Godard, Jean-Luc
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|---|---|
| fr. Jean-Luc Godard | |
| en Berkeley , 1968 | |
| Fecha de nacimiento | 3 de diciembre de 1930 [1] [2] [3] […] |
| Lugar de nacimiento | París , Francia |
| Fecha de muerte | 13 de septiembre de 2022 [4] [5] [6] […] (91 años) |
| Un lugar de muerte | |
| Ciudadanía | |
| Profesión | director de cine , guionista , actor , productor de cine, crítico de cine |
| Carrera profesional | 1954 - 2022 |
| Dirección | nueva ola francesa |
| Premios |
" Oso de oro " ( 1965 ), |
| IMDb | identificación 0000419 |
| Archivos multimedia en Wikimedia Commons | |
Jean-Luc Godard ( fr. Jean-Luc Godard , 3 de diciembre de 1930 [1] [2] [3] […] , VII distrito de París , Sena , Francia [12] - 13 de septiembre de 2022 [4] [5 ] [6 ] […] , Rolle , Vaud , Suiza [6] [7] [8] ) es un director de cine, crítico de cine , actor , guionista , editor y productor de cine franco - suizo que estuvo a la vanguardia de la Nueva Ola en el cine. Sus películas de la década de 1960 tuvieron un impacto revolucionario [13] en el cine mundial.
Al principio de su carrera como crítico de cine en la influyente revista Cahiers du Cinéma , Godard criticó la "tradición de calidad" del cine francés convencional , que no ponía mucho énfasis en la innovación y la experimentación. [14] [15] En respuesta, él y críticos afines comenzaron a hacer sus propias películas [15] desafiando las convenciones del Hollywood tradicional además del cine francés. [16] En 1964, Godard describió la influencia de él mismo y sus colegas: "Irrumpimos en el cine como hombres de las cavernas en el Versalles de Luis XV " . [17] A menudo se le considera el director francés más radical de las décadas de 1960 y 1970 [18] ; su enfoque de las películas, la política y la filosofía lo ha convertido posiblemente en el director más influyente de la Nueva Ola francesa. Su trabajo a menudo utiliza homenajes y referencias a la historia del cine y, a menudo, expresa sus puntos de vista políticos; fue un ávido lector de literatura existencialista [19] y marxista , y en 1969, junto con otros cineastas radicales, formó el " Grupo Dziga Vert " para promover obras políticas. [18] Después de la nueva ola, su política se volvió menos radical, y sus películas posteriores trataron sobre el conflicto humano y la actuación artística "desde un punto de vista humanista más que marxista". [Dieciocho]
Biografía
Jean-Luc Godard nació el 3 de diciembre de 1930 en París . Su padre, Paul Godard, era médico [20] y tenía su propia clínica, y su madre, Odile (nee Mono), era de una familia de banqueros suizos que pertenecía a una famosa familia protestante francesa , que fue llevada por muchos famosos. personas, incluido el premio Nobel Jacques Monod , el compositor Jacques-Louis Monod, el naturalista Theodor Monod y el historiador Gabriel Monod [21] [22] .
Cuando Godard tenía 4 años, la familia se mudó a Suiza. Aquí, en Nyon , recibió su educación primaria, luego a partir de 1946 estudió en París, en el Lycée Buffon .[23] . Sin embargo, en ese momento se interesó por el cine e hizo sus primeros intentos de dedicarse a la obra literaria. Como resultado, reprobó su examen de licenciatura y regresó a su hogar en Suiza [24] . En 1949 ingresó en la Sorbona y estudió antropología allí durante algún tiempo .
Crítica de cine
En París , en el Barrio Latino , poco antes de 1950, los cineclubes se hacían cada vez más famosos. Godard comenzó a visitar estos clubes: la Cinemateca Francesa , el Cine Club del Barrio Latino (CCQL), el Cine Club de Trabajo y Cultura y otros, se convirtió en un habitual de estos clubes. La Cinemateca Francesa fue fundada por Henri Langlois y Georges Franju en 1936; Trabajo y Cultura fue un grupo educativo de trabajo para el que André Bazin organizó proyecciones y debates de películas de guerra, y que se convirtió en un modelo para los cineclubes que surgieron en toda Francia después de la liberación de los nazis; Fundado alrededor de 1947 o 1948, CCQL fue inspirado y dirigido por Eric Romer . [25] En estos clubes conoció a otros cinéfilos como Jacques Rivette , Claude Chabrol y François Truffaut . [26] Godard formó parte de una generación para la que el cine adquirió un significado especial. Él dijo: “En la década de 1950, el cine era tan importante como el pan, pero ese no es el caso ahora. Pensamos que el cine se consolidaría como un instrumento de conocimiento, un microscopio... un telescopio.... en la Cinemateca descubrí un mundo del que nadie me había hablado. Nos hablaron de Goethe , pero no de Dreyer . ... Vimos cine mudo en la era del cine sonoro . Soñamos con el cine. Éramos como cristianos en las catacumbas ”. [27] [28]
Su incursión en el cine comenzó con la crítica . Junto con Maurice Scherer (escribiendo bajo el futuro seudónimo famoso de Eric Rohmer) y Jacques Rivette, fundó la revista de corta duración La Gazette du cinéma en 1950, se publicaron cinco números. [29] Cuando Bazin cofundó la influyente revista Cahiers du cinéma , Godard fue el primero de los jóvenes críticos del grupo CCQL/Cinemathek en publicar su trabajo en la revista. publicó su reseña del melodrama estadounidense No Sad Songs for Me del director Rudolf Mathe . [30] Su artículo "The Defense and Illustration of Classical Decoupage", publicado en septiembre de 1952, en el que critica el artículo anterior de Bazin y defiende el uso de la técnica del back-shooting, es una de sus primeras contribuciones importantes a la crítica cinematográfica. [31] Aunque elogia a Otto Preminger y al "mejor artista estadounidense, Howard Hawks ", Godard clasifica sus ásperos melodramas sobre las "películas más formalistas y francamente hábiles de Wells , De Sica y Wilder que Bazin aprobó". [32] En ese momento, las actividades de Godard no incluían hacer películas. Miró y escribió sobre películas, y ayudó a otros a hacer películas, en particular a Romer, con quien trabajó en el cortometraje Performance, o Charlotte and Her Steak . [33]
Producción cinematográfica
Tras abandonar París en el otoño de 1952, Godard volvió a Suiza y se fue a vivir con su madre a Lausana . Se hizo amigo del amante de su madre, Jean-Pierre Laubscher, que trabajaba en la presa Grand Dixence A través de Laubscher, él mismo consiguió un trabajo como obrero de la construcción en el sitio de construcción de Plaz Fleuri en la presa. Vio la oportunidad de hacer un documental sobre la represa; cuando expiró su contrato original, para extender su estadía en la presa, pasó a ocupar un puesto como operador de centralita telefónica. Mientras estaba de servicio, en abril de 1954, llamó a Laubscher, quien le dijo que Odile Monod, la madre de Godard, había muerto en un accidente de scooter. Gracias a amigos suizos que le prestaron una cámara de cine de 35 mm, pudo filmar en película de 35 mm. Reescribió un comentario escrito por Laubscher y le dio a su película el título en rima "Operación béton" ( Operación concreta ). La empresa que operaba la represa compró la película y la utilizó con fines promocionales. [34]
Continuando con su trabajo en Cahiers du cinéma , filmó el cortometraje de 10 minutos "La coqueta " (1955) en Ginebra , regresando a París en enero de 1956. El plan de hacer un largometraje basado en la novela de Goethe La afinidad electiva resultó ser demasiado ambicioso y fracasó. Truffaut solicitó su ayuda para trabajar en una idea para una película basada en la historia real del crimen del delincuente de poca monta Michel Portier, quien le disparó a un policía en una motocicleta y cuya novia lo entregó a la policía, pero Truffaut no pudo interesar a nadie. productor. También se abandonó otro proyecto con Truffaut, una comedia sobre una chica de campo que llega a París. [35] Trabajó con Rohmer en una serie planificada de cortometrajes centrados en la vida de dos mujeres jóvenes, Charlotte y Veronica; y en el otoño de 1957, Pierre Bronberger