Musica barroca

La música barroca es  el período de desarrollo de la música clásica de finales del siglo XVI - primera mitad del siglo XVIII [1] .

Origen

La música barroca apareció a finales del Renacimiento y precedió a la música del Clasicismo . La palabra "barroco" supuestamente proviene del portugués "perola barroca" - una perla de forma irregular; o del lat.  baroco  es una designación mnemotécnica para uno de los tipos de silogismo en la lógica tradicional [2] (cabe señalar que también se usaron palabras latinas similares "Barlocco" o "Brillocco" con un significado similar: una perla de forma inusual que no tiene un eje de simetría [3] ). De hecho, las artes visuales y la arquitectura de este período se caracterizaron por formas muy elaboradas, complejidad, pompa y dinámica. Más tarde, la misma palabra se aplicó a la música de la época.

Las técnicas de escritura e interpretación del período barroco se han convertido en una parte integral y significativa del canon musical clásico. Las obras de esa época son ampliamente interpretadas y estudiadas. La era barroca produjo obras como las fugas de Johann Sebastian Bach , el coro Aleluya del oratorio Mesías de Georg Friedrich Handel , Las cuatro estaciones de Antonio Vivaldi , Vísperas de Claudio Monteverdi . El ornamento musical se ha vuelto muy sofisticado, la notación musical ha cambiado mucho , se han desarrollado formas de tocar los instrumentos. Los límites de los géneros se han ampliado, la complejidad de la interpretación de obras musicales ha crecido y ha aparecido un tipo de composición como la ópera . Un gran número de términos y conceptos musicales de la época barroca todavía se utilizan en la actualidad.

Estilos y tendencias

Convencionalmente, la música barroca se llama los muchos estilos de compositores que existieron durante 150 años (1600-1750; 1750 - el año de la muerte de J.S. Bach) en una vasta región de Europa occidental en un sentido geográfico. En relación con la música, la palabra "barroco" aparece por primera vez en la década de 1730. en la polémica irónica en torno a las óperas de Jean-Philippe Rameau (en particular, Jean-Baptiste Rousseau en un poema de 1739 habla de "acordes barrocos" en "Dardanus"). En 1746, N. A. Plyush , en el siguiente volumen de su tratado fundamental "Espectáculo natural", fue el primero en sugerir entender la música barroca como un término, contrastándolo con "música cantada" como aquella que "quiere sorprender con la audacia de los sonidos". " ( fr.  veut surprendre par la hardiesse des sons ) [4] . Posteriormente este término aparece en el Diccionario Musical (1768) de J.-J. Rousseau . En todos estos casos, la palabra "barroco" significa música "extraña", "inusual", "extraña". En el "Diccionario musical" de G. Koch (1802), la palabra barock va acompañada de cualidades musicales como "confusión", "pompousness", "bárbaro gótico". Mucho más tarde , B. Croce , en La historia del barroco italiano (1929), sostiene que “el historiador no puede evaluar el barroco como algo positivo; esto es un fenómeno puramente negativo… esto es una expresión de mal gusto” [5] .

“Entonces, el destino de la palabra “barroco” corresponde a la sombra de extravagancia inherente a ella. Al principio, no designaba en absoluto el estilo de la época (sobre todo porque las tendencias clásicas dominaban en las artes francesas del siglo XVIII, que fueron ejemplares para toda Europa: poesía, pintura, teatro), sino que era solo una categoría evaluativa. - un apodo negativo para el arte "incomprensible" (una situación similar, ¡y no por casualidad!, aparece en el siglo XX con la palabra "modernismo"). [6]

