Jazz

Jazz

Louis Armstrong
Dirección Música vocal-instrumental
orígenes Música africana , música caribeña , música clásica europea , blues , ragtime , folklore musical afroamericano , folk
Hora y lugar de ocurrencia 1910s
años de apogeo 1920—1940
Sub géneros
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El jazz ( jazz en inglés  ) es un tipo de arte musical que se ha desarrollado bajo la influencia de los ritmos africanos , la armonía europea , con la participación de elementos del folclore afroamericano y latinoamericano . [1] [2] [3] .

El jazz como fenómeno se originó a principios del siglo XX en el sur de los Estados Unidos y se extendió rápidamente a todos los países desarrollados [4] [1] . El jazz como fenómeno multicultural se enriqueció con diversas características musicales regionales [5] . El desarrollo del jazz también estuvo influenciado por las bandas de música que marchaban en las calles de las ciudades estadounidenses durante los días festivos, así como las bandas militares y de baile. La música popular y el jazz en la década de 1920 se convirtieron casi en sinónimos para muchas personas, y los críticos estadounidenses los contrastaron principalmente con la industria de la música comercial estadounidense [6] .

En constante transformación y habiendo pasado por varias etapas características de desarrollo, el jazz ha alcanzado el nivel de arte elevado [3] . Durante las décadas de 1920, 1930 y 1940, grandes orquestas de jazz de hasta 20 a 40 músicos tocaron bailes de swing . Pequeños conjuntos desarrollaron jazz y be-bop experimental y de improvisación . El significado moderno del término apareció en la década de 1950, cuando el jazz de diferentes corrientes se combinó en un género musical , con una descripción que combinaba diferentes estilos de todas las épocas [6] [7] . La mayoría de las variedades del género se caracterizan por el swing , la expresión vocal, la improvisación , la confianza en los riffs , el uso de trastes con notas azules [2] [1] .

Gradualmente, el jazz se acercó al reino del arte elevado, conservando su identidad contradictoria de música popular y académica [8] . El jazz sigue siendo prestigioso y cuenta con el apoyo académico, fondos de fundaciones y una red mundial de festivales . El legado del jazz es ampliamente conocido y sigue influyendo en la cultura musical mundial [9] .

Origen del término

La palabra "jazz" (sus variaciones: "jas", "jass", "jascz", "jasz", "jaz") se originó como un término de la jerga de la costa oeste alrededor de la década de 1910 . Su significado cambió, pero inicialmente no se aplicaba a la música. El término "jazz" comenzó a referirse a la música en Chicago alrededor de 1915 . El historiador de jazz Lawrence Gashi señaló sus escritos que la palabra no se origina en Nueva Orleans y que los primeros músicos de jazz no la usaban. Agregaron elementos de la misma improvisación al ragtime y se refirieron a su música como "su versión del ragtime". Se cree que la palabra emigró allí en 1916 solo después de que se usara activamente en el norte (que significa Chicago ) y esto está confirmado por cientos de entrevistas grabadas desde 1958 para el archivo William Hogan en la Universidad de Tulane con músicos de jazz en Nueva Orleans nacidos entre 1885 y 1901 [10] . La American Dialect Society nombró a la palabra "jazz" la palabra del siglo XX en 2000 [11] .

Uno de los primeros músicos de jazz, Garvin Bushell estaba seguro de que el origen de la palabra "jazz" hace referencia a la industria del perfume . En su libro de 1988 Jazz From the Beginning, recordó sus primeros años en la música: “En aquellos días, la industria del perfume en Nueva Orleans era muy grande, porque los franceses la trajeron con ellos [del Viejo Mundo ]. Usaron aceite de jazmín en todas las fragancias para darles fuerza y ​​vigor. Así que dijeron 'vamos a arreglarlo un poco' cuando algo estaba un poco 'muerto'" [comm. 1] . Sorprendentemente, en el futuro, se usó una frase similar en el campo del béisbol . En la década de 1920, John Philip Sousa sugirió que el "jazz" entró en el vocabulario estadounidense a través del vodevil , en el que todos los actores volvían al escenario al final de su actuación para dar un final ardiente y ruidoso llamado "jazzbo" [comm. 1] . Es una palabra compuesta , porque consta de 2 raíces - "jazz" y "bo", que aparentemente era una abreviatura de la palabra "boy" (del  inglés  -  "boy") [12] .

Además , los etimólogos señalaron al esclavo danzante Jasper [comm. 1] trabajador de una plantación cerca de Nueva Orleans a principios del siglo XIX apodado "Jazz", baterista de Mississippi llamado Chas Washington a finales del siglo XIX , seudónimo de Ray Charles Alexander a principios del siglo XX , músico de Chicago llamado Jasbo Brown , director de orquesta de una orquesta en Nueva Orleans llamada Mr. Razz ( ing. Mr. Razz ), la palabra francesa " chasse " ( fr. chasse ) es un paso de baile deslizante , que ya en la década de 1830 convirtió en un arquetípico americano el verbo "sashay" (del  inglés  -  "ir"), otra palabra francesa "jaser", que significa "conversaciones inútiles por el placer de escuchar la propia voz" o el árabe "jazib", que significa "seductor". La estrecha asociación del jazz con la cultura afroamericana ha llevado a otros a buscar sus orígenes en las lenguas africanas : en mandinka "jasi" significa "volverse diferente de uno mismo", en lub " jaja " se interpreta como "una razón para bailar". o en oscuro "yas" que significa "estar extraordinariamente vivo o enérgico" [12] .   

Se supone que "jazz" se deriva de la jerga obsoleta "jasm", que a su vez supuestamente se deriva de las palabras "jism" o "gism". En el Historical Dictionary of American Slang , de 1860, "jasm" se interpreta como "espíritu", "energía" o "fuerza", y en el Oxford English Dictionary, la aparición de la palabra "gism" en la que con el mismo significado se atribuye a 1842 [13] . Según el etimólogo Gerald Cohen , destacado investigador  sobre los orígenes de la palabra "jazz", ni siquiera es seguro que las palabras "gism" y "jasm" estén relacionadas y es muy posible que sean completamente independientes. La palabra "jism" ahora también tiene una connotación sexual, por lo que cae en la categoría de tabúes , pero en el siglo XIX y principios del XX se usaba en un sentido diferente y más neutral. "Jism" o su variante "jizz" (que no fue atestiguada en el Diccionario histórico de jerga estadounidense anterior a 1941 también se ha sugerido como una fuente directa de "jazz". Una derivación directa de "jism" es fonológicamente poco probable. Bajo esta suposición, la palabra "jasm" es una forma intermedia. La conexión entre las palabras "jasm" y "jazz" está confirmada por un artículo del 18 de febrero de 1916 en el Daily Californian, que utilizó la ortografía "jaz-m", que, según el contexto y otras publicaciones de la época, implicaba un género musical [12] [14 ] . Miss Gilbert 's Career: An American Story de Josiah Holland define la palabra "jasm" [ 15] de la siguiente manera:  

"... Ella es como su madre".
- ¿Es inteligente?
- Sí, señor. No dudo que. ¡Vaya! ¡También está lleno de jazz !
“…Ahora dime qué es “ jazz ”. - ... Eso es si tomas, mezclas y colocas truenos y relámpagos, un vapor y una hoja de sierra en una mujer.

Texto original  (inglés)[ mostrarocultar]

"...Ella es como su madre."
Tiene una madre inteligente, ¿verdad?
- Sí, señor. No hay error sobre eso. ¡Vaya! ¡Ella está tan llena de jazma !
— ...Ahora dime qué es " jasm ".
"... Si tomas truenos y relámpagos, y un barco de vapor y una sierra circular, y los mezclas y los pones en una mujer, eso es jasm".

— Cita. por Holland JB La carrera de Miss Gilbert: una historia americana. - C. Scribner, 1860. - Pág. 350.

Como puedes ver, la palabra era nueva en ese momento y aún no había logrado hacerse un hueco en el habla de la gente. Según otras versiones, "jazz" se originó entre los estadounidenses blancos , y el primer uso impreso de la palabra está en el ámbito del béisbol de la década de 1910 en California ( San Francisco Evening Herald ), donde significaba "en vivo", "enérgico". , "espíritu de equipo" ("¡Vamos a animar esto!" - del  inglés  -  "¡vamos a revivirlo / animarlo!"). El primer uso conocido se encuentra en un artículo fechado el 2 de abril de 1912 [comm. 2] descubierto por el investigador George Thompson en los archivos digitalizados de The New York Times en 2003. El lanzador de los Angelinos de Los Ángeles , Ben Henderson , habló sobre un nuevo tipo de lanzamiento llamado "curva de jazz": "Este año aprendí un nuevo tipo de lanzamiento... Lo llamo 'bola de jazz' porque la pelota se tambalea de un lado a otro y con eso no se puede hacer nada" [16] . El término en sí migró del béisbol a la música, porque el jazz, que era muy popular en Nueva Orleans en ese momento, se describía para igualar al béisbol como "enérgico y vigorizante" y simplemente se tocaba y no tenía un nombre oficial. El término de béisbol "jazz" también se volvió de uso común gracias al periodista deportivo Scoop Gleeson ( ing.  ET (Scoop) Gleeson ), quien a su vez en 1938 dijo que aprendió sobre este término de su colega Spike Slattery ( ing.  William (Spike) Slattery ) en 1913 en el campo de entrenamiento del equipo de béisbol local [17] . Es seguro decir que esta palabra fue entonces una novedad, porque el 6 de marzo de 1913, Scoop decidió aclarar su significado. Spike escuchó la palabra de los jugadores en uno de los juegos de dados , en el que gritaron "Vamos, el viejo jazz". Un músico local entonces desempleado llamado Art Hickman el trabajo de organizar el entretenimiento nocturno del campamento. Entre ellos se encontraba una banda de ragtime que fundó en colaboración con otros músicos fuera de servicio, incluidos los que tocaban el banjo . Fue este grupo el que sentó las bases para un nuevo sonido, que más tarde en el campamento comenzó a llamarse jazz. Al año siguiente, el término había llegado a Chicago , probablemente gracias a los esfuerzos de otro líder de la banda, Bert Kelly En 1916 apareció allí con una ortografía diferente bajo el nombre de "New Orleans Jass Band". A pesar del nombre del grupo, la palabra no se usó en Nueva Orleans hasta 1917 , como testificaron los primeros músicos de jazz [11] [12] [18] .