produjo la primera película de la serie All the Boys Are Named Patrick , dirigida por Godard a partir de un guión de Rohmer. La película Historia del agua (1958) se creó en gran parte a partir de imágenes no utilizadas filmadas por Truffaut. En 1958, Godard, con un elenco que incluía a Jean-Paul Belmondo y Anne Colette , realizó su último cortometraje antes de ganar reconocimiento internacional como director, Charlotte and Her Jules , un homenaje a Jean Cocteau . La película fue filmada en la habitación de hotel de Godard en la rue Rennes y aparentemente reflejaba algo de la "austeridad romántica" de la propia vida de Godard en ese momento. Su amigo suizo Roland Tolmatchoff señaló: "En París, tenía un gran cartel de Bogart en la pared y nada más". [36] En diciembre de 1958, Godard informó desde el Festival de Cortometrajes de Tours y elogió y se hizo amigo del trabajo de Jacques Demy , Jacques Rozier y Agnès Varde —él ya conocía a Alain Resnais , cuyo trabajo elogió, pero Godard ahora quería hacer un largometraje. En 1959 fue al Festival de Cine de Cannes y le pidió a Truffaut que le permitiera usar una historia en la que habían colaborado en 1956 sobre el ladrón de autos Michel Portier. Le pidió dinero al productor Georges de Beauregard , a quien había conocido antes mientras trabajaba brevemente en el departamento de publicidad de la oficina de París de Twentieth Century Fox , y que también estaba en el festival. Beauregard podría haber ofrecido su experiencia, pero estaba endeudado por dos producciones basadas en historias de Pierre Loti ; así que la financiación provino en cambio de la distribuidora de películas René Piñer. [37]
Creatividad en el cine
El período más famoso de Godard como director abarca aproximadamente desde su primer largometraje Sin aliento (1960) hasta The Weekend (1967). Su trabajo durante este período se centró en películas relativamente convencionales que a menudo se refieren a varios aspectos de la historia del cine. Aunque el trabajo de Godard en este momento se considera innovador por derecho propio, este período contrasta marcadamente con el período que siguió inmediatamente, durante el cual Godard denunció ideológicamente gran parte de la historia del cine como burguesa y, por lo tanto, indigna de atención. [38]
En 1959, se estrenó el primer largometraje de Godard, Breathless, protagonizado por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg , que expresaba claramente el estilo de la nueva ola francesa , la película incluye citas visuales de las películas de Ingmar Bergman , Samuel Fuller , Fritz Lang y otros. así como una dedicación en pantalla a Monogram Pictures [39] , un estudio estadounidense de películas de serie B. Las citas y referencias a la literatura incluyen a William Faulkner , Dylan Thomas , Louis Aragon , Rilke , Françoise Sagan , Maurice Sachs . La película también contiene citas en imágenes o en la banda sonora: Mozart , Picasso , J. S. Bach , Paul Klee y Auguste Renoir .
En 1960, Godard dirigió la película Little Soldier sobre la Guerra de Independencia de Argelia . La película, por su carácter político, fue prohibida por el gobierno francés hasta 1963. [40]
Las próximas películas de Godard " Vive tu vida ", " Carabinieri ", " Desprecio " exploran los complejos problemas socio-psicológicos que vive la sociedad.
En 1964, Godard y Karina formaron la productora Anouchka Films. [41] En el mismo año, dirigió la película " Gang of Outsiders ", otra colaboración entre los dos, descrita por Godard como " Alicia en el país de las maravillas conoce a Franz Kafka ". [42]
La película Married Woman 1964) siguió a The Gang of Outsiders. Era una pintura en blanco y negro lenta, deliberada, apagada y sin historia real, que mostraba "la interacción de Godard con el pensamiento más avanzado de la época, expresado en la obra de Claude Lévi-Strauss y Roland Barthes ", y su fragmentación. y la abstracción también reflejó "su pérdida de fe en los estilos familiares de Hollywood". [43]
En 1965, Godard realizó Alphaville , una mezcla futurista de ciencia ficción, cine negro y sátira [44] que denunciaba la tecnocracia y el totalitarismo . Su siguiente película fue Pierrot Mad (1965). Gilles Jacob , crítico de cine y presidente del Festival de Cine de Cannes , lo calificó tanto de "retrospectiva" como de recapitulación. [45]
Masculino Femenino (1966), basado en dos cuentos de Guy de Maupassant , fue un estudio de la juventud francesa contemporánea y su participación en la política cultural. En el intertítulo, los personajes se nombran como "Hijos de Marx y Coca-Cola ".