Solo Kurt Sachs en 1919 [3] aplicó sistemáticamente la teoría barroca desarrollada por Heinrich Wölfflin a la música , luego en 1940, en un artículo de Manfred Bukofzer , se intentó desarrollar el concepto de barroco musical sin comparación directa con otras formas de arte. Y hasta la misma década de 1960 , el debate no se calmó en los círculos académicos sobre si era legítimo aplicar un solo término a las obras de compositores tan diferentes como Jacopo Peri , Antonio Vivaldi , C. Monteverdi , J.-B. Lully , Domenico Scarlatti y J. S. Bach ; pero la palabra se quedó y ahora se usa comúnmente para referirse a una amplia gama de música. Entonces, el musicólogo soviético Konstantin Rozenshild se opuso categóricamente a la clasificación de las obras de J. S. Bach o G. F. Handel como música barroca. El investigador estadounidense Manfred Bukofzer consideró bastante legítimo aplicar este término a la música de estos autores. Sin embargo, es necesario distinguir la música de la época barroca del Renacimiento precedente y el Clasicismo posterior . Además, algunos musicólogos creen que es necesario dividir el Barroco en el período barroco propiamente dicho y en el período manierista , para ser coherente con la división utilizada en las artes visuales.

Diferencias entre el Barroco y el Renacimiento

La música barroca reemplazó del Renacimiento la práctica de utilizar la polifonía y el contrapunto . Sin embargo, estas técnicas se aplicaron de manera diferente. Durante el Renacimiento, la armonía se construyó sobre el hecho de que en el movimiento suave y tranquilo de la polifonía, las consonancias aparecían secundarias y como por accidente . En la música barroca, sin embargo, el orden en que aparecían las consonancias cobraba importancia: se manifestaba con la ayuda de acordes construidos según un esquema jerárquico de tonalidad funcional . Alrededor de 1600, la definición de lo que era la tonalidad era en gran medida inexacta, subjetiva. Por ejemplo, algunos vieron algún desarrollo tonal en las cadencias de los madrigales , mientras que, de hecho, en las primeras monodias, la tonalidad era todavía muy indefinida. El débil desarrollo de la teoría del sistema de temperamento igual afectó . Según Sherman, sólo en 1533, por primera vez, el italiano Giovanni Maria Lanfranco propuso e introdujo en la práctica de la ejecución del órgano-clave un sistema de temperamento igual [7] . Y el sistema se generalizó mucho más tarde. Y recién en 1722 aparece el Clave bien temperado de J.S. Bach (tomo I). Otra diferencia entre la armonía musical del Barroco y el Renacimiento fue que en el período temprano el cambio de tónica se producía más a menudo en tercios , mientras que en el período Barroco dominaba la modulación en cuartas o quintas (afectada la aparición del concepto de tonalidad funcional). Además, la música barroca utilizaba líneas melódicas más largas y un ritmo más riguroso. El tema principal se expandiría solo o con acompañamiento de bajo continuo . Luego apareció con otra voz. Posteriormente, el tema principal comenzó a expresarse a través del bajo continuo, no solo con la ayuda de las voces principales. La jerarquía de melodía y acompañamiento se desdibujó.

Las diferencias estilísticas determinaron el paso de los ricercars , fantasías y canzonas del Renacimiento a las fugas , una de las principales formas de la música barroca. Monteverdi llamó a este nuevo estilo libre seconda pratica (segunda forma), en contraste con la prima pratica (primera forma) que caracterizó a los motetes y otras formas de música coral y de conjunto de maestros del Renacimiento como Giovanni Pierluigi da Palestrina . El mismo Monteverdi usó ambos estilos; su misa " In illo tempore " está escrita en estilo antiguo, y sus " Vísperas de la Santísima Virgen " en estilo nuevo.

Había otras diferencias más profundas en los estilos del Barroco y el Renacimiento. La música barroca se esforzó por alcanzar un mayor nivel de realización emocional que la música renacentista. Los escritos barrocos a menudo describían una emoción específica (júbilo, tristeza, piedad, etc.; ver la teoría de los afectos ). La música barroca a menudo se escribía para cantantes y músicos virtuosos y, por lo general, era mucho más difícil de interpretar que la música renacentista, a pesar de que la grabación detallada de las partes de los instrumentos fue una de las innovaciones más importantes del período barroco. El uso de adornos musicales , muchas veces improvisados ​​por el músico, se hizo casi obligatorio . Dispositivos expresivos como las notas inégales se hicieron universales; interpretada por la mayoría de los músicos, a menudo con gran libertad de aplicación.

Otro cambio importante fue que la pasión por la música instrumental superó a la pasión por la música vocal. Las piezas vocales, como los madrigales y las arias , de hecho, con mayor frecuencia no se cantaban, sino que se interpretaban instrumentalmente. Así lo demuestran los testimonios de los contemporáneos, así como el número de manuscritos de piezas instrumentales, cuyo número superó el número de obras representativas de la música vocal profana [9] . El surgimiento gradual de un estilo instrumental puro, distinto de la polifonía vocal del siglo XVI, fue uno de los pasos más importantes en la transición del Renacimiento al Barroco. Hasta finales del siglo XVI, la música instrumental apenas se diferenciaba de la música vocal y consistía principalmente en melodías de baile, adaptaciones de conocidas canciones populares y madrigales (principalmente para teclados y laúdes ), así como piezas polifónicas que podían caracterizarse como motetes . , canzones , madrigales sin texto poético.

Aunque varios arreglos de variación, toccatas , fantasías y preludios para laúd e instrumentos de teclado se conocen desde hace mucho tiempo, la música de conjunto aún no ha ganado una existencia independiente. Sin embargo, el rápido desarrollo de las composiciones vocales seculares en Italia y otros países europeos supuso un nuevo impulso para la creación de música de cámara para instrumentos.

Por ejemplo, en Inglaterra , se generalizó el arte de tocar la viola  , instrumentos de cuerda de diversas gamas y tamaños . Los violinistas a menudo se unían al grupo vocal, reemplazando las voces que faltaban. Esta práctica se hizo común y muchas ediciones se etiquetaron como "Apto para voces o violas".

Numerosas arias vocales y madrigales se interpretaron como piezas instrumentales. Así, por ejemplo, el madrigal Silver Swan de Orlando Gibbons es designado y presentado en decenas de colecciones como pieza instrumental [9] .

Diferencias entre barroco y clasicismo

En la era del clasicismo , que siguió al barroco [10] , el papel del contrapunto disminuyó (aunque el desarrollo del arte del contrapunto no se detuvo), y la textura homofónica de las obras musicales pasó a primer plano [11] . Hay menos ornamentación en la música . La estructura de las obras se ha vuelto más clara, más universal, especialmente en aquellas escritas en forma de sonata . Las modulaciones (cambio de tonalidad) se han convertido en un elemento estructurante, enfatizando el contenido dramático de la obra. En las composiciones del período del clasicismo, a menudo se revelaban muchas emociones dentro de una parte de la obra, mientras que en la música barroca una parte llevaba un sentimiento claramente trazado. Y, por último, en las obras clásicas se suele llegar a un clímax emotivo, que se resuelve al final de la obra. En las obras barrocas, después de llegar a esta culminación, hasta la última nota, había un ligero sentimiento de la emoción principal. La multitud de formas barrocas proporcionó el punto de partida para el desarrollo de la forma sonata , desarrollando muchas variaciones sobre las cadencias básicas .

Otras características de la música barroca

• bajo continuo  - bajo continuo, bajo general, bajo digital - una forma simplificada de grabar armonías utilizando una voz de bajo y números debajo de ella, que indican consonancias en las voces superiores, así como la voz de bajo en sí misma con números utilizados en este método de grabación de armonías [12] ;
• monodia  - un estilo de canto solista con acompañamiento homofónico (acompañamiento instrumental), que se desarrolló en Italia en el siglo XVI. y dio vida a una serie de nuevas formas y géneros ( aria , recitativo , ópera , cantata , etc.) [13] ;
• homofonía  - un tipo de polifonía, caracterizada por la división de voces en principal y acompañante. Esta "homofonía" difiere de la polifonía ;
• bel canto ;
• expresión dramática;
• hocket _
• formas escénicas de obras musicales ( ópera , teatro musical );
• formas vocales-instrumentales combinadas como el oratorio y la cantata ;
• nuevas técnicas para tocar instrumentos musicales, como el trémolo y el pizzicato ;
• melodía limpia y lineal ;
• notes inégales ("toque desigual", "repunteo"): una técnica de juego en la que las notas escritas en la misma duración se tocan rítmicamente de manera desigual;
• aria ;
• ritornello  - breves secciones instrumentales que realizan las funciones de una introducción, interludio o coda;
• concertato  - un estilo que implica "competencia" de grupos de orquesta, coros, etc.
• notación musical precisa (durante el Renacimiento, la notación detallada de notas para instrumentos era muy rara);
• grabación idiomática de partes instrumentales: el mejor uso de las características de instrumentos musicales específicos ;
• complicación de la música, componiendo obras diseñadas para una interpretación virtuosa;
• ornamentación ;
• el desarrollo de los modos musicales occidentales modernos ( mayores y menores ).

