "todo este trabajo de edición con clips y fragmentos de películas se hace solo por el bien de la censura y la edición, que él tenía en la cabeza". También dijo que era "terriblemente escandaloso para la época" [102] . El 26 de abril de 1960, Hitchcock mostró una versión toscamente editada (sin música ni créditos) a los miembros del equipo; muchos de ellos se sorprendieron por el efecto, ya que la película resultó mejor de lo que esperaban [103] . Se recibió una versión abreviada y editada de 111 minutos antes de que llegara el verano. Se demostró a una audiencia más amplia. Después de la proyección, Hitchcock le preguntó a Leigh qué pensaba del resultado. En respuesta, dijo que en la escena del crimen sintió que el cuchillo realmente se le clavaba en el cuerpo [104] . Después de revisar la película, Bass quedó muy impresionado de que "un pequeño asesinato muy breve y efectivo" resultara tan impresionante, pero aún no entendía qué efecto tendría la escena en el espectador, cuán "impactante" resultó. [105] .
Shlom recordó que en el set, Hitchcock estaba especialmente complacido con la anticipación de la pelea con los miembros de la comisión de censura y las "trampas" que les había preparado. Cuando el intermediario entre esta junta y Paramount Studios, Luigi Lurasi, mostró la película a los siete miembros de la comisión, estos exigieron que se les presentara la escena para un estudio más detallado. Tres de ellos lo vieron como una obscenidad y los otros dos no. El estudio recibió una nota que decía: "Elimine la desnudez". Al día siguiente, el director les devolvió su película, donde no cambió nada y solo la volvió a empaquetar. Aparentemente arrepentido, expresó su voluntad de seguir las demandas de la oficina de Sharlock. Sin embargo, al volver a verlo, sucedió lo contrario: los tres que previamente habían notado algo reprobable cambiaron de opinión esta vez, y aquellos que inicialmente no expresaron ningún comentario sobre este episodio ahora vieron desnudos. Aclarar las posiciones del consejo tomó alrededor de una semana, por lo que Hitchcock estaba muy feliz. El resto se sabe por las palabras de Shlom: el maestro dijo que estaba listo para quitar algo, pero solo si se le permitía abandonar la escena de la cama en el hotel con Marion y su amante Sam Loomis (John Gavin) desde el principio. de la imagen La comisión no estuvo de acuerdo con esto, por lo que sugirió que si la escena en la ducha permanecía intacta, volvería a filmar la "escena número 1". Pero para esto, los miembros de la comisión deben estar presentes en el set para que pueda entender qué será aceptable y qué no. Como resultado, a pesar de que la nueva filmación estaba programada, nadie de la comisión vino. Como resultado, no se realizaron cambios ni en la escena inicial de la película ni en la escena del crimen de Marion. Shlom dijo que la comisión reconoció que "no hay desnudez en la escena de la ducha, que, por supuesto, siempre estuvo en el episodio". Hitchcock hizo solo concesiones menores a los censores al eliminar parte del diálogo, reduciendo el tiempo de ejecución de la película a 109 minutos . Se ha sugerido que en la escena en la que Marion rompe la nota y la tira por el inodoro, el director pretendía provocar a los censores. En cualquier caso, este momento llegó a la película, a pesar de que la demostración de la taza del inodoro fue provocativa e incluso única en el cine de Hollywood de la época. Sin embargo, la literatura señala que este es otro ejemplo del "ingenio de Hitchcock, tratando de escandalizar a la audiencia" [27] .
Posteriormente, surgieron varias leyendas sobre la historia de la creación de la escena y sus características, a menudo contradiciéndose entre sí, y comenzó un animado debate. Así, el tema de consideración por parte de investigadores y espectadores fue la participación o no de Perkins en el rodaje, estuviera o no desnudo Lee [68] . Algunos observadores meticulosos "consideraron" que el cuchillo penetró la carne de la víctima por encima del pezón. Esto fue refutado por Richard J. Anobile , quien describió la película cuadro por cuadro en su detallado libro Psycho (1974) [76] . Muchas preguntas surgieron con respecto a la autoría y los participantes en el episodio. Hubo rumores sobre la participación de un grupo especial de cine de Japón o Alemania . La mayor parte de la controversia fue sobre el alcance de la participación de Bass en la producción del famoso episodio [107] . En muchos sentidos, esto fue alimentado por su posición y la celosa actitud de Hitchcock hacia el reconocimiento de los méritos de otras personas [68] . Así, en una conversación con Truffaut, habló con moderación sobre la contribución de Bass a la película, diciendo que lo había invitado a diseñar carteles. Después de que se interesó en la película, se le asignó el guión gráfico de la escena en las escaleras antes del asesinato del detective Arbogast. Sin embargo, según el director, no utilizó las soluciones de edición del artista y le dijo a su colega francés cuán significativamente diferían sus versiones. No se sabe nada del reconocimiento público de Hitchcock a la contribución de Bass a la escena de la ducha, pero este último ha hecho repetidas afirmaciones en esta área. Entonces, en una entrevista con el tabloide londinense The Sunday Times , afirmó que él mismo hizo la escena, "literalmente cuadro por cuadro, de acuerdo con sus guiones gráficos", pero más tarde Hitchcock tuvo sus propios pensamientos al respecto. El periodista simpatizante de Bass presentó el papel del artista como si fuera él, y no Hitchcock, quien dirigiera esta escena. El artículo iba acompañado de ilustraciones de los storyboards de Bass [108] . En 1981, Bass admitió a Variety que filmó la escena de la ducha en presencia de Hitchcock, con su generoso permiso después de aprobar el metraje inicial (de prueba) de la cámara en mano . Estas afirmaciones han sido refutadas en repetidas ocasiones por testigos presenciales de la creación de la escena, quienes afirmaron que fue puesta en escena íntegramente por el director [110] .