Godard luego hizo Made in the USA (1966), que se basó en The Jagger de Richard Stark . [46] Un año después se estrenó Dos o tres cosas que sé de ella (1967), en la que Marina Vlady retrata a una mujer que lleva una doble vida como ama de casa y prostituta, lo que se considera "uno de los mayores logros del cine". ".
En La mujer china (1967), Godard fue políticamente más franco. La película estaba dedicada a un grupo de estudiantes y vinculada a ideas provenientes de grupos activistas estudiantiles en la Francia contemporánea. Estrenada poco antes de los eventos de mayo de 1968 , algunos ven la película como un precursor de los levantamientos estudiantiles que estaban teniendo lugar. [47] [48]
Godard participa activamente en los hechos de mayo de 1968 y es uno de los inspiradores ideológicos del " movimiento de nueva izquierda ".
En el mismo año, Godard dirigió la película más colorida y política Weekend . va de viaje de fin de semana por la campiña francesa para recoger su herencia. A esto le sigue una confrontación con los vicios trágicos de la burguesía desmesurada. [49]
En el contexto de las convulsiones de finales de la década de 1960, Godard se interesó por las "películas políticas". Aunque muchas de sus películas de 1968 a 1972 son largometrajes, son de bajo presupuesto y desafían la idea de lo que podría ser una película. Además de alejarse de la producción cinematográfica en masa, Godard también trató de evitar el culto a la personalidad que se había formado a su alrededor. Trabajó de forma anónima en colaboración con otros directores, en particular con Jean-Pierre Gorin , con quien creó el grupo cinematográfico "Group Dziga Vertov ". Durante este período, Godard realizó películas en Inglaterra, Italia, Checoslovaquia, Palestina y América, así como en Francia. Él y Goren realizaron una gira con su trabajo en un intento de generar debate, principalmente en los campus universitarios. Este período alcanzó su clímax con la producción de gran presupuesto de It's All Right protagonizada por Yves Montand y Jane Fonda . Debido a un accidente de motocicleta que incapacitó a Godard, Gorin dirigió él solo la más famosa de sus obras. Como complemento de "It's All Right", Godard y Gorin filmaron " Jane's Letter ", una "mirada fija" de 50 minutos, una foto de Jane Fonda visitando Vietnam durante la guerra . La película es una deconstrucción de la ideología imperialista occidental. Esta fue la última película que Godard y Gorin hicieron juntos.
Posteriormente, Godard regresa al "gran cine" y crea varias películas significativas: " Salva quien pueda (tu vida) ", " Pasión ", " Nombre: Carmen ".
En la década de 1990, Godard creó una antología cinematográfica a gran escala Historia del cine . La película " Mozart Forever " ( 1996 ) toca el tema de la relación entre el arte y el artista, cercano a Godard.
En los últimos años de su vida, Godard participó a menudo en proyectos de dirección conjunta, como, por ejemplo, " Ten Minutes Older ".
En 2011 fue galardonado con el Oscar por su contribución al desarrollo del cine .
En 2014, dirigió la película experimental en 3D Farewell to Speech , que ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes y varios otros premios. Al resumir los resultados cinematográficos de 2014, Goodbye to Speech se incluyó en la mayoría de las listas de las mejores películas del año.
Etapas de la creatividad
Creatividad J.-L. Godard está sistematizado según 5 períodos, que están determinados por la transición del director a un nuevo nivel de desarrollo de puntos de vista políticos y comprensión filosófica del mundo [50] .
1. Nueva ola (1960-1966)
" Sin aliento " (1960), " Pequeño soldado " (1960), " Loco Pierrot " (1965), " Carabinieri " (1963), " Dos o tres cosas que sé sobre ella " (1966), " Masculino - femenino " ( 1966).
Técnicas características: rodaje con cámara “flotante” según el concepto de A. Astruuk “ Camera-style ”, jump cuts , repensado desde el cine soviético, cuando dos fotogramas forman un pegado nítido, referencias semánticas a través de periódicos, pinturas y carteles
Temas característicos: un héroe rebelde en busca de nuevas reglas de vida, los acontecimientos políticos del país, la comprensión del director de que el sistema existente es odioso, víctimas de los mecanismos sociales.
2. Período maoísta (1967)
" Mujer china " (1967), " Fin de semana " (1967).
Técnicas típicas: técnica del collage, pintura en color.
Temas característicos: radicalismo brillante y agresión revolucionaria.
3. Grupo "Dziga Vertov" (1967-1970)
"Verdad" (1970), " Viento de Oriente " (1970), " Vladimir y Rosa " (1971), " Lucha en Italia " (1971), " Aquí y Allá » (1976).
Técnicas típicas: apertura y deconstrucción de la narratividad.
Temas característicos: tratar de aplicar las ideas del socialismo en el proceso de creación de películas (rodajes colectivos, no hay un autor, distribución gratuita), análisis de los problemas existentes en la sociedad.
4. Estudio "Sonimage" (1973-1979) - Colaboración con Anne-Marie Mieville
" Número dos " (1975), " ¿Qué pasa?" " (1978).
Temas típicos: el estudio de las nuevas tecnologías (televisión digital) para adquirir nuevos medios de expresión, la reproducción de la realidad en el cine, se refiere a las formas de fijar la realidad, la cuestión de la fiabilidad del vídeo y la fotografía, la suposición de que en un La realidad en formato virtual es acorde con aquella en la que vivimos.
5. Etapa tardía (1980 a 2022)
Técnicas características: pasa de entender el formato digital como medio de expresión artística a las especificidades del lenguaje televisivo, utiliza las posibilidades de un nuevo lenguaje.
Temas característicos: cuestiones sociales complejas, el estudio de la naturaleza de las imágenes, la búsqueda de una imagen que remita a las imágenes mentales del espectador (que aparecen saltando la percepción analítica y son un proceso de constante toma de conciencia del mundo).
Puntos de vista políticos
Política
La política se expresa a menudo en las películas de Godard. Una de sus primeras películas, El soldadito, que trataba sobre la Guerra de Independencia de Argelia, era conocida por su intento de representar la complejidad de la disputa en lugar de perseguir una agenda ideológica particular. De acuerdo con esto, The Carabinieri presenta una guerra ficticia que se romantiza inicialmente por la forma en que sus personajes se acercan a su servicio, pero que al final se convierte en una dura metonimia antibelicista. Además de los conflictos internacionales a los que Godard buscaba una respuesta artística, también estaba muy preocupado por los problemas sociales de Francia. El primer y mejor ejemplo de esto es la poderosa representación del personaje Anna Karina en Living Your Life.
Guerra de Vietnam
Godard creó varias obras que se relacionan directamente con la guerra de Vietnam. Además, hay dos escenas en Pierrot Crazy que expresan este problema. La primera es una escena que tiene lugar durante el viaje inicial en automóvil entre Ferdinand (Belmondo) y Marianne (Karina). En la radio del auto, escuchan el mensaje "la guarnición asesinada por el Viet Cong perdió 115 personas". Marianne responde reflexionando sobre cómo la radio está deshumanizando a los combatientes norvietnamitas.
En la misma película, los amantes recurren a un grupo de marineros estadounidenses. Su reacción inmediata, expresada por Marianne, es "¡Malditos estadounidenses!" Ferdinand luego reconsidera: “Está bien, cambiaremos nuestra política. Podemos montar una obra de teatro. Tal vez nos den unos cuantos dólares". Marianne está desconcertada, pero Ferdinand sugiere que a los estadounidenses les gustaría una guerra de Vietnam. La siguiente secuencia es una obra improvisada en la que Marianne se viste como una mujer vietnamita estereotipada y Ferdinand como un marinero estadounidense. La escena termina con un breve plano que muestra un mensaje de tiza dejado por la pareja en el suelo: "¡Viva Mao !".
También participó en el rodaje de Lejos de Vietnam (1967). Un proyecto contra la guerra, consta de siete bocetos de Godard, Claude Lelouch, Joris Ivens, William Klein, Chris Marker, Alain Resnais y Agnès Varda.
Bertolt Brecht
La interacción de Godard con el poeta y dramaturgo alemán Bertolt Brecht surge principalmente de su intento de transponer la teoría del teatro épico de Brecht y su perspectiva de la alienación del espectador ( Verfremdungseffekt ) a través de una separación radical de los elementos del entorno. La influencia de Brecht se siente profundamente en muchas de las obras de Godard, especialmente antes de 1980, cuando Godard utilizó la expresión cinematográfica con fines políticos específicos.
marxismo
El marxismo está asociado con la mayoría, si no todos, de los primeros trabajos de Godard. El compromiso directo de Godard con el marxismo no se hace evidente hasta La mujer china y El fin de semana. A lo largo del período cinematográfico de Godard, el estribillo constante es el consumismo de la burguesía, la unificación de la vida y la actividad cotidianas y la alienación del hombre, todas las características principales de la crítica del capitalismo de Marx.
La mujer casada también se construye en torno al concepto de fetichismo de la mercancía de Marx. Godard dijo una vez que se trata de "una película en la que se trata a las personas como cosas, en la que se alternan persecuciones en taxi con entrevistas etológicas, en la que se mezcla el espectáculo de la vida con su análisis". Entendía muy bien cómo quería retratar a una persona. Su empeño es claramente característico de Marx, quien, en sus Manuscritos económicos y filosóficos de 1844, da uno de sus desarrollos más matizados, analizando cómo el trabajador se enajena de su producto, objeto de su actividad productiva. Georges Sadoul, en su breve reflexión sobre la película, la describe como "un estudio sociológico de la alienación de la mujer moderna".
Acusaciones de antisemitismo
Godard es ampliamente conocido por sus puntos de vista antisionistas , sus críticas al Estado de Israel y su apoyo a los palestinos. En 1976, basándose en imágenes que Godard pudo realizar durante su viaje a Oriente Medio unos años antes, estrenó el documental Here and There .". En él, Godard traza un paralelo entre la opresión de los palestinos y el Holocausto mediante el uso del montaje . Biógrafo Richard BrodieLa idea principal de la película se expresa de la siguiente manera: "Hitler es una reacción al comunismo, Israel es el resultado del Holocausto y el sufrimiento de los palestinos es la consecuencia de los resultados del Holocausto" [51] .
En 2010, tras el anuncio de que Godard recibiría un Oscar honorífico , hubo una acalorada discusión en la prensa sobre las declaraciones del director de diferentes años, que provocaron acusaciones de antisemitismo , y si era merecedor del premio en conexión con esto [52] . Brody, al comentar estas acusaciones, basándose, entre otras cosas, en citas citadas en su obra, caracterizó a Godard como un director que “como nadie excepto Claude Lanzmann abordó el Holocausto con la mayor seriedad ética; en sus películas, Godard lo vio como la crisis política e incluso estética central de su tiempo y argumentó, en películas y entrevistas, que el fracaso del cine en documentar el Holocausto con la esperanza de prevenirlo podría considerarse una derrota incondicional e irreparable" de este forma de arte [53] .
Vida personal
En 1961, Godard se casó con la actriz danesa Anna Karina . Actuó en seis de sus películas. En 1967 se divorciaron.
En 1967, durante el rodaje de La mujer china , Godard conoció a su segunda esposa, la actriz, nieta del escritor francés Francois Mauriac , Anne Wiazemsky . En 1979, también se separaron.
