Arte

El arte (de Church-Slav. Art , Old Slav. Iskous  - tentación, experiencia, prueba [2] [3] ) es una de las categorías más generales de la estética , la historia del arte y la práctica artística. Usualmente, arte significa comprensión figurativa de la realidad ; el proceso y resultado de la expresión del mundo interior y exterior (en relación con el creador) [4] . En consecuencia, el arte es una actividad creativa que refleja los intereses no solo del propio autor, sino también de otras personas. “El interés general en la vida”, escribió Nikolai Chernyshevsky , “este es el contenido del arte” [5] . Vladimir Nabokov definió la esencia de la "magia llamada arte" de una manera completamente diferente: "En la escala de las medidas del mundo existe un punto en el que la imaginación y el conocimiento se cruzan, un punto que se logra reduciendo las cosas grandes y aumentando las pequeñas". cosas: el sentido del arte” [6] . Sin embargo, en tales definiciones se mezclan conceptos de varios volúmenes y niveles de contenido: arte, arte, reflexión, pensamiento imaginativo, creatividad [7] .

La definición y valoración del arte como fenómeno de  la realidad (ser y conciencia) es objeto de largas discusiones. La comprensión del arte ha cambiado junto con la evolución de las normas y valoraciones filosóficas, sociales y estéticas. Durante mucho tiempo, el arte fue considerado una forma de actividad cultural que satisface el amor de una persona por la belleza [8] . En este sentido, el arte se llama artesanía, cuyo producto da placer estético . La Enciclopedia Británica lo define como: "El uso de la habilidad o la imaginación para crear objetos estéticos, escenarios o actividades que se pueden compartir con otros" [9] . Sin embargo, junto con la evolución de las normas sociales, las valoraciones éticas y estéticas, el arte tiene derecho a denominarse toda actividad encaminada a crear formas expresivas, no solo estéticas y artísticas. En las definiciones de la estética marxista del período soviético, el arte es una forma especial de conocer y reflejar la realidad, una de las formas de actividad estética y artística de la conciencia individual y social , una parte de la cultura espiritual tanto de una persona como de todos . la humanidad [10] . Así, el criterio del arte es la capacidad de provocar una respuesta emocional en otras personas. Algunos expertos se adhieren a una interpretación más estrecha: el arte se llama la actividad artística real y su resultado - una obra de arte .

Etimología y semántica

A diferencia de los análogos en lenguas romances: Ing.  arte , fr.  arte , ital.  arte y alemán.  Kunst  : la palabra rusa para arte tiene una gama más amplia de significados: habilidad, artesanía, arte, maestría, arte. Gradualmente, en el proceso de desarrollo histórico y diferenciación de los significados de las palabras, el término artístico apareció en el idioma ruso (en el sentido de "conocedor, diestro, experimentado", del gótico handags - diestro, sabio; handus - mano) . En las lenguas romances y, en consecuencia, en la historia del arte de Europa occidental, no existe una división en "arte" y "arte", lo que provoca dificultades para traducir términos de un idioma a otro. Arte, arte, habilidad, artesanía, arte, por regla general, se traducen de la misma manera (inglés, francés art, italiano arte, alemán Kunst). Y esto a pesar del hecho de que hay posibilidades de significados matizados con la ayuda de conceptos cercanos, por ejemplo, "habilidad, habilidad, habilidad, destreza" (habilidad en inglés, compétence en francés, maestria en italiano, abilità, Fertigkeit en alemán), así como como “artesanía, artes y oficios, artesano francés, maîtrise, métier).

Aristóteles posee la definición de arte ( del griego antiguo techne  - arte, destreza, habilidad) como "un hábito creativo que sigue a la mente verdadera". El antiguo concepto ruso de artesanía tiene un significado cercano ; el mismo significado implica lat.  ars (con un derivado del lat.  artificium ), cercano al inglés.  arte en un sentido amplio, entendido como "componer", síntesis significativa de algo. Las palabras "artificial", "arte de la guerra", "artillería" y "artefacto" tienen una etimología similar [11] . El ensayista francés P. Valery dio la siguiente definición del concepto de “arte”: “La palabra “arte” en un principio significaba un método de acción y nada más. Pero una comprensión tan amplia ha caído en desuso. El término "arte" se redujo gradualmente en su significado y comenzó a aplicarse solo al método de acción en cualquier actividad consciente o condicionada por la conciencia, con la limitación de que este método implica algún tipo de entrenamiento o cierta habilidad en el tema. En este sentido, estamos hablando del arte de conducir un automóvil o el arte de cocinar, el arte de respirar y el arte de vivir. Pero no todos los “métodos del arte” son igualmente accesibles a todas las personas, por lo que el significado de la palabra “arte” se complementa con el concepto de la cualidad o valor de un modo de acción” [12] . Así, el concepto de arte se vuelve sumamente amplio, incluyendo la creatividad artística como uno de los “modos del arte”.

Relaciones conceptuales: arte, estética y actividad artística

Históricamente, en la vida individual y social, resultó que un artesano experto: ( lat.  Homo faber  - una persona creativa) puede ser un artesano, técnico, inventor de pensamiento creativo, pero sin crear imágenes artísticas. Otra cosa ( lat.  Homo artifex ) es un artista, un creador, según la definición de M. S. Kagan , con la ayuda de la actividad artística, “doblándose a sí mismo en un modelo figurativo” y en el material de uno u otro tipo de arte. El pensamiento figurativo "induce a duplicar el objeto experimentado para que el propio artista se imprima en él" [13] . Así, el concepto de arte se vuelve sumamente amplio, incluyendo la creatividad artística como uno de los “modos del arte”. Los conceptos de “estética” y “artística” no pueden ser sinonimizados o considerados artísticos únicamente como “la más alta manifestación de la estética”. La imagen artística es siempre concreta, individual (subjetiva) y emocional. En el trabajo material hábil, una artesanía simple, un modelo figurativo, por regla general, no surge. La actividad estética no produce imágenes artísticas, sino que sólo armoniza los objetos que existen en la realidad y sus modelos mentales. Una obra de arte sólo puede estar parcialmente dentro del ámbito de lo estético o trascenderlo completamente, y la actividad estética, a su vez, puede no coincidir con la actividad artística. Así, por ejemplo, recoger piedras de colores en la orilla del mar o arreglar muebles en una habitación, colgar cuadros en las paredes son actividades estéticas, pero no artísticas. Al mismo tiempo, una persona, cuidando la belleza, no se convierte en artista [14] .

En las lenguas romances, no hay distinción lingüística y semántica entre los conceptos de "arte" y "arte". Art, art, skill, craftsmanship, artistry se designan de la misma manera (inglés, francés art, italiano arte, alemán Kunst). Por lo tanto, se han desarrollado otras relaciones categóricas en la estética de Europa occidental, lo que se refleja especialmente negativamente en las teorías del arte contemporáneo. Por ejemplo, el concepto de "objeto de arte" puede significar cualquier cosa: una obra de bellas artes o no, dadaísmo , instalaciones, arte corporal , ready-made , que a menudo no tiene propiedades estéticas ni artísticas.

También hay otro concepto. Entonces, M. S. Kagan consideró el arte (en la redacción: actividad creadora y creadora) como uno de los cuatro aspectos principales de la actividad artística sincrética [15] .

En la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, la actividad hábil se considera cada vez más no en el campo de la psicología social, sino en el campo de la fenomenología, es decir, como un fenómeno no social, sino de la conciencia individual y creativa únicamente personal. pensando [16] .

Historia de las interpretaciones del concepto

En el Renacimiento , se divide el concepto de arte (actividad hábil) y la actividad artística personalizada con imágenes individuales. Además, el primer sentido, amplio, queda en desuso, reduciéndose únicamente a la actividad consciente realizada con el debido nivel de formación: el arte de conducir un automóvil, cocinar, etc. [11] .

La propiedad principal de la actividad hábil es el trabajo sobre el material, no solo la técnica de procesarlo, sino también la transformación de propiedades que este material no tenía previamente en la naturaleza, escribió sobre esto el artista modernista belga Henri Van de Velde en 1910 artículo “Animación de la materia como principio de belleza”. Sin embargo, los conceptos de "estético" y "artístico" no son sinónimos [17] . Por ejemplo, decorar el interior de una casa o decorar algo con elementos preseleccionados es de naturaleza creativa y estética, pero no artística. En la segunda mitad del siglo XX, el arte decorativo fue reemplazado por el diseño . Varios tipos de diseño de diseño en un grado u otro incluyen elementos de pensamiento técnico, estético y artístico-imaginativo, pero al mismo tiempo siguen siendo específicos. El arte implica la creación de algo previamente inexistente, fundamentalmente nuevo. En la actividad estética, según la definición de M. S. Kagan, “una persona, por así decirlo, se disuelve, se despersonaliza en el objeto experimentado”; en la ficción, invade la realidad y "se objetiva en un modelo figurativo". El pensamiento artístico alienta a “duplicar” el objeto experimentado, “representarlo en el material de uno u otro tipo de arte, reelaborarlo y cambiarlo de tal manera que el propio artista pueda ser capturado en él” [18] . A su vez, la imagen artística no tiene por qué ser estética, muchos tipos de arte de vanguardia construyen su poder expresivo precisamente sobre la violación de las leyes de la armonía y la negación de la belleza, pueden incluir el dadaísmo , el surrealismo , el pop art , etc. -hecho (inglés: "cosas preparadas"). [once]

Hasta el siglo XIX, las bellas artes se referían a la capacidad de un artista o artista para expresar su talento, despertar sentimientos estéticos en el público y dedicarse a la contemplación de las cosas "bellas". Cuando la artesanía se expresaba en un sentido más práctico, se consideraba un oficio más que un arte, de ahí el término " artes y oficios ", que se colocó debajo de "fino" [19] [20] . Así, históricamente, el arte fue consistentemente distinguido de la actividad sincrética inicial, y luego "fino" fue separado de "aplicado" [21] .

Definición del sujeto y límites del concepto de arte en la historia de la estética

La definición y valoración del arte como fenómeno cultural  es objeto de un debate permanente. Durante la era romántica , la comprensión tradicional del arte como artesanía de cualquier tipo dio paso a una visión del mismo como "una característica de la mente humana junto con la religión y la ciencia " [22] . En el siglo XX. Para entender la estética se han esbozado tres enfoques principales: realista , según el cual las cualidades estéticas de un objeto son inherentes a él de forma inmanente y no dependen del observador, objetivista , que también considera inmanentes las propiedades estéticas de un objeto. , pero hasta cierto punto dependiente del observador, y relativista , según el cual las propiedades estéticas de un objeto dependen únicamente de lo que el observador ve en él, y diferentes personas pueden percibir diferentes cualidades estéticas del mismo objeto [23] . Desde este último punto de vista, un objeto se puede caracterizar según las intenciones de su creador [24] (o la falta de intenciones), cualquiera que sea la función para la que fue destinado. Por ejemplo, una copa que puede usarse como recipiente en la vida cotidiana puede considerarse una obra de arte si se creó solo para ornamentación, y una imagen puede ser una artesanía si se produce en una línea de ensamblaje.

Las últimas definiciones del término "arte"

De acuerdo con un concepto cultural amplio, se puede llamar arte a todo lo que se crea en el proceso de acción consciente. Hay conceptos que ilustran el sentido amplio de este término: "artificial", "arte de la guerra", "artillería", "artefacto". Muchas otras palabras de uso común tienen etimologías similares . Los editores del diccionario de términos de la Academia Rusa de las Artes resolvieron este problema de la manera más simple: generalmente ignoraron este término [25] .

Según la definición de F. Nietzsche: El arte es “una actividad metafísica en esta vida” [26] .

En la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI, la actividad hábil se considera cada vez más no en el campo de la psicología social, sino en el campo de la fenomenología, es decir, como un fenómeno no social, sino de la conciencia individual y creativa únicamente personal. pensando. Sin embargo, en las formulaciones culturológicas se reduce eclécticamente una variedad de categorías filosóficas, cada una de las cuales requiere una definición previa: “El arte es una forma de cultura asociada a la capacidad del sujeto para asimilar estéticamente el mundo de la vida, para reproducirlo en forma figurativa y simbólica”. manera, apoyándose en los recursos de la imaginación creativa. Una actitud estética hacia el mundo es un requisito previo para la actividad artística en cualquier campo del arte. El juicio de gusto siempre pretende ser universal, y la base para ello es la contemplación estética del individuo como contenedor de una dimensión ideal” (B. L. Gubman) [27] .

En el arte de vanguardia, modernismo, posmodernismo y en el llamado arte contemporáneo, se declara que la única materia del arte es el “estado físico de las cosas”. Por ejemplo, en las corrientes denominadas entorno (ing. "entorno") o ready-made (ing. "ready-made"), la implicación del espectador en el espacio del juego se logra con la ayuda de "objetos de arte". , que en realidad son cosas ordinarias . La definición de "arte del objeto" en el contexto modernista, en particular en los reflexivos tratados de A. Danto, W. Hoffmann, R. Krauss, B. Groys y otros, pierde todo sentido. En la estética posmoderna, un artefacto, u objeto de actividad artística, es cualquier objeto real que cumple con el contexto deseado o con los requisitos establecidos, incluso si la mano del artista no lo ha tocado. Según J. Baudrillard, una obra de arte es un objeto dotado del estatus de significado y forma; todo lo que se convierte en "sujeto del cálculo de funciones y significado", es decir, un objeto elegido arbitrariamente como obra de arte [28] .

Según la teoría de B. Latour, las personas y las cosas participan juntas en la creación del mundo objetivo (“No hubo tiempo nuevo. Ensayo sobre antropología simétrica”, 1991). Usando las instalaciones de M. Duchamp como ejemplo, el crítico Thierry de Duve argumenta que cualquier cosa puede ser un objeto o tema de arte, ya que "nada queda del arte sino un nombre". Según él, “la diferencia entre un objeto y exactamente el mismo objeto, llamado arte, es precisamente que uno de ellos se llamaba arte, y el otro no” [29] . Este enfoque es criticado por la identificación de diferentes conceptos y, en consecuencia, la imposibilidad de comprensión mutua y estudio científico del arte [30] .

En la mayoría de las definiciones anteriores, el concepto de arte resulta extremadamente amplio, incluyendo la creatividad artística como uno de los “modos del arte”. También hay otro concepto. M. S. Kagan allá por 1974 en el libro “Actividad humana” propuso un esquema que explicaba las especificidades generales de la creatividad artística con el sincretismo de los cuatro aspectos (o tipos) principales de la actividad humana:

Todos ellos caracterizan por separado este o aquel tipo de actividad humana. En la interacción, adquieren un tema específico: la creatividad artística, que es siempre, en cierta medida, tanto cognición y actividad estética como creación y actividad de comunicación. Una de las partes puede dominar, pero se preserva la integridad. Por ejemplo, una obra de arte puede ser fea, y la belleza no tiene por qué llevar un principio artístico y figurativo [31] .

La mayoría de los autores, de una forma u otra, destacan los siguientes criterios principales para el "arte como creación artística":

Morfología histórica del arte

La morfología (la doctrina de la forma) es una sección importante de la historia del arte . Contrariamente al significado literal de la palabra, implica el estudio del arte como un sistema de géneros, clases, tipos, variedades y géneros. El término "morfología" a finales del siglo XVIII fue utilizado por J. W. Goethe en sus investigaciones sobre ciencias naturales, y luego este término se generalizó en filosofía, lingüística, filología y estudios culturales. En 1972, se publicó el estudio capital "Morfología del arte" de M. S. Kagan. El esquema general para la formación y desarrollo de tipos individuales de arte es el siguiente. Inicialmente, antes de la formación de la autoconciencia estética y, especialmente, artística, la actividad hábil se desarrolló sincréticamente en la unidad de funciones primitivas cognitivas, táctiles-motoras, rituales, de juego, comunicativas y otras. Los investigadores dividen los primeros monumentos del "pre-arte" en dos grandes grupos: "móviles": esculturas, ornamentación de herramientas ( fr.  L'art mobilier ) y "pared", pinturas rupestres ( fr.  L'art pariétal ), o "arte parietal" [34] . El concepto original del origen del arte es la teoría de la actividad humana pre-pictórica basada en la "disposición natural" de la bestia [35] .

En la historia de la historia del arte se han desarrollado muchos sistemas morfológicos [36] . En la antigüedad, todas las artes se dividían en musicales (que contaba con el patrocinio de Apolo y las Musas) y mecánicas, o serviles (esclavas), asociadas al trabajo físico despreciado por los antiguos griegos. En la antigüedad tardía se formó el concepto de las "Siete Artes Liberales", subdividido en el trivium (gramática, dialéctica, retórica) y el quadrivium (geometría, aritmética, astronomía, música). Solo en el Renacimiento, se formó el concepto familiar de las bellas artes como "bellas" (incluida la arquitectura), así como la música, la poesía, y comenzó un largo proceso de autodeterminación de variedades y géneros de creatividad artística.

En varios conceptos morfológicos, la actividad hábil se divide según la forma de percibir las obras en artes "auditivas" y "visuales" (I. I. Ioffe), según el criterio ontológico en espacial, temporal y espacio-tiempo (M. S. Kagan), según la estructura funcional en “pictórica” (pintura, gráfica, escultura) y “no pictórica” o bifuncional (arquitectura, artes aplicadas y diseño; S. Kh. Rappoport), en “lingüística” y “no lingüística” (M. Rieser) según los métodos de modelado, técnicas técnicas y materiales, peculiaridades de la percepción (enfoque fenomenológico). El "enfoque temático" más arcaico, ahora rechazado por la mayoría de los especialistas, divide las artes en pictóricas y no pictóricas, o abstractas. El sujeto de las artes visuales es supuestamente exclusivamente la realidad externa [37] , las artes no plásticas encarnan el mundo interior de una persona (AP Marder). La diferenciación de género es inherente a varios tipos y variedades mixtas de arte . Los enfoques fenomenológicos y semiológicos más modernos implican como base el uso de una tipología del continuo espacio-tiempo de percepción de las obras de arte como un "sistema continuo" [38] .

El sistema académico más común de morfología del arte se basa en un criterio ontológico: cómo existen las obras en su forma material en el espacio y el tiempo físicos. En consecuencia, todas las clases y tipos de arte se dividen en tres grandes clases según el modo de su "existencia material": espacial, temporal y espacio-temporal. La pintura, la escultura, la gráfica, la arquitectura, cuyas obras existen objetivamente en un entorno espacial, pertenecen a la clase de las artes espaciales; la música y la poesía, cuya forma se desarrolla en el tiempo, hasta las artes temporales. Artes escénicas (teatro, coreografía, escenografía) y arte cinematográfico - hasta tipos espacio-temporales. Las artes espaciales también se dividen según el grado de abstracción del lenguaje en “finas” (pintura, gráfica, escultura) y “no pictóricas”, o bifuncionales, es decir, que combinan valor artístico y utilitario (arquitectura, artes y oficios). . Históricamente, todo tipo de arte fue aislándose paulatinamente, destacándose del espacio de la arquitectura.

Existen otras teorías, por ejemplo, el concepto del destacado arquitecto y teórico del arte Gottfried Semper sobre el origen de todo tipo de arte a partir de los cuatro tipos originales de actividad técnica: tejido (tejer), cerámica, tectónica (construir a partir de madera) y estereotomía (construcción de piedra) [39] .

Según I. I. Ioffe , la arquitectura y la música pertenecen al mismo tipo de arte, aunque sean tipos diferentes. Al desarrollar en la década de 1930 las ideas de un “enfoque morfológico” para el estudio de la interacción de todos los tipos de arte, Ioffe escribió: “La división de las artes en espaciales y temporales se basa en su división en luz y sonido, o visual y auditivo. ... Hay una distancia mayor entre las artes espaciales de diferentes formas de pensar que entre lo espacial y lo temporal - de una forma de pensar... La luz es tanto espacio como tiempo, tanta extensión como duración" [40] .

Historia del arte

El estudio científico del fenómeno del arte, en particular de la historia del arte, como parte de la historia general y la historia del arte , se basa en muchos conceptos clave desarrollados por la cultura antigua y la tradición cristiana de la civilización europea occidental. Este eurocentrismo forzado se debe principalmente al hecho de que las culturas orientales tienen ideas diferentes sobre el tiempo y el espacio histórico. Los conceptos clave eurocientíficos incluyen: ideas sobre una dirección única del tiempo histórico desde la Creación del mundo hasta el Juicio Final (el principio del historicismo del pensamiento humano y, en particular, artístico), el concepto de cronotopo (la unidad de tiempo-lugar de creación de una obra de arte), una combinación de métodos precisos e intuitivos de cognición, libertad de pensamiento creativo, juicios y evaluaciones y mucho más.

Apariencia

Los historiadores de la estética asocian la aparición del arte con juegos , ritos y ritos , incluidos los condicionados por representaciones mitológicas y mágicas [41] . Según la teoría del trabajo , en una sociedad primitiva, las bellas artes primitivas se originan con la especie Homo sapiens como una forma de actividad humana para resolver problemas prácticos [42] . Con origen en la era del Paleolítico Medio , el arte primitivo floreció en el Paleolítico Superior , hace unos 40 mil años, y pudo ser un producto social de la sociedad, encarnando una nueva etapa en el desarrollo de la realidad [43] . Las obras de arte más antiguas, como el collar de conchas hallado en Sudáfrica [44] , datan del año 75.000 o más antes de Cristo. mi. (Ver: Cueva de Blombos ). En la Edad de Piedra, el arte estaba representado por rituales primitivos, música, danzas, todo tipo de decoraciones corporales, geoglifos -imágenes en el suelo, dendrógrafos- imágenes en la corteza de los árboles, imágenes en pieles de animales, pinturas rupestres, pinturas rupestres, petroglifos . y escultura.

Según algunos autores, tiene su origen en las habilidades previas al habla y en las técnicas para transmitir, percibir y almacenar información lingüística en la memoria. [45]

Arte primitivo

Arte primitivo, arte prehistórico - el arte de la era de la sociedad  primitiva .

Estaba representado por músicas , danzas , cantos y rituales primitivos , así como geoglifos -imágenes en la superficie de la tierra, dendroglifos -imágenes en la corteza de los árboles e imágenes en pieles de animales, diversas decoraciones corporales utilizando pigmentos de colores y todo tipo de Objetos naturales, como abalorios, populares y actuales.

El arte primitivo caracteriza el sincretismo de funciones: mágica, didáctica, comunicativa y del habla. El modelo principal del origen de las bellas artes es el "diseño natural de la bestia" [46] [47] . La utilidad comunicativa de la creatividad primitiva, junto con el desarrollo del aspecto estético, se observa claramente en el período folclórico preimprenta de las culturas de todos los pueblos. También existen teorías sobre el arte como función biológica ( instinto artístico ).

Arte en el mundo antiguo

Véase también Hititas , Arte del Antiguo Egipto , Civilización del Egeo , Arte de la Antigua Grecia , Helenismo , Arte etrusco , Escitas , Arte de Urartu

Las bases del arte en el sentido moderno de la palabra fueron establecidas por civilizaciones antiguas: egipcia , mesopotámica , persa , india , china , griega , romana , así como árabe ( antiguo Yemen y Omán ) y otras. Cada uno de los centros mencionados de las primeras civilizaciones creó su propio estilo de arte único, que sobrevivió a los siglos e influyó en las culturas posteriores. También dejaron las primeras descripciones del trabajo de los artistas. Por ejemplo, los antiguos maestros griegos superaron en muchos aspectos a otros en la representación del cuerpo humano y pudieron mostrar los músculos, la postura, las proporciones correctas y la belleza de la naturaleza.

Arte en la Edad Media

Véase también Renacimiento carolingio

El arte bizantino y el gótico de la Edad Media occidental se centraron en las verdades espirituales y los temas bíblicos. Enfatizaron la grandeza sublime e invisible del mundo montañoso, utilizando un fondo dorado en pinturas y mosaicos, y representaron figuras humanas en formas planas e idealizadas.

En oriente, en los países islámicos , se creía ampliamente que la imagen de una persona rozaba la prohibición de la creación de ídolos , por lo que las bellas artes se reducían principalmente a la arquitectura, la ornamentación, la escultura, la caligrafía , la joyería y otros tipos. de artes decorativas y aplicadas (ver arte islámico ). En la India y el Tíbet, el arte se centró en la danza y la escultura religiosas, que fue imitada por la pintura, que se inclinó hacia los colores brillantes que contrastan y los contornos nítidos. En China floreció una forma de arte extremadamente diversa: tallado en piedra, escultura en bronce, cerámica (incluido el famoso ejército de terracota del emperador Qin), poesía, caligrafía, música, pintura, teatro, fantasía, etc. El estilo del arte chino cambió de una era a otra. era y tradