Yo soy cuba

yo soy cuba
español  Soy Cuba
Género drama
Productor Mijaíl Kalatozov
Guionista
_		 Evgeny Yevtushenko
Enrique Pineda Barnet
Protagonizada por
_		 Sergio Corrieri
Salvador Wood
José Gallardo
Raúl García
Operador Serguéi Urusevski
Compositor Carlos Fariñas
Empresa cinematográfica Mosfilm
IKAIK Cuba)
Distribuidor Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográfica [d]
Duración 143 minutos
Tarifa $168,100 [1] y $274,098 [1]
País  URSS cuba
 
Idioma ruso
español
inglés
Año 1964
IMDb identificación 0058604

" Soy Cuba " ( Español :  Soy Cuba ) es un largometraje cubano - soviético en dos partes dirigido por Mikhail Kalatozov , estrenado en 1964 . Fue eliminado tras la victoria de la Revolución Cubana , el establecimiento del régimen socialista en Cuba y el establecimiento de relaciones aliadas entre los dos países .

El guión fue escrito por el poeta soviético Yevgeny Yevtushenko y el escritor cubano Enrique Pineda Barnet . Yevtushenko vino varias veces a Cuba y dedicó un ciclo de poemas a las transformaciones revolucionarias, y en 1963 terminó el poema en prosa “Yo soy Cuba”, que constituyó la base del guión. Temáticamente, la película se basa en mostrar los hechos prerrevolucionarios, la opresión del pueblo cubano por parte del régimen pronorteamericano y el inicio del levantamiento. Tramáticamente, consta de cuatro historias cortas no relacionadas , y la acción está acompañada por un comentario fuera de la pantalla en nombre de Cuba . En la década de 1960, en relación con la difusión de las ideas de izquierda , el tema de la revolución se volvió relevante no solo para el cine soviético, sino también para el occidental. El tema y el estilo de la película de Kalatozov también se vieron influenciados por los cambios tanto políticos como sociales en la URSS ( desestalinización , " el deshielo de Jruschov "), y el resurgimiento del interés por las búsquedas vanguardistas del cine soviético en la década de 1920 . Contiene referencias y citas no solo de los primeros trabajos de Kalatozov y del arte de vanguardia soviético sobre temas revolucionarios, sino también del cine occidental .

La película fue rodada entre 1963 y 1964 con importante ayuda de las autoridades soviéticas y cubanas, durante uno de los episodios más intensos de la Guerra Fría  : la crisis del Caribe , el bloqueo estadounidense a la isla y la difícil situación económica de Cuba. En el transcurso de muchos meses de preparación y durante el rodaje, especialistas soviéticos ayudaron a los cineastas cubanos a dominar los secretos de la habilidad profesional . En el trabajo de la película participaron destacadas figuras del arte cubano: la guionista Pineda Barnet, el artista René Portocarrero , el compositor Carlos Fariñas y otros. Algunas escenas de multitudes involucraron a cientos de extras. Al mismo tiempo, el elenco, a excepción de algunos artistas, era semiprofesional, y los estadounidenses eran interpretados por europeos .

A pesar de la trama claramente propagandística y los clichés ideológicos antiestadounidenses, la película se distingue por un alto nivel profesional, que se asocia principalmente con la innovación del camarógrafo Sergei Urusevsky y su equipo. Este es el último trabajo conjunto del operador con el director Kalatozov. En la película se utilizó una cinematografía que era difícil en términos de producción ( edición en cuadro , filmar escenas dinámicas con una cámara de mano en movimiento y transferirla de mano en mano, usando estructuras de ingeniería especialmente creadas, etc.) . Cuando la película se estrenó en 1964, fue recibida con frialdad por la crítica y el público, tanto soviético como cubano. Las mayores quejas fueron causadas por debilidad, carácter dramático poco convincente, estereotipos de personajes y guión, patetismo excesivo, deseo de experimentación excesiva . Durante el año de demostración en la taquilla soviética, fue visto por 5,3 millones de espectadores, entre las películas nacionales, ocupó el penúltimo lugar 39. Al mismo tiempo, a pesar de las acusaciones de formalismo, muchos críticos de la película notaron sus sobresalientes cualidades visuales y estilísticas . Así, según los resultados del IV Concurso Internacional de Cine Técnico en el marco del VI Congreso de la Unión Internacional de Asociaciones Técnicas Cinematográficas (UNIATEC) en Milán , ganó el Gran Premio .

La película no estuvo disponible para la audiencia durante muchos años, y principalmente publicaciones especializadas escribieron sobre ella. Se produjo un resurgimiento del interés a principios de la década de 1990 cuando se hizo conocido en los círculos profesionales. A mediados de la década de 1990, los directores de fotografía estadounidenses Francis Ford Coppola y Martin Scorsese conocieron la película , quienes lograron discernir un mérito artístico extraordinario detrás de los clichés ideológicos y contribuyeron a su popularización. La película fue restaurada, presentada en varios festivales de cine, comenzó a proyectarse durante la formación de cineastas y en proyecciones especializadas. Su cinematografía visual ha obtenido elogios de la crítica, directores y camarógrafos por igual. En 2005, el director brasileño Vicente Ferras estrenó el documental “Yo soy Cuba: mamut siberiano”, que narra la historia y rasgos del proyecto fílmico cubano-soviético .

Trama

La película consta de cuatro cuentos no relacionados [K 1] sin título sobre el destino de las personas en vísperas de los hechos revolucionarios en la isla de Cuba . Escenas de la vida prerrevolucionaria en la era del gobernante autoritario Fulgencio Batista están acompañadas de un comentario fuera de campo en nombre de "Cuba" [3] [4] .

Cineastas

Equipo de filmación [14] :

Reparto [14] [16] :

Actor Role
Sergio Corrieri Alberto Alberto
José Gallardo pedro pedro
Raúl García Enrique Enrique
Luz María Collazo María Betty María Betty
Juan Bouise Jim Jim
celia rodriguez Gloria Gloria
fausto mirabal
Mario González Broche Pablo Pablo
María de las Mercedes Diez chica perseguida en la calle chica perseguida en la calle
Roberto García York activista estadounidense activista estadounidense
Bárbara Domínquez
Salvador Madera Mariano Mariano
alberto morgan
Luisa María Jiménez Hay una Hay una
Tony López

El texto se lee

En español: Raquel Revuelta - "Voz de Cuba"; en ruso: Nina Nikitina  - "la voz de Cuba" y Georgy Epifantsev [17] [14] .

Creación

Antecedentes

La victoria de la Revolución Cubana en 1959, durante la cual fue derrocado el régimen autoritario de Fulgencio Batista , fue ampliamente difundida en los medios de comunicación de la URSS y provocó un aumento del interés por la Isla de la Libertad en la sociedad soviética [18] . Como resultado del levantamiento, llegó al poder en Cuba un gobierno de “izquierda” encabezado por Fidel Castro , que luego procedió a construir el socialismo . Desde 1962, el Partido Unido de la Revolución Socialista de Cuba (el futuro Partido Comunista de Cuba ) se ha convertido en la organización política gobernante y única legal en el país. En enero de 1959, el gobierno soviético reconoció al Gobierno Revolucionario de la República de Cuba [19] , y comenzó a establecerse una estrecha cooperación política, militar, económica y cultural entre los países [20] . Las entregas a Cuba de productos militares, la provisión de material y asistencia técnica comenzaron en 1960 y se llevaron a cabo hasta el colapso de la URSS a principios de la década de 1990 [21] . En junio de 1962, en la isla caribeña, como parte de la Operación Anadyr , se creó un Grupo de Fuerzas Soviéticas en Cuba , que incluía fuerzas de misiles estratégicos con armas atómicas , lo que provocó una de las peores crisis de la Guerra Fría - Caribe , conocida en Cuba como "crisis de octubre" ( Español : Crisis de Octubre ) [22] .

A raíz del interés por el país latinoamericano, se realizaron varias películas en la URSS. "Yo soy Cuba" se convirtió en el más significativo de ellos [23] . En 1962, cineastas soviéticos de fama mundial fueron enviados a Cuba para trabajar en este proyecto: el director Mikhail Kalatozov y el camarógrafo Sergei Urusevsky , que se hicieron famosos gracias a la película " Las grullas vuelan " (1957). Esta obra fue galardonada con la " Palma de Oro " en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 1958 con la frase "por su alto mérito artístico y humanismo". El jurado destacó especialmente la destacada actuación de la actriz Tatyana Samoilova [24] . En la prensa francesa, la película se llamó la " Guerra y paz " moderna, en los titulares había definiciones: "La belleza salvará al mundo" [25] . También fue muy apreciado el trabajo de cámara de Urusevsky, quien por primera vez diseñó rieles de cámara circulares específicamente para filmar . La solución visual de la película, que se ha convertido en un clásico del arte de la cámara, se basa en disparar desde el movimiento y utilizar una lente ultra gran angular con una distancia focal de 18 mm [26] . Muchas escenas fueron reconocidas como destacadas (despedida en las escaleras, despedida al frente, muerte de Boris y otras) [25] . Urusevsky fue galardonado con el Gran Premio de la Comisión Técnica Superior de Francia "Por posesión virtuosa de la cámara". Su obra fue admirada por muchos artistas, en particular Jean Cocteau y Pablo Picasso . Este último, después de verlo, dijo: "Cada cuadro de las Grullas puede considerarse como un trabajo talentoso independiente" [27] . Se cree que la visión de cámara especial de Urusevsky se debe no solo a sus habilidades profesionales, sino también al hecho de que originalmente estudió como pintor [K 2] . Según la hija de Inga, su padre, "el poeta de la cinematografía", fue un artista tanto por vocación como por educación, lo que se reflejó en sus obras cinematográficas: "Revolucionó el lenguaje de la cinematografía, aprobó un significado fundamentalmente nuevo de la buena cinematografía" [ 27] . Según el artista soviético Vitaly Goryaev , el reconocimiento de la película y la atención que Picasso le dedicó, al parecer, se debió a las búsquedas artísticas comunes de Urusevsky y el célebre pintor en el campo de la relación del "tiempo en la imagen". [28] . El trabajo de Kalatozov-Urusevsky influyó en el desarrollo del cine, y directores como Andrei Konchalovsky , Sergei Solovyov y Claude Lelouch admitieron que eligieron su profesión bajo la impresión de la película The Cranes Are Flying [29] .

El director Gleb Panfilov sobre las peculiaridades del trabajo de cámara de Urusevsky en la película "Las grullas vuelan".

El movimiento de su cámara es libre, impresionante, parecía flotar en el aire con el movimiento de una varita mágica. No estaba claro cómo se hizo, con la ayuda de qué técnica. ¡Solo un milagro, eso es todo! En combinación con la extraordinaria plasticidad de la luz y la sombra, este movimiento creó un resultado asombroso. Tenga en cuenta que la tecnología entonces era muy primitiva, no había cámaras fijas, supergrúas también. Rodado con " convas ", el casete en el que no superaba los 120-150 metros [30] .

En la literatura, se notó repetidamente la insistencia de Urusevsky en la calidad del metraje, que se logró, entre otras cosas, mediante un cuidadoso trabajo preparatorio, el uso de varios dispositivos técnicos y ópticos desarrollados por él y con la ayuda de asistentes. El director de fotografía soviético Yuri Trankvillitsky , que había trabajado previamente como asistente de Urusevsky en la película " El primer escalón " (1955) [K 3] , llamó a su mentor un "mago", pero también notó su mal genio, intratabilidad y exigencia [33]. . Grigory Chukhrai también se detuvo en estos rasgos de carácter , quien filmó su película debut " Cuarenta y uno" con él, en el set en el que tuvo un conflicto con Urusevsky [34] [35] . Sin embargo, los colegas apreciaron el talento del operador y lo perdonaron mucho. Según Tranquillitzki, Urusevsky tenía un "estándar muy alto para la calidad de imagen" y este enfoque le permitió filmar verdaderas "obras maestras del cine". Su rodaje fue muy laborioso y tomó mucho tiempo, pero se justificaba: “Hay pocos metros útiles, pero la calidad de las fotografías que toma Urusevsky es asombrosa” [33] . Tranquillitsky también recordó que en el plató Urusevsky "estaba seco y silencioso, sin una sonrisa, todo reprimido", completamente concentrado en la cámara, con la que se "congelaba" como si estuviera "encantado". En ese momento, en el plató, todo el mundo pasó a medio susurro, temiendo interferir con el trabajo del camarógrafo [33] . A pesar del perfeccionismo de Urusevsky, que ralentizó el proceso de filmación, nunca hubo problemas entre él y Kalatozov en este asunto. Esto se explica por el hecho de que el director comenzó su carrera cinematográfica como camarógrafo. Viktor Shklovsky , quien colaboró ​​con Kalatozov en la nueva versión de su película debut The Salt of Svanetia (1930), escribió sobre su visión cinematográfica: “Se crió en el trabajo de cámara, pensó en marcos visuales, colisionando estos marcos visuales” [36 ] . Según el actor Alexei Batalov , que trabajó con Kalatozov y Urusevsky en la película Las grullas vuelan, el director, gracias a la coincidencia de su pensamiento cinematográfico, era consciente de la importancia de las “búsquedas de cámara y las decisiones puramente cinematográficas”: “Estos dos los artistas trabajaban con tanta amistad y entusiasmo que los momentos de fracaso no provocaban conflictos ni reproches mutuos entre ellos” [37] . Georgy Daneliya también habló sobre la unidad del concepto cinematográfico de las obras de Kalatozov y Urusevsky , enfatizando que por su naturaleza eran personas completamente diferentes. Sin embargo, cuando se trataba de tareas artísticas, la transferencia de la imagen que necesitaban, la calidad del material, fueron inflexibles: “Si este marco, una nube, va un poco detrás del sol, y la luz es exactamente lo que necesitan, esperarán semanas. Incluso durante meses. Y Mikhail Konstantinovich nunca hubiera dicho, vamos, Seryozha, disparemos así ” [38] . Kalatozov y Urusevsky aplicaron muchos de sus desarrollos en la filmación de películas conjuntas posteriores: " Carta no enviada " (1959) y "Yo soy Cuba" [39] .