Muerte
Según se informa, viviendo en Suiza, Godard se quitó la vida voluntariamente al recurrir a la eutanasia legal en Suiza . Al mismo tiempo, se informa que no estaba enfermo, sino que “simplemente estaba exhausto” [54] [55] [56] [57] [58] .
Filmografía
- 1954 - "Operation concrete" / Opération béton (breve)
- 1955 - "Coquette" / Une femme coquette (corto)
- 1956 - "Todos los chicos se llaman Patrick" / Tous les garçons s'appellent Patrick (breve)
- 1957 - "Charlotte y su Jules" / Charlotte et son Jules (corto)
- 1957 - "Historia del agua" / Une histoire d'eau (junto con F. Truffaut )
- 1960 - " En el último aliento " / À bout de souffle
- 1960 - " Pequeño soldado " / Le Petit Soldat
- 1961 - " Una mujer es una mujer " / Une femme est une femme
- 1962 - " Vive tu vida " / Vivre sa vie
- 1962 - " RoGoPaG " (episodio "Nuevo Mundo") / Ro.Go.Pa.G. (boceto Il nuovo mondo )
- 1963 - " Carabineros " / Les Carabiniers
- 1963 - " Desprecio " / Le Mépris
- 1964 - " Outsiders " (Banda de forasteros) / Bande à part
- 1964 - " Las estafadoras más bellas del mundo " / Les Plus Belles Escroqueries du monde (boceto Le Grand Escroc )
- 1964 - "Una mujer casada " / Une femme mariee
- 1965 - Alphaville / Alphaville, Una extraña aventura de Lemmy Caution
- 1965 - “ París a través de los ojos... ” (episodio “Montparnasse-Levallois”) / Paris vu par... (boceto Montparnasse-Levallois )
- 1965 - " Pierrot loco " / Pierrot le fou
- 1966 - " Masculino - Femenino " / Masculino, femenino
- 1966 - " Hecho en EE . UU . " / Hecho en EE . UU.
- 1967 - " Dos o tres cosas que sé de ella " / 2 ou 3 chooses que je sais d'elle
- 1967 - " La profesión más antigua del mundo " (episodio "Previsión, o cómo será el amor en 2000") / Le Plus Vieux Métier du monde (boceto Anticipation, ou l'amour en l'an 2000 )
- 1967 - " Chino " / La Chinoise
- 1967 - " Lejos de Vietnam " / Loin du Vietnam (boceto Caméra-œil )
- 1967 - " Fin de semana " / Fin de semana
- 1968 - " One plus one " ("Simpatía por el diablo") / One plus one ( Simpatía por el diablo )
- 1968 - " La película es como una película " / Un film comme les autre
- 1968 - / Cinetractos
- 1969 - " Ciencia alegre " / Le Gai Savoir
- 1969 - " Love and Fury " (episodio "Love") / Amore e Rabbia (boceto L'Amour )
- 1969 - " Viento del Este " / Le Vent d'est
- 1970 - " Vladimir y Rosa "
- 1970 - " Verdad " / Pravda
- 1970 - " Lotta en Italia " / Lotte en Italia
- 1970 - " Sonidos de Gran Bretaña " / Sonidos británicos
- 1972 - " A la una de la mañana " / Una de la tarde
- 1972 - " Todo está bien " / Tout va bien
- 1972 - Carta a Jane
- 1975 - " Número dos " / Número dos
- 1976 - " Aquí y allá " / Ici et ailleurs
- 1977 - / Six fois deux / Sur et sous la communication (TV)
- 1977 - / Francia / gira / détour / deux / enfants (TV)
- 1978 - “ ¿Cómo estás? » / Comentar ça va?