Durante mucho tiempo, Bass trató de demostrar su papel en la creación de la escena, aparentemente por resentimiento por la actitud desdeñosa de Hitchcock hacia él. Sin embargo, tras la muerte del director, Saul Bass se replanteó su postura. Se volvió más equilibrado sobre su papel en la creación de la imagen, reconociendo la contribución de Hitchcock: “La gente a menudo me preguntaba: ¿qué crees que él [Hitchcock] se atribuyó a sí mismo toda la autoría de la escena en la ducha? Respondí: No me avergüenzo en absoluto de haber servido como instrumento con el que se hizo algo. Psychopath es 100% una película de Hitchcock. Mucha gente aporta algo diferente a la película, y en Psychopath tuve la suerte de ser uno de ellos, pero la verdad es que cada elemento de la película dependía de la decisión de Hitchcock. Incluso si mi papel no causara ninguna controversia, incluso si todos a mi alrededor reconocieran que yo era el director de esta escena, seguiría perteneciendo enteramente a Hitchcock . Dijo que sus palabras fueron distorsionadas, en particular por The Sunday Times y otros periódicos, y que su papel era en realidad ayudar al director, que estaba ocupado con muchos problemas asociados con la producción de la película [109] . Según el crítico Roger Ebert , la participación directa de Bass en el rodaje de la versión final se puede atribuir a esas leyendas urbanas que se están difundiendo debido a que las personas que se enteran unos de otros las repiten muchas veces. El crítico descartó la versión de Bass como insostenible, basándose en la naturaleza "perfeccionista" de Hitchcock, cuyo " ego " no le permitiría confiar la puesta en escena de un episodio clave a nadie más [111] .
El estreno de "Psicosis" fue precedido por una elaborada campaña publicitaria que se ha vuelto legendaria en la historia del cine [112] . Entre otras cosas, fue precedida por tres avances promocionales filmados el 28 y 29 de enero y el 1 de febrero de 1960 por el especialista en efectos especiales Rex Wimpy . Reflejaron el enfoque adoptado en otras promociones asociadas con la película. Los dos primeros comerciales se exhibieron en los cines aproximadamente un mes antes del estreno del thriller: el primero trataba sobre el hecho de que "nadie, nadie en absoluto" debería entrar al salón después del comienzo del espectáculo, y el segundo (con El comentario de Hitchcock: "Eso es todo lo que tenemos") contenía un llamamiento a la audiencia: "Por favor, no digan cómo terminó la película" [113] . El comercial más memorable fue escrito por el dramaturgo y guionista James B. Allardice , quien estuvo estrechamente relacionado con el director en Alfred Hitchcock Presents [114] . En él, el "rey del terror" actuó como una especie de guía de la casa "siniestra" y el motel Bates, donde ocurrieron "hechos terribles y sangrientos". Al mismo tiempo, al describir la casa y los crímenes que en ella tenían lugar, Hitchcock buscaba mantener el secreto e interesar al espectador potencial. Así, las alusiones a los asesinatos no apuntaban a la digna "simpatía" de Bates, sino a su "Madre". En el salón del motel donde cenaron Norman y Marion, Hitchcock enfatizó el hecho de que esta era la habitación favorita del propietario, así como el hecho de que le gustaba la taxidermia, como lo demuestran los pájaros disecados que cuelgan de las paredes. Además, el "guía" señaló con el dedo una reproducción del cuadro "Susanna y los ancianos" del artista holandés Willim van Mieris , diciendo que era de gran importancia [4] [5] . En cuanto al baño, Alfred notó lo limpio, brillante que estaba y no había rastros de un crimen sangriento en él, durante el cual el asesino se acercó sigilosamente a la víctima sin ser notado. Al acercarse a la ducha, el director abrió bruscamente la cortina, detrás de la cual había una rubia, pero no Janet Leigh, como cabría esperar, sino Vera Miles con peluca. Con la música de Herrman, gritó con fuerza, la cámara se alejó de ella y Hitchcock declaró: "¡Debes ver esta película desde el principio o no mirarla en absoluto!". El libro también fue reeditado, aparecieron más de diez anuncios radiales, grabados con la participación de Hitchcock. Además, realizó una gira promocional con su esposa, y en una entrevista para la revista Life declaró pomposamente que su nueva creación trataba “sobre un asesinato en un motel y sobre un espantapájaros aficionado que expresaba el amor filial de una manera extraña” [115]. ] .
Cualquiera que haya visto "Psicosis" puede no recordar la trama. Pero casi nadie puede olvidar la integridad del montaje de la escena del crimen de la heroína. El ataque contra ella comienza con un primer plano del ojo del asesino pegado al agujero del baño y termina con el mismo primer plano de la mirada muerta y congelada de la víctima.
Elena Kartseva sobre la escena en la ducha [116] .Psycho se estrenó el 16 de junio de 1960 en la ciudad de Nueva York . La película se convirtió inesperadamente en un fenómeno cultural y de taquilla. Rebello describió el efecto que tuvo de la siguiente manera: "Desmayos, huida de la sala, visitas repetidas a las sesiones, boicots, llamadas y cartas airadas, llamadas desde púlpitos de iglesias y consultorios de psiquiatras para prohibir la película" [117] . La escena del asesinato de Marion tuvo un impacto especial. Stefano, que no esperaba tal reacción, recordó que en el estreno de Los Ángeles, el público estaba abrazado, "gritando, chillando, actuando como niños de seis años en un programa de sábado por la tarde". “Cuando Marion Crane estaba en la ducha y el público vio a una mujer acercándose a ella, pensé que se estremecerían y se irían con las palabras: ‘Qué horror’, pero no esperaba que hubiera tantos gritos”, dijo. con sorpresa [ 118] Robert Bloch calificó la escena de la ducha como el logro más destacado de Hitchcock, no solo en esta película, sino quizás incluso en toda su obra. En su opinión, es "inolvidable", lo que se logró influyendo en la imaginación de los audiencia: "Esto que hace grande a la escena es el arte de la edición, que se hace para que el director no necesite mostrar el cuchillo que atraviesa la carne, lo terminas en tu imaginación, transfiriéndolo a las páginas de un libro, por ejemplo, obtendría solo un informe seco ("clínico") que no causa ningún impacto en la audiencia: "Por lo tanto, en el libro se abre el telón, el cuchillo corta el grito de la víctima y sacude la cabeza y ¡bam! - el final del capítulo" [119] .
La película, que inicialmente recibió críticas mixtas de los críticos [K 6] y se convirtió en objeto de controversia, mejoró debido al interés de la audiencia y la sólida taquilla [25] [121] . El influyente crítico Bosley Krauser el día después del estreno escribió que la acción es excesivamente larga para Hitchcock, las imágenes son simples, pobres en detalles, la justificación psicológica no es convincente y el desenlace es plano y parece un engaño, que, sin embargo, el El director por el que esta película se hizo famosa mancha su reputación. Sin embargo, al cabo de unos años, Krauser cambió de opinión, llamando clásico al estilo Psycho y teniendo una indudable influencia en el cine. McDonald describió la película como "solo uno de esos programas de televisión, que solo se extendió durante dos horas con tramas secundarias y detalles realistas", viéndola como "el producto de la mente más repugnante, miserable, vulgar y sádica " [122] . Un crítico del tabloide británico Daily Express , escribiendo en "Asesinato en el baño y aburrimiento en el pasillo", afirmó: "Es increíblemente triste ver cómo una persona verdaderamente grande hace el ridículo" [123] . El propio Hitchcock negó ser un fanático de la violencia, incluso en el cine, lo que se confirma con hechos repetidos de su vida. Expresó su opinión sobre el naturalismo de algunos episodios de la película al psiquiatra Fredrik Wertham , afirmando que el asesinato en el baño de ninguna manera demuestra ni su deseo personal de crueldad ni su forma de pensar [124] .
La escritora y crítica británica Caroline Eli Lejeune, después de publicar un breve artículo sobre la película en el periódico The Observer , donde trabajó desde 1928 hasta 1960, dejó de escribir críticas, desilusionada con la producción cinematográfica moderna [125] . Tomó muy negativamente la nueva película de su compatriota, aunque previamente había aprobado muchas de sus obras. Al describir la trama, describió la escena de la ducha como "uno de los asesinatos más atroces en la historia de la pantalla". “Monstruoso, como un desagüe en un baño. Psycho no es una película larga, parece serlo. Quizás porque el director se deleita con las posibilidades técnicas; quizás porque no quiero empatizar con ninguno de sus personajes" [126] . El teórico del cine y escritor estadounidense John Howard Lawson , en su obra “El cine es un proceso creativo” ( Film, The Creative Process: The Search for an Audio-Visual Language and Structure ; 1964) caracterizó la obra de Hitchcock como “profundamente psicópata”, con un "enfoque clínico de los problemas del comportamiento moral" más pronunciado que incluso en las películas " negras " de sus contemporáneos condenadas por él, pero en comparación con ellas con menos atención al sexo. Lawson no entendía por qué los representantes de la Nueva Ola francesa ( Eric Rohmer , Claude Chabrol ) llamaron a Hitchcock un director de fotografía "líder", uno de los principales "inventores de la forma", comparable a Friedrich Murnau y Sergei Eisenstein . Según Lawson, con todos los méritos de Hitchcock, es problemático separar sus puntos de vista éticos, marcados por una fuerte influencia del catolicismo, de la "indulgencia en los gustos más viciosos". En este sentido, cita el ejemplo de la escena del crimen en "Psicosis", que muestra una imagen de sangre arremolinándose en el baño, lo que en sí mismo es un "magnífico" logro cinematográfico. Sin embargo, desde el punto de vista estético, tal disparo no tiene justificación, ya que "reduce la muerte a un shock físico causado por la visión de la sangre que fluye" [127] . Una reevaluación significativa del thriller tuvo lugar en la década de 1980, cuando varios historiadores y críticos de cine lo calificaron como una obra maestra sobresaliente. El biógrafo de Hitchcock, el estudioso del cine Robin Wood , lo reconoció como "una de las obras clave de nuestro siglo"; el director Peter Bogdanovich la describió como probablemente la película más visual y cinematográfica jamás realizada; el crítico Peter Crowey llamó a esta película de Hitchcock "la película de terror más inteligente y perturbadora que jamás haya hecho" [128] .
La película recibió cuatro nominaciones a los Premios de la Academia , incluyendo Mejor Actriz de Reparto (para Lee) y Mejor Director (para Hitchcock). Se convirtió en un clásico del cine reconocido, recibió el estatus de culto y en 1992 se depositó una copia en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos [129] . En 2015, ocupó el octavo lugar en la lista de las 100 películas estadounidenses de todos los tiempos de la BBC por parte de los críticos de cine, siendo Hitchcock el director más destacado con cinco películas . "Psicosis" influyó en películas posteriores del género de terror y suspenso (identidad de la víctima y del asesino, lo repentino del ataque y su visualización desde el punto de vista de la víctima, escenas de sexo, violencia, desnudez) [24] . Según la culturóloga estadounidense Carol J. Clover , no se puede decir que ninguno de estos rasgos sea original, pero "el éxito sin precedentes de esta fórmula hitchcockiana, debido principalmente a la sexualización tanto del móvil del crimen como de la acción, ha llevado a muchas imitaciones y variaciones. Clover vio a Psycho como el predecesor inmediato del subgénero de películas de terror slasher . Según él, los slashers sin duda deben muchos de sus elementos a la película de Hitchcock y, rindiéndole un "homenaje visual", muchos de ellos contienen referencias directas a su antecesor, "al menos de pasada: si no por asesinato en el alma, entonces al menos mostrando un drenaje de agua o la sombra de una mano con un cuchillo en alto. En vista de la importancia de "Psicosis" para el desarrollo del género, estructuró su análisis de la representación de la mujer en las películas de terror teniendo en cuenta los elementos formadores de sistemas tomados de la obra de Hitchcock (asesino, escena, arma homicida, víctima, conmoción). efecto) [132] . El estudioso de la cultura pop William Schöll, al señalar la influencia de la película, incluyó una referencia a la película de Hitchcock Stay Out of the Shower: Twenty-Five Years of Shocker Films Beginning with Psycho en el título de su libro sobre la historia de las películas de terror, Stay Out of the Shower: Veinticinco años de películas impactantes que comienzan con Psycho , 1985. [133] . Según él, el género le debe mucho al maestro, pero al mismo tiempo, las películas de terror se modernizaron con el tiempo, se volvieron más sangrientas y naturalistas. En particular, esto se refiere al número de víctimas, ya que "otros directores se dieron cuenta de que lo único mejor que un asesinato monstruoso de una mujer hermosa solo puede ser toda una serie de asesinatos monstruosos de mujeres hermosas" [134] . Según Clover y algunos otros escritores, el asesinato de Marion generó más "investigación, comentario y análisis cuadro por cuadro desde un punto de vista técnico que cualquier otra escena en la historia del cine", porque contiene muchas alusiones, pero al mismo tiempo tiempo muestra bastante, representando violencia indirecta en la pantalla [135] .