Preparación

El proyecto cinematográfico conjunto soviético-cubano "Yo soy Cuba" fue filmado a partir de un guión de Yevgeny Yevtushenko y el guionista cubano Enrique Pineda Barnet , quien actuó inicialmente como consultor [40] . Los planes para hacer esta película se dieron a conocer en Occidente. Así, el 25 de noviembre de 1962, The New York Times publicó un reportaje de Reuters sobre el estreno previsto de la película en enero del año siguiente [41] . En la URSS, el proyecto fue discutido y aprobado al más alto nivel; Kalatozov, Urusevsky y Yevtushenko, antes del viaje, visitaron a la Ministra de Cultura Ekaterina Furtseva , quien ya estaba en desgracia, pero seguía siendo miembro del Politburó . En la oficina de Furtseva, presenciaron cómo fue desconectada de las comunicaciones telefónicas gubernamentales con otros miembros del Politburó. Según las memorias del poeta, Kalatozov le dijo al mismo tiempo: "Qué cosa tan cruel es la historia", y Furtseva, después de una pausa, después de haberse reunido, continuó discutiendo la futura película [42] . La producción recibió importantes fondos gubernamentales de ambos lados y fue el resultado de una colaboración entre el estudio de cine soviético Mosfilm y el " Instituto Cubano de Arte Cinematográfico e Industria Cinematográfica " ( español :  Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográficos ) establecido el 24 de marzo de 1959 [43] [44] [41] . Dada la afición de los cubanos por el cine, el nuevo gobierno concedió gran importancia al desarrollo de la industria cinematográfica local, además, se vio en este ámbito un importante potencial propagandístico. Después de la revolución, hubo escasez de personal propio en Cuba, ya que la producción cinematográfica anterior se filmaba principalmente en cooperación con Estados Unidos y México , y después del derrocamiento de Batista, los pocos trabajadores calificados, en su mayoría, emigraron [45 ] . Una de las formas de superar la escasez de especialistas fue la cooperación con cineastas de otros países, y no solo de los socialistas. Un ejemplo llamativo de tal cooperación fue la llegada a Cuba del director francés Armand Gatti , quien siguió tras la invitación personal de Fidel Castro. Gatti filmó allí El otro Cristóbal, que representó a la cinematografía cubana en el 16° Festival de Cine de Cannes en 1963 [46] . Se completó literalmente poco antes del inicio del rodaje de la película de Kalatozov, en modo acelerado, ya que era necesario liberar el pabellón para los cineastas llegados de la URSS [47] . El director soviético lo vio, y se cree que tuvo alguna influencia en su obra [48] .

Al crear la película, a la parte cubana se le confió principalmente la asistencia de cineastas soviéticos titulados, así como la provisión de un elenco coral. En el documental Soy Cuba : O Mamute Siberiano, 2005 [ 49] , el primer titular del ICAIC, Alfredo Guevara , explicó : “Necesitábamos ayuda y la buscábamos por todos lados. Que vengan todos. Que cada uno sea diferente y que no nos pongan etiquetas” [50] . Los directores de fotografía recibieron todo el apoyo de las autoridades revolucionarias cubanas, las primeras personas del joven estado se reunieron con los autores de la película. En 1961, Urusevsky le escribió a su esposa Bella Friedman, quien se convertiría en la segunda directora en el set de Soy Cuba, sobre su impresión de Fidel Castro: ". Según el operador, el líder cubano “sonrió tímidamente, Belka, te doy mi palabra de que este genio es tímido” y todo lo que tiene que ver es “incomprensible para un simple mortal” [51] . Los miembros soviéticos del equipo de filmación quedaron muy impresionados por la Revolución cubana, percibiéndola como un triunfo de la justicia histórica y admirando el hecho de que, en comparación con otros golpes, fue casi incruento. El camarógrafo Alexander Koltsaty dijo que en ese momento percibían con entusiasmo los cambios que se producían en Cuba. Representantes de la URSS, como explicó más tarde, estaban literalmente fascinados con lo que estaba pasando en el país: “La revolución cubana nos parecía más humana, no sabíamos cómo pasaba, y nos decían que era una revolución con rostro humano, que se derramó mucha menos sangre de la que se supone que se derrama en todas las revoluciones…” [51] 

En el trabajo de la película participaron el pintor René Portocarrero y el compositor Carlos Fariñas . Portocarrero es considerado el artista cubano más famoso del siglo XX, muchos estilos y técnicas de pintura se reflejan en su obra, pero la mayoría de las veces su nombre se asocia con el estilo del modernismo y el neobarroco latinoamericano [23] . El escritor Alejo Carpentier , dueño de la idea del barroco general del arte latinoamericano que, a su juicio, surgió en la cultura local incluso antes de la aparición de los europeos en el Nuevo Mundo , calificó al artista como el principal representante de este movimiento. . El escritor soviético y culturólogo latinoamericano Valery Zemskov escribió que el artista creó "una imagen plástica y cromática sorprendente y convincente en su capacidad de persuasión de Cuba". Carpentier señaló que el mundo barroco de Cuba, creado por Portecarrero, está habitado por mujeres "con peinados caprichosos, repetidos hasta el infinito ya la vez siempre diferentes, como variaciones sobre un tema determinado que improvisa un músico brillante". Sin embargo, el propio artista aceptó sólo parcialmente la afirmación sobre el carácter barroco de su pintura, diciendo que sólo podría estar de acuerdo con él si por barroco entendemos “deseo insaciable” [53] .

El compositor Farinas estudió en el Conservatorio de Moscú a principios de la década de 1960 con Alexander Pirumov [54] . El músico cubano era muy versado en el folclore latinoamericano y la música occidental, ya que incluso antes de su viaje a Moscú recibió una formación académica, y en 1956 estudió en los cursos de verano del Berkshire Music Center (actualmente Tanglewood Music Center ) bajo la dirección de orientación del compositor estadounidense Aaron Copland . Si en la década de 1950 - principios de la de 1960 el trabajo de Farinhas todavía era bastante tradicional, luego pasó a crear música de vanguardia, trabajando en técnicas modernas ( aleatorica , sonorismo y otras) [55] . Fariñas jugó un papel importante en la popularización de la música cubana y después de la revolución ocupó varios cargos administrativos en las instituciones musicales de la república. Junto a Juan Blanco y Leo Brouwer , estuvo al frente de la vanguardia musical cubana de los años sesenta .

Escenario

Yevtushenko visitó Cuba varias veces como corresponsal del diario Pravda y se reunió con los líderes del movimiento revolucionario, Fidel Castro y Ernesto Che Guevara . Fruto de estos viajes, escribió varios poemas publicados en la prensa soviética, y en 1962 se publicó una recopilación de sus poemas Ternura, que finalizó con un ciclo poético sobre la "nueva Cuba" [56] . La idea de una película sobre la "isla heroica" se le ocurrió a Yevtushenko en el verano de 1961. A su regreso a la URSS, lo discutió con Kalatozov y Urusevsky, quienes se interesaron por estos planes [57] . En 1963, el poeta completó el "poema en prosa" "Yo soy Cuba", que fue la base del guión cinematográfico [58] [59] . Yevtushenko recordó más tarde que se convirtió en el guionista de la película, a pesar de la actitud cautelosa de las autoridades soviéticas, ante la insistencia personal de Kalatozov y Urusevsky, quienes leyeron sus poemas en el periódico Pravda. Inicialmente, Kalatozov quería confiar la creación del guión a Konstantin Simonov , pero el escritor en ese momento estaba trabajando en una novela militar " Solders Are Not Born " sobre la Batalla de Stalingrado [K 4] . En una carta fechada el 1 de agosto de 1961, reiteró su interés en colaborar con Kalatozov y Urusevsky, pero sin embargo optó por el final de la novela, que ocupaba todos sus pensamientos en ese momento, ya que no podía trabajar en la película "medio- de todo corazón, a medias" permitirse. El escritor pidió una vez más considerar la candidatura de Yevtushenko como guionista. A favor de Yevtushenko, señaló que desde que Kalatozov concibió una “película-poema”, es bastante natural involucrar en su creación a un poeta, quien también visitó el lugar del futuro rodaje: “Ya pasó dos meses en Cuba; el viaje a Cuba es un gran acontecimiento en su vida poética, y creo que volverá lleno de impresiones e ideas” [61] . Simonov también expresó confianza en que Yevtushenko, de treinta años, que no tenía experiencia cinematográfica, todavía podía escribir un guión adecuado, y como argumento final señaló que él, en términos de edad, corresponde a los jóvenes héroes de la futura película sobre la Revolución Cubana [61] .

La creación del guión y el rodaje estuvieron precedidos por muchos meses de preparación. El equipo de producción tardó tres meses en encontrar la escena solo, otros catorce meses en hacer la película y un total de veinte meses (1963-1964) en completarla [51] [62] . Los autores estudiaron las peculiaridades del país y su revolución, habiendo visitado muchos lugares y comunicándose con testigos presenciales de hechos históricos, y los cubanos compartían con gusto sus memorias, historias, detalles cotidianos, etc. [57] El director dijo sobre este período: “Nosotros viajó por todo el país. Recorrimos sus rincones más recónditos... Quedaba una huella imborrable de estar en lugares donde recientemente se han dado feroces batallas revolucionarias” [63] . Durante este tiempo, Yevtushenko comenzó a comunicarse en español y Barnet en ruso [57] . En un principio se suponía una recreación etapa por etapa del curso de los acontecimientos cubanos que precedieron al derrocamiento del régimen de Batista. Pero Yevtushenko sintió que esto era un desafío demasiado grande y decidió escribir un poema cinematográfico que mostraría el destino de la gente y la necesidad histórica de la revolución. Se decidió que la película constaría de cinco historias sobre los hechos que condujeron a la victoria de la revolución: el colonialismo y su impacto; la tragedia del campesinado; el inicio de la lucha de los trabajadores/estudiantes; la lucha en los llanos (la derrota de los rebeldes encabezados por Castro en el ataque al cuartel Moncada en 1953); la lucha en las montañas y la victoria final de la revolución. Yevtushenko, Barnet, Kalatozov y Urusevsky decidieron decidirse por esta opción, pero abandonaron el cuarto tema: la derrota de los rebeldes durante un ataque a los cuarteles del gobierno [64] . Después de que se resolvió la cuestión de la idea general de la trama, se comenzó a trabajar en el guión. Yevtushenko lo escribió en su habitación del piso 17 del hotel Habana Libre [K 5] , donde en ese momento se encontraba temporalmente la primera embajada soviética en Cuba y representantes de las autoridades revolucionarias [66] . Barnet trabajaba en su casa no lejos del terraplén, mientras Kalatozov y Urusevsky caminaban por las calles de La Habana, estudiaban sus rasgos, se familiarizaban con la cultura, la historia de la revolución y sus héroes. Los autores de la película se reunían a menudo para discutir el progreso del trabajo, para compartir sus ideas. El primer borrador del guión fue revisado en la reunión del ICAIC, durante la cual se recibieron comentarios y consejos del Che Guevara, los directores y fundadores del instituto de cine Julio García Espinosa y Tomás Gutiérrez Aléa [67] . A principios de 1962, Yevtushenko le dijo a un periodista soviético que, según la intención de los autores, la película debería mostrar que los sacrificios humanos realizados para el triunfo de la revolución no fueron en vano y no serían olvidados: “Gente que murió heroicamente porque la causa de la revolución quede viva en el corazón del pueblo. Y eso significa que la revolución es invencible” [57] . Después de que se aprobó el borrador general del guión, siguieron muchos meses de revisión [68] .

En enero de 1962, los tres autores soviéticos de la película regresaron a Moscú para completar el trabajo del guión, y un mes después se les unió Barnet. Para ayudar a los guionistas a sintonizar mejor, Kalatozov les mostró materiales de la película inconclusa de Sergei Eisenstein ¡ Viva México! (1931-1932) y les presentó al ex asistente de Eisenstein, el director soviético Grigory Alexandrov . Los autores de la película soviético-cubana visitaron el rodaje de la gran producción de Sergei Bondarchuk de " Guerra y paz " (1965-1967) [69] . Barnet recordó que la idea narrativa general de Kalatozov era minimizar el significado de las palabras, el diálogo y que lo que sucedía en la pantalla fuera comprensible para el espectador por las características visuales y expresivas de la película. En la discusión del proyecto participó el compositor Carlos Fariñas, quien estudió en el Conservatorio de Moscú. Los autores también consideraron introducir una historia sobre una Cuba moderna posrevolucionaria, pero esta idea fue abandonada. Unos meses después de regresar a Moscú, llegaron a la conclusión de que el guión era demasiado largo, en algunos lugares le faltaba profundidad y fuerza. Kalatozov hizo una serie de cortes en la primera y segunda historia, eliminando escenas que no jugaron un papel importante en el desarrollo de la trama; otros autores estuvieron de acuerdo con la corrección de tales soluciones [70] . Barnet escribió que a menudo discutían entre ellos "hasta la ronquera" sobre el guión y su poética, pero cada vez el papel de árbitro indiscutible lo desempeñaba el director [71] .

Reparto

Originalmente se planeó que no solo actores cubanos, sino también soviéticos estarían involucrados en "Yo soy Cuba", por ejemplo, Tatyana Samoilova , quien ya había jugado en las películas de Kalatozov "Las grullas vuelan" y "Carta no enviada". Según las memorias de Mikhail Kalatozishvili , quien también se convirtió en director, su abuelo admitió que cuando comenzó a pensar en cualquier película nueva, asoció la primera imagen femenina que surgió ante él con Samoilova. La propia actriz dijo que participó en las pruebas, pero el director, sin embargo, rechazó su participación en esta película: “... Tanya, quiero dispararte, pero tenemos una película extranjera. Dispararé a los italianos y me llevaré estos disparos. Y estarás conmigo toda mi vida .