El 5 de abril de 1913, el mismo periódico ( San Francisco Evening Herald ) publicó un extenso artículo de Ernest Hopkins sobre el significado y la ortografía de la palabra "jazz". Claramente fue una innovación, como lo señala el Oxford English Dictionary: "La existencia de un artículo titulado ' Elogio del jazz: una palabra futurista que acaba de unirse al idioma '  sobre una palabra que acaba de ingresar al idioma, sugiere que entonces era una innovación" [19] . El Oxford English Dictionary afirmó una vez que la palabra "jazz" se documentó por primera vez en 1909, tres años antes de que se mencionara en el béisbol. Pero fue un error: mezclaron dos grabaciones del mismo monólogo de comedia, realizadas por el mismo artista Cal Stewart . En 1909 realizó una grabación titulada "Uncle Josh in Society". La palabra "jazz" no se usa aquí. Hizo la misma entrada en 1919 y agregó la palabra "jazz" porque se había vuelto popular para entonces [11] [20] .

Con el tiempo, el término fue asimilado a otros idiomas. Por ejemplo, en español , la ortografía sigue siendo la misma, pero la pronunciación ha cambiado y suena diferente según el dialecto  : los chilenos lo pronuncian como " yas " ( inglés  yass , pronunciación: / j ɑː s / ), mientras que los argentinos lo pronuncian como " shass " ( en inglés  shass , pronunciación: / ʃ ɑː s / ). En ruso, la pronunciación es similar, pero el término fue transcrito en el alfabeto cirílico como "jazz" [21] .

Historia

Los orígenes del jazz (antes de 1895)

Nueva Orleans

Los primeros signos del jazz surgieron a principios del siglo XIX en Nueva Orleans , Luisiana , cuando los esclavos de la ciudad bailaban en Congo Square (ahora Louis Armstrong Park ) los domingos (su único día libre). Las autoridades de la ciudad permitieron que los esclavos se reunieran, pero fuera de la ciudad y en el área abierta al norte de Rampart Street. El área se conoció como Place des Negres , luego como Place Congo . Para cuando los estadounidenses estaban en el poder, la ciudad se había expandido más allá del Barrio Francés , y este lugar de reunión ya se llamaba Congo Square. Nueva Orleans era muy diferente del resto de las colonias en sus lazos culturales con el Viejo Mundo . Estaba dominado por una visión más liberal de la vida, apreciando la buena comida, el vino , la música y el baile . Los festivales eran frecuentes, y William Clairborne el primer futuro gobernador designado por los estadounidenses del Territorio de Luisiana , señaló que "los habitantes de la ciudad son ingobernables debido a su preocupación por el baile". La parte norte de América en los siglos XVIII-XIX estuvo ocupada por protestantes (inmigrantes de Inglaterra, Alemania, Holanda), entre los cuales había muchos misioneros religiosos que buscaban destruir los valores tribales y familiares de los africanos, para convertirlos al cristianismo. e introducir a los esclavos en su cultura [22] . Y las partes sur y central del continente fueron elegidas por católicos (franceses, españoles y portugueses), que no profundizaron en la vida espiritual y social de los esclavos y los trataron más a gusto. Los católicos de Nueva Orleans siguieron el antiguo Código Negro , que generalmente era un conjunto de pautas mucho menos estrictas que las seguidas por los británicos protestantes . Fue adoptado en 1724, 6 años después de la fundación de la ciudad bajo el dominio de los franceses y católicos, y uno de los puntos fue el anuncio del domingo como día no laborable para todos en la colonia, incluidos los esclavos . Sin embargo, ninguna ley otorgó a los esclavos el derecho a reunirse, porque cualquier rumor de un intento de rebelarse y obtener la libertad amenazaba la integridad del sistema. Sin embargo, desde los primeros días de la colonia en Nueva Orleans , los africanos todavía se reunían periódicamente en cada oportunidad en varios lugares de la ciudad: a lo largo de los diques, en los patios traseros, en las plantaciones, en áreas remotas y en otros lugares públicos los domingos hasta 1817 . Este año, los funcionarios de la ciudad limitaron las reuniones de esclavos a un lugar designado. Era la Plaza del Congo [23] .

El área del Congo absorbe una capa cultural muy rica gracias al dominio francés , español y estadounidense en Nueva Orleans . Muchos estudiosos se inclinan a creer que el jazz de Nueva Orleans se originó allí, porque los ritmos y las canciones que se tocan allí se pueden encontrar en las primeras obras de jazz de la ciudad. Bajo el dominio francés, dos tercios de los esclavos traídos procedían de Senegambia , mientras que el resto procedía de la Bahía de Benin y el Reino del Congo . Bajo el dominio español , también se trajeron africanos de la Bahía de Biafra , Sierra Leona , las Islas de Barlovento , la Costa Dorada y Mozambique . Bajo el dominio estadounidense , la mayoría de los esclavos importados eran del Reino del Kongo [23] . En 1721, los esclavos constituían el 30 por ciento de la población de Nueva Orleans y, a finales de siglo , constituían más de la mitad [24] .

Africanos de diferentes estratos y partes de la ciudad se dieron cita en la plaza. Había trabajadores del campo, empleados domésticos, niños, etc. Un grupo de músicos tocaba unos tambores cilíndricos hechos de piel de animal de unos 30 centímetros de diámetro , sentados a horcajadas sobre ellos y tocándoles las rodillas. Algunos tocaban instrumentos de cuerda caseros parecidos a calabazas ( calabaza inglesa ). Otros tocan los instrumentos con dos baquetas cortas, tocando complejos ritmos de improvisación . También se tocaban kalimba, banjo, flautas de varios cañones , balafón , mandíbulas de animales y algunos instrumentos de viento . De 500 a 600 esclavos (en algunos casos hasta varios miles) se reunían en un círculo con un diámetro de hasta 30 metros y se movían en una trayectoria circular, pateando y cantando canciones . En el centro había músicos y bailarines, y alrededor había gente que aplaudía, cantaba , sacudía sonajas, silbaba y de vez en cuando reemplazaba a los cansados ​​bailarines. Había mucho ritual en estos bailes , por lo que los elementos de la cultura ritual de África a menudo colgaban de la ropa de las personas . Los que estaban más decorados y mejor parecían los más formidables y atraían a los círculos más grandes de personas. Benjamin Latrobe , un famoso arquitecto e ingeniero estadounidense e inglés , presenció una de estas danzas el 21 de febrero de 1819 y reprodujo fielmente estos instrumentos en sus dibujos, similares posteriormente a los de los pueblos indígenas de África . “Estos bailes parecían nada más que una fiesta ordinaria”, escribió el historiador Ned Sublett, “pero tocar instrumentos en 1819 en los EE . UU ., donde se borró cuidadosamente cualquier manifestación de la cultura africana , fue un acto de voluntad y resistencia”. Con el tiempo, comenzaron a llegar a la ciudad esclavos de habla inglesa de otras zonas esclavistas, gracias a lo cual la cultura europea comenzó a interactuar con la africana. Empezaron a aparecer nuevos bailes, elementos, canciones e instrumentos. Este último incluía el arpa judía , el triángulo , el violín y la pandereta . Bailaron "Old Virginia Never Tire" y cantaron "Hey Jim Along" y "Get Along Home You Yallow Gals" [23] .  

Arraigado en la cultura occidental , la distinción y los límites entre el ejecutante y la audiencia fueron borrados en estos bailes. La separación de las canciones de las danzas que prevalecía en la mente de los pensadores de la época también estuvo ausente y fue reemplazada por "una especie de coherencia de sonido y dinámica". Más tarde estas reuniones se volvieron más seculares y rituales , en 1808 incluso se usó el término "adoración" ( adoración en inglés  ) para describirlas. Los orígenes de las danzas provienen de las danzas rituales de África , que han sido vistas por muchos etnógrafos en diversas formas y apariencias en varias partes del continente . En Estados Unidos , estos bailes se conocieron como gritos de anillo , que , como escribió Sterling Stucky, eran "cosas que los africanos reconocían y reconocían como algo común a ellos". Ringshouts se basan en un sistema de respuesta-respuesta ( antfiona ). Estas tradiciones continuaron hasta bien entrado el siglo XX : Alan y John Lomax presenciaron bailes en Luisiana y estuvieron presentes en otros en Texas , Georgia y las Bahamas . En la década de 1950, el crítico de jazz estadounidense Marshall Stearns los vio en Carolina del Sur . Nueva Orleans fue fundada en 1718 como parte de la colonia francesa , en 1763 Francia transfirió el territorio de Luisiana a España y lo recibió nuevamente en 1803 . Después de la compra de Luisiana por los Estados Unidos ese mismo año, las reuniones se restringieron y se permitieron hasta después de la puesta del sol [25] [26] . En 1817, las leyes de la ciudad de Nueva Orleans restringieron nuevamente las reuniones en lo que entonces ya era la Place Publique . Debido a la creciente preocupación por la invasión abolicionista de la ciudad y la amenaza de revolución , los bailes se cancelaron en 1835 , se reanudaron y luego se cancelaron nuevamente en 1851 [27] . En 1856, a los afrodescendientes ya no se les permitía tocar la batería en la ciudad. Después de eso, el territorio fue utilizado principalmente para ejercicios militares [28] . Según los documentos, estos bailes en la Plaza del Congo continuaron hasta 1885 , sin contar un receso durante la Guerra Civil . Su desaparición coincidió con la aparición de las primeras bandas de jazz en Nueva Orleans . Algunos investigadores sostienen que el fin del baile se produjo incluso antes de 1870 , que sin embargo continuó practicándose ya de forma no pública. Samuel Floyd escribió que “la danza renació como un funeral de jazz (una costumbre en la que los músicos de jazz tocaban y acompañaban el proceso fúnebre ) y tenía los mismos rasgos distintivos, por ejemplo, las trayectorias circulares de los músicos . Solo faltaba el propio anillo, y las acciones estaban más coordinadas, por lo que tenían que abrirse camino durante el juego desde el cementerio hasta la ciudad [29] .  

“Mi abuelo”, recordó Sidney Bechet , “ tocaba la batería los domingos con los esclavos en Congo Square, así lo llamaban en ese momento... Era músico. Nadie tuvo que explicarle las notas o el ritmo que había que tocar. Estaba todo dentro de él, era algo de lo que siempre estaba seguro”. A lo largo de la historia de la plaza, ha tenido muchos nombres y nombres, tanto oficiales como no oficiales. Algunos de estos incluyen Place Publique , Place des Nègres , Place Congo , Circus Park , Circus Square , Circus Place , Congo Park , Congo Plains , Place d'Armes y Beauregard Square . Algunos de los nombres que los viajeros han usado al escribir sobre este lugar son Congo ground , Congo Green , the green expansor y the commons . Sin embargo, el nombre "Congo Square" se convirtió en el más popular y apareció en los mapas de Nueva Orleans en la década de 1880 , aunque este nombre no fue fijado oficialmente por ninguna ordenanza de la ciudad. Después de la Guerra Civil en 1893, los funcionarios de la ciudad intentaron suprimir las reuniones de los domingos por la tarde, llegando incluso a renombrar oficialmente la Place del Congo como "Place Beauregard" en honor al mayor del ejército de los EE . UU. y general del ejército confederado Pierre Beauregard [22] [23] . Sin embargo, los residentes del French Quarter y otras áreas cercanas siempre se han referido a este lugar como Congo Square, y el nombre se ha vuelto particularmente famoso y extendido desde la década de 1970 , cuando se construyó el Louis Armstrong Park , diseñado por el arquitecto y urbanista Robin. en el territorio cercano de la plaza renovada Riley Este nombre fue fijado oficialmente por el ayuntamiento de Nueva Orleans solo en 2011 [30] [31] [32] [33] . En 1989, se estableció The Congo Square Foundation , ahora The Congo Square Preservation Society , y en 1993 el Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU. incluyó a Congo Square en su lista [34] [35] [36] [37] [38] .   

El advenimiento del jazz (1890-1917)

Después del cierre de Storyville , el jazz comenzó a pasar de ser un género folclórico regional a una dirección musical a nivel nacional, extendiéndose a las provincias del norte y noreste de los Estados Unidos.

Pero su amplia distribución, por supuesto, no podría facilitarse solo con el cierre de un barrio de entretenimiento. Junto con Nueva Orleans, St. Louis , Kansas City y Memphis jugaron un papel importante en el desarrollo del jazz desde el principio .

Ragtime nació en Memphis en el siglo XIX, desde donde luego se extendió por todo el continente norteamericano en el período 1890-1903. Por otro lado, las actuaciones de juglares, con su colorido mosaico de folclore afroamericano de todo tipo, desde jig hasta ragtime, se extendieron rápidamente por todas partes y prepararon el escenario para el advenimiento del jazz. Muchas futuras celebridades del jazz comenzaron en espectáculos de juglares. Mucho antes de que cerrara Storyville, los músicos de Nueva Orleans estaban de gira con las llamadas compañías de "vodevil". Jelly Roll Morton realizó giras regulares por Alabama , Florida , Texas desde 1904 . A partir de 1914 tenía un contrato para actuar en Chicago . En 1915 se mudó a Chicago y a la Orquesta White Dixieland de Tom Brown. La famosa Creole Band, dirigida por el cornetista de Nueva Orleans Freddie Keppard , también realizó importantes giras de vodevil en Chicago . Separados de la Olympia Band en un momento, los artistas de Keppard ya en 1914 actuaron con éxito en el mejor teatro de Chicago y recibieron una oferta para hacer una grabación de sonido de sus actuaciones incluso antes de la Original Dixieland Jazz Band , que, sin embargo, Freddie Keppard cortometraje. rechazado a la vista.

Amplió significativamente el territorio cubierto por la influencia del jazz, las orquestas tocaban en los vapores de recreo que navegaban por el Mississippi . Desde finales del siglo XIX, los viajes fluviales desde Nueva Orleans hasta St. Paul se han vuelto populares, primero durante el fin de semana y luego durante toda la semana. Desde 1900, las orquestas de Nueva Orleans se presentan en estos barcos fluviales, cuya música se ha convertido en el entretenimiento más atractivo para los pasajeros durante los recorridos fluviales. En una de estas orquestas comenzó Suger Johnny, la futura esposa de Louis Armstrong , el primer pianista de jazz Lil Hardin.

Muchas futuras estrellas del jazz de Nueva Orleans actuaron en la orquesta fluvial de otro pianista, Faiths Marable. Los barcos de vapor que viajaban a lo largo del río a menudo se detenían en las estaciones de paso, donde las orquestas organizaban conciertos para el público local. Fueron estos conciertos los que se convirtieron en debuts creativos para Bix Beiderbeck , Jess Stacy y muchos otros. Otra ruta famosa discurría a lo largo del Misuri hasta Kansas City. En esta ciudad, donde, gracias a las fuertes raíces del folclore afroamericano, el blues se desarrolló y finalmente tomó forma , la interpretación virtuosa de los jazzmen de Nueva Orleans encontró un ambiente excepcionalmente fértil. A principios de la década de 1920, Chicago se convirtió en el principal centro de desarrollo de la música jazz, en la que, gracias al esfuerzo de muchos músicos que se reunieron de diferentes partes de los Estados Unidos, se creó un estilo que recibió el sobrenombre de Chicago jazz .

Principales corrientes

Jazz de Nueva Orleans

El término "Nueva Orleans" o jazz "tradicional" generalmente se refiere al estilo de los músicos que tocaron jazz en Nueva Orleans entre 1900 y 1917, así como a los músicos de Nueva Orleans que tocaron en Chicago y grabaron discos desde aproximadamente 1917 hasta la década de 1920. Este período de la historia del jazz también se conoce como la "Era del Jazz". El término también se usa para describir la música tocada durante varios períodos históricos por los renovadores de Nueva Orleans que buscaban tocar jazz con el mismo estilo que los músicos de la escuela de Nueva Orleans.

Columpio

Swing traducido del inglés "swing" significa "swing". El término tiene dos significados. Primero, es un medio expresivo en el jazz. Un tipo característico de pulsación basado en desviaciones constantes del ritmo de las acciones de referencia. Esto crea la impresión de una gran energía interna en un estado de equilibrio inestable. En segundo lugar, el estilo de jazz orquestal que tomó forma a finales de los años veinte y treinta como resultado de la síntesis de las formas estilísticas negras y europeas de la música jazz.

Intérpretes: Glenn Miller , Frank Sinatra , Tommy Dorsey , Benny Goodman , Joe Pass , Norah Jones , Oscar Peterson , Ike Quebec , Paulinho Da Costa , Wynton Marsalis , The Mills Brothers , Stephane Grappelli .

Sinfojazz

Symphojazz fue creado en la década de 1920 en los Estados Unidos como resultado de la fusión de las culturas europea, africana y latinoamericana. En la primera mitad del siglo XX, la migración de millones de personas de todo el mundo a América condujo a la interacción de diferentes culturas y la creación de nuevas direcciones en la música. Los músicos europeos con formación clásica formaron parte de una gran corriente de inmigrantes que trajeron a Estados Unidos la cultura de los conciertos de música clásica en salas y clubes de prestigio. Estados Unidos abrió la oportunidad de hacer una carrera exitosa e influir en el desarrollo del jazz para muchos músicos europeos, como Sergei Rachmaninov e Ignaz Paderevsky , Dmitry Tyomkin , Igor Stravinsky e Irving Berlin , entre otros Muchos miles de músicos formados en los conservatorios clásicos. de Europa encontró trabajo en estudios de cine de orquestas de Hollywood, así como en orquestas de jazz que tocaban en restaurantes y pistas de baile, y su habilidad influyó en el desarrollo del jazz. La síntesis de la tradición sinfónica europea con la cultura musical americana experimental y de libre desarrollo condujo a la creación del jazz sinfónico a partir de la fusión de una gran orquesta sinfónica con un conjunto de jazz.