Según una encuesta de críticos de 2004 realizada por la revista de cine británica Total Film la escena de la ducha fue votada como "la mejor película de muerte" de todos los tiempos . El escritor Peter Ackroyd , en su biografía Alfred Hitchcock (2015), escribió que la secuencia del asesinato de Marion "se llama con razón la escena más memorable de la historia del cine" [27] . Algunas escenas de la película se han convertido en clichés que suelen utilizarse en otras películas, a menudo en un contexto paródico (por ejemplo, la aparición de Norman Bates vestido de mujer o la escena con el cadáver de su madre) [137] . Esto es especialmente cierto en el caso de la escena de la ducha, que se considera una de las más famosas no solo en la filmografía de Hitchcock, sino también en la historia del cine: se reprodujo repetidamente en varios géneros de la cultura y el arte [138] [139] [140 ] . El estudioso del cine Helmut Korte comparó el asesinato de Hitchcock a los 45 minutos con una escena similar en Psycho 2 de Richard Franklin. En la secuela, a diferencia del original clásico, este episodio se ubica al principio y es una versión abreviada del asesinato de Marion de la película de 1960. La cita termina con la casa de Norman exclamando "¡Mamá, está cubierta de sangre!" [8] antes de que aparezcan los créditos [141] En la nueva versión del mismo nombre , dirigida por Gus Van Sant , que pretende ser una nueva filmación en stop-motion que imita los movimientos de cámara y los cortes de la película original de Hitchcock, una de los pocos cambios son en la escena de la ducha. En él, Norman ( Vince Vaughn ) espía a Marion (Anne Heche) desnuda y se masturba . En la serie Scream Queens (2015-2016), el episodio "Mommy Dearly" también recrea la escena del asesinato de Marion casi cuadro por cuadro. Los directores de la película dudaron de la idoneidad de la participación de Jamie Lee Curtis en ella , ya que Janet Leigh, su madre, hacía el papel de víctima en la película original. Sin embargo, la propia Curtis estuvo de acuerdo de inmediato. Después del ataque, su personaje dice: "¡He visto esta película 50 veces!" [143] La película biográfica estadounidense dirigida por Sacha Gervasi, basada en el documental Alfred Hitchcock and the Making of Psycho de Stephen Rebello , aborda la relación inestable entre Hitchcock ( Anthony Hopkins ) y su esposa y asistente de toda la vida Alma Reville ( Helen Mirren ) durante la realización. de Psico. Al rodar una escena en la ducha, el director no se conforma con los lentos movimientos de la suplente, que golpea a Janet Leigh ( Scarlett Johansson ). De repente, Hitchcock salta de su silla, abre la cortina y él mismo blande vigorosamente el cuchillo, asustando a Lee. En la amargura, representa a su esposa en lugar de la actriz, de quien está celoso el escritor Whitfield Cook ( Danny Huston ) [144] . Después de un estallido de ira, Alfred recupera el sentido, arroja el cuchillo y dice que la película incluirá imágenes con un doble de riesgo, que inicialmente rechazó. Más tarde, los cónyuges reconciliados comienzan a trabajar juntos en la película. Entre otras cosas, Alma convence a su marido para que acepte la propuesta de Herrmann de utilizar música de cine innovadora en la escena del asesinato de Marion .
En 2017, el director Alexander O. Phillip completó el documental 78/52, en el que había estado trabajando durante tres años: estaba dedicado, según un crítico, a probablemente “los tres minutos más famosos de la historia del cine: el asesinato escena en la ducha de la famosísima película de Alfred Hitchcock. Su autor, a su vez, calificó el asesinato de Marion como “la escena más icónica y significativa de la historia del cine”. La cinta incluía entrevistas no solo con personas involucradas en el thriller, sino también con cineastas como Guillermo Del Toro , Peter Bogdanovich, Karin Kusama y Eli Roth , así como con destacados editores de Hollywood [146] . El título "78/52" se refiere a la cantidad de cortes y ángulos de cámara utilizados en el famoso episodio [147] [5] . El documental narra el impacto del asesinato de Marion en el cine y la televisión, mostrando escenas significativas de obras que hacen referencia a ella ( I Saw What You Did de William Castle , Fear of Heights de Mel Brooks , Halloween de John Carpenter , Razor Brian De Palma , Deadly Fun de Tobe Hooper , Los Simpson , Concert of Horrors de Lucio Fulci , Iron de Richard Stanley , That '70s Show , Looney Tunes: Back in Action de Joe Dante , Scream Queens). Destaca especialmente la recepción en italiano del giallo , en particular, en la obra de Mario Bava y Dario Argento , máximos representantes de este subgénero del terror. Además, el combate de boxeo entre Jake LaMotta ( Robert De Niro ) y Sugar Robinson (Johnny Barnes) de Raging Bull (1980) de Martin Scorsese se yuxtapone con "Psycho" . Está filmado de tal manera que Robinson golpea al enemigo como la "Madre" de Hitchcock a su víctima. El director estadounidense construyó la secuencia de tomas en el mismo orden, hasta que la sangre y el sudor salpicaban la lona, el héroe de De Niro deslizándose por las cuerdas [5] . En 2020, la escena de la ducha se volvió a rodar en Hungría en honor al 60 aniversario del thriller: en esta versión, dura unos tres minutos y la protagonizaron 60 actrices, cada una de las cuales obtuvo un fotograma [148] .
Un giro argumental inesperado en la forma de la muerte de Marion y, como resultado, un cambio en el género narrativo ha llamado repetidamente la atención de los investigadores. Así, el guionista y teórico del arte en el campo de la escritura de guiones , Robert McKee , señaló que Hitchcock aplicó repetidamente un “final falso”, no solo al final de la película, sino también en el medio. En "Vértigo", esto siguió al suicidio fingido de Madeleine ( Kim Novak ), que marcó el clímax de la primera parte, después de lo cual, en la segunda mitad, aparece bajo la apariencia de una nueva heroína, Judy. En Psicosis también ocurre una situación similar: el pico emocional se alcanza antes del final de la primera mitad, cuando Marion muere inesperadamente. Tal movimiento de trama conduce a un cambio en la percepción de la audiencia sobre lo que está sucediendo, ya que al principio el director trató de dirigir la atención de la audiencia hacia la historia del robo de dinero y la fuga, para despertar simpatía por el destino de Marion. Pero la muerte de la niña, que es un impulso emocional y formal para el desarrollo de la trama, cambia radicalmente el género de la película: se transforma de una historia criminal en un thriller psicológico. McKee también enfatizó que el asesinato marca un cambio en el personaje principal, ahora la posición central la ocupa la hermana de la víctima, amiga y detective privada [149] . En contra de esta opinión, Christopher Vogler , autor de una metodología para guionistas , opinó que después de la interrupción de la trama de Marion, no hay un solo personaje con el que la audiencia se identifique. El espectador no tiene con quién identificarse y, poco a poco, Norman, un extraño gerente de un hotel de carretera [150] , toma el lugar de la víctima .
La muerte de Marion conmociona al espectador. De repente nos parece que nosotros, como un espíritu incorpóreo, estamos flotando entre bastidores, observando la sangre de la niña fluir hacia el orificio de drenaje. ¿Con quién te identificas ahora? ¿Quién ser? Pronto queda claro que el autor no nos deja otra opción: solo Norman. Penetrando de mala gana en su mente, miramos la historia a través de sus ojos, y gradualmente se convierte en nuestro nuevo héroe. Al principio, pensamos que el extraño joven está encubriendo a su loca madre, pero resulta que él mismo es el asesino. ¡Desde la mitad de la película, hemos estado mirando el mundo a través de los ojos de un psicópata!
— Christopher Vogler [150]El estudioso del cine Helmut Korte, en su obra "Introducción al análisis sistémico del cine", se detuvo en varios aspectos de la película y su famosa escena. Al igual que otros investigadores, destacó una característica de la narración como el hecho de que no es lo que parece a primera vista, así como la posición del espectador en relación con los personajes centrales. Así, en la primera mitad, el espectador imagina que estamos hablando de “amor y sexo extramatrimonial”, fenómenos inmorales para las costumbres puritanas de los Estados Unidos de finales de los años cincuenta. Además, el director intenta con todas sus fuerzas presentar todo de tal manera que la trama se desarrolle en torno al robo del dinero de Marion, sus "sentimientos de culpa", y también que el tema de los pájaros ocupe un lugar importante o ser importante para la acción posterior. Sin embargo, estos movimientos en falso se resuelven en la escena de la ducha: “A lo sumo 45 minutos, en el momento del asesinato de Marion, mostrada como figura para su identificación, queda claro que el autor está contando una historia completamente diferente” [ 151] .
Truffaut también se detuvo en el problema de la identificación: el espectador no puede finalmente identificarse con ningún personaje. El mismo Hitchcock confirmó esta opinión, afirmando en respuesta a este razonamiento que en este caso no había necesidad de ello, ya que necesitaba despertar simpatía precisamente en el momento de la muerte de la niña. Aclaró su intención al señalar que toda la primera parte (la historia de Marion) es un "engaño", que se hizo intencionalmente para desviar la atención de la audiencia y crear más impresión en la escena del crimen. Quería sorprender "matando a la estrella" en un momento en que la película aún no había llegado ni a la mitad, para hacer impredecible la muerte de la heroína. Esto explica su deseo de mantener alejados a los espectadores retrasados hasta la próxima proyección, ya que "habrían estado esperando en vano a que Janet Leigh apareciera en la pantalla después de haber desaparecido de la trama de la película" [152] . Además, la incautación de la edición diez mil de la novela de Bloch perseguía el mismo objetivo. El caso es que, a pesar de la cercanía argumental del libro y la película, existen diferencias significativas en su estructura. Si el primer capítulo de Bloch está dedicado a Norman y su madre, y Marion Crane aparece en el segundo, entonces la historia de Hitchcock se desarrolla al revés, en orden cronológico lineal. Esto permitió no solo presentar el primer tercio de la película como un “engaño”, sino también lograr la “absoluta pureza de efecto”, con la que también contaba la escritora, para que el lector, habiendo leído sobre su inesperada muerte. , “exclamó”: “¡La perdimos! Dios mío, ¿y ahora qué? [153] Clover insistió en el deseo del director de hacer que el espectador se identificara con Marion ("víctima igual a público"). Al respecto, la investigadora citó las palabras de Hitchcock durante el rodaje de Los pájaros: “¡Atormenta a la mujer! El problema hoy es que no torturamos lo suficiente a las mujeres . Peter Ackroyd señaló que la imagen en su conjunto corresponde exactamente al contenido del libro, pero el asesinato de Marion ha sido revisado radicalmente. En el libro, se dedica media página a este fragmento, y el maníaco decapitó a la víctima. Ackroyd también señaló la naturaleza innovadora de la muerte de Marion, contrariamente a las expectativas estándar y la tradición cinematográfica, ya que se consideró inapropiado matar a la "estrella" si la película aún no había llegado a la mitad. “Después de esta escena, la audiencia permanece en un estado de duda y suspenso, ya que de repente son sacados de su zona de confort cuando están viendo la “película” de manera desapegada. Ahora solo pueden mirar la pantalla con creciente asombro” [27] .