Como resultado, en el rodaje participaron en su mayoría actores locales no profesionales, ya que la joven cinematografía cubana aún no contaba con el necesario personal de interpretación capacitado. En una de las cartas, el director le escribió a su hijo Giorgi (Tito) Kalatozishvili que en realidad no hay actores en Cuba, por lo tanto, en la película se interpretan papeles: "viejos pescadores, campesinos, estudiantes, abogados, estudiantes y otras personas que no saben cómo actuar" [72] . Además, el director llegó a la conclusión de que la utilización de actores aficionados lograría una mayor autenticidad en el traslado de las realidades cubanas. Los más experimentados de los actores locales fueron Sergio Carrieri y Salvador Wood, pero incluso este último fue considerado insuficientemente profesional. Kalatozov buscó reclutar artistas entre los miembros de la sociedad que iban a interpretar en la película y alentó la participación de miembros del equipo de filmación cubano como actores. Por ejemplo, Raúl García, uno de los ingenieros de sonido, protagonizó la tercera novela como Enrique. José Gallardo, quien interpretó al campesino Pedro en la segunda novela, no tenía experiencia actoral, pero Kalatozov sintió que se vería natural en su papel, aunque anteriormente había trabajado en el restaurante Pollo Pampero y no tenía nada que ver con la agricultura. Luz María Collazo, quien interpretó a la prostituta María Betty en la primera novela, era una bailarina y modelo que accedió a interpretar el papel a pedido del director. Los artistas no profesionales también correspondían al concepto de Kalatozov, quien creía que para transmitir el carácter de una persona, no se necesita experiencia de actuación. En ese sentido, citó el ejemplo de Gallardo, quien logró mostrar el duro trabajo campesino, su lucha con los elementos. El guionista Pineda no está de acuerdo con este punto de vista, creía que el actor que no trabajaba en la vida real en la tierra no podía transmitir de manera orgánica y confiable el verdadero espíritu del viejo campesino [49] . Además, Kalatozov y Urusevsky, para disgusto de Pineda y Farinhas, introdujeron en la película a un viejo músico callejero que les gustaba, que cantaba mal y tocaba la guitarra con dificultad. El guionista y compositor cubano se vio obligado a adaptarse a las expresiones faciales y movimientos de los labios del anciano en la película, lo que les exigió un esfuerzo adicional [73] . Más tarde, los actores cubanos recordaron agradecidos la ayuda de los cineastas soviéticos, especialmente las instrucciones de Kalatozov. Algunos de los artistas continuaron sus carreras en la televisión y el cine locales después de que terminó la filmación . [49] [70] El jefe del grupo de traductores era el poeta soviético Pavel Grushko , y Yevtushenko aprendió español en los pocos años que pasó en Cuba [42] . Grushko recordó más tarde que para él el rodaje, que duró "dos años maravillosos", se convirtió en un hito importante en su vida. Voló con otros miembros del equipo de filmación en el último avión justo antes del comienzo de la Crisis de los Misiles en Cuba, después de lo cual comenzó un problema alimentario en Cuba. Los miembros soviéticos del equipo de filmación estaban en una mejor posición, ya que podían comprar comida a los representantes de la URSS. Entonces, uno de los directores de la película, Konstantin Stenkin, compró leche condensada barata, guiso, vino en los barcos de guerra, después de lo cual se los repartieron a los amigos cubanos: “Les cocinamos nuestro guiso con papas, se chuparon los dedos” [74]. ] .

El actor no cubano con más experiencia es el francés Jean Buiz (el estadounidense Jim de la primera novela), quien ha actuado en teatros franceses desde principios de la década de 1950 y comenzó a actuar en películas en papeles menores poco antes del rodaje de I Am Cuba. Participó en el rodaje de la película Gatti y aceptó actuar en la producción cubano-soviética [47] . Con el tiempo, Buiz se convirtió en uno de los actores secundarios más famosos del cine francés, reconocido como el maestro del episodio [75] [76] . Durante este período, estuvo en Cuba de vacaciones y aceptó participar en la película de Kalatozov [77] . En otros roles de estadounidenses, en particular marineros, se involucraron europeos que terminaron en Cuba. En general, los personajes norteamericanos son considerados el punto más débil de la película, pues se convirtieron en la encarnación de ideas extremadamente estereotipadas sobre los vicios de la Cuba precastrista. Yevtushenko está de acuerdo con esto y dice que, cuarenta años después de filmar la película, a pesar de la rigidez de los marineros estadounidenses representados, no hay "odio" en sus imágenes: "Incluso cuando los estadounidenses están viendo esto ahora, simplemente sonríen, porque no no lo parece. Allí, los franceses interpretan a los estadounidenses, porque entonces, ¿qué estadounidense podría ir y protagonizar esta película? [42]

Proceso de filmación

Al regresar a Cuba, los miembros de la tripulación se encontraron allí en medio de la crisis de los misiles cubanos de octubre de 1962. En ese momento, una amenaza real de intervención del ejército estadounidense se cernía sobre la Cuba socialista, y la parte estadounidense impuso un bloqueo naval de la isla tras el despliegue de misiles soviéticos allí. Kalatozov vio aviones militares estadounidenses. Se cree que en relación con este curso de los acontecimientos, su obra también adquirió una connotación política personal: “esta es mi protesta y la de todo el pueblo soviético contra la brutal agresión de los imperialistas estadounidenses ”, escribió [78] . En Cuba, en ese momento, hubo una campaña de lucha contra la especulación, que derivó en un enfrentamiento entre las autoridades y el comercio privado y condujo a un "hambre" de mercancías. Yevtushenko recordó que los residentes locales culparon a la URSS por esto, lo que no pudo sino afectar a los miembros del equipo de filmación, quienes repetidamente escucharon reproches dirigidos a ellos [42] . En apoyo de sus palabras, dijo luego que cuando visitaron el mercado de La Habana para elegir una naturaleza, escucharon personalmente tales insultos, lo que enfureció a Kalatozov e incluso lloró, “como un niño” [79] .

A principios de 1963 comenzaron los rodajes en Cuba, durante los cuales los cineastas soviéticos encontraron diversas dificultades provocadas por la diferencia de cultura, mentalidad, condiciones geográficas y climáticas, así como por la falta de infraestructura y del personal necesario. En una carta a casa, Kalatozov escribió que hacía mucho calor en la isla, no había caminos en las montañas y había que usar un helicóptero para llegar allí, no había actores profesionales. El principal inconveniente es la "desorganización monstruosa de los cubanos", y en este caso, "los georgianos que tienen delante son gente de precisión cibernética " [72] . Mikhail Kalatozishvili, al comentar la carta de su abuelo sobre las dificultades que surgieron en Cuba, señaló: "Si los georgianos son personas de precisión cibernética en comparación con otra persona, entonces esas personas viven en un espacio diferente" [38] . Los desastres naturales que azotaron la isla en 1963 también interfirieron en la agenda de los cineastas, incluido el extremadamente destructivo huracán Flora [K 6] , ciclones y aguaceros tropicales [44] . Además, el exotismo, las costumbres y las peculiaridades de la revolución cubana, inusuales para los soviéticos, impedían la comprensión y adecuada visualización de los hechos históricos acontecidos en la isla de la Libertad en la pantalla. Según las conclusiones de la filóloga española Darya Sinitsyna, el desconcierto y la confusión de los miembros soviéticos del equipo de filmación en relación con lo que sucede en Cuba se puede expresar de la siguiente manera: “El modelo revolucionario, arraigado en la mente soviética, no encajar con la realidad cubana...” [82] El consultor y guionista Barnet recordó más tarde cómo quedó muy sorprendido por la indiferencia de Kalatozov al examinar interesantes localizaciones cubanas. Según él, el director estaba sentado en el coche y miraba todo prácticamente solo desde allí: “Le enseño cosas interesantes, pero ni me abre la puerta” [40] .

Los cineastas decidieron abandonar la imagen en color y filmarla en una película en blanco y negro. El camarógrafo lo explicó así: “Entonces teníamos miedo al color, teníamos miedo de caer en lo exótico: cielo azul, palmeras de un verde desgarrador” [83] . Algunas escenas fueron filmadas en película infrarroja , que estaba limitada para uso civil en la URSS, y por lo tanto estas tomas adquirieron un efecto visual original. En particular, este método muestra las copas de las palmeras iluminadas por la brillante luz del sol del sur, que en la pantalla adquirieron un tono plateado, casi blanco, y no oscuro, como sería el caso cuando se filma en blanco y negro ordinario [65] . Urusevsky tenía miedo de hacer una película "turística", pero luego se vio obligado a señalar: "el notorio sabor antillano todavía no podía dejar de penetrar en el tejido de la narrativa" [82] . El compositor Carlos Fariñas, quien escribió la partitura musical de la película, dijo que era un poco ingenuo por parte de los cineastas soviéticos tratar de prescindir de motivos e imágenes eróticas en Cuba, ya que la fisicalidad y la sexualidad están muy arraigadas en el mundo caribeño. Más tarde recordó la famosa escena del concurso de belleza filmada en la azotea del Hotel Capri : "Era un marco de pecado, pecado erótico caribeño " . El artista Portecarrero desarrolló imágenes de niñas cubanas forzadas a la prostitución y visitantes a lugares frecuentados en el espíritu de su brillante pintura neobarroca [23] .

Casi toda la película se filmó con una cámara de mano Éclair CM3 Cameflex de fabricación  francesa cargada con película de 35 mm [85] [86] . Sirvió como base para las soluciones de diseño de la cámara automática Konvas soviética , que se utilizó para filmar The Cranes Are Flying y The Unsent Letter [87] [88] [89] . La principal característica distintiva del aparato francés eran los casetes tipo cargador de cambio rápido , únicos para su época . Cada casete tenía un diseño compacto de uno y medio y contenía casi todo el recorrido de la cinta . En general, la disposición y el dispositivo general de los Konvas son similares a los de Cameflex, proporcionando la misma movilidad y versatilidad [90] . El operador explicaba su pasión por rodar con movimiento con una cámara liviana por el deseo de “revivir” el encuadre, la necesidad de involucrar al espectador en lo que sucede en la pantalla, de activar sus sentimientos, es decir, de hacerlo, como fuera, un “cómplice” de los personajes. Según él, tales técnicas de filmación no surgieron de antemano, sino que se debieron a lo que sucedía en el set, y sintió cuándo era necesario utilizar ciertos medios técnicos. “Estoy seguro de que el operador necesita trabajar, jugar con los actores”, argumentó. “Lo digo en serio, no se trata solo de correr con ellos. El movimiento de la cámara es muy activo. A través de la cámara, expreso mi actitud ante el hecho, y ella se convierte en cómplice. El espectador también” [91] . Cuando se le preguntó al operador cómo logra obtener resultados tan impresionantes, se rió: “Sí, lo que veo en un agujero es lo que pasa” [74] . Para el rodaje se utilizó un objetivo de fabricación francesa con una distancia focal de 9,8 mm, con el que aún no había trabajado Urusevsky. El operador quedó encantado con las capacidades de esta óptica, como un ángulo muy amplio, perspectiva enfatizada , acercamiento rápido y eliminación de objetos. Este objetivo le permite realizar tomas muy nítidas y expresivas [92] .

La película fue concebida y creada en el género poético, donde no se requería mostrar detalles cotidianos y el desarrollo psicológico de los personajes [93] . Los asuntos públicos se resolvían muchas veces de forma asociativa, lo que se manifestaba claramente ya en los primeros fotogramas, donde se muestra la costa de Cuba y los palmares en un largo panorama. La intención de los autores de la película era mostrar la isla caribeña, a la que poco a poco se iba acercando el espectador. Al ver este panorama, Portecarrero dijo que estas tomas lo emocionaron mucho, le evocaron la sensación de volver a Cuba después de una larga ausencia y ver su isla natal. Tras este episodio, aparece un panorama de un pueblo pobre, ingeniosamente filmado desde un barco, en cuyo primer plano se encuentra un barquero. Se le presenta en primeros planos tomados con una lente de 9,8 mm, primeros planos de su espalda y piernas desnudas y trabajadas. Esta técnica fue concebida para mostrar la pobreza cubana, que, según los autores, esta imagen representa mejor las realidades cubanas y la pobreza de la vida prerrevolucionaria. El episodio culmina con el cruce de un río por parte de una mujer negra embarazada con niños desnudos. Esta escena fue filmada haciendo zoom sobre los actores involucrados [94] .

“El guitarrista baila mientras toca la guitarra. Saxofonista bailando con dos guitarristas. En el techo del rascacielos - "desfile de chicas". Los cafés están llenos de gente. Piscina de uno de los rascacielos. Vista general de La Habana. Aplaude un grupo de jóvenes. La niña está de pie en el balcón. Coge un vaso, que le sirve un hombre canoso, y va a la piscina... A través de la columna de agua se ven chicas nadando en la piscina” [K 7] .

Entrada de la lista de edición: Fotograma 29, casi completo, longitud 93 m, 08 fotogramas [87] .