El líder del género fue George Gershwin , descendiente de inmigrantes de Rusia, quien creó los clásicos del jazz sinfónico Rhapsody in the Blues Style , la ópera de jazz Porgy and Bess, y una imagen sinfónica a partir de los números musicales de esta ópera. George Gershwin ganó fama mundial como compositor de canciones populares, cuyas melodías han ingresado al fondo dorado de los estándares de jazz y continúan formando el repertorio de los intérpretes de jazz.

El jazz sinfónico en la música cinematográfica, utilizando elementos del jazz en la partitura de una gran orquesta, fue utilizado por Dmitry Tyomkin , un graduado del Conservatorio de San Petersburgo , quien logró el éxito en Hollywood al escribir música para 50 películas. Por su gran contribución al desarrollo de la música de cine , Dmitry Tyomkin se convirtió en cuatro veces ganador del Oscar .

bebop

Estilo de jazz que se desarrolló a principios - mediados de los años 40 del siglo XX en Nueva York y abrió la era del jazz moderno. Se caracteriza por un tempo rápido e improvisaciones complejas basadas en cambios de armonía más que de melodía. Parker y Gillespie introdujeron el ritmo súper rápido de la actuación para mantener a los no profesionales fuera de sus nuevas improvisaciones. Entre otras cosas, el sello distintivo de todos los bebopers se ha convertido en un comportamiento y una apariencia impactantes: la pipa curva de "Dizzy" Gillespie, el comportamiento de Charlie Parker y "Dizzy" Gillespie, los sombreros ridículos de Thelonious Monk, etc. Habiendo surgido como un Como reacción a la difusión generalizada del swing, el bebop siguió desarrollando sus principios en el uso de los medios expresivos, pero al mismo tiempo descubrió una serie de tendencias opuestas.

El nombre de esta tendencia en el jazz proviene de "re-bop", una palabra que caracteriza la forma de tocar de los músicos de este estilo. En esta música, el solista, su inspiración musical y el dominio virtuoso del instrumento cobran protagonismo. El bebop exigía mucho al oyente, acostumbrado a la música de baile swing, y muchas veces provocaba malentendidos entre el público.

A diferencia del swing, que es principalmente la música de grandes bandas comerciales de baile, el bebop es una dirección creativa experimental en el jazz, asociada principalmente a la práctica de pequeños conjuntos (combos) y anticomercial en su dirección. La fase bebop fue un cambio significativo en el enfoque del jazz de la música de baile popular a una "música para músicos" más artística e intelectual, pero menos convencional. Los músicos de bop preferían las improvisaciones complejas basadas en tocar el componente armónico de las piezas en lugar de las melodías.

Los fundadores fueron: el saxofonista Charlie Parker, el trompetista Dizzy Gillespie, los pianistas Bud Powell y Thelonious Monk , el baterista Max Roach .

Grandes bandas

La forma clásica y establecida de big band se conoce en el jazz desde principios de la década de 1920. Esta forma conservó su relevancia hasta finales de la década de 1940. Los músicos que ingresaban a la mayoría de las grandes bandas, por regla general, casi en la adolescencia, tocaban ciertas partes, ya sea aprendidas en los ensayos o de las notas. Orquestaciones cuidadosas, junto con enormes secciones de instrumentos de viento de madera y metales, produjeron ricas armonías de jazz y produjeron el sonido sensacionalmente fuerte que se conoció como "el sonido de la gran banda".

La big band se convirtió en la música popular de su época, alcanzando su apogeo a mediados de la década de 1930 . Esta música se convirtió en la fuente de la moda del baile swing. Los líderes de las famosas orquestas de jazz Duke Ellington , Benny Goodman , Count Basie , Artie Shaw , Chick Webb, Glenn Miller , Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnet compusieron o arreglaron y grabaron en discos una genuina serie de melodías que sonaron no solo en la radio, pero también en todas partes en los salones de baile. Muchas big bands mostraron a sus improvisadores solistas, que llevaron a la audiencia a un estado cercano a la histeria durante las "batallas de orquestas" bien publicitadas.

Aunque la popularidad de las grandes bandas disminuyó después de la Segunda Guerra Mundial , las orquestas dirigidas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James y muchos otros realizaron giras y grabaciones con frecuencia durante las siguientes décadas. Su música se transformó gradualmente bajo la influencia de las nuevas tendencias. Grupos como los conjuntos dirigidos por Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Thad Jones-Mal Lewis exploraron nuevos conceptos en armonía, instrumentación y libertad de improvisación . Hoy en día, las big bands son el estándar en la educación del jazz. Orquestas de repertorio como la Lincoln Center Jazz Orchestra, la Carnegie Hall Jazz Orchestra, la Smithsonian Jazz Masterpiece Orchestra y el Chicago Jazz Ensemble tocan regularmente arreglos originales de composiciones de big band.

En 2008, se publicó en ruso el libro canónico Big Orchestras of the Swing Age de George Simon , que es esencialmente una enciclopedia casi completa de todas las big bands de la edad de oro desde principios de los años 20 hasta los 60 del siglo XX.

Corriente principal

Después del final de la moda dominante de las grandes bandas en la era de las grandes bandas , cuando la música de las grandes bandas comenzó a ser desplazada en el escenario por pequeños conjuntos de jazz, la música swing continuó sonando. A muchos solistas de swing famosos, después de tocar en los salones de baile, les gustaba tocar por diversión en improvisaciones espontáneas en pequeños clubes de la calle 52 de Nueva York . Y no fueron solo los que trabajaron como "sidemen" en grandes orquestas, como Ben Webster , Coleman Hawkins , Lester Young , Roy Eldridge, Johnny Hodges , Buck Clayton y otros. Los propios líderes de las big bands - Duke Ellington , Count Basie , Benny Goodman , Jack Teagarden, Harry James, Gene Krupa, siendo inicialmente solistas y no solo directores, también buscaron oportunidades para tocar por separado de su gran equipo, en un pequeño composición. Al no aceptar las técnicas innovadoras del próximo bebop , estos músicos se adhirieron a la manera tradicional del swing , mientras demostraban una imaginación inagotable al interpretar partes de improvisación. Las principales estrellas del swing tocaban y grababan constantemente en pequeñas composiciones, llamadas "combos", dentro de las cuales había mucho más espacio para la improvisación. El estilo de esta dirección de club jazz de finales de la década de 1930 recibió el nombre de mainstream, o la corriente principal, con el comienzo del auge del bebop . Algunos de los mejores intérpretes de esta era se podían escuchar en gran forma en los jams de la década de 1950, cuando la improvisación de acordes ya estaba tomando precedencia sobre el método de pintura de melodías de la era del swing. Resurgiendo como un estilo libre a finales de los años 70 y 80, la corriente principal absorbió elementos del cool jazz , bebop y hard bop . El término "corriente principal contemporánea" o post- bop se usa hoy en día para casi cualquier estilo que no tenga una conexión cercana con los estilos históricos de la música jazz.

Jazz del Noreste. Paso

Aunque la historia del jazz comenzó en Nueva Orleans con la llegada del siglo XX, esta música experimentó un verdadero despegue a principios de la década de 1920, cuando el trompetista Louis Armstrong abandonó Nueva Orleans para crear nueva música revolucionaria en Chicago . La migración de los maestros del jazz de Nueva Orleans a Nueva York que comenzó poco después marcó una tendencia de movimiento continuo de músicos de jazz del Sur hacia el Norte. Chicago abrazó la música de Nueva Orleans y la puso de moda, elevando su calor no solo a través de los esfuerzos de los famosos conjuntos Hot Five y Hot Seven de Armstrong, sino también de otros, incluidos maestros como Eddie Condon y Jimmy McPartland, cuyo equipo de Austin High School ayudó a revivir las escuelas de Nueva Orleans. Otros habitantes notables de Chicago que han superado los límites del jazz clásico de Nueva Orleans son el pianista Art Hodes, el baterista Barrett Deems y el clarinetista Benny Goodman .

Armstrong y Goodman, que finalmente se mudaron a Nueva York, crearon allí una especie de masa crítica que ayudó a esta ciudad a convertirse en una verdadera capital mundial del jazz. Y aunque Chicago siguió siendo principalmente el centro de la grabación de sonido en el primer cuarto del siglo XX, Nueva York también surgió como el principal lugar de jazz, albergando clubes legendarios como Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy y Village Vengeward, así como escenarios como el Carnegie Hall.

Estilo de Kansas City

Durante la era de la Gran Depresión y la Prohibición, la escena del jazz de Kansas City se convirtió en la meca de los sonidos novedosos de finales de los años veinte y treinta. El estilo que floreció en Kansas City se caracteriza por piezas conmovedoras con un toque de blues, interpretadas tanto por grandes bandas como por pequeños conjuntos de swing, demostrando solos muy enérgicos, interpretados para clientes de tabernas con licor vendido ilegalmente.

Fue en estos pubs donde cristalizó el estilo del gran Count Basie , comenzando en Kansas City con la orquesta de Walter Page y más tarde con Benny Moten. Ambas orquestas eran representantes típicos del estilo de Kansas City, que se basaba en una forma peculiar de blues , llamada "blues urbano" y formada en la interpretación de las orquestas anteriores. La escena del jazz de Kansas City también se distinguió por toda una galaxia de destacados maestros del blues vocal, entre los que se encontraba el reconocido "rey" del solista de la Orquesta Count Basie, el famoso cantante de blues Jimmy Rushing.

El famoso saxofonista alto Charlie Parker , nacido en Kansas City, a su llegada a Nueva York , utilizó ampliamente las técnicas características del blues que había aprendido en las orquestas de Kansas City y posteriormente constituyó uno de los puntos de partida en los experimentos de boppers en la década de 1940

Jazz de la Costa Oeste

Los artistas capturados por el movimiento cool jazz en la década de 1950 trabajaron extensamente en los estudios de grabación de Los Ángeles . Influenciados en gran parte por Miles Davis , estos artistas de Los Ángeles desarrollaron lo que ahora se conoce como West Coast Jazz .

Como estudios de grabación, clubes como The Lighthouse en Hermosa Beach y The Haig en Los Ángeles a menudo presentaban a sus mejores artistas, que incluían al trompetista Shorty Rogers, los saxofonistas Art Pepper y Bud Shenk, el baterista Shelley Mann y el clarinetista Jimmy Juffrey.

Cool jazz

La alta intensidad y la presión del bebop comenzaron a decaer con el desarrollo del jazz "cool". A partir de finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, los músicos comenzaron a desarrollar un enfoque menos violento y más suave de la improvisación, inspirado en la interpretación ligera y seca del saxofonista tenor Lester Young de su período de swing. El resultado es un sonido separado y uniformemente plano basado en la "frialdad" emocional.

El trompetista Miles Davis , uno de los primeros músicos de bebop en calmarlo, se convirtió en el mayor innovador del género. Su noneto, que grabó el álbum "The Birth of the Cool" en 1949-1950, fue la encarnación del lirismo y la moderación del cool jazz. Otros músicos notables de la escuela cool jazz son el trompetista Chet Baker , los pianistas George Shearing , John Lewis , Dave Brubeck y Lenny Tristano , el vibrafonista Milt Jackson y los saxofonistas Stan Getz , Lee Konitz , Zoot Sims y Paul Desmond. Los arreglistas también hicieron contribuciones significativas al movimiento cool jazz, en particular Thad Dameron, Claude Thornhill, Bill Evans y el saxofonista barítono Gerry Mulligan . Sus composiciones se centraron en el colorido instrumental y la lentitud del movimiento, en una armonía helada que creaba la ilusión del espacio. La disonancia también jugó un papel en su música, pero con un carácter más suave y apagado. El formato de cool jazz dejó espacio para conjuntos un poco más grandes, como nones y tentets, que se volvieron más comunes durante este período que durante el período inicial del bebop. Algunos arreglistas experimentaron con instrumentación modificada, incluidos instrumentos de metal en forma de cono, como la trompa y la tuba.

Jazz progresivo

Simultáneamente con la aparición del bebop, se está desarrollando un nuevo género en el entorno del jazz: el jazz progresivo, o simplemente progresivo. La principal diferencia de este género es el deseo de alejarse del cliché congelado de las grandes bandas y las técnicas obsoletas y gastadas de los llamados. jazz sinfónico introducido en la década de 1920 por Paul Whiteman. A diferencia de los boppers, los creadores del progresivo no buscaron abandonar radicalmente las tradiciones del jazz que se habían desarrollado en ese momento. Más bien, buscaron actualizar y mejorar los modelos de frases de swing, introduciendo en la práctica de la composición los últimos logros del sinfonismo europeo en el campo de la tonalidad y la armonía.

La mayor contribución al desarrollo de los conceptos de "progresivo" la hizo el pianista y director de orquesta Stan Kenton . El jazz progresivo de principios de la década de 1940 en realidad se origina en sus primeros trabajos. En cuanto al sonido, la música interpretada por su primera orquesta estaba cerca de Rachmaninov , y las composiciones tenían rasgos del romanticismo tardío y se acercaban más al symphojazz . Más tarde, durante los años de la creación de la famosa serie de sus álbumes "Artistry", los elementos del jazz ya no jugaron el papel de crear color, sino que ya estaban entretejidos orgánicamente en el material musical. Junto con Kenton, el mérito de esto fue para su mejor arreglista, Pete Rugolo, alumno de Darius Milhaud . Sonido sinfónico moderno (para esos años), técnica de staccato específica para tocar saxofones , armonías audaces, segundos y bloques frecuentes, junto con politonalidad y pulsación rítmica de jazz : estas son las características distintivas de la música con la que Stan Kenton entró en la historia del jazz como uno de los sus innovadores que encontraron una plataforma común para la cultura sinfónica europea y elementos bebop, especialmente notables en piezas donde los instrumentistas solistas, por así decirlo, se oponían a los sonidos del resto de la orquesta. También cabe señalar que Kenton prestó gran atención a las partes de improvisación de los solistas en sus composiciones, incluida la mundialmente famosa baterista Shelley Mann , el contrabajista Ed Safransky, la trombonista Kay Winding, la cantante June Christie , una de las mejores vocalistas de jazz de aquellos. años. Stan Kenton ha mantenido su fidelidad al género elegido a lo largo de su carrera.

Además de Stan Kenton, los arreglistas e instrumentistas Boyd Ryburn y Gil Evans contribuyeron al desarrollo del género . Una especie de apoteosis del desarrollo de la música progresiva, junto con la ya mencionada serie "Artistry", puede considerarse una serie de álbumes grabados por la big band de Gil Evans junto con el conjunto de Miles Davis en las décadas de 1950 y 1960, por ejemplo, "Millas por delante", "Porgy and Bess y dibujos españoles. Poco antes de su muerte, Miles Davis volvió al género, grabando viejos arreglos de Gil Evans con la Quincy Jones Big Band.

bop duro

El hard bop (inglés - hard, hard bop) es un tipo de jazz que surgió en la década de 1950. de bop. Difiere en rítmica expresiva y cruel, confianza en el blues. Se refiere a los estilos del jazz moderno. Casi al mismo tiempo que el cool jazz echaba raíces en la costa oeste, los músicos de jazz de Detroit, Filadelfia y Nueva York comenzaron a desarrollar variaciones más duras y pesadas de la vieja fórmula bebop, denominada Hard bop o Hard bebop . Muy parecido al bebop tradicional en su agresividad y demandas técnicas, el hard bop de las décadas de 1950 y 1960 dependía menos de las formas estándar de las canciones y comenzó a poner más énfasis en los elementos del blues y el impulso rítmico. Los solos incendiarios o la destreza de improvisación, junto con un fuerte sentido de la armonía, eran atributos de suma importancia para los músicos de metal, la batería y el piano se hicieron más prominentes en la sección rítmica, y el bajo adquirió una sensación más fluida y funky.

Jazz modal

Desde finales de la década de 1950. el trompetista Miles Davis, el pianista Bill Evans y el saxofonista tenor John Coltrane lanzaron experimentos pioneros con modos diatónicos , conocidos en la teoría musical rusa como " modos naturales " (por ejemplo, Lydian ). Además de la diatónica, se utilizaron otros modos, por ejemplo, los propios de la música tradicional española e india [39] .

El resultado fue armónicamente estático, construido casi exclusivamente sobre la escala de la música (ya que la estática es generalmente característica de la modalidad ). Los solistas a veces se arriesgaban, improvisaban y se alejaban de la tonalidad dada, pero esto creaba una aguda sensación de tensión y liberación. Los tempos se aplicaron de lento a rápido, pero en general, la música tenía un carácter inconsistente y serpenteante, se distinguía por una sensación de calma. Para crear un efecto más exótico, los artistas a veces usaban escalas no europeas (por ejemplo, india, árabe, africana) como base "modal" para su música. El centro tonal indefinido del jazz modal se convirtió en una especie de punto de partida para los ascensos del free-jazz de aquellos experimentadores que llegaron en la siguiente etapa de la historia del jazz, incluido el saxofonista tenor Farow Sanders y "Flamenco Sketches", así como "My Favourite". Cosas" e "Impresiones" de John Coltrane.

Soul-jazz

Soul jazz ( inglés  soul  - soul ): la música soul en un sentido amplio a veces se llama toda la música negra asociada con la tradición del blues. Se caracteriza por la confianza en las tradiciones del blues y el folclore afroamericano.

Pariente cercano del hard bop , el soul jazz está representado por pequeñas minibandas de órgano que surgieron a mediados de la década de 1950 y continuaron actuando hasta bien entrada la década de 1970. La música soul jazz basada en blues y gospel vibra con la espiritualidad afroamericana.

La mayoría de los grandes organistas de jazz aparecieron en escena durante la era del soul jazz: Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard "Grove" Holmes, Les McCain , Donald Patterson, Jack McDuff y Jimmy "Hammond" Smith . Todos dirigieron sus propias bandas en la década de 1960, a menudo tocando en pequeños lugares como tríos. El saxofón tenor también fue una figura destacada en estos conjuntos, agregando su propia voz a la mezcla general, similar a la de un predicador de evangelio . Luminarias como Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine , Eddie "Tetanus" Davis, Houston Person, Hank Crawford y David "Junk" Newman, así como miembros de los conjuntos de Ray Charles de finales de los años 50 y 60, a menudo se consideran como representantes del estilo soul jazz. Lo mismo se aplica a Charles Mingus .

Al igual que el hard bop, el soul jazz era diferente del jazz de la costa oeste : la música evocaba pasión y un fuerte sentido de unión en lugar de la soledad y la frialdad emocional del jazz de la costa oeste . Las melodías trepidantes del soul jazz, gracias al uso frecuente de figuras de bajo ostinato y muestras rítmicas repetitivas , hicieron que esta música fuera muy accesible para el gran público. Los éxitos nacidos del soul jazz incluyen, por ejemplo, The In Crowd (1965) del pianista Ramsey Lewis y Compared To What (1969) de Harris-McCain.

El soul jazz no debe confundirse con lo que ahora se conoce como "música soul". A pesar de las influencias góspel parciales, el soul jazz surgió del bebop, y las raíces de la música soul van directamente al rhythm and blues , que ha sido popular desde principios de la década de 1960 .

Jazz-funk

Una rama del soul jazz , el estilo absorbió elementos de funk / soul / rhythm and blues . El jazz funk dibuja melodías con notas de blues y se distingue por una concentración rítmica excepcional. A veces también denominado "groove", el funk se concentra en mantener un patrón rítmico característico continuo, dándole sabor con ligeros adornos instrumentales y, a veces, líricos.

Las piezas interpretadas en estilo jazz-funk están llenas de emociones alegres, invitando a los oyentes a bailar, tanto en una versión lenta y bluesera como a un ritmo acelerado. Las improvisaciones en solitario mantienen una estricta subordinación al ritmo y al sonido colectivo. Los representantes más famosos de este estilo son los organistas Richard "Groove" Holmes y Shirley Scott , el saxofonista tenor Jean Emmons y el flautista/saxofonista alto Leo Wright.

Jazz libre

Quizás el movimiento más controvertido en la historia del jazz surgió con el advenimiento del free jazz, o "New Thing", como se le llamó más tarde. Aunque los elementos del free jazz existieron dentro de la estructura musical del jazz mucho antes del término mismo, más originales en los "experimentos" de innovadores como Coleman Hawkins , Pee Wee Russell y Lenny Tristano , pero solo hacia fines de la década de 1950 a través de los esfuerzos de pioneros como el saxofonista Ornette Coleman y el pianista Cecil Taylor , esta dirección tomó forma como un estilo independiente.

Lo que estos dos músicos, junto con otros como John Coltrane , Albert Ayler y comunidades como Sun Ra Arkestra y el grupo llamado The Revolutionary Ensemble, hicieron fue una variedad de cambios estructurales y sentimientos por la música. Entre las novedades que se introdujeron con imaginación y gran musicalidad estuvo el abandono de la progresión de acordes , que permitía que la música se moviera en cualquier dirección. Otro cambio fundamental se encontró en el área del ritmo, donde el " swing " fue redefinido o ignorado por completo. En otras palabras, la pulsación, la métrica y el groove ya no eran un elemento esencial en esta lectura del jazz. Otro componente clave se ha asociado con la atonalidad . Ahora el dicho musical ya no se basaba en el sistema tonal habitual . Notas estridentes, ladrando, convulsivas llenaron por completo este nuevo mundo sonoro.

El free jazz sigue existiendo hoy en día como una forma viable de expresión y, de hecho, ya no es un estilo tan controvertido como lo fue en los albores de su creación.

Creativo

La aparición de la dirección "Creativa" estuvo marcada por la penetración de elementos del experimentalismo y la vanguardia en el jazz. El comienzo de este proceso coincidió parcialmente con el auge del free jazz . Los elementos del jazz de vanguardia, entendidos como cambios e innovaciones introducidos en la música, han sido siempre "experimentales". Así que las nuevas formas de experimentalismo ofrecidas por el jazz en las décadas de 1950, 1960 y 1970 fueron la desviación más radical de la tradición, introduciendo nuevos elementos de ritmo, tonalidad y estructura en la práctica. De hecho, la música de vanguardia se convirtió en sinónimo de formas abiertas que eran más difíciles de caracterizar incluso que el free jazz.

La estructura de dichos previamente planificada se mezcló con frases solistas más libres, que recuerdan en parte al free jazz. Los elementos compositivos se fusionaron tanto con la improvisación que ya era difícil determinar dónde terminaba el primero y comenzaba el segundo. De hecho, la estructura musical de las piezas fue diseñada para que el solo fuera el producto del arreglo, conduciendo lógicamente el proceso musical hacia lo que normalmente se vería como una forma de abstracción o incluso caos. Se podían incluir ritmos de swing e incluso melodías en el tema musical, pero esto no era en absoluto necesario.

El pianista Lenny Tristano, el saxofonista Jimmy Joffrey y el compositor, arreglista y director de orquesta Günther Schuller se encuentran entre los primeros pioneros de este movimiento . Los maestros más recientes incluyen a los pianistas Paul Blay y Andrew Hill , los saxofonistas Anthony Braxton y Sam Rivers , los bateristas Sunny Murray y Andrew Cyrill , y miembros de la comunidad AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) como el Art Ensemble de Chicago.

Fusión

Partiendo no solo de la fusión del jazz con la música pop y el rock de la década de 1960, sino también con música proveniente de áreas como el soul , el funk y el rhythm and blues , la fusión (o literalmente, fusión) como género musical apareció a fines de la década de 1960. , inicialmente bajo el nombre de jazz-rock. Músicos individuales y bandas como Eleventh House del guitarrista Larry Coryell, Lifetime del baterista Tony Williams y Miles Davis han seguido a la vanguardia de esta tendencia, introduciendo elementos como la electrónica, ritmos de rock y pistas extendidas en la vida cotidiana, anulando mucho de lo que El jazz ha representado desde sus inicios, a saber, el swing beat , y se basa principalmente en la música blues, cuyo repertorio incluía tanto material de blues como estándares populares.

El término fusión se empezó a utilizar poco después de que surgieran varias orquestas como la Mahavishnu Orchestra , Weather Report y el Return To Forever Ensemble de Chick Corea . A lo largo de la música de estos conjuntos hubo un énfasis constante en la improvisación y la melodía, lo que vinculó firmemente su práctica con la historia del jazz, a pesar de los detractores que afirmaban que se "vendieron" a los comerciantes de música. De hecho, cuando uno escucha hoy estos primeros experimentos, apenas parecen comerciales, ofreciendo al oyente participar en lo que era música con una naturaleza conversacional muy desarrollada.

A mediados de la década de 1970, la fusión evolucionó hasta convertirse en una variante de la música easy listening y/o rhythm and blues. Compositivamente o desde el punto de vista de la interpretación, ha perdido una parte importante de su nitidez, si no del todo. En la década de 1980, los músicos de jazz convirtieron la forma musical de fusión en un medio verdaderamente expresivo. Artistas como el baterista Ronald Shannon Jackson, los guitarristas Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie y James "Blood" Elmer, así como el veterano saxofonista y trompetista Ornette Coleman han dominado creativamente esta música en múltiples dimensiones.

Postbop

El período post-bop abarca la música interpretada por músicos de jazz que continuaron trabajando en el campo del bebop, evitando los experimentos de free jazz que se desarrollaron durante el mismo período de la década de 1960. También como el hard bop antes mencionado , esta forma se basó en los ritmos, la estructura de conjunto y la energía del bebop , en las mismas combinaciones de metales y en el mismo repertorio musical, incluido el uso de elementos latinos. Lo que distinguió a la música post-bop fue el uso de elementos de funk , groove o soul , remodelados en el espíritu de la nueva era, marcada por el dominio de la música pop. A menudo, esta subespecie experimenta con blues rock .

Maestros como el saxofonista Hank Mobley , el pianista Horace Silver , el baterista Art Blakey y el trompetista Lee Morgan comenzaron esta música a mediados de la década de 1950 y anticiparon lo que ahora se ha convertido en la forma predominante de jazz. Junto con melodías más simples y un ritmo más conmovedor , el oyente también podía escuchar rastros de gospel y rythm and blues mezclados. Este estilo, que sufrió algunos cambios durante la década de 1960, se utilizó en cierta medida para crear nuevas estructuras como elemento compositivo. El saxofonista Joe Henderson, el pianista McCoy Tyner e incluso un bopper tan destacado como Dizzy Gillespie crearon música en este género que era tanto humana como armónicamente interesante.

Uno de los compositores más significativos que surgieron de este período fue el saxofonista Wayne Shorter . Shorter, después de haber pasado por la escuela en el conjunto Art Blakey, grabó varios álbumes sólidos con su propio nombre durante la década de 1960. Junto con el teclista Herbie Hancock , Shorter ayudó a Miles Davis a formar un quinteto en la década de 1960 (el grupo post-bop más experimental e influyente de la década de 1950 fue el Davis Quintet con John Coltrane), que se convirtió en uno de los grupos más importantes en la historia del jazz. .

jazz ácido

El término " jazz ácido " o "jazz ácido" se usa libremente para referirse a una gama muy amplia de música. Aunque el acid jazz no se atribuye correctamente a los estilos de jazz que se desarrollaron a partir de un árbol común de las tradiciones del jazz, no se puede ignorar por completo al analizar la diversidad de géneros de la música jazz. Surgido en 1987 en la escena dance británica, el acid jazz como un estilo musical predominantemente instrumental se desarrolló a partir del funk, con la adición de pistas seleccionadas de jazz clásico, hip hop , soul y ritmo latino . En realidad, este estilo es una de las variedades del jazz revival, inspirado en este caso no tanto por las actuaciones de veteranos vivos, sino por las viejas grabaciones de jazz de finales de los 60 y los primeros jazz funk de principios de los 70. Con el tiempo, tras la finalización de la etapa de formación de este mosaico musical, desapareció por completo la improvisación, que fue el tema principal de la disputa sobre si el acid jazz es realmente jazz.

Representantes famosos del acid jazz incluyen músicos como Jamiroquai , Incognito , Brand New Heavies , Groove Collective , Guru , James Taylor Quartet . Algunos expertos creen que el trío Medeski, Martin & Wood, posicionados hoy como representantes de las vanguardias modernas , iniciaron su carrera con el acid jazz.

Jazz suave

Desarrollado a partir del estilo fusión , el jazz suave abandonó los solos enérgicos y los crescendos dinámicos de los estilos anteriores. El jazz suave se distingue principalmente por un sonido pulido deliberadamente enfatizado. La improvisación también ha sido excluida en gran medida del arsenal musical del género. Enriquecido con los sonidos de múltiples sintetizadores, combinados con muestras rítmicas, el brillante sonido crea un paquete suave y muy pulido de bienes musicales, en el que la consonancia del conjunto importa más que sus partes constituyentes. Esta cualidad también separa este estilo de otras actuaciones más animadas. La instrumentación de jazz suave incluye teclados eléctricos, saxofón alto o soprano, guitarra, bajo y percusión. Podría decirse que el jazz suave es la forma de música jazz comercialmente más viable desde la era del swing. Esta tendencia del jazz moderno está representada por quizás el ejército más numeroso de músicos, incluidas celebridades como Dave Koz , Kenny G , Michael Franks , Chris Botti , Dee Dee Bridgewater , Larry Carlton , Stanley Clark , Bob James , Al Gerro , Diana Krall . , Bradley Lighton , Lee Reitnaur , Dave Gruzin , Jeff Lorber , Chuck Loeb et al.

Manush Jazz

Jazz-manush es una dirección de " guitarra " jazz, fundada por los hermanos Ferre y Django Reinhardt . Combina la técnica tradicional de tocar la guitarra del grupo gitano manush y el swing.


Propagación del jazz

El jazz siempre ha despertado interés entre músicos y oyentes de todo el mundo, independientemente de su nacionalidad. Basta rastrear los primeros trabajos del trompetista Dizzy Gillespie y su fusión de las tradiciones del jazz con la música de los negros cubanos en la década de 1940 o posterior, la combinación del jazz con la música japonesa, euroasiática y del Medio Oriente, conocida en la obra del pianista Dave Brubeck . , así como en el genial compositor y líder de jazz - Orquesta de Duke Ellington , que combinó la herencia musical de África , América Latina y el Lejano Oriente .

El jazz absorbió constantemente y no solo las tradiciones musicales occidentales. Por ejemplo, cuando distintos artistas empezaron a intentar trabajar con los elementos musicales de la India . Un ejemplo de este esfuerzo se puede escuchar en las grabaciones del flautista Paul Horn en el Taj Mahal, o en la corriente de "world music" representada, por ejemplo, por la banda de Oregon o el proyecto Shakti de John McLaughlin . La música de McLaughlin, anteriormente basada en gran medida en el jazz, comenzó a utilizar nuevos instrumentos de origen indio, como el khatam o la tabla , durante su trabajo con Shakti, sonaron ritmos intrincados y la forma del raga indio fue ampliamente utilizada. El Art Ensemble de Chicago fue uno de los primeros pioneros en la fusión de formas africanas y de jazz. Más tarde, el mundo conoció al saxofonista/compositor John Zorn y su exploración de la cultura musical judía, tanto dentro como fuera de la Orquesta de Masada . Estas obras han inspirado a grupos enteros de otros músicos de jazz, como el teclista John Medeski , que ha grabado con el músico africano Salif Keita, el guitarrista Marc Ribot y el bajista Anthony Coleman. El trompetista Dave Douglas aporta inspiración de los Balcanes a su música, mientras que la Asian-American Jazz Orchestra se ha convertido en una de las principales defensoras de la convergencia del jazz y las formas musicales asiáticas.

A medida que continúa la globalización del mundo, el jazz está constantemente influenciado por otras tradiciones musicales, lo que proporciona un alimento maduro para futuras investigaciones y demuestra que el jazz es verdaderamente música del mundo.

Jazz en la URSS y Rusia

La actitud de las autoridades soviéticas hacia el jazz a lo largo de casi toda la historia de la URSS fue negativa. Percibido al principio como la música de la población negra oprimida y explotada de los Estados Unidos, el jazz se permitió en la URSS a principios de la década de 1920, pero a finales de la década, las autoridades comenzaron a percibir el jazz como una manifestación de la burguesía . cultura y fue objeto de duras críticas, y luego de una prohibición. Esto es lo que escribió el escritor Máximo Gorki sobre el jazz en su famoso artículo “Sobre la música de los gordos” en el periódico Pravda del 18 de abril de 1928 [40] :

... El silencio de esta noche, que ayuda a la mente a tomar un descanso de las diversas, aunque insignificantes, penas de la jornada laboral, como si susurrara al corazón la música solemne del trabajo mundial de grandes y pequeños, la hermosa el canto de la nueva historia, el canto que con tanto descaro encendieron los trabajadores de mi patria.

Pero de repente, un martillo idiota comienza a golpear secamente en el silencio sensible: uno, dos, tres, diez, veinte golpes, y después de ellos, como un pedazo de tierra en el agua más pura y transparente, un chillido salvaje, un silbido, un rugido, un aullido. rugir, crujir; irrumpen voces inhumanas, semejantes al relincho de un caballo, al gruñido de un cerdo de cobre, a los gritos de los burros, al croar amoroso de una enorme rana; todo este caos insultante de sonidos frenéticos obedece a un ritmo apenas perceptible, y después de escuchar estos gritos por un minuto o dos, uno comienza a imaginar involuntariamente que esto es una orquesta de locos, se han vuelto locos por motivos sexuales, y una especie de semental los conduce, agitando un enorme falo.

A partir de ese momento, la música de jazz occidental estuvo casi completamente prohibida e inaccesible en la URSS. Los álbumes de jazz extranjeros solo se podían comprar ilegalmente. Los artistas de jazz domésticos, por regla general, no estaban prohibidos, pero su capacidad para acceder a la audiencia estaba severamente limitada. La crítica severa del jazz fue generalizada en el contexto de la oposición a la cultura occidental en general [41] . La propaganda soviética inventó y difundió las declaraciones "hoy toca jazz y mañana venderá su tierra natal", "desde un saxofón hasta un cuchillo finlandés: ¡un paso!" [42] . El jazz en la URSS experimentó un período particularmente difícil a fines de la década de 1940 durante la lucha contra el cosmopolitismo , cuando todos los grupos que interpretaban música "occidental" fueron perseguidos [43] . Con el inicio del " deshielo ", se detuvo la persecución de los músicos, pero las críticas continuaron.

La escena del jazz se originó en la URSS en la década de 1920 al mismo tiempo que florecía en los Estados Unidos. La primera orquesta de jazz en la Rusia soviética fue creada en Moscú en 1922 por el poeta, traductor, bailarín, figura teatral Valentin Parnakh y se denominó " Primera orquesta de banda de jazz excéntrica de Valentin Parnakh en la RSFSR ". El 1 de octubre de 1922 se considera tradicionalmente el cumpleaños del jazz ruso , cuando tuvo lugar el primer concierto de este grupo. El primer conjunto de jazz profesional en actuar en la radio y grabar un disco es la orquesta del pianista y compositor Alexander Tsfasman (Moscú). Las primeras bandas de jazz
soviéticas se especializaron en realizar bailes de moda ( foxtrot , charleston ).

La palabra "jazz" se hizo ampliamente conocida en la URSS en la década de 1930, gracias a su uso por parte del conjunto de Leningrado dirigido por el actor y cantante Leonid Utyosov y el trompetista Ya. B. Skomorovsky . Desde un punto de vista musical, la música del conjunto Utyosov no se parecía al jazz occidental, pero se utilizó la palabra "jazz". Más tarde, en relación con la música del conjunto Utesov y Skomorovsky, los musicólogos comenzaron a utilizar el término "tea-jazz" (jazz teatral), como designación del estilo original de este conjunto, basado en una mezcla de música con teatro y opereta , en la que los números vocales y un elemento de actuación jugaron un papel importante. Popular en la Unión Soviética, la comedia cinematográfica musical " Merry Fellows " (1934, la banda sonora de la película fue escrita por Isaak Dunaevsky ) con la participación de Utyosov se llamó originalmente "Jazz Comedy".

Eddie Rosner  , compositor, músico y director de orquesta, hizo una notable contribución al desarrollo del jazz soviético . Habiendo comenzado su carrera en Alemania, Polonia y otros países europeos, Rozner se mudó a la URSS y se convirtió en uno de los pioneros del swing en la URSS y en el iniciador del jazz bielorruso . Las bandas de Moscú de las décadas de 1930 y 1940, dirigidas por Alexander Tsfasman y Alexander Varlamov , también desempeñaron un papel importante en la popularización y el desarrollo del estilo swing . La All-Union Radio Jazz Orchestra dirigida por A. Varlamov participó en el primer programa de televisión soviético . La única composición que ha sobrevivido de esa época resultó ser la orquesta de Oleg Lundstrem . Esta big band ahora ampliamente conocida pertenecía a los pocos y mejores conjuntos de jazz de la diáspora extranjera rusa, actuando en China en 1935-1947 .

Con el comienzo de la lucha estatal contra el cosmopolitismo a fines de la década de 1940, el jazz pasó casi por completo a la clandestinidad, los músicos fueron perseguidos. Las autoridades soviéticas vieron el jazz no solo como un movimiento musical ideológicamente extraño, sino también como una forma de "influencia corruptora" sobre el pueblo soviético por parte de los gobiernos occidentales. Uno de los ideólogos de la crítica de jazz fue Viktor Gorodinsky , quien publicó el libro "La música de la pobreza espiritual" en 1950.

Con el inicio del "deshielo" en las décadas de 1950 y 1960, las orquestas de Eddie Rozner y Oleg Lundstrem reanudaron sus actividades en Moscú, aparecieron nuevas composiciones, entre las que se encontraban las orquestas de Iosif Weinstein (Leningrado), Yuri Saulsky y Vadim Lyudvikovsky (Moscú). ), y también la Orquesta de Variedades de Riga . Las grandes bandas crearon toda una galaxia de arreglistas talentosos e improvisadores solistas, cuyo trabajo llevó el jazz soviético a un nivel cualitativamente nuevo y lo acercó a los estándares mundiales. Entre ellos se encuentran Georgy Garanyan , Boris Frumkin , Kim Nazaretov , Alexei Zubov , Vitaly Dolgov , Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev , Vagif Sadikhov, Konstantin Nosov, Boris Rychkov , Konstantin Bakholdin. El desarrollo del jazz de cámara y club comienza en toda la diversidad de su estilo ( Vyacheslav Ganelin , David Goloshchekin , Gennady Golshtein , Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Igor Nazaruk , Alexei Kozlov , Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky , German Lukyanov, Mikhail Yakon, Alexander Pishchikov, Alexei Isplatovsky, Vitaly Kleinot , Alexey Kuznetsov , Viktor Fridman , Andrey Tovmasyan , Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.) Muchos de los maestros del jazz soviético mencionados anteriormente comenzaron su carrera creativa en el escenario del legendario club de jazz de Moscú Blue Bird . que existió desde 1964 hasta 2009, descubriendo nuevos nombres de representantes de la generación moderna del jazz ruso: los hermanos Alexander y Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko y otros.

En la década de 1970, se hizo ampliamente conocido el trío de jazz Ganelin-Tarasov-Chekasin (GTC), formado por el pianista Vyacheslav Ganelin , el baterista Vladimir Tarasov y el saxofonista Vladimir Chekasin , que existió hasta 1986.

En las décadas de 1970 y 1980, grupos como el cuarteto de jazz de Azerbaiyán " Gaya ", la Orquesta Estatal de Variedades de Armenia dirigida por Konstantin Orbelyan , la Orquesta Sovremennik dirigida por Anatoly Kroll , los conjuntos vocales e instrumentales de Georgia " Orera " y " Jazz- Chorale ", el conjunto " Melody " dirigido por Georgy Garanyan .

El primer libro sobre jazz en la URSS fue publicado por la editorial Academia de Leningrado en 1926. Fue compilado por el musicólogo Semyon Ginzburg a partir de traducciones de artículos de compositores y críticos musicales occidentales, así como de sus propios materiales, y se denominó " Banda de jazz y música moderna " [44] . Sin embargo, desde entonces, con el inicio de la persecución del jazz, la publicación de publicaciones musicológicas al respecto resultó imposible. El siguiente libro sobre jazz se publicó en la URSS solo a principios de la década de 1960. Fue escrito por Valery Mysovsky y Vladimir Feyertag , se llamó " Jazz ", y era esencialmente una recopilación de información que se podía obtener de varias fuentes en ese momento. Solo en 2009, un equipo de autores encabezado por el mismo V. Feiertag preparó y publicó el primer libro de referencia enciclopédico corto ruso " Jazz in Russia " [45] , que resume la historia de esta tendencia en la URSS y Rusia.

Actualmente hay varios sellos de jazz en Rusia, entre ellos Butman Music Records , dirigido por el músico (saxofonista) Igor Butman . El primer músico en lanzar su disco en el sello fue Vadim Eilenkrig (trompeta), también es el artista más popular del sello.

También están los sellos FancyMusic [46] y ArtBeat Publishing [47] , cada uno de los cuales ha publicado más de 100 álbumes con grabaciones de destacados músicos de jazz rusos.

Uno de los divulgadores contemporáneos del jazz en Rusia es el periodista Viktor Radzievskiy , quien dirigió una serie de conferencias y conciertos "La ética del jazz" [48] .

En Moscú se celebran anualmente festivales de música jazz, como " Usadba Jazz ", " Triumph of Jazz " y " Jazz in the Hermitage Garden ", " VR Jazz Fest ".

Jazz latino

Ver también: jazz afrocubano

La combinación de elementos rítmicos latinos ha estado presente en el jazz casi desde los inicios de la mezcla de culturas que se originó en Nueva Orleans. Jelly Roll Morton habló de "matices españoles" en sus escritos de mediados a finales de la década de 1920. Duke Ellington y otros directores de orquesta de jazz también utilizaron formas latinas. El principal (aunque no ampliamente reconocido) progenitor del jazz latino, el trompetista y arreglista Mario Bausa trajo una inclinación cubana de su Habana natal a la orquesta de Chick Webb en la década de 1930, y una década más tarde llevó esa dirección al sonido de las orquestas de Don Redman, Fletcher Henderson y Cab Calloway .

Trabajando con el trompetista Dizzy Gillespie en la Orquesta Calloway desde finales de los años 30, Bausa introdujo una dirección desde la que ya había un vínculo directo con las big bands de Gillespie de mediados de los 40. Esta "historia de amor" de Gillespie con las formas musicales latinas continuó durante el resto de su larga carrera. En la década de 1940, Bausa continuó su carrera como director musical de la Orquesta Afrocubana Machito, encabezada por su cuñado, el percusionista Frank Grillo, apodado Machito. Las décadas de 1950 y 1960 estuvieron marcadas por un largo flirteo del jazz con los ritmos latinos, principalmente en la dirección de la bossa nova, enriqueciendo esta síntesis con elementos brasileños de la samba . Combinando el estilo fresco del jazz desarrollado por los músicos de la costa oeste, las proporciones clásicas europeas y los seductores ritmos brasileños, la bossa nova, o más correctamente "jazz brasileño", ganó gran popularidad en los Estados Unidos alrededor de 1962.

Ritmos sutiles de guitarra acústica, melodías simples, palabras en portugués e inglés. Inventado por los brasileños Joao Gilberto y Antonio Carlos Jobin, el estilo se convirtió en una alternativa de baile al hard bop y al free jazz en la década de 1960 , ampliando enormemente su popularidad a través de grabaciones y actuaciones de músicos de la costa oeste, en particular el guitarrista Charlie Byrd y el saxofonista Stan Getz. La mezcla musical de influencias latinas proliferó en el jazz y posteriormente en las décadas de 1980 y 1990, incluyendo no solo orquestas y grupos con improvisadores latinoamericanos, sino también combinando artistas locales y latinos.

Este nuevo renacimiento del jazz latino fue impulsado por una afluencia constante de artistas extranjeros de entre los desertores cubanos, como el trompetista Arturo Sandoval , el saxofonista y clarinetista Paquito D'Rivera, y otros que huyeron del régimen de Fidel Castro en busca de mayores oportunidades de las que esperaban . para encontrar en Nueva York, York y Florida . También existe la opinión de que las cualidades más intensas y bailables de la música polirrítmica del jazz latino ampliaron enormemente la audiencia de jazz. Cierto, conservando sólo un mínimo de intuición, para la percepción intelectual.

Jazz en el mundo moderno

El experimentalismo europeo con tintes clásicos sigue influyendo en la música de jóvenes pioneros como Ken Vandermark, un frígido saxofonista vanguardista conocido por su trabajo con renombrados contemporáneos como los saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker y Peter Brotzmann. Otros músicos jóvenes más tradicionales que continúan buscando sus propias identidades incluyen a los pianistas Jackie Terrason , Benny Green y Braid Meldoa, los saxofonistas Joshua Redman y David Sanchez, y los bateristas Jeff Watts y Billy Stewart.

La vieja tradición de sonar está siendo rápidamente mantenida por artistas como el trompetista Wynton Marsalis, quien trabaja con un equipo de asistentes tanto en sus propias bandas pequeñas como en la Lincoln Center Jazz Band, que él dirige. Bajo su patrocinio, los pianistas Marcus Roberts y Eric Reed, el saxofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, el trompetista Markus Printup y el vibrafonista Stefan Harris se convirtieron en grandes músicos. El bajista Dave Holland es también un gran descubridor de jóvenes talentos. Entre sus muchos descubrimientos se encuentran artistas como el saxofonista/bajista Steve Coleman, el saxofonista Steve Wilson, el vibrafonista Steve Nelson y el baterista Billy Kilson. Otros grandes mentores de jóvenes talentos incluyen al pianista Chick Corea , el difunto baterista Elvin Jones y la cantante Betty Carter.

Jessie Baylin lanzó varios álbumes de música jazz exitosos en la década de 2000 [49] . En 2014, una joven intérprete de Noruega, Angelina Jordan , llamó la atención .

La influencia del jazz en el cerebro humano

Según los resultados de la investigación del Dr. Robert J. Zatorre del Instituto  Neurológico de Montreal , que estudia el efecto de la información de audio en el cerebro, el jazz es uno de los tipos de música más difíciles de percibir y requiere un trabajo complejo e intenso por parte del cerebro para rastrear y analizar construcciones armónicas y progresiones. Interpretar jazz, y especialmente crear improvisaciones de jazz, es una tarea aún más desafiante para el cerebro. La educación musical, y la improvisación como parte de ella, son herramientas eficaces para mejorar las habilidades intelectuales . [cincuenta]

Véase también

Literatura

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Enlaces

Notas

Comentarios

  1. ↑ 1 2 3 Según un artículo de Lewis Porter  , un pianista de jazz, compositor e historiador del jazz, se cuestiona la plausibilidad de esta suposición.
  2. ↑ Según algunas fuentes - 3 de abril .

Fuentes

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