Géneros del Barroco

Los compositores barrocos trabajaron en varios géneros musicales. La ópera , que apareció a finales del Renacimiento, se convirtió en una de las principales formas musicales barrocas. Uno puede recordar las obras de maestros del género como Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel , Claudio Monteverdi y otros. El género del oratorio alcanzó su apogeo en las obras de J. S. Bach y Handel; las óperas y los oratorios a menudo usaban formas musicales similares (como el aria da capo ampliamente utilizado ).

Formas de música sacra como la Misa y el motete se volvieron menos populares, pero la forma de cantata recibió la atención de muchos compositores protestantes, incluido Johann Bach. Se desarrollaron formas de composición tan virtuosas como las toccatas y las fugas .

Se escribieron sonatas y suites instrumentales tanto para instrumentos individuales como para orquestas de cámara. El género del concierto surgió en sus dos formas: para un instrumento con orquesta y como concerto grosso , en el que un pequeño grupo de instrumentos solistas contrasta con un conjunto completo. La pompa y el esplendor de muchas cortes reales también se agregaron mediante obras en forma de obertura francesa , con sus partes rápidas y lentas contrastantes.

Las piezas para teclado a menudo eran escritas por compositores para su propio entretenimiento o como material didáctico. Tales obras son las composiciones maduras de J. S. Bach, las obras maestras intelectuales universalmente reconocidas de la era barroca: " El clave bien temperado ", " Variaciones Goldberg " y "El arte de la fuga ".

Breve historia de la música barroca

compositores barrocos

Música barroca temprana (1600–1654)

La creación de su estilo recitativo por parte del compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643) y el desarrollo constante de la ópera italiana pueden considerarse un punto de transición condicional entre las épocas barroca y renacentista . El inicio de las representaciones operísticas en Roma y especialmente en Venecia supuso ya el reconocimiento y la difusión del nuevo género por todo el país [14] . Todo esto fue solo parte de un proceso más amplio que capturó todas las artes y fue especialmente pronunciado en la arquitectura y la pintura.

Los compositores del Renacimiento prestaron atención a la elaboración de cada parte de una obra musical, prestando poca o ninguna atención a la yuxtaposición de estas partes. Por separado, cada parte podía sonar excelente, pero el resultado armonioso de la adición era más una cuestión de azar que de regularidad [15] . La aparición del bajo general indicó un cambio significativo en el pensamiento musical, es decir, que la armonía , que es "la suma de partes en un todo", es tan importante como las partes melódicas ( polifonía ) en sí mismas. Cada vez más, la polifonía y la armonía parecían dos caras de una misma idea de componer música eufónica: al componer secuencias armónicas, se prestaba la misma atención a los tritonos al crear la disonancia. El pensamiento armónico también existió entre algunos compositores de la época anterior, como Carlo Gesualdo , pero en la época barroca se generalizó. Debe agregarse que el término "armonía" se usa aquí en el sentido de "combinar sonidos en consonancias y su sucesión regular", es decir, armonía jerárquica, cordal, tonal. Antes de la armonía tonal , existía la llamada armonía modal , basada en modos que no tenían diferencias en la composición del sonido, desprovistas de gravedad tonal centralizada. El musicólogo Robert W. Wienpahl realizó un estudio de más de 5000 composiciones del período de 1500 a 1700 y compiló una tabla que muestra la transición de los compositores de armonías modales a tonales.  

Aquellas partes de las obras donde es imposible separar claramente la modalidad de la tonalidad, las marcó como mixtas mayores o mixtas menores (posteriormente para estos conceptos introdujo los términos "monal mayor" y "monal menor", respectivamente) [17] . La tabla muestra cómo la armonía tonal ya en el período barroco temprano casi suplanta la armonía de la época anterior.

Italia se convierte en el centro de un nuevo estilo. El papado , aunque capturado por la lucha contra la reforma , pero que poseía enormes recursos financieros reabastecidos por las campañas militares de los Habsburgo , buscaba formas de difundir la fe católica a través de la expansión de la influencia cultural. Con el esplendor, la grandeza y la complejidad de la arquitectura, las bellas artes y la música, el catolicismo , por así decirlo, discutía con el protestantismo ascético . Las ricas repúblicas y principados italianos también compitieron vigorosamente en las bellas artes. Uno de los centros importantes del arte musical fue Venecia , que en ese momento estaba bajo el patrocinio secular y eclesiástico .

Una figura significativa en el período barroco temprano, cuya posición estaba del lado del catolicismo, oponiéndose a la creciente influencia ideológica, cultural y social del protestantismo, fue Giovanni Gabrieli . Su obra pertenece al estilo " Alto Renacimiento " (el apogeo del Renacimiento ). Sin embargo, algunas de sus innovaciones en el campo de la instrumentación (la asignación de tareas específicas a un determinado instrumento) indican claramente que fue uno de los compositores que influyó en el surgimiento de un nuevo estilo.

Uno de los requisitos impuestos por la iglesia para la composición de música sacra era que los textos de las obras vocales fueran legibles. Esto requirió alejarse de la polifonía hacia técnicas musicales, donde las palabras pasaron a primer plano. Las voces se volvieron más complejas y ornamentadas en comparación con el acompañamiento. Así fue como se desarrolló la homofonía .

Monteverdi se convirtió en el más destacado de la generación de compositores que sintieron las implicaciones de estos cambios para la música secular. En 1607, su ópera Orfeo se convirtió en un hito en la historia de la música, demostrando muchos de los dispositivos y técnicas que luego se asociaron con la nueva escuela de composición, llamada seconda pratica , en oposición a la vieja escuela o prima pratica . Monteverdi, que compuso motetes de gran calidad al estilo antiguo, que fueron el desarrollo de las ideas de Luca Marenzio y Jacques de Werth , fue un maestro en ambas escuelas. Pero fueron las obras escritas por él en el nuevo estilo las que abrieron muchas técnicas reconocibles incluso en la era barroca tardía.

El compositor alemán Heinrich Schutz (1585-1672), que estudió en Venecia, hizo una gran contribución a la difusión de nuevas técnicas . Utilizó nuevas técnicas en su trabajo mientras se desempeñaba como director de coro en Dresde . En Inglaterra, donde se estaban produciendo cambios fundamentales en el estado y el sistema social durante el barroco temprano, la música de una nueva dirección y estilo fue desarrollada por el compositor de la corte de Carlos I William Lowes , quien se mantuvo fiel al trono hasta el final y murió en una de las batallas con los soldados de Cromwell .

Música del barroco maduro (1654-1707)

El período de centralización del poder supremo en Europa a menudo se denomina absolutismo . El absolutismo alcanzó su cenit bajo Luis XIV de Francia . Para toda Europa, la corte de Luis fue un modelo a seguir, incluida la música interpretada en la corte. La mayor disponibilidad de instrumentos musicales (especialmente teclados ) dio impulso al desarrollo de la música de cámara .

El Barroco tardío difiere del Barroco temprano en la ubicuidad del nuevo estilo y la creciente separación de las formas musicales, especialmente en la ópera. Al igual que en la literatura, el advenimiento de la impresión en streaming de obras musicales condujo a una expansión de la audiencia; se intensificó el intercambio entre los centros de cultura musical.