Los contrastes de blanco y negro se introdujeron para transmitir las imágenes de la imagen. Un pueblo pobre con cubanos morenos es reemplazado por una Habana americanizada, con turistas blancos, rascacielos blancos [94] . Una de las escenas más famosas y técnicamente sofisticadas tiene lugar en el hotel Capri, donde los turistas estadounidenses se divierten en el contexto de la miseria cubana sin esperanza. Fue filmada con una cámara en mano utilizando la técnica de montaje in-frame de larga duración (en la medida en que lo permitiera la duración de la película), es decir, en planos generales y sin cortes adicionales . Los camarógrafos se pasaban la cámara de mano en mano, captando actuaciones de jazz, concursos de belleza, visitantes alegres, cubanas buscando clientes, etc. En uno de los momentos animados, en el que intervinieron muchos actores, el cineasta con la cámara descendió al piso inferior. piso del hotel, donde había una piscina y un bar [96] . Para tal rodaje, se construyó una estructura especial en forma de hueco de ascensor , en el que se instaló un pequeño escalón, puesto en movimiento por tracción manual: el operador con la cámara en sus manos se sentó en él, y ella bajó, donde Urusevsky se tiró al suelo y siguió disparando en movimiento [85] . En uno de los episodios de esta escena dinámica, Urusevsky incluso entró en la piscina y continuó filmando en la posición de superficie y bajo el agua. Entonces, en uno de los momentos, aparece un cuadro en la pantalla, dividido por la mitad: una mitad está sobre la superficie del agua y la otra está debajo. Esto se hizo para imitar las sensaciones visuales de una persona que entra al agua y nada, cuyos ojos estaban algo arriba y luego debajo del agua. Como comentó Urusevsky, este plan se puso en marcha para "una mayor sensación de agua viva". A pesar de que la cámara en esta situación estaba protegida por una bolsa de plástico y un cristal especial del periscopio del submarino que giraba a gran velocidad, este dispositivo no estaba completamente sellado y después de cada toma había que desmontarlo y limpiarlo [87] [ 85] [96] . “Después de todo, el panorama tenía más de cien metros, por lo que recargaron cada toma. El agua se acumuló, pero no tuvo tiempo de llegar a la película, o más bien, la película no tuvo tiempo de hincharse. Lo único que se interpuso fue la diferencia de temperatura entre el agua y el aire, por lo que todo en la celda se empañaba”, dijo Urusevsky más tarde [91] . A pesar de los esfuerzos de los cineastas y ante la evidente desaprobación del jefe de cámara, la escena en la piscina no se incluyó por completo en la película, ya que Kalatozov la consideró demasiado larga y cortó la parte que seguía después de que la cámara se levantara de el agua [96] . Inicialmente, en el primer cuento había una trama diferente, otras soluciones visuales. Según esta opción, tres turistas norteamericanos llegan a Cuba, se divierten, visitan carreras de perros, casinos, cabarets. Sin embargo, durante el proceso de filmación, los cineastas decidieron abandonar una manera demasiado mundana y directa en favor de una presentación más poética y figurativa. El plano general en el hotel Capri pretendía transmitir una Habana asociativa americanizada, donde todo estaba supeditado a los intereses de los turistas extranjeros. Según Urusevsky, tal técnica nos permite mostrar que todo fue creado en la "Habana de los estadounidenses" para el "disfrute ocioso": tanto en el techo como en el agua, literalmente en todas partes. "Nos pareció que tal panorama expresa con precisión el tema del episodio y ya no se necesitan detalles cotidianos: en la carrera o en un casino, etc. Y tales cambios en el proceso de filmación son naturales", dijo el operador [ 94] .

“Gloria está entre la multitud, Alberto se acerca a la camilla que llevan los estudiantes y se pone al hombro. Panorama. Alberto y los alumnos trasladan el cuerpo de Enrique en una camilla. Las calles están llenas de gente. Las mujeres arrojan flores desde balcones y azoteas. Trabajadores de una fábrica de tabaco pasan de mano en mano una pancarta cubana doblada. Se acercan a la ventana, despliegan la pancarta. Las calles están llenas de gente. Se arrojan flores desde los balcones y desde las ventanas de las casas.

Entrada de la hoja de edición: Escena del funeral de Enrique, fotograma 212, primer plano de cuerpo entero, 69 m, 06 fotogramas [87] .

Otra escena escenificada compleja con el uso de estructuras de cámaras de ingeniería fue el funeral lleno de gente de un insurgente asesinado. Aquí, el operador, junto con una cámara de mano, por el contrario, en un ascensor en forma de silla lateral, subió desde la calle, donde caminó junto a los manifestantes, hasta el cuarto piso de un edificio de apartamentos, se trasladó en un carro a lo largo de un puente de paso elevado de este edificio a otro. Después de eso, pasó por el taller de liar cigarros de la famosa fábrica H. Upmann con gente trabajando en él y filmó el panorama del cortejo fúnebre desde la ventana, como si se cerniera sobre la multitud [97] [98] . Después de eso, la cámara con la batería colocada en la canasta se unió al bloque con la ayuda de un imán y se movió suavemente sobre la carretera elevada por encima de las personas en movimiento en la calle [99] [39] [100] . La propia cámara se desplazó sobre la procesión debido a que ésta era jalada con un cable por el campeón cubano de lucha libre [97] . Para ocultar al espectador el empuje de la cámara mientras la fijaba en el bloque, en ese momento, justo frente al lente, la bandera cubana se desdoblaba y colgaba de la ventana [87] . Esta escena requirió el trabajo coordinado de todo el equipo de filmación, personal técnico. El hecho de que los cineastas llegaran al lugar de filmación para su preparación durante un mes, y el proceso en sí tomó otro mes, atestigua cuánto costó el trabajo. Boris Brozhovsky, uno de los operadores de la película, recordó con gratitud que a pesar de todos los problemas y deficiencias que son inevitables al resolver los problemas visuales y técnicos más complejos de la película, Urusevsky simpatizaba con los errores y deficiencias de sus subordinados. Entonces, cuando el editor cubano no entendió a los colegas de habla rusa y estropeó los resultados de todo el día de rodaje, reaccionó con bastante calma y se volvieron a filmar las escenas necesarias [97] .

Durante la producción de la película, también se utilizaron otros dispositivos y accesorios técnicos y de ingeniería complejos, muchos de los cuales fueron creados por personal técnico bajo la dirección del mecánico de equipos Konstantin Shipov [97] . Para la filmación del episodio del segundo cuento, donde el campesino Pedro prende fuego a su choza, el equipo de filmación desarrolló un sistema de video basado en una cámara, cuya imagen fue exhibida en el televisor personal de Urusevsky traído de Moscú. Tal desarrollo se considera el prototipo del monitor de cámara profesional moderno, creado en Hollywood dos décadas más tarde [86] . La parte soviética compartió gustosamente las habilidades profesionales necesarias no solo durante el proceso de filmación en sí, sino también en áreas relacionadas ( maquillaje , pirotecnia , edición, etc.) [49] . Urusevsky estaba muy orgulloso de la escena en los matorrales de cocoteros , donde el rebelde se abre paso entre sus ramas, escondiéndose de la persecución. Para este episodio técnicamente complejo, se construyó una torre especial y se bajó un cable, sobre el cual se movía la cámara con la ayuda de rodillos. Atada al cable con un imán, se movió detrás del actor que corría. La escena parte de un plano superior, en el que no se ve nada excepto las copas de las palmeras, tras lo cual la cámara comienza a “abrirse paso” tras el hombre que corre y se acerca a él. Durante el descenso desde el punto superior, la cámara filmó por sí sola, pero Urusevsky la interceptó debajo, su asistente desconectó el imán de la cámara y el segundo en ese momento se dedicaba a enfocar la imagen. Después de eso, el actor continuó moviéndose, y Urusevsky se subió al carro de la cámara en movimiento , filmando la persecución del héroe perseguido a una velocidad considerable. Entonces el actor se detuvo, miró a su alrededor y la cámara lo fijó en primer plano. En este momento, Urusevsky se movió con cuidado del carro al suelo y corrió detrás del artista, sacándolo de su espalda. El camarógrafo enfatizó que se sintió complacido de que el intérprete cubano involucrado en esta escena se cayera sin darse cuenta, y él, y hasta con su cámara, logró mantenerse en pie. También en este episodio técnicamente difícil, Urusevsky destacó no solo las dificultades para sincronizar el teleférico con el carro de la cámara y la carrera posterior, sino también el rodaje original a diferentes velocidades de cuadro . Durante el rodaje, la batería de la cámara se agotó gradualmente y, para lograr un mayor efecto visual, los operadores utilizaron deliberadamente una batería ya agotada. Con este método, la velocidad disminuyó de los habituales 24 fotogramas a 16, 14 e incluso hasta 12 fotogramas por segundo. Urusevsky explicó que tal técnica hizo posible intensificar el ritmo y la tensión de esta escena tan dinámica. La transición en sí tuvo lugar sin problemas, mientras que expositivamente este proceso no fue tan conspicuo: "Luego, la película se imprimió idealmente en una luz, y el ritmo del movimiento se aceleró y alcanzó el deseado" [91] .

El trabajo en la película se completó en mayo de 1964, a fines de junio del mismo año el Comité Estatal del Consejo de Ministros de la URSS sobre Cinematografía la adoptó en español, y unos meses después en ruso [101] . Según el biógrafo del director, el crítico de cine soviético German Kremlev, en la producción a gran escala participaron "16 soviéticos, unos 50 cineastas cubanos y miles de sus devotos amigos y asistentes, que siguieron celosamente la verdad de la imagen" . Según estimaciones modernas, el presupuesto de la película fue de unos 600.000 dólares estadounidenses [85] .

Salir a las pantallas

Recepción

Portocarrero realizó un cartel de la película en Cuba [102] , y la versión soviética fue diseñada por Boris Rudin, reconocido maestro del fotomontaje de carteles cinematográficos, uno de los principales artistas de Reklamfilm en las décadas de 1950 y 1960 [103] . Otro cartel fue creado por Vilen Karakashev , quien también trabajaba en la misma editorial cinematográfica [104] . En taquilla, la película se mostró como una serie de dos partes, aunque los autores la concibieron sin dividirla en series separadas [93] . La película se estrenó el 24 de julio de 1964 en la ciudad de Santiago de Cuba , en un cine con 1.500 butacas, y, según Alexei Barinov, vicepresidente del Comité Estatal de Cinematografía del Consejo de Ministros de la URSS, muchos cubanos no tenían suficientes entradas. después. Dos días después, en la plaza central de la ciudad, luego de un mitin de muchos miles y el discurso de Castro, se realizó una nueva proyección. El 30 de julio tuvo lugar el estreno habanero en el mayor cine de la capital de Cuba, Rampa [44] . A pesar de las declaraciones de la parte soviética sobre la calurosa acogida de la película en la Isla de la Libertad, ésta fue mal recibida por la crítica, el público e incluso algunos participantes cubanos en el rodaje y, según algunos informes, abandonó las pantallas una semana después. el estreno [35] . En la URSS, las proyecciones públicas de la película tuvieron lugar desde finales de julio de 1964 [105] , y la película se estrenó el 2 de noviembre de 1964 en el cine de Moscú " Rusia " [106] [107] , pero, a pesar de la actualidad Tema cubano y asociado a los acontecimientos revolucionarios en América Latina entusiasmo soviético, el éxito no sucedió [101] [108] . Por iniciativa de la revista Art of Cinema , se llevó a cabo una discusión en la Unión de Directores de Fotografía de la URSS [109] , durante la cual, según el crítico de arte ruso Nikolai Khrenov, “se dijeron muchas cosas buenas sobre los autores extraordinariamente dotados y muchas cosas malas de la película” [10] . Varios participantes en la discusión hablaron positivamente sobre el contenido y el aspecto visual de la película, y algunos, notando la habilidad sobresaliente de los creadores y los episodios individuales, hablaron negativamente. Estos puntos de vista opuestos se notaron en las conclusiones del equipo editorial de la revista, que contenía críticas a la forma experimental y la imaginería, y enfatizaba la falta de una base dramática genuina y desarrollo de personajes: “En la película “Yo soy Cuba” muchas técnicas encontradas en las películas Las grullas vuelan y La carta no enviada, y el descuido del guión y de la palabra en esta obra salió a la luz con evidente claridad. A pesar de una evaluación global tan negativa, el texto editorial expresaba la esperanza de realizar más búsquedas de Kalatozov y Urusevsky [110] .

Según datos publicados en la revista Art of Cinema, durante el año en que la película se exhibió en la taquilla soviética, fue vista por 5,4 millones (1ª serie) y 5,3 millones de espectadores (2ª serie). Según los resultados de la distribución, entre las películas de producción nacional, ocupó el penúltimo lugar, el 39 [111] . Se supone que el rechazo por parte de las autoridades de Cuba y la URSS se debe en gran medida al hecho de que en la imagen se presentó de manera muy atractiva la imagen del " Occidente en descomposición " "debido a la irresistible perfección del alcance visual". para los miembros de la sociedad socialista [32] . Según Yevtushenko, el fracaso de la película en ambos países se debió principalmente a problemas económicos. La gente común en la URSS culpaba a la dirección soviética de las dificultades causadas por el costoso apoyo al régimen cubano, mientras que en Cuba, por el contrario, veían la influencia de los “rusos” en los fracasos del gobierno revolucionario. De hecho, la película no fue prohibida en Cuba, pero no tuvo éxito allí: "el ambiente romántico ya se fue, la gente comenzó a hacer fila, se introdujeron tarjetas" [42] . El poeta recordó que la dirección soviética en ese período envió a Cuba una película de propaganda sobre una vida feliz en la URSS con abundancia de alimentos, que no correspondía a las realidades soviéticas. En una de las proyecciones, Kalatozov estaba en la sala con Yevtushenko, y escucharon al cubano gritar: “¡Khrushchev, dame un trozo de queso!”. El poeta resumió así las contradictorias relaciones entre Cuba y la URSS: “Esto es propaganda, pero en realidad era antipropaganda. Y así, la película de Kalatozov no pudo tener éxito. Es que ni los soviéticos ni el pueblo cubano aceptaron este cuadro” [42] . Además, la dirección cubana se mostró decepcionada con el comportamiento de las autoridades soviéticas, que resolvieron la crisis del Caribe con el gobierno de los Estados Unidos sin su participación directa, lo que fue considerado como una verdadera traición, por lo que se inició el enfriamiento de las relaciones entre los países . 112] [K 8] . En ese momento, se generalizó en Cuba un verso modificado de una canción popular, en el que aparecían palabras dirigidas a Jruschov : “¡Nikita, mariquita! ¡Lo que se da, no se quita!", que literalmente significa: "¡Nikita, maricón ! ¡Lo que se da no se quita! Fidel Castro habló personalmente con los indignados cubanos y les explicó: “ceder un peón  no significa perder la partida”. Pavel Grushko, quien cita esta información, conoció a Castro durante el rodaje. También dijo que no le gustó la película no solo por las discrepancias políticas en el tema de una resolución "tras bambalinas" de la crisis del Caribe, sino también por su contenido. Esto es especialmente cierto en el final, donde cientos de " barbudos " con banderas ondeantes descienden de la cordillera de la Sierra Maestra . El líder de la Revolución Cubana dijo que en realidad, cuando él y sus amigos emprendieron esta campaña, se trataba de un pequeño grupo de "rebeldes harapientos", y ese es precisamente el alto valor de su posterior victoria. Según Grushko: “Entre muchos de ellos se ha desarrollado la opinión de que los cubanos de la foto son “algo diferente”. Buscaban un documental literal en la imagen, y es una brillante metáfora de maestros incomparables” [114] . Urusevsky creía que el fracaso de la película se debía a su considerable longitud, a la división "mecánica" en lugar del autor en series, y a la debilidad dramática del último cuento [93] . Un crítico de The New York Review escribió en 2008 que el rechazo de la pintura de Kalatozov aparentemente se debió a la pérdida de entusiasmo revolucionario cuando las personas después del derrocamiento de Batista enfrentaron problemas reales, ya que no vivían en un mundo prerrevolucionario idealista [115] . En ese momento, por razones políticas e ideológicas, la película no pudo llevar el éxito a sus autores en Occidente, lo que se explica por las consecuencias de la aguda crisis del Caribe, así como por la actitud antiamericana, “procomunista” y revolucionaria. contenido de la película en sí, que fue considerado sólo como un trabajo de propaganda de los cineastas soviéticos y cubanos [116] [117] [118] . En los países del bloque occidental generalmente pasó desapercibida, ya que no se mostró en taquilla ni se presentó en festivales internacionales de cine [119] . Se ha sugerido que la falta de proyecciones en el extranjero se debe a que la película promueve claramente la lucha antiimperialista, se presentan escenas de un levantamiento armado y la política exterior de la URSS en la década de 1960 demostró en el ámbito internacional la la adhesión del país a la imagen de un "luchador por la paz mundial" [ 32 ] .

Resurgimiento del interés por la película

  • Francisco Ford Coppola

  • Martin Scorsese

Hasta principios de la década de 1990, Yo Soy Cuba era prácticamente desconocido para el gran público. En 1992 se proyectó en el Festival de Cine de Telluride, Colorado , y en 1993 en el Festival Internacional de Cine de San Francisco [62] . Fue descubierto a mediados de la década de 1990 por Martin Scorsese y Francis Ford Coppola . La película les causó tal impresión que, a través de Milestone Films , la restauraron y organizaron su proyección en festivales de cine internacionales: en particular, estuvo entre las nominadas al Premio Independent Spirit a la Mejor Película Extranjera (1995), y la crítica occidental. muy apreciadas sus características artísticas [120] [121] [62] . En ese momento, la prensa estadounidense describió la película como una obra maestra cinematográfica: "una de las películas más increíblemente hermosas jamás realizadas", "¡impresionante! Visualmente impresionante”, [122] “¡película sensualmente hermosa! Himno a la sed de libertad. ¡Irresistible!" [123] [124] La crítica británica Diana Iordanova, enfatizando la cinematografía de la imagen, en 1997 en las páginas de la revista The Russian Review habló de él de la siguiente manera: "Urusevsky es un virtuoso de una cámara en movimiento, baila con ella, camina adelante y atrás, incluso se sumerge bajo el agua" [119] .

No diría que esta es la segunda aparición de esta película por parte del público. Pero, sin embargo, no hay una sola universidad, ni una sola institución educativa, ni una sola biblioteca que esté relacionada con el cine, donde no estaría este disco. Y que yo sepa, la gente que estudió allí, todos los que estudiaron allí, están en proceso de edición, de cámara para “Yo soy Cuba”. Y en Hollywood hay una frase tan común, una cita de "Yo soy Cuba", tal concepto.

—  Mikhail Kalatozishvili sobre el resurgimiento del interés por la película [38] .

La película fue restaurada, presentada al público en general en numerosos festivales de cine, comenzó a proyectarse durante la formación de cineastas y en proyecciones especializadas [125] . Mikhail Kalatozishvili llamó a este " renacimiento " en relación con la película de su abuelo la "segunda ola" y lo asoció principalmente con un alto mérito artístico, interesante para los cineastas [38] . Las sobresalientes soluciones de cámara y visuales de "Yo soy Cuba" se han ganado la aprobación de críticos y camarógrafos profesionales. Alexander Koltsatiy, hijo del destacado camarógrafo soviético Arkady Koltsatiy, quien participó en los trabajos de la película y emigró a Estados Unidos, donde colaboró ​​con Coppola y Scorsese, habló en una entrevista sobre incidentes en las proyecciones. Según él, en la década de 1990 presentó la película de Kalatozov en varios festivales de cine, y en Los Ángeles incluso tuvo que llamar a la policía por la entusiasta acogida y algunas manifestaciones antiamericanas: “Los estudiantes radicales creían seriamente en todas estas tonterías revolucionarias, tiro muy bonito” [126] . En 2004 se filmó el documental "Yo soy Cuba: Mamut siberiano" dirigido por Vicente Ferras. El nombre metafórico indica el interés por el proyecto soviético-cubano, que surgió varias décadas después de su creación: como si un mamut siberiano perfectamente conservado apareciera del hielo del permafrost [35] .

Después del "descubrimiento" de la película, algunos destacados directores y camarógrafos notaron sus cualidades sobresalientes. Scorsese dijo que si hubiera visto antes los hallazgos técnicos de los autores del proyecto soviético-cubano, habría facilitado su carrera cinematográfica. El director estadounidense también dijo que su película " Casino " (1995) está imbuida de respeto por esta película [127] . El director estadounidense Paul Thomas Anderson cataloga la producción cubano-soviética como una de sus películas favoritas, y el famoso plano de la cámara sumergiéndose bajo el agua de la piscina y emergiendo de ella fue citado en su obra " Boogie Nights " (1997) [ 127] . Así, durante la escena de la primera visita de Dirk Diggler ( Mark Wahlberg ) a un estudio porno, filmada en un plano general, una chica en bikini entra a la piscina, y la cámara se sumerge por completo en el agua, de donde emerge [ 128] [129] [130] .

Lanzamientos y restauraciones

Milestone se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York en marzo de 1995 . La película ha sido lanzada sucesivamente en VHS , LaserDisc y DVD . En 2003, se proyectó una versión restaurada de la película en el 56° Festival de Cine de Cannes [131] , y en 2004, en el 57° Festival de Cine de Cannes , la versión completa restaurada de la película ganó el Premio del Jurado en DVD en la categoría Descubrimiento [131 ] [29] . En 2005, se lanzó una nueva versión renovada de 35 mm . El mismo año vio el lanzamiento del DVD Ultimate Edition, completo con un tributo de Martin Scorsese. En noviembre de 2007, bajo la dirección de Scorsese, se estrenó en EE. UU. una edición en DVD de colección de tres discos de la película completamente restaurada (incluida la banda sonora en ruso), incluida una película sobre la película "I am Cuba: Siberian Mammoth" dirigida por Ferras y muchos otros materiales adicionales. [132] . En 2018, la película se proyectó en el 56º Festival de Cine de Nueva York [133] . En 2019, Milestone Films lanzó una versión remasterizada en 4K de alta definición basada en el metraje original de 35 mm [134] . En julio de 2018, Mosfilm comenzó su propia restauración digital de la pintura, que se completó al año siguiente [135] [136] .

Premios

Rasgos artísticos

Asunto

La literatura analiza el lado político del cuadro, así como la discrepancia entre su componente ideológico y la poética visual experimental original. Según el crítico de cine Yuri Bogomolov , el director y camarógrafo creó una película que mostraba la revolución cubana de una manera nueva, desde un punto de vista diferente: “no el elemento de la revolución, sino un individuo en el elemento de la revolución”, escribió. [139] . El crítico de cine ruso Mikhail Trofimenkov ve en los temas y la estética de la película “el espíritu revolucionario pisoteado por la burocracia estalinista”, y en este sentido la compara con otras películas de la década de 1960 dedicadas a las revoluciones rusa y mundial. En particular, nombra producciones como "Este momento" (1968) de Emil Lotyanu , " No hay vado en el fuego " (1968) de Gleb Panfilov , "Comisionados" (1969) de Nikolai Mashchenko . Según el crítico ruso, estas pinturas reflejan el resurgimiento del interés por los hechos revolucionarios, una corriente histórica y cultural general que se dirige al público y destaca una línea temática como: “la revolución está viva, la revolución es posible”. El mismo autor dijo en sentido figurado: “Los inquisidores , fariseos y escribas intentaron matar el espíritu de la revolución , pero esto no funcionó, y la revolución todavía es posible” [23] . La crítica rusa Elena Stishova también ve uno de los principales mensajes de la película en la correlación de los acontecimientos revolucionarios en Rusia y Cuba, lo que provocó malentendidos cuando se estrenó en pantalla: “Nadie apreció ni entendió que la película consideraba la revolución cubana, sus causas y orígenes a través de la óptica de la mitología rusa-soviética nativa” [117] . El historiador de arte Nikolai Khrenov también se detiene en la naturaleza política y periodística de la película asociada con los acontecimientos en la URSS (la desacreditación del culto a Stalin , el “deshielo de Jruschov”) y Cuba (la revolución). La sociedad soviética de la década de 1960 se caracterizó por la creencia de que la desestalinización revive los ideales de la Revolución de Octubre, que se percibía en ese momento con un espíritu romántico e idealizado. En este sentido, es indicativo el episodio cuando estudiantes opositores en La Habana son detenidos por la policía y se encuentra en su imprenta una edición de El estado y la revolución de Vladimir Lenin . A la exigencia del policía de confesar de quién es este libro, cada uno de ellos responde “Nuestro”: “Y el que no ha leído este libro es un ignorante” [140] . Así, enfatiza Khrenov, todos los crímenes se reducen a la política de Stalin, mientras que Lenin y sus ideas fueron idealizadas [140] . El crítico de arte también llega a la conclusión de que uno de los temas principales de la cinta es la rehabilitación de los cambios revolucionarios, su limpieza de todos los crímenes y el regreso al punto de partida de la historia. Los acontecimientos de la revolución cubana contribuyeron a la aprobación de las ideas de continuar la revolución, que actualizó así la soviética, pero con algunas enmiendas a la experiencia política e histórica soviética de la sociedad, que aceptó con entusiasmo el derrocamiento del régimen de Batista . 141] .

Pero como uno no puede meterse dos veces en el mismo río, y como el pensamiento siguió funcionando y cambió el mal de Stalin a Lenin, lo que algunos ya comenzaban a adivinar, la representación de la revolución cubana en la película de M. Kalatozov debería haber compensado esta imposibilidad de volver a la época revolucionaria romántica. Por lo tanto, la revolución cubana fue percibida como su propia revolución, como una continuación de su propia revolución.

Nikolai Khrenov sobre la originalidad del tema revolucionario de la película [141]

Roger Ebert insistió en que, por supuesto, ideológicamente la película es muy tendenciosa , didáctica , imbuida de franco antiamericanismo, sustentada en las mejores tradiciones del realismo socialista, pero en su conjunto, esta talentosa obra se balancea entre el lirismo y la propaganda [142] . Daria Sinitsyna cree que la película puede clasificarse como arte realista socialista solo por su componente político e ideológico y los conflictos generales de la trama. También concluye que la poética de la película es mucho más profunda y no tan ambigua como cabría esperar de una producción cubano-soviética políticamente motivada, que en realidad resultó estar más cerca del "modelo neorromántico" [143] . Indicativa al respecto es la posición del escritor y crítico de cine cubano Guillermo Cabrera Infante , quien atribuyó las obras anteriores de Urusevsky -Vuelan las grullas y La cuarenta y uno- al renacimiento del romanticismo. Contrastó las nuevas tendencias del cine soviético en las décadas de 1950 y 1960 con el neorrealismo y el realismo socialista como "conceptos estéticos moribundos" [52] . Trofimenkov también ve una desviación de los cánones del arte tradicional soviético: “Además, según los estrictos estándares del cine realista socialista de propaganda, esta película no pasó por ninguna puerta: era una especie de pastel loco, una película decadente” [23] .

Trofimenkov también enfatizó un hecho tan notable que Cuba, con su revolución, se convirtió para el movimiento de izquierda mundial en lo que solía ser la URSS: “La Cuba de los años 60 es el corazón mismo del mundo”. Destacados representantes de la élite intelectual occidental, como Jean-Paul Sartre con Simone de Beauvoir , fueron a familiarizarse con las transformaciones revolucionarias en Liberty Island y los líderes cubanos , los directores Chris Marker y Agnes Varda filmaron una película aquí [23] . En esta época también visitaron la isla caribeña personalidades tan reconocidas en el campo del arte como el historiador de cine Georges Sadoul , el poeta Pablo Neruda , los documentalistas Roman Carmen , Chris Marker , Joris Ivens y Theodor Christensen [73] [144] . La crítica occidental también señala que la década de 1960 estuvo marcada por un resurgimiento del interés por el tema de las revoluciones, que se manifestó en el florecimiento de un cine saturado de su espíritu, tanto en lo ideológico como en lo estético (por ejemplo, The Weekend (1967) de Jean-Luc Godard , " Zeta " (1969 Costa Gavras ). Sin embargo, incluso entre estas películas, "Yo soy Cuba" es reconocida como una obra maestra y una vívida continuación de las tradiciones del cine soviético de vanguardia que ganó fama en el extranjero. (por ejemplo, " El acorazado Potemkin " (1925) de Sergei Eisenstein ), suplantada por la reacción política de los años 1930-1950 [116] “ nueva izquierda ”, que el director italiano Michelangelo Antonioni [K 9] sintió y recreó en su película Zabriskie Point (1970): “No es casualidad que la figura del Che Guevara, el revolucionario cubano, se convierta en el ídolo de la juventud occidental de los años 60" [8] .

Yevtushenko dijo que a pesar de los evidentes problemas cubanos, Kalatozov y Urusevsky hicieron una película que ciertamente justifica los cambios revolucionarios: “Pero aun así llegaron a la conclusión en la película de que lo que pasó en la historia, esa revolución, todo fue justo. Y lo que ya está más allá de esta línea, no debemos cruzarlo”. Incluso 40 años después del rodaje, el guionista soviético de la película insistía en que "no hay nada en ella que no sea una verdad histórica" ​​[42] .

Estilística

El crítico de cine Nikolai Khrenov ve en la película un rasgo característico de la cultura rusa y soviética, cuando la poesía con su narración lírica en primera persona comienza a prevalecer durante un breve período. Tal orientación fue característica del período del "deshielo de Jruschov", cuando en el campo del arte hubo un renacimiento de las tradiciones de la vanguardia rusa , que tuvo su continuación a corto plazo en las búsquedas creativas de la década de 1920. En relación con la difusión del principio poético en el discurso cultural soviético en la década de 1960, el aumento de la fama y el papel del poeta (Evgeny Yevtushenko, Andrey Voznesensky y otros), la naturaleza confesional de la poesía, sus técnicas se vuelven populares en otros tipos. del arte, en particular en el cine. Según Khrenov, "Yo soy Cuba" es una obra sumamente publicitaria. Muestra un rechazo a los cánones dramáticos soviéticos de la década de 1930, que se volvieron característicos de las obras dedicadas a la Revolución de Octubre, que fueron influenciadas por formas novelísticas y en prosa. La película soviético-cubana marcó el renacimiento del cine de vanguardia de la década de 1920, también basado en una revalorización de formas literarias familiares. Según Khrenov, la década de 1960 representa no solo el establecimiento de un nuevo género lírico-periodístico, sino también la restauración de las posiciones perdidas de tal dirección de la vanguardia soviética como una película poética, donde la trama se presenta en un forma nueva y poco convencional. El rechazo a la narración habitual provocó la vuelta a algunas de las técnicas del cine subsónico; por ejemplo, en la película "Yo soy Cuba" se minimiza el papel del diálogo. Al parecer, para el director en lo personal, supuso el regreso a la poética del film documental de vanguardia "La sal de Svaneti " (1930), desprovisto de los esquemas argumentales habituales y dedicado al tema de la instauración de la revolución en una sola de las remotas comunidades georgianas de Svaneti [8] .

Khrenov también destaca la significativa intertextualidad de la película que, según su observación, contiene referencias y citas no solo de los primeros trabajos de Kalatozov y el arte de vanguardia soviético de la década de 1920 sobre temas revolucionarios, sino también del cine occidental. La escena en la que Enrico trata de acercarse al policía para arrojarle una piedra, según los críticos, se remonta a la escultura de Ivan Shadr " Cobblestone - el arma del proletariado " (1927) [147] . Además, estos planos, cuando Enrico, herido de muerte, continúa caminando durante algún tiempo con una piedra en la mano, se asemejan a una técnica similar de la película de Alexander Dovzhenko . Se cree que el multitudinario funeral del héroe asesinado también fue filmado con el espíritu de un destacado director ucraniano soviético [148] , y el panorama y el ángulo de esta escena se remontan a la fotografía “Reunión para una manifestación” (1928) de Alexander Rodchenko , conocido por sus experimentos con puntos de tiro y ángulos [47] . Según la crítica, algunas escenas hacen referencia a la obra de Sergei Eisenstein . Por ejemplo, se resaltó reiteradamente la continuidad con el “Acorazado Potemkin”, lo que se manifestó claramente en la filmación de un mitin estudiantil en las escaleras de la Universidad de La Habana , que remite a la famosa escena con la escalera Potemkin del cuadro de Eisenstein [51]. ] . Khrenov destaca como una tendencia no aleatoria que los paisajes cubanos y los primeros planos de los rostros de los personajes contra el fondo de un cielo tropical evocan asociaciones con los fotogramas correspondientes de la película inconclusa de Eisenstein ¡Viva México! "(1931-1932) [148] . Anatoly Golovnya vio continuidad con las obras de los maestros soviéticos de la década de 1920 en la descripción poética de los acontecimientos revolucionarios y el patetismo de la cinta: Octubre de Eisenstein , Fin de San Petersburgo de Vsevolod Pudovkin .

La intertextualidad de la imagen también está representada por imágenes y referencias al cine occidental, que Kalatozov conoció bien mientras trabajaba en los Estados Unidos en 1943-1945 como representante autorizado del Comité de Cinematografía [150] [151] . Entre tales citas figurativas está la escena del primer cuento, cuando la prostituta María permite que un turista estadounidense visite su miserable vivienda en los barrios bajos. Khrenov señala que este episodio se basa en una de las escenas iniciales del famoso cuadro La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini , donde Marcello Rubini ( Marcelo Mastroianni ) se abre paso con su adinerada novia Maddalena ( Anouk Aimé ) sobre un tablón a través de un charco de un barrio pobre de Roma al apartamento de una prostituta [148] . También se cree que la famosa escena del " Hotel Capri " de La Habana se inspiró en la misma película de Fellini, donde hay algunos episodios bohemio - decadente en el espíritu de la dolce vita [142] [2] . Otra referencia está en una secuencia de interrogatorio rebelde donde los mercenarios de Batista exigen que se revele la ubicación de Fidel Castro, a lo que responden unánimemente: "Yo soy Fidel", que es una cita de Spartacus (1960) de Stanley Kubrick . Según la trama de la producción estadounidense, los rebeldes, liderados por Espartaco , sufren una aplastante derrota . El cónsul romano Craso , que los capturó, promete a los cautivos la salvación de la crucifixión , siempre que traicionen a su líder que está entre ellos, pero los esclavos se niegan, levantándose y gritando: "¡Soy Espartaco!" [47] . Los investigadores señalan que la mayoría de los ecos establecidos son con la película de Armand Gatti "The New Columbus". El final de la película del director francés corresponde en gran medida a la solución visual del comienzo de su colega soviético. Así, un panorama de matorrales de palmeras, mostrado desde el aire, es acompañado por un texto en off: “Fue Cuba” de Gatti y “Yo soy Cuba” de Kalatozov. Sin embargo, si en el primer caso hay una eliminación de la isla, en el segundo, por el contrario, hay una aproximación. Ambos están saturados de simbolismo religioso, los une una apelación al tema de Cristo y la cruz. Los investigadores señalan que el componente político general también ocupa un lugar importante en ellas, interpretado en gran medida en el espíritu de la orientación antiimperialista general de tales obras: “Ambas películas muestran manifestaciones estudiantiles dispersadas por cañones de agua, policías disparando a los estudiantes, bombardeos aéreos de rebeldes, cortejos fúnebres, el papel antiestético de los americanos, así como los charcos y lodos de los barrios pobres...” [48] Asimismo, ambas producciones tienen unas características visuales sobresalientes, lo que se debe al trabajo de destacados camarógrafos. Entonces, si “Yo soy Cuba” fue dirigida por Urusevsky, entonces “El nuevo Colón” fue dirigida por Henri Alekan , conocido por sus colaboraciones con Abel Hans , Rene Clement , William Wyler , Jean Cocteau , Marcel Carnet y otros directores reconocidos [119]. ] .

La integridad de la película, que consta de cuatro historias cortas, no conectadas por personajes y trama comunes, está dada por una entonación periodística, un llamado a luchar contra un sistema injusto y una imagen a través de "Cuba". De su rostro como “un ser femenino doliente e invisible, encarnado en muchos de sus hijos - cubanos reunidos bajo la bandera de Fidel”, se hacen comentarios importantes para entender la película [152] . El monólogo más importante de este tipo es el anuncio previo, expresado contra el telón de fondo de un paisaje costero tropical con una imponente cruz católica:

yo soy cuba Cristóbal Colón una vez aterrizó aquí . Escribió en su diario: "Esta es la tierra más hermosa que ojos humanos hayan visto". Gracias señor Colón. Cuando me viste por primera vez, canté y reí, saludé las velas con ramas de palma, pensé que los barcos traían felicidad... Soy Cuba. Mi azúcar se la llevaron los barcos, mis lágrimas me las dejaron a mí. El azúcar es una cosa extraña, señor Colón: hay tantas lágrimas en él, pero es dulce [65] .

La unidad de la película también está asegurada por su estructura visual de fotogramas. Así, en los primeros fotogramas aparece en la pantalla un paisaje costero cubano, una cámara flotante y en descenso paulatino muestra matorrales de palmeras , y en el final, la palmera se convierte en el telón de fondo de la victoriosa procesión de los revolucionarios. Sinitsyna se inclina a concluir que esto también se debe al hecho de que los autores de la película buscaron reflejar imágenes artísticas que fueran comprensibles para los espectadores soviéticos y cubanos: “La percepción de una palmera como emblema del triunfo puede coincidir con ambos. destinatarios potenciales de la imagen, ya que forma parte del código cultural común europeo, heredado tanto por Rusia como por América” [153] . La estructura del cuadro de la película está asociada con el uso de símbolos cristianos, así como con los conceptos culturales tradicionales cubanos (y, más ampliamente, latinoamericanos) de " motivo del paraíso ", " cornucopia ". Entonces, ya en el primer comentario hay las siguientes palabras: “Esta es la tierra más hermosa que ojos humanos han visto”. Gracias, señor Colón ” [65] . El "motivo del paraíso" aparece en la primera novela: el frutero René conduce su carro frente a la Iglesia del Ángel en el centro de La Habana, mientras le hace una promesa a su amada María de que su ceremonia nupcial se llevará a cabo aquí . Al mismo tiempo, René canta: “Aquí estoy vendiendo naranjas, piñas blancas, ciruelas de California, peras jugosas baratas” [154] . Otras parafernalias cristianas (una cruz, el crucifijo pectoral de Mary-Betty, una paloma muerta a tiros por la policía, etc.) también están presentes en la película, entrelazadas con símbolos cubanos y revolucionarios [155] .

El lado audiovisual de la película

Según Mikhail Trofimenkov, el hecho de que "tres autores iguales", "tres personas increíblemente dotadas" - Kalatozov, Urusevsky, Yevtushenko - participaron en la creación de la película la hace única en la historia no solo del cine soviético, sino también del mundial. . Además, entre otras películas soviéticas, se distingue por un lado visual brillante. ““Yo soy Cuba” es una película de orgías , donde, por supuesto, Urusevsky es el solista. Y, probablemente, Urusevsky, más que Kalatozov o Yevtushenko, puede reclamar el papel del autor de esta película”, dijo Trofimenkov [23] . Pavel Grushko creía que la película se distingue principalmente por "el arte innovador y una cámara deslumbrante de Sergei Urusevsky", y no por una trama "bastante trivial" [114] . Casi toda la película fue filmada con una cámara de mano , lo que permite al espectador involucrarse en el transcurso de los acontecimientos en la pantalla, evitando la estática. Por lo tanto, la escena del asesinato de un estudiante rebelde se construye con el uso de una técnica de cambio de cámara nítida: suena un disparo, el cuerpo de un estudiante herido se estremece y, en este momento, la cámara se deforma fuertemente. Otra técnica característica es disparar desde un ángulo agudo y el uso de Urusevsky de una lente gran angular , que proporciona un ángulo de visión más grande. El uso de este tipo de lentes fue dictado por la necesidad de evitar sacudidas al caminar y mover la cámara [91] . Se sabe que el operador tenía algunas dudas sobre la corrección de este método de filmación. Yuri Trankvillitsky dijo que Urusevsky le preguntó cuáles consideraba que eran las deficiencias de la imagen, y él le dijo que estaba en el uso excesivo de "lentes gran angular": "Fue filmada de manera brillante, simple e ingeniosa, especialmente lo que fue filmado con una cámara de mano! Pero fotografiar hermosas cubanas... Estuve en Cuba y admiré los resultados de los matrimonios multinacionales. Los resultados son sorprendentes, pero ¿por qué fotografiar chicas hermosas con ángulos amplios? Con cada movimiento aparecen deformaciones de los volúmenes del rostro. Urusevsky respondió que en realidad estaba demasiado "dejado" por esta lente [33] . Por otro lado, dijo en repetidas ocasiones que la "distorsión" de los rostros incluso de las golosinas cuando se usan lentes de foco corto tiene una larga tradición que se remonta a la pintura. Según él, de esta manera se logra una "nitidez de la vista" cinematográfica. En apoyo de su posición, Urusevsky citó como ejemplo los dibujos de Henri Matisse , la gráfica de Frans Mazarel , las pinturas de Pablo Picasso y El Greco : “Estos artistas, incomparables en su agudeza visual, también parecen tener un enfoque corto. lente” [156] . En respuesta a los críticos que lo acusaron de "distorsionar" los objetos en la escena del funeral de Enrique, el camarógrafo argumentó que este método de filmación permite una mayor expresividad, "nitidez" de las imágenes [94] .