Contrariamente a su reputación, Psycho es una película de terror notablemente discreta; Hitchcock incluso optó por filmarla en blanco y negro para que la sangre en la escena de la ducha no pareciera sangre, y uno de los viejos chismes, aparentemente apócrifos, dice que Hitch originalmente iba a filmar toda la película en color. con la excepción de la escena de la ducha: se suponía que sería en blanco y negro.
Stephen King [154] .El escritor Stephen King , en su estudio " Dance of Death ", incluyó a "Psycho" y "Birds" en la lista de las películas más terribles de los años 1950-1980 (numeradas 3 y 13 respectivamente) [155] . Comparó las escenas de la ducha y la niña que mata a su madre con una pala en La noche de los muertos vivientes de George Romero , señalando que para un espectador "sorprendido" parecen "interminables" [ 156] . King también llamó a "Psicosis" un "modelo" que cualquier persona que aspire a ser cineasta debería estudiar. En esta obra maestra de "sangre - un mínimo, y horror - un máximo": "En la famosa escena en la ducha, vemos a Janet Leigh, vemos el cuchillo; pero nunca vemos el cuchillo hundido en Janet Leigh. Puedes pensar que lo has visto, pero no es así. Tu imaginación lo ha visto, y esta es la gran victoria de Hitchcock. Y toda la sangre que hay en esta escena va al entramado del alma. Además, el escritor en prosa también señaló que el autor, incluso en medio de la película, le sirve al espectador un "gran filete de terror a medio hornear" (escena de la ducha), y la historia posterior se vuelve "casi aburrida", ni siquiera llegando al clímax, que, según él, son palabras, "sólo un silbido" [157] .
Muchas de las tomas fueron realizadas en primeros planos y extraprimeros planos, a excepción de los planos medios inmediatamente antes e inmediatamente después del asesinato [158] . La combinación de primeros planos con su corta duración hace que la secuencia sea más subjetiva que si las imágenes se presentaran individualmente o desde un ángulo más amplio. Este es un ejemplo de una técnica que Hitchcock describió como "transferir amenazas de la pantalla a la mente de la audiencia" [159] . Como saben, la audiencia de principios de la década de 1960 quedó muy impresionada con la escena en la ducha, cuyo "efecto impactante" se debió no solo a la imprevisibilidad de su trama, sino también a la "cinemática" causada por las peculiaridades de la magistral uso de la edición y el sonido. La literatura indica que la composición de la escena confirma la observación de los directores de fotografía franceses Eric Rohmer y Claude Chabrol, los primeros investigadores a fondo de la obra de Hitchcock, según los cuales el maestro “la forma no embellece el contenido, lo crea” [121] . En cuanto a la duración de la escena y los fotogramas incluidos en ella, en la literatura se expresaron varios puntos de vista, pero la mayoría de las veces se habla de 45 segundos. Korte dividió la película en episodios y puestas en escena con tiempos de ejecución, asignando el número 4 al "asesinato de Marion":
Rebello, al señalar la influencia de la escena en el cine, escribió que en términos de sus características visuales y de rendimiento, es una verdadera obra maestra. Hitchcock logró tanto excitar los nervios y escandalizar al espectador, como ocultar la identidad del verdadero asesino y la desnudez de la víctima. Lo que es más importante, el montaje impresionista estilizaba y abstraía tanto la acción que el episodio evocaba en el espectador un sentimiento de desesperación devastadora en lugar de repugnancia repugnante . Según el crítico de cine francés Jacques Lourcelle , el estilo de la película se caracteriza por el hecho de que en los momentos clave "sujetando firmemente al espectador, fascinado por la expectación, el miedo o la sorpresa, el director se lanza de cabeza a los experimentos", como fue el caso. en la "famosa escena de la ducha". Ella, a su vez, "a pesar de su rareza, simplemente lleva al extremo la solución de edición utilizada a lo largo de la película". El montaje resultó fraccionario, con planos cortos, a pesar de que Hitchcock se había consagrado previamente como "un maestro insuperable de los planos largos " (" La cuerda ", " Bajo el signo de Capricornio "). Esta característica se manifestó claramente en la escena del crimen, donde el director “con diabólica eficiencia alterna y mantiene en un precario equilibrio la persistencia y el silencio; muestra tanto como esconde; maneja las emociones de la audiencia a través de estímulos hábilmente dosificados, pero al mismo tiempo se abstiene de demostrar lo principal (cómo el cuchillo entra en el cuerpo de la víctima). A pesar de la aparente sencillez de tal efecto, numerosos epígonos de Hitchcock nunca han podido lograrlo, ya que “siempre olvidan una buena mitad del secreto del Maitre, a saber: lo que no muestra pone nervioso al espectador aún más que lo que no muestra.” muestra” [6] . El director británico Adrian Lyne llamó a Hitchcock un verdadero "genio" y la escena de la ducha "revolucionaria" para su época. Sin embargo, en su observación, a pesar de la gran impresión que causa con sus "planos astillados y trepidantes", en comparación con el resto del thriller, se percibe como "extrañamente ingenuo" [161] .
Lurcel enfatizó que los elementos principales de la escena (la cortina y la sombra detrás de ella, el sonido del agua, la amenaza inminente) ya fueron utilizados en la película de terror La séptima víctima (1943), creación del productor Val Lewton y el director Mark . roberto _ Cuenta la historia de una niña joven e inexperta, Mary Gibson ( Kim Hunter ), que llega a la ciudad de Nueva York en busca de su hermana desaparecida, Jacqueline ( Jean Brooks ) , donde se encuentra con un culto clandestino de adoradores del diablo en Greenwich Village . En una escena, Mary se ducha en la pensión donde vive. En ese momento, la Sra. Ready se acerca a ella y se dirige a ella a través de la cortina. Amenaza a Mary e insiste en que la niña regrese a la universidad y se olvide de su hermana, quien, según ella, es una criminal y asesina. Si Mary no deja de buscar, al hacerlo traerá problemas a Jacqueline y será arrestada por la policía. En la evaluación de Lourcel, las similitudes en la acción y la presentación visual durante las escenas de la ducha en ambas películas son "obvias, y sorprendentes para aquellos que ven La séptima víctima por primera vez", y los elementos señalados que anticipan las decisiones de Hitchcock se muestran "con el estilo de Lewton". habitual modestia engañosa » [162] . Otros escritores también han señalado pistas de dirección cercanas en ambas películas: por ejemplo, una niña "desnuda, mojada y vulnerable" está detrás de una cortina de baño transparente y es "invadida por una mujer extraña" [163] .
Algunos investigadores han destacado la influencia del estilo del cine negro , así como un ejemplo tan famoso de la película "negra" de Henri-Georges Clouseau como "Los diablos ", que también termina con un desenlace inesperado. Se basó en la novela policiaca de Boileau-Narcejac She Who Was Gone (1952), cuyos derechos cinematográficos también buscó Hitchcock, pero no logró adquirirlos. En particular, se aprecian algunos ecos entre ambas películas en los episodios de "agua". En la película estadounidense, esta es la escena del asesinato de Marion, la inundación de su automóvil en un pantano. En el thriller francés también son importantes las escenas relacionadas con el agua (el ahogamiento de la “víctima” en el baño; la piscina donde se escondía el cadáver). Se sugiere que tal vez esta "rivalidad de los ausentes" también surgió bajo la influencia de la novela de Bloch, que admitió que durante su creación desplazó escenas de "Los demonios", su película favorita, en su cabeza. Además, es significativo que si el escritor tuviera la oportunidad de elegir un director para la adaptación cinematográfica de su novela más famosa, elegiría a Hitchcock oa Clouseau [164] .
La película está impregnada de todo un sistema de símbolos visuales, alusiones y advertencias. En relación con la escena del primer asesinato, por ejemplo, tal señal para la heroína son los movimientos rítmicos en la superficie del vidrio de los limpiaparabrisas bajo la lluvia cuando conduce por la carretera. Esta imagen se repite de forma modificada en el baño, cuando chorros de agua atraviesan los golpes del cuchillo del asesino. Esta referencia se vuelve aún más válida si sabe que en inglés (inglés americano ), los limpiaparabrisas de los automóviles y el cuchillo (s) no solo son similares en apariencia, sino que también se escriben y se leen de la misma manera: cuchillas [K 7] . El fugitivo es incapaz de valorar correctamente las formidables advertencias simbólico-alegóricas. Entonces, ella percibe al policía que la interroga (una especie de “ ángel guardián ”) como un enemigo, y a Norman, quien se convirtió en su asesino, como un “alma gemela”, e intenta veladamente, con insinuaciones, derramar su alma sobre él. , como en una confesión [165] . La identidad del asesino también es ambivalente en relación con su posición de género, que se revela en el final, que influyó en varias películas posteriores (Razor de Brian De Palma, Eyes of Laura Mars de Irvin Kershner , Psycho 2 de Richard Franklin ) [ 166] . Hasta cierto punto, Bates se presenta como un miembro normal de la sociedad, pero su esencia oculta se revela en el asesinato: "un atisbo de una dama sosteniendo un cuchillo con 'masculinidad indecente para una dama respetable', después de misterios de género adicionales, resulta ser Norman, vestida con la ropa de su propia madre" [167] .
Truffaut, en una conversación con Hitchcock, enfatizó los planos cuando el héroe de Perkins borra las huellas de un crimen. Este episodio, según el director francés, resultó ser incluso "mejor, más armonioso que el propio asesinato". También destacó rasgos notables de la estructura del thriller, en la que la estructura general "establece la escala de la irrealidad de lo que está sucediendo, es una especie de escalada de lo antinatural", con la escena en la cama primero, luego el robo, "una el crimen sigue a otro y, finalmente, la psicopatología. Cada etapa nos lleva más y más alto en esta escalera”. Hitchcock generalmente estuvo de acuerdo con esta evaluación, al tiempo que enfatizó que, como persona, Marion es muy común: es una "burguesa común" [168] . El crítico francés Philippe Demontsablon en el artículo "Letter from New York" ( Cahiers du cinéma , no. 111, 1960) describió la película en comparación con la estructura del Infierno de la Divina Comedia de Dante Alighieri , que consiste en " círculos, uno tras otro cada vez más estrechos y profundos. La muerte de Marion se traslada de inmediato de un círculo a otro, ya que su culpa ahora se fusiona con la culpa de Norman, quien, tras el asesinato en el alma, el espectador (contra su voluntad) comienza a empatizar. Según Lourcelle, “más allá de la simpatía y el horror, la película está llena de melancolía, de tristeza secreta: como si los secretos más íntimos de los personajes aparecieran de repente en las paredes frente a todos. En el Bates Motel, la gente no solo muere, las almas se abren allí". Para entender lo que está pasando, el diálogo entre Marion y Norman en la habitación de los pájaros disecados es de suma importancia: “Al final de este episodio, Marion todavía se considera libre, decide dar un paso atrás, pero no tiene tiempo y cae al abismo” [6] . El esloveno Freudo - filósofo marxista Slavoj Zizek ha señalado que la película en realidad se divide en dos historias, Marion y Norman, que están "pegadas" para formar un "todo monstruoso". El primero de ellos podría tener un significado independiente y obtener un final diferente. Sin embargo, en Hitchcock se resuelve trágicamente: “Por tanto, cuando Marion se ducha, su historia -en cuanto al aislamiento narrativo se refiere- termina en sentido estricto: la ducha juega claramente el papel de metáfora de la purificación, pues ella ya ha decidido devolver y retribuir a la sociedad, es decir, recuperar su lugar en la comunidad. Su muerte no se convierte en "un choque del todo inesperado que corta el núcleo del desarrollo de la narración: se produce en el entreacto, en el tiempo intermedio, cuando la decisión, aunque ya tomada, aún no ha sido ejecutada, no está inscritos en el espacio intersubjetivo público - en el momento en que la línea tradicional de la narración ya puede ser simplemente ignorada…” [169] .
La literatura destaca el importante significado simbólico de las reproducciones de pinturas en la sala de un motel [170] y, sobre todo, la obra del artista holandés Willim van Mieris “Susanna and the Elders” (1731) sobre una historia bíblica común en la pintura [171] . Colgaba en la trastienda de la oficina del motel y escondía un agujero en la pared a través del cual Norman espiaba a Marion mientras se desvestía. La bella judía Susana de Babilonia es un personaje de un episodio del Libro de Daniel de la Septuaginta , la traducción griega del Antiguo Testamento . Fue codiciada por dos ancianos que la espiaron repetidamente . Una vez, cuando la dejaron sola en el jardín mientras se bañaba, pasaron de los espionaje a las amenazas, tratando de obtener su favor carnal. Declararon que si ella no los encontraba, la acusarían de adulterio con un extraño. La niña se negó a satisfacer su deseo, fue acusada falsamente por ellos y por lo tanto sentenciada a muerte, pero en el último momento se salvó gracias al ingenio y el ingenio del profeta Daniel, quien interrogó a los ancianos por separado; los falsos testigos fueron sorprendidos mintiendo y ejecutados, y la virtud triunfó. Esta historia ha llamado repetidamente la atención de los artistas, quienes la representaron principalmente de dos maneras: Susanna se está bañando y los ancianos lujuriosos la observan en el fondo, o ella está tratando de defenderse de su abrazo [5] [4] . Es la última trama que se presenta en el cuadro de van Mieris, que, en relación con la película, se interpreta con el espíritu de protegerla con las manos de un ataque al alma. Este tipo de resistencia activa también podría significar un indicio de que el voyerismo de Norman lo llevará a la violencia. Otra pintura identificada es Venus ante un espejo (c. 1555, Galería Nacional de Arte , Washington ) de Tiziano . La diosa semidesnuda, que cubre su pecho con la mano izquierda, mira en el espejo, que su hijo, Cupido , sostiene en sus manos . En este sentido, llamó la atención la gran cantidad de espejos, superficies con efecto reflectante en la película, comenzando por la escena en la que Marion toma la fatal decisión de robar dinero. Se sugiere que la pintura de Tiziano no solo es el epítome de la belleza femenina, vinculándola claramente a Marion, sino que también alude a la ambigua relación entre Venus y Cupido por un lado, y la estrecha relación madre-hijo en Norman y Miss Bates. en el otro. Se ha sugerido que durante la conversación entre Norman y Marion, cuando mira al interlocutor, recuerda imágenes de sus copias con mujeres desnudas. En ese momento, la niña inconscientemente, como defendiéndose, levanta la mano, como en los cuadros "Susana y los ancianos" y "Venus frente al espejo", pero en su caso esto anticipa el momento de su asesinato [K 8] [170] . En general, las imágenes en las paredes de la sala del motel de mujeres desnudas pueden explicarse por la visualización del deseo sexual reprimido de Norman, obligado a contentarse con tales pinturas debido a la falta de una relación real con el sexo opuesto [ 4] .
El director y crítico de cine ruso Mikhail Brashinsky consideró el asesinato de Marion "bajo los chorros del alma más famosa de la historia del cine" desde un punto de vista cinematográfico. En su opinión, Hitchcock buscaba reflejar no la psicología de un maníaco impotente que espía a su víctima, sino la “fórmula del cine”, para mostrar lo que es: “no sentimientos y ni siquiera aventuras”, sino “un plano encuadrado como un ojo de cerradura; luz indiferente; una rubia desnuda sobre un fondo blanco, ya sea un mosaico o una pantalla; deseo ligado a la muerte por la mirada imperturbable de un pervertido” [142] . El propio Hitchcock también se refirió a los motivos voyeuristas y le dijo a Truffaut que la escena de amor del principio "permite al espectador sentirse como un mirón" [172] . Esta observación hace referencia a la leyenda de Lady Godiva , una condesa anglosajona , esposa del conde (earl) de Mercia Leofric (980-1057), quien, según la leyenda, cabalgaba desnuda por las calles de Coventry en Inglaterra con el fin de su esposo para reducir impuestos exorbitantes para sus súbditos. Le pidió a la gente del pueblo que cerrara las ventanas y no se apareciera en la calle para poder pasar sin miedo (cubriendo su cuerpo solo con su lujosa cabellera). Según una versión posterior de la historia, solo un residente no aceptó: resultó ser un sastre curioso, Tom, que estaba mirando a Godiva a través de las rendijas de las persianas y fue severamente castigado por esto: de repente se quedó ciego. . En este sentido, surgió el modismo "peeping Tom" ( peeping Tom ). Se nota en la literatura que el uso de la referencia a Tom the Voyeur arroja luz sobre el concepto de esta película, que es extremadamente importante para el concepto, así como otros trabajos del maestro dedicados al estudio de la relación entre la visualidad y cine Particularmente indicativa a este respecto es la película " La ventana indiscreta " (1954) [173] . Jean Douchet - director de fotografía, crítico e investigador francés de la obra de Hitchcock - señaló en su artículo "Hitch y su público" ( Hitch et son public ; 1960) elementos de voyeurismo en las obras del director, señalando que la escena inicial y la de Marion los asesinatos son parte de un todo: “El deseo, despertado al comienzo de la película, tendrá que encontrar su encarnación natural en el final del viaje de Janet, en la escena en la que estará completamente desnuda y completamente ofrecida al espectador. mirada. La acción sexual contra ella también será extrema. Así, el deseo se satisface más allá de toda expectativa” [174] . Truffaut, en una discusión con su eminente colega, señaló que la "introducción erótica", centrada en el sexo, sirve, como el atisbo de Norman, para distraer al espectador de la solución mediante el uso de diversas distracciones [175] .
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