- 1980 - " Salva a quien pueda (tu vida) " / Sauve qui peut (la vie)
- 1981 - Carta a Freddy Buache / Lettre à Freddy Buache (breve)
- 1982 - " Pasión " / Pasión
- 1983 - " Nombre: Carmen " / Prénom Carmen
- 1985 - " Saludos, María " / Je vous salue, Marie
- 1985 - " Detective " / Detective
- 1986 - "La grandeza y la caída de una pequeña compañía cinematográfica" / Grandeur et décadence d'un petit commerce de cinéma (TV)
- 1986 - “ Suavemente se extiende ” / Suave y Duro
- 1986 - " Encuentro con Woody Allen " / Meetin' WA
- 1987 - " Rey Lear " / Rey Lear
- 1987 - " Aria " (fragmento "Armide") / Aria (partie Armide )
- 1987 - " Entrenar a la derecha " / Soigne ta droite
- 1988 - " El poder de la palabra " / Puissance de la parole
- 1988 - / On s'est tous defile (TV)
- 1989 - / El rapport Darty
- 1990 - " Nueva Ola " / Nouvelle Vague
- 1991 - " Olvido contrario " / Contre l'oubli
- 1991 - " Alemania, nueve - cero " / Alemania 90 neuf zéro
- 1993 - " Ay de mí " / Hélas pour moi
- 1993 - " Los niños juegan en Rusia " / Les enfants jouent à la Russie
- 1995 - " JLG - autorretrato en diciembre " / JLG - Autoretrato de diciembre
- 1995 - " Cien años de cine francés " / Deux fois cinquante ans de cinéma français
- 1996 - " Mozart - para siempre " / For Ever Mozart
- 1998 - " Lugares Viejos " / El Lugar Viejo
- 1998 - "Historia (y) cine" / Histoire (s) du cinéma (V)
- 2000 - " El origen del siglo XXI " / L'Origine du XXIe siècle
- 2001 - " Elogio del amor " / Éloge de l'amour
- 2002 - " Ten Minutes Older : Cello " (episodio "En la oscuridad del tiempo") / Ten Minutes Older: The Cello (partie Dans le noir du temps )
- 2004 - " Nuestra música " / Notre musique
- 2010 - " Socialismo " / Film Socialisme
- 2014 - Discurso de despedida 3D / Adieu au Langage
- 2018 - " El Libro de la Imagen ", o "Imagen y Habla" / Le livre d'image
Notas
- ↑ 1 2 Jean-Luc Godard // Enciclopedia Británica
- ↑ 1 2 Jean-Luc Godard // filmportal.de - 2005.
- ↑ 1 2 Jean-Luc Godard // Enciclopedia Brockhaus (alemán) / Hrsg.: Bibliographisches Institut & FA Brockhaus , Wissen Media Verlag
- ↑ 1 2 https://www.liberation.fr/culture/cinema/mort-de-jean-luc-godard-histoire-du-cinema-20220913_4CZHL3TCIZELDKSELOABOVFREM/
- ↑ 1 2 Pulver A. Jean-Luc Godard, gigante de la nueva ola francesa, muere a los 91 (Reino Unido) - Gran Bretaña : (sin traducir) , 2022. - 107899 copias. — ISSN 0261-3077
- ↑ 1 2 3 4 https://www.swissinfo.ch/fre/le-cinéaste-jean-luc-godard-est-décédé-à-l-âge-de-91-ans/47896180
- ↑ 1 2 https://www.rts.ch/info/culture/13380583-le-cineaste-francosuisse-jeanluc-godard-est-decede-a-lage-de-91-ans.html
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Enlaces
- Jean-Luc Godard. La carta de Jane Fonda
- Entrevista de Jean-Luc Godard con Les Inrockuptibles
- Historia del Cine / Histoire(s) du cinéma (fr.)
- Enciclopedia del Cine Nacional: Jean-Luc Godard llega a Moscú para la inauguración de una retrospectiva de sus películas en el Museo del Cine
- Artículos sobre Jean-Luc Godard en el sitio web de la revista Seance
- Godard - 1983: "El cine y yo podemos morir al mismo tiempo..." Entrevista en el sitio "Cinemathek"
- Explorando las técnicas de las películas ajenas de Jean-Luc Godard
- Vladímir Lukin . "Histoire(s) du Godard" Retrato del director.
- "Dziga Vertov" y el maoísmo: como rebelde de la "nueva ola", Godard se convirtió en agitador político // BBC Russian Service , 3 de diciembre de 2020
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