Los autores de Historia del cine soviético (1917-1967), a pesar de criticar el enfoque "formalista" para resolver el tema de la Revolución Cubana, escribieron que es difícil negar el "excepcional" trabajo de dirección y cámara de los autores de la película. Tales cualidades sobresalientes de la película se pueden atribuir con seguridad a un sentido de la naturaleza; el poder original de algunas escenas; aplicaciones altamente profesionales de la óptica de foco corto ; efectos causados ​​por el uso de película infrarroja (infrachrome); movimiento libre y suave de la cámara liberada de Urusevsky. Los mismos autores señalan que en este sentido, la cinta “nuevamente hiere y deleita”, no puede dejar de plasmar su poética visual, “poesía poderosa”: “la imagen de la tierra aparentemente virgen, prometida, que aparece en la introducción, la costa de Cuba, como vista a través de los ojos de los primeros navegantes, fantásticas palmeras plateadas, aguas oscuras, cañaverales, el inaudible correr de misteriosas barcas” [157] . El artista Vitaly Goryaev explicó que los episodios contrastantes (un paisaje blanco contra un cielo oscuro) cobran vida por la necesidad de transmitir por medios cinematográficos el profundo drama de la escena, su esencia psicológica [158] .

La película hace un uso extensivo del montaje in-frame , por ejemplo en el primer cuento, donde la acción transcurre en el Hotel Capri, y en el tercero, en la escena del duelo procesional por las calles de La Habana. En un largo episodio en un hotel, el camarógrafo se mueve por la habitación con la cámara, sigue a los personajes, baja por el ascensor e incluso entra en la piscina [159] . Roger Ebert calificó estas tomas como las más sorprendentes que jamás había visto [142] . Muchos expertos quedaron impresionados por la habilidad técnica de los operadores en la escena de un cortejo fúnebre lleno de gente. Martin Scorsese dijo que estaba muy interesado en cómo los cineastas soviéticos lograron hacer esto: “Sí, vi que era una toma muy remota, pero no esperaba que la cámara saliera por la ventana y se colgara en medio de la calle. . Me enamoré de esto. Yo mismo soy director de cine, pero ni siquiera fue la técnica lo que me impresionó, me impresionó su belleza” [160] . El experto en cine Khrenov escribió que esta escena, filmada por el operador desde el punto superior, “hace una impresión simplemente cósmica” [8] , y el crítico de cine Kamill Akhmetov la describió como “el plano más increíble y técnicamente perfecto de la película”. [100] . Goryaev llegó a la conclusión de que esta escena reflejaba la esencia profunda del artista Urusevsky, su educación inicial recibida en el Instituto Superior Artístico y Técnico (VKhUTEIN) y la pintura constante. Este cortejo fúnebre se caracteriza por una especial monumentalidad, majestuosidad, que viene predeterminada por los medios de cámara, al mostrarse desde lo alto, por así decirlo, ralentiza el movimiento de la calle, que se ha vuelto interminable, patética, solemne gracias a tal panorama. Goryaev sugiere que tal dispositivo artístico fue causado por la necesidad de minimizar la "ebullición quisquillosa" de la capital de La Habana para frenar el movimiento de personas a través de tal contraste visual. El mismo autor termina su pensamiento con la siguiente alta valoración: “¡Una solución muy interesante! Uno siente que fue inventado por un gran artista” [161] .

La directora y crítica de cine soviética Maya Merkel señaló que, de película en película, el arte de cámara de Urusevsky, su visión de la pantalla se volvió cada vez más complicada, las imágenes se volvieron más fantásticas y las técnicas más sofisticadas. Sus soluciones plásticas y visuales sorprendieron cada vez más no solo a la audiencia, sino también a los colegas. Ella escribió que en una película filmada con un alto nivel de cámara, los autores en realidad no están interesados ​​en la trama y los personajes, y su mensaje se transmite por medios visuales diseñados para influir en los sentimientos del espectador. Logran su objetivo casi sin palabras: “Todos, dolor, alegría, desesperación, deleite, han encontrado una expresión plástica. Y la pantalla actúa más sobre los sentidos que sobre la mente” [162] . Merkel cita dos escenas como ejemplo: el baile de María (Betty la prostituta) en la primera novela, que describe como " éxtasis en su expresión gráfica", "una visión material que pasa ante los ojos" de la niña, y el episodio de el campesino de la segunda novela que quema su cosecha de caña de azúcar y lo lleva a un estado de pasión. En esta vívida escena de ira, el frenesí de un campesino, el trabajo de cámara expresa diversas emociones: “Los tonos gritan. El humo negro es desgarrado por un deslumbrante fuego blanco. Ramas de junco azotan la pantalla. La cámara no parece estar en manos del operador, sino al filo de un cuchillo: despega - cae, despega - cae. En la pantalla hay un rostro, una mano, una caña, una mano, una caña, un cuchillo, ojos... Ya no hay composiciones, construcciones, planos separados, sólo un grito expulsado por líneas, luz, tono” [ 162] .

Se destaca en la literatura de historia del cine que Kalatozov, desde sus primeras películas, buscó transmitir el ritmo de la narración cinematográfica, que tenía como objetivo crear un efecto dramático [163] . Este patrón rítmico es característico de muchas de sus películas y ha encontrado expresión en I Am Cuba. Se le pueden atribuir los siguientes episodios: el empuje de la pértiga, con el que el remero dirige la barca al principio de la película; machetazos en los juncos ; el latido del corazón del estudiante Enrique, contragolpeado por los sonidos de la calle, mientras apunta a un policía desde la azotea de un rascacielos. Al mismo tiempo, el ritmo y ritmo del cuadro, que no corresponde al temperamento latinoamericano, provocó críticas de la parte cubana. Este punto de vista fue expresado en el documental de Vicente Ferras, así como del actor Salvador Wood, quien participó en el rodaje de "Yo soy Cuba", destacando la escena en la que Enrique sigue injustificadamente, emotivamente tediosamente, al policía, con la intención de tirarle una piedra [ 164] .

A pesar de las acusaciones de formalismo, la creación de una obra en el espíritu del " arte por el arte ", se observa en la literatura de crítica cinematográfica que las técnicas de cámara de Urusevsky cobraron vida gracias a la integridad del plan y los requisitos de un desarrollo dramático agudo. . Kamill Akhmetov cita como ejemplo del uso orgánico por parte del operador de planos generales la tensa escena del ataque policial a una imprenta estudiantil ilegal, la dinámica escena de una manifestación antigubernamental, así como el dramático episodio del asesinato de un manifestante, realizado con efectos ópticos [165] . Roman Ilyin tomó una posición similar, quien escribió sobre la escena de la procesión fúnebre: “Por supuesto, el método de este rodaje es único, extremadamente complejo, pero nada formalista, ya que está completamente justificado por el contenido para el cual fue inventado” [87] . Aleksey Batalov también rechazó las acusaciones contra Urusevsky relacionadas con sus búsquedas experimentales supuestamente puramente formalistas. Al señalar que la esencia profunda de todas las aspiraciones del operador se debe principalmente a su constante deseo de transmitir "por medios puramente cinematográficos el mundo interior de una persona, los impulsos más íntimos del alma humana", el actor dijo: "Fue esto , y no el afán de hacer alarde de técnica, lo que le empujaba a probar a diario todo tipo de nuevos medios y técnicas de tiro” [166] .

La famosa escena del Hotel Capri se destaca por la obra del artista René Portocarrero , quien creó imágenes de muchachas habaneras que son obligadas a prostituirse y bailar para diversión de los turistas estadounidenses. Según Trofimenkov, el artista se expresaba a su manera habitual, y las mujeres latinoamericanas de la película parecían haber salido de sus lienzos tropical - barrocos : “Está claro que las categorías de mesura y gusto tampoco son aceptables para tales cuadro. Es una película de orgías, una película de celebración, el frenesí de la cámara y los egos de sus creadores .

La partitura musical de la película fue compuesta por el destacado compositor Carlos Farinhas . Su obra refleja varios estilos musicales, tanto cubanos como europeos y americanos [55] . Según el musicólogo ruso Vitaly Dotsenko, incluso en el período de las vanguardias, sus obras presentan invariablemente "un acento cubano característico, diversidad tímbrica y rítmica, y sus experimentos se basan en una fuerte técnica compositiva" [54] . La película utiliza música escrita especialmente para ella, así como números prestados y adaptados ( Loco Amor  -adaptación española de Crazy Love [K 10] de Paul Anka , himno cubano La Bayomesa , canciones militares estadounidenses Anchors Aweigh y Gobs on the Loose ) [168 ] [169] . La música tiene un importante significado dramático, acompaña la acción y el texto en off. Khrenov escribió que en la escena del funeral del estudiante Enrique, la imagen de la campana y los sonidos que hace tienen un impacto significativo, lo que asocia con la influencia de Yevtushenko, ya que la campana aparece repetidamente en su obra y es significativa para otros. obras del poeta [8] . Un crítico estadounidense escribió que la banda sonora es tan impresionante como la imagen: "La música, especialmente al comienzo de la película, transporta al espectador de un espacio a otro: los ejemplos incluyen "Loco Amor" en la actuación exultante de un cantante de un club nocturno y las exclamaciones melódicas de un vendedor ambulante de frutas, ofreciendo naranjas y ciruelas de California . Un elemento adicional que le permite conectar los elementos espaciales de lo que sucede en la pantalla es la "voz aterciopelada del narrador, recitando líneas impresionistas " [170] . David E. Nachman elogió la película como un trabajo sobresaliente, y también destacó su excelente banda sonora, llena de entonaciones musicales cubanas de la época [171] . Un momento musical interpretado por un viejo músico callejero, Canción Triste , se ha convertido en un tema clásico de la música guitarrística cubana [73] .

Crítica

Tras su estreno, la película fue subestimada tanto en Cuba como en la URSS, y prácticamente desconocida en Occidente. La debilidad, la dramaturgia poco convincente, los estereotipos de personajes y guión [119] , y algunos críticos argumentaron que este último no existe en absoluto [172] causaron las mayores quejas . En Cuba, fue condenado por el hecho de que los representantes de su pueblo fueron mostrados de manera demasiado humillante, su carácter independiente y su espíritu amante de la libertad no fueron adecuadamente reflejados, y los estadounidenses y su protegido Batista no fueron retratados lo suficientemente negativamente [116] . En la prensa cubana se acusó a la película de irrealidad, por lo que incluso se la bautizó como "¡Yo no soy Cuba!". ( Español:  No Soy Cuba ) [137] . El crítico Luis M. López, en un artículo con el mismo título, escribió que los autores intentaron mostrar los años prerrevolucionarios desde el punto de vista de la filosofía del marxismo , y la acusación contra los turistas estadounidenses se expresó como nuestra propia decepción en sociedad [173] . Sin embargo, a pesar del tono crítico general de los revisores cubanos, también hubo valoraciones positivas. El periodista José Rodríguez calificó entonces el proyecto cubano-soviético como la mejor película sobre la revolución cubana. El crítico de cine M. R. Alemán opinó que la película genera un sentimiento de orgullo en el cine nacional. La figura teatral A. Beltrán la describió como un triunfo del arte cubano joven y, en este sentido, "la primera película cubano-soviética es un triunfo de la cinematografía inventiva y creativa" [174] [175] .

En la URSS, la crítica reprochó a los autores el esbozo de la trama, el patetismo y el patetismo excesivos, la experimentación excesiva e injustificada, las búsquedas formalistas infructuosas, la falta de humanismo y amor por las personas mostradas, la autenticidad psicológica, la falta de una base dramática y una panorama de la vida cubana [176] [177] [110] . La crítica de cine Lyudmila Melville citó la estética de la película como ejemplo de una corriente cinematográfica que sólo logra una "locura técnica" [178] . El director de cine Andrei Tarkovsky , basado en su "concepto anti-edición" [179] , ha criticado repetidamente tales "trucos" del camarógrafo, la edición y el director por convertirse en realidad en un fin en sí mismo. Por ejemplo, en sus Lectures on Film Directing, afirmó: “Después de todo, hubo intentos de filmar todo desde un punto de vista, por ejemplo, La cuerda de Hitchcock o Soy Cuba, etc. Bueno, ¿a qué condujo? A nada, porque nada hay en ello” [180] . El destacado camarógrafo soviético y ruso Vadim Yusov creía que a pesar de una serie de "descubrimientos y descubrimientos de camarógrafos brillantes", en películas como " Carta no enviada " (1959) y "Yo soy Cuba", había un "sesgo" significativo hacia lo visual. serie, el operador "aplastaba" al director, y la forma comenzaba a prevalecer sobre el contenido [181] . Los autores de Historia del cine soviético expresaron el punto de vista de que si en la obra anterior de Kalatozov-Urusevsky, La carta no enviada, el experimento aún no había prevalecido sobre la acción cinematográfica, entonces en su película soviético-cubana esto ya se manifestaba plenamente. En esta obra de gran talento, se hace llamativo el contraste entre forma y contenido, dramaturgia e imagen, un tema profundamente revolucionario y su análisis por parte del autor. Esta actitud llevó a que en la pantalla se muestre la imagen de la “revolución en general”, y la situación de las personas que provocaron el levantamiento se reduzca a generalizar conceptos. La confirmación de que la acción de la imagen tiene lugar en Cuba está limitada solo por el "color local" exótico ricamente presentado. En este sentido, según los críticos, este trabajo del director fue considerado como un fenómeno de crisis: "Habiendo perdido apoyo en los estudios humanos, Kalatozov perdió el papel verdaderamente pionero que legítimamente le pertenece como autor de la película The Cranes Are Flying". [176] . Al mismo tiempo, a pesar de las afirmaciones hechas, la crítica soviética no pudo dejar de señalar una serie de decisiones visuales audaces, originales y reflexivas de los cineastas, que incluían la nitidez de la composición, la capacidad de los planos, la riqueza de los panoramas. , la especial expresividad y técnicas de tiro inusuales [157] [181 ] . La redacción de la revista Art of Cinema organizó una discusión sobre la cinta en la Unión de Directores de Fotografía de la URSS, en la que participaron directores, camarógrafos, críticos de cine y críticos. Durante la discusión se escucharon opiniones contrastantes, la estética de la película tuvo defensores, pero en general el trasfondo general fue crítico [110] . Khrenov consideró que tal rechazo por parte de algunos críticos se debió a una mala interpretación de la nueva estética "poética" de la película, su trama poco convencional. En este sentido, hace un análisis muy revelador de una de las escenas de la segunda serie [182] del crítico de cine Georgy Kapralov :

Así, describiendo el episodio del desembarco de los rebeldes de la película, el crítico dice: “Los mercenarios de Battista los descubrieron (a los rebeldes) y los iluminaron con reflectores en el momento en que, aún con el agua hasta las rodillas, salen de la mar. Comienza el interrogatorio. ¿Dónde está Fidel? Y los rebeldes responden a su vez: “Yo soy Fidel”, “Yo soy Fidel”, “Yo soy Fidel”. El negro dice estas palabras, sonriendo, casi exultante. Es feliz muriendo por la revolución. Cómo se potenciaría el impacto emocional del episodio si tuviera una historia de fondo, si supiéramos qué tipo de personas son [10] .

Kapralov argumentó que los hechos revolucionarios, su profundo dramatismo, pasaron a un segundo plano entre los autores, y la técnica cinematográfica, la técnica pictórica, pasó a primer plano, lo que distrae al espectador de las transformaciones históricas a gran escala en Cuba. En primer lugar, señala la falla del guión, la convencionalidad romántico-exótica, la posteridad, la banalidad, el melodrama de la historia y los personajes, en cuyos personajes no hay desarrollo. Si en forma poética la base literaria es de interés, entonces el intento de trasladarlo a la pantalla parece increíblemente difícil. Según Kapralov, fue precisamente la debilidad del guión "poético" de Yevtushenko lo que llevó a Urusevsky y Kalatozov a intentar compensarlo mediante técnicas virtuosas de producción y cámara. En esta ocasión, el crítico señaló: “Me parece que la película se construye muchas veces sobre el principio de un poema en la pantalla: tiene sus propias estrofas, ritmos, rimas, pero claramente carece de contenido humano” [183 ] . En contraposición a este punto de vista, el crítico de cine Evgeny Veitsman insistió en que no hay inconsistencia entre el guión y el estilo, ya que fueron creados por un equipo de personas afines, lo que propició la aparición de una obra de la misma “dramaturgia”. y estilo”: “La película es filosófica y poética, excluyendo el marco estándar del desarrollo de la trama y la claridad local de los personajes individuales” [184] . Anatoly Golovnya, en general, evaluó positivamente el trabajo de Kalatozov y Urusevsky: "la magnífica comunidad de dos maestros", los culpó por usar "técnicas" de cámara excesivas, las capacidades de una lente de enfoque corto, que a menudo son un fin en sí mismo. y se repiten: "Toda la película sufre de esto en su conjunto: el virtuosismo, un exceso de habilidad comienza a dañar en alguna parte" [110] . Esta posición "antiformalista" fue generalmente apoyada por los operadores Sergei Poluyanov [185] , Alexander Zilbernik y Nikolai Prozorovsky [186] . No coincidió con tales afirmaciones el director Julius Kun , quien insistió en que el uso reflexivo de la expresividad cinematográfica pretende transmitir el carácter figurativo de la revolución, por lo que algunos "extremos" pictóricos contribuyen a un mejor despliegue de la épica poética. También creía que el atractivo de tal trama es la posición de autor de los creadores, que no buscan que la cinta sea "formalmente entretenida", emocionante y "claramente construida", por ejemplo, una historia de detectives [187] .

German Kremlev, también en defensa de la película, escribió en 1964 que en esta producción a gran escala, los autores lograron mostrar la historia de vida del “pueblo luchador” por medio de la “generalización artística”, y los cuatro cuentos presentados en la pantalla. parecen mostrar la historia de la revolución en cuatro capítulos: “Es como si la historia cobrara vida en la pantalla: reciente, familiar, vivida; miras con impaciencia página tras página: el cuadro emocionante es reemplazado por uno nuevo, aún más emocionante ... ” [63] El director Grigory Chukhrai [K 11] hizo la crítica más extensa de la película , calificándola de fenómeno complejo. , que es imposible no admirar, pero que le provocó rechazo. Según él, siguiendo el respeto por sus creadores y su obra, experimentó etapas de "desilusión, irritación, resentimiento, cansancio y, finalmente, un sentimiento de completo rechazo a la película, un sentimiento de protesta contra ella" [110] . Según él, trató de verla sin prejuicios, pero detrás del “único” trabajo de cámara no vio la verdadera “película” -sobre los cubanos vivos y su revolución-, ya que el resultado obtenido no cumple con los criterios de una obra de arte diseñado para “expresar”, y no “mostrar” cualquier fenómeno, evento. Chukhrai señaló la ausencia de un componente emocional, como él lo expresó, “emoción”, mostrando el carácter de las personas y sus aspiraciones. Coincidió con la opinión de Poluyanov de que si los representantes del neorrealismo italiano tienen esas cualidades, entonces en “Yo soy Cuba” no las tienen: “Ni el dolor, ni la ira del pueblo cubano, ni su impulso revolucionario, ni su heroísmo se han vuelto cercana y comprensible para nosotros. » [109] . El director también se detuvo en un rasgo tan desagradable que la imaginería del tiroteo llevó a que los fenómenos negativos de la Cuba prerrevolucionaria aparecieran de una forma demasiado atractiva, lo que reduce el enfoque acusatorio de la obra [32] , los autores de que “nos invitan a admirar cómo descansan los yanquis”, en tanto que no se revelan los enemigos de la gente común y el espectador no sabe nada de ellos [189] . Otro inconveniente, según Grigory Naumovich, es que la representación fría también se manifiesta en episodios trágicos, lo que de alguna manera puede ser considerado como una estetización de la violencia y el sufrimiento [119] . Así, según su observación, esto se da en episodios como el duelo de un campesino que quema su cosecha, la muerte de un niño bajo las bombas, también presentados en un estilo visual espectacular, que no sólo es inaceptable, sino también ofensivo: “ La muerte de un niño, el amor roto, el dolor de un pobre, la ira de un pueblo llevado a la desesperación, todo esto no es motivo para el narcisismo" [190] . Tampoco estuvo de acuerdo con aquellos críticos que afirmaban que el guión era el principal problema, ya que está seguro de que esto es exactamente lo que querían conseguir Kalatozov y Urusevsky: fue su elección consciente, pero, aparentemente, para sus principios cinematográficos sería ser mejor surgió una base literaria de otro tipo [191] .

Más tarde, en la crítica de cine soviética y rusa, se revisaron las características artísticas y el significado de la imagen, y recibió evaluaciones más equilibradas. Chukhrai, que conocía de cerca a Urusevsky y apreciaba mucho su trabajo, escribió más tarde que al camarógrafo le gustaba demasiado la "cinematografía pictórica", lo que provocó una respuesta insuficiente y la popularidad de sus películas entre el público. Según el director, en la comprensión de un camarógrafo tan destacado como Urusevsky, el cine es el "arte de la imagen", lo que trató de demostrar en sus obras. “Tenía una opinión diferente y traté de salvarlo de los errores, pero no lo salvé. Su película Yo soy Cuba, obra maestra de la imaginería, cayó en el olvido poco después de su aparición en la pantalla. Las películas en las que se convirtió en director no tuvieron éxito y no disfrutaron del éxito ”, continuó su pensamiento Chukhrai [34] . El director ruso Alexander Mitta se pronunció sobre películas de Kalatozov como "Carta no enviada" y "Yo soy Cuba", que en las primeras funciones no encontraron comprensión entre el espectador y no dejaron "una gran huella en nuestro cine". Él conecta esto con la negativa del director del cine argumental, quien, después del melodrama The Cranes Are Flying, tomó películas de una dirección puramente visual. Según Mitta, la película cubana de Kalatozov es una obra "refinada, pero también poco 'de contacto'" para el público: "Aunque sé que, digamos, Coppola es un gran admirador de Kalatozov y Urusevsky (para él son los clásicos indiscutibles del cine mundial), siempre muestra estas películas a sus alumnos” [30] . El cineasta ruso Sergei Solovyov ve en la obra de Urusevsky un "mundo muy especial", lo que se conoce como "la cámara de Urusevsky". No se puede comparar con el “uso primitivo” de Lars von Trier de la “cámara libre”: “Urusevsky ha hecho todo a un nivel al que nadie puede acercarse hoy. Y el hecho de que fue gracias a Urusevsky que Trier se aferró a esta llamada "célula libre" no significa nada. Una cámara en manos de un genio, la otra en manos de Trier. De ahí el resultado” [30] .

La crítica occidental critica principalmente la polarización política y evaluativa prosoviética de personajes contrastantes (por ejemplo, la oposición de la policía criminal y los estudiantes positivos), pero enfatiza la habilidad sobresaliente de Urusevsky [119] . Su trabajo de cámara fue reconocido como un referente para el desarrollo del cine. Los directores de fotografía Sean Bobbitt y Ben Serezin , que han recibido varios premios internacionales, la consideran una de las más significativas de la historia [192] . Serezin señala que las primeras tomas de la película ya están rodadas con mucha naturalidad, mientras que cinematográficamente son pintorescas y causan una impresión muy fuerte: en la propia película. Puedes tocar la atmósfera, sentirla”. Bobbitt también habla de la singularidad de la cinematografía de Urusevsky, que es sorprendente dado el nivel técnico del cine a principios de los años sesenta. La escena de la procesión de duelo del pueblo por las calles de la ciudad le causa la mayor impresión. Fue filmado de una manera muy ingeniosa, superando magistralmente las dificultades técnicas de una configuración de cámara tan compleja [193] .

Roger Ebert escribió en 1995 que a pesar de que los deseos de los cineastas de un mundo nuevo y mejor para los cubanos no se han hecho realidad, y su ideologización política es ingenua y obsoleta, en general, "Yo soy Cuba" es un espectáculo impresionante, realizado con una destreza técnica sorprendente para la década de 1960 [142] . El escritor y crítico británico Peter Bradshaw calificó la película como una de las mejores de la historia [194] . Cree que a pesar de los justos reproches de carácter propagandístico, gracias a su virtuosismo técnico ya la belleza de la imagen en blanco y negro, merece un estatus de clásico indiscutible. Sus autores lograron crear un documento estilizado, pero histórico, que en 2002 recibió una continuación moderna en relación con la infame prisión estadounidense de Guantánamo , ubicada en Cuba. El crítico se refiere a la escena de la película en la que marineros estadounidenses persiguen a una niña cubana por las calles de la ciudad, cantando: "Las niñas están aquí en el viejo Guantánamo / Nos dan todo lo que queremos y nunca dicen que no". Además, según el crítico, los cambios revolucionarios no condujeron a nada y la Cuba moderna se ha vuelto parecida a lo que era en tiempos precastristas : el Caribe ” [ 195] . En 2011 se estrenó el documental " Patria o muerte " del director ruso Vitaly Mansky , crítico con las realidades cubanas . A menudo se la compara con la película de Kalatozov y con los cambios que se han producido en Cuba en cincuenta años [117] . El propio Mansky dijo que le gustaba la imagen soviética: “Es increíblemente poética y muy hermosa, aunque algo estereotipada. Pero es necesario comprender las condiciones en las que se filmó. Puramente una obra de arte, alejada de la realidad. Considero también, por ejemplo, la película " Chapaev " [196] .

Notas

Comentarios
  1. ↑ Solo en el primer relato aparece episódicamente el estudiante Enrique con amigos, a quienes René, un frutero simpatizante de los rebeldes, les suministra en secreto literatura política clandestina [2] .
  2. ↑ Tras la muerte de Urusevsky en 1974, sus exposiciones personales de pintura y gráfica se realizaron en Moscú (1976, 1984), La Habana (1976), Leningrado (1977), Praga (1978), Sofía (1979), Bucarest (1979) [27 ] .
  3. ↑ La primera película de Kalatozov con Urusevsky como camarógrafo, y "I am Cuba" fue la última en su colaboración creativa [31] [32] .
  4. ↑ En 1967, esta novela fue filmada por Alexander Stolper. Por razones de censura, se eliminaron varias escenas importantes de la adaptación cinematográfica y, como resultado, Simonov insistió en que se eliminara su nombre de los créditos. La película fue retitulada " Retribution " y no tuvo éxito [60] .
  5. ↑ En los fotogramas de la película aparece una panorámica del hotel donde vivían los cineastas soviéticos y donde estaba la embajada soviética [65] .
  6. ↑ El huracán que asoló Cuba del 30 de septiembre al 9 de octubre de 1963 fue uno de los desastres naturales más devastadores en la historia del país. Se cobró la vida de más de 1000 personas, entre las que se encontraban soldados soviéticos [80] [81] .
  7. ↑ Un destacado camarógrafo y teórico de cine soviético, Anatoly Golovnya , denominó en sentido figurado este episodio "La vergüenza de Cuba" [95] .
  8. ↑ Las memorias de Yevtushenko, quien se encontró en el epicentro de estos eventos, son una valiosa fuente de información sobre los contactos soviético-cubanos en la resolución de la crisis internacional, aunque, como se enfatiza en la literatura, no siempre son precisas en los detalles [113 ] .
  9. ↑ Se cree que las decisiones de cámara de Urusevsky influyeron en el estilo de la pintura de Antonioni " Desierto rojo " (1964) [145] [146] .
  10. ↑ En 2019, la canción "Loco Amor" interpretada por Pedrito Martínez sonó en la serie de televisión " La maravillosa señora Maisel ", mientras que la escena correspondiente de la película fue un remake fotograma a fotograma de la escena de la actuación del canción de Los Diablos Melodicos en la película de Kalatozov [167] .
  11. ↑ Se ha sugerido que las evaluaciones negativas de Chukhrai pueden deberse a los recuerdos negativos de trabajar con Urusevsky en la película "Cuarenta y uno", que casi terminó cuando el director abandonó su lugar [188] .
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Literatura

Enlaces

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