En teoría musical, el barroco maduro se define por el enfoque de los compositores en la armonía y los intentos de crear sistemas coherentes de aprendizaje musical. En los años siguientes, esto propició la aparición de numerosos trabajos teóricos. Un ejemplo notable de tal actividad es el trabajo del período barroco tardío: " Gradus ad Parnassum " ( en ruso. Pasos al Parnaso ), publicado en 1725 por Johann Joseph Fuchs (1660-1741), un teórico y compositor austriaco. Esta obra, que sistematizó la teoría del contrapunto, fue la herramienta más importante para el estudio del contrapunto casi hasta finales del siglo XIX [18] .

Un destacado representante de los compositores de la corte de Luis XIV fue Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Ya a la edad de 21 años, recibió el título de "compositor de la corte de música instrumental". Desde el principio, el trabajo creativo de Lully estuvo estrechamente relacionado con el teatro. Tras la organización de la música de cámara de la corte y la composición de " airs de cour ", comenzó a escribir música de ballet. El mismo Luis XIV bailó en ballets, que entonces eran el entretenimiento favorito de la nobleza de la corte. Lully era una excelente bailarina. Pasó a participar en producciones, bailando con el rey [14] . Es conocido por sus colaboraciones con Molière , para cuyas obras compuso música. Pero lo principal en el trabajo de Lully seguía siendo escribir óperas. Sorprendentemente, Lully creó un tipo completo de ópera francesa; la llamada tragedia lírica en Francia ( fr.  tragedie lyrique ), y alcanzó una indudable madurez creativa en los primeros años de su trabajo en la ópera. Lully utilizó a menudo el contraste entre el sonido majestuoso de la sección orquestal y los recitativos y arias simples. El lenguaje musical de Lully no es muy complicado, pero ciertamente nuevo: la claridad de la armonía, la energía rítmica, la claridad de la articulación de la forma, la pureza de la textura hablan de la victoria de los principios del pensamiento homofónico [14] . En gran medida, el éxito de Lully también se debió a su habilidad para seleccionar músicos para la orquesta y su trabajo con ellos (él mismo dirigía los ensayos). Un elemento integral de su trabajo fue la atención a la armonía y al instrumento solista.

El compositor y violinista Arcangelo Corelli (1653–1713) es conocido por su trabajo sobre el desarrollo del género concerto grosso . Corelli fue uno de los primeros compositores cuyas obras se publicaron e interpretaron en toda Europa. Al igual que las obras operísticas de Lully, el género concerto grosso se basa en fuertes contrastes; Los instrumentos se dividen en aquellos que participan en el sonido de una orquesta completa y en un grupo solista más pequeño. La música se basa en transiciones bruscas de partes fuertes a partes tranquilas, los pasajes rápidos se oponen a los lentos. Entre sus seguidores estaba Antonio Vivaldi , quien más tarde compuso cientos de obras construidas sobre las formas favoritas de Corelli: sonatas en trío y conciertos . Un destacado representante de la escuela italiana de violín activa en Inglaterra fue Matthijs Nicola . Su nombre está asociado con la afirmación del estilo italiano en la música inglesa para instrumentos de cuerda.

En Inglaterra, el barroco maduro estuvo marcado por el genio brillante de Henry Purcell (1659-1695). Murió joven, a la edad de 36 años, habiendo escrito un gran número de obras y haciéndose muy conocido durante su vida. Purcell estaba familiarizado con el trabajo de Corelli y otros compositores barrocos italianos. Sin embargo, sus patrocinadores y clientes eran de un tipo diferente a la nobleza secular y eclesiástica italiana y francesa, por lo que los escritos de Purcell son muy diferentes de la escuela italiana. Purcell trabajó en una amplia gama de géneros; desde simples himnos religiosos hasta música de marcha, desde composiciones vocales de gran formato hasta música escénica. Su catálogo contiene más de 800 obras. Purcell se convirtió en uno de los primeros compositores de música para teclado, cuya influencia se extiende hasta el presente. Dotado y famoso en su época fue su hermano Daniel Purcell (1664-1717).

A diferencia de los compositores anteriores, Dietrich Buxtehude (1637-1707) no fue un compositor de la corte. Buxtehude trabajó como organista, primero en Helsingborg (1657-1658), luego en Elsinore (1660-1668) y luego, a partir de 1668, en St. María en Lübeck . No ganaba dinero publicando sus obras, sino interpretándolas, y prefería componer música a los textos eclesiásticos e interpretar sus propias obras para órgano al patrocinio de la nobleza. Lamentablemente, no se han conservado todas las obras de este compositor. La música de Buxtehude se basa en gran medida en la escala de ideas, riqueza y libertad de imaginación, una inclinación por el patetismo, el drama y una entonación algo oratoria [14] . Su obra tuvo una fuerte influencia en compositores como J. S. Bach y Telemann .

Un compositor importante en los Países Bajos de esta época fue Sibrand van Noord (el Joven) , quien ganó fama por sus obras instrumentales.

Música del Barroco Tardío (1707-1760)

La línea exacta entre el barroco maduro y tardío es un tema de debate; se encuentra en algún lugar entre 1680 y 1720. Gran parte de la complejidad de su definición es el hecho de que en diferentes países los estilos cambiaron fuera de sincronización; las innovaciones ya aceptadas como regla en un lugar eran nuevos descubrimientos en otro. Italia, gracias a Arcangelo Corelli y sus alumnos Francesco Geminiani y Pietro Locatelli , se convierte en el primer país en el que el barroco pasa de la época madura a la tardía. Un hito importante puede considerarse el dominio casi absoluto de la tonalidad como principio estructurador de la composición musical. Esto es especialmente evidente en el trabajo teórico de Jean Philippe Rameau , quien tomó el lugar de Lully como el principal compositor francés. Al mismo tiempo, con la llegada de las obras de Fuchs , la polifonía renacentista proporcionó la base para el estudio del contrapunto. La combinación del contrapunto modal con la lógica tonal de las cadencias creó la sensación de que hay dos estilos de escritura en la música: homofónico y polifónico, con técnicas de imitación y contrapunto.

Las formas descubiertas por el período anterior han alcanzado madurez y gran variabilidad; concierto , suite , sonata , concerto grosso , oratorio , ópera y ballet ya no tenían características nacionales pronunciadas. En todas partes se han establecido esquemas de obras generalmente aceptados: una forma repetitiva de dos partes (AABB), una forma simple de tres partes (ABC) y un rondó .

Antonio Vivaldi (1678-1741), compositor italiano, nacido en Venecia. En 1703 recibió el grado de sacerdote católico. El primero de diciembre del mismo año, se convierte en maestro di violino en el orfanato veneciano " Pio Ospedale della Pieta " para niñas. No fueron los conciertos ni las conexiones en la corte lo que dio fama a Vivaldi, sino la publicación de su obra, que incluía sus sonatas para trío, sonatas para violín y conciertos . Se publicaron en Ámsterdam y se distribuyeron ampliamente por toda Europa. Fue a estos, en ese momento todavía en desarrollo de géneros instrumentales (sonata barroca y concierto barroco), a los que Vivaldi hizo su contribución más significativa. Ciertas técnicas son características de la música de Vivaldi: una forma cíclica de tres partes para concerto grosso y el uso de un ritornello en partes rápidas. Vivaldi compuso más de 500 conciertos. También dio títulos programáticos a algunas de sus obras, como la célebre " Las cuatro estaciones ". La carrera de Vivaldi muestra una mayor oportunidad para que el compositor exista de forma independiente: con los ingresos de las actividades de conciertos y la publicación de sus composiciones.

Domenico Scarlatti (1685-1757) fue uno de los principales compositores e intérpretes de teclado de su época. Comenzó su carrera como compositor de la corte; primero en Portugal , ya partir de 1733 en Madrid , donde pasó el resto de su vida. Su padre Alessandro Scarlatti es considerado el fundador de la escuela de ópera napolitana . Domenico también compuso óperas y música sacra, pero su fama (después de su muerte) estuvo asegurada por sus obras para teclados. Algunas de estas obras las escribió para su propio placer, otras para sus nobles clientes.

Pero quizás el compositor de la corte más famoso fue Georg Friedrich Handel (1685-1759). Nacido en Alemania , estudió durante tres años en Italia , pero en 1711 partió hacia Londres , donde comenzó su brillante y comercialmente exitosa carrera como compositor de ópera independiente, interpretando encargos para la nobleza. Poseedor de una energía incansable, Handel reelaboró ​​el material de otros compositores y reelaboró ​​constantemente sus propias composiciones. Por ejemplo, es conocido por haber reelaborado tantas veces el famoso oratorio del Mesías que ahora no existe una versión que pueda llamarse auténtica. Aunque su fortuna financiera tuvo altibajos, la fama de Haendel, basada en obras publicadas para teclados, música ceremonial, óperas, concertos grossos y oratorios, siguió aumentando. Después de su muerte, fue reconocido como un destacado compositor europeo y fue estudiado por músicos de la época clásica. Handel mezcló en su música las ricas tradiciones de la improvisación y el contrapunto. El arte de los ornamentos musicales alcanzó un altísimo nivel de desarrollo en sus obras. Viajó por toda Europa para estudiar la música de otros compositores, por lo que tuvo un círculo muy amplio de conocidos entre compositores de otros estilos.

Entre los compositores de Francia destaca Otteter , autor del famoso Tratado sobre la flauta (1707), un Tratado sobre la improvisación (1719) y una guía para tocar la musette (1737), excelente flautista. Las composiciones más famosas de Otteter son suites para flauta y bajo, piezas para flauta solista y dos flautas y sonatas en trío.

En 1802, Johann Nicolai Forkel publicó la primera biografía más completa de Johann Sebastian Bach . En 1829 , Felix Mendelssohn interpretó la Pasión según San Mateo de Bach en Berlín . El éxito de este concierto provocó un gran interés por la música de Bach en Alemania y luego en toda Europa.

Johann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685 en Eisenach , Alemania. Durante su vida, compuso más de 1.000 obras en varios géneros, a excepción de la ópera. Pero durante su vida no logró ningún éxito significativo. Tras mudarse muchas veces, Bach cambió una posición no demasiado alta tras otra: en Weimar fue músico de la corte en el Weimar Duke Johann Ernst , luego se convirtió en el cuidador del órgano en la iglesia de St. Bonifacio en Arnstadt , unos años más tarde aceptó el puesto de organista en la iglesia de St. Vlasia en Mühlhausen , donde trabajó sólo alrededor de un año, después de lo cual regresó a Weimar, donde ocupó el lugar de organista de la corte y organizador de conciertos. Ocupó este cargo durante nueve años. En 1717, Leopoldo , Príncipe de Anhalt-Köthen , contrató a Bach como Kapellmeister, y Bach comenzó a vivir y trabajar en Köthen . En 1723 se trasladó a Leipzig , donde permaneció hasta su muerte en 1750. En los últimos años de su vida y tras la muerte de Bach, su fama como compositor empezó a decaer: su estilo se consideraba anticuado en comparación con el floreciente clasicismo. Era más conocido y recordado como intérprete, maestro y padre de Bachs Jr., principalmente Carl Philipp Emmanuel, cuya música era más famosa.

Sólo la interpretación de la Pasión según Mateo por Mendelssohn, 79 años después de la muerte de J.S. Bach, reavivó el interés por su obra. Ahora J. S. Bach es uno de los compositores más populares de todos los tiempos (por ejemplo, en la votación "Mejor compositor del milenio" realizada en Cultureciosque.com, Bach obtuvo el primer lugar [19] ).

Otros compositores destacados del barroco tardío: Georg Philipp Telemann (1681-1767), Jean Philippe Rameau (1683-1764), Josse Boutmy (1697-1779).

Influencia del barroco en la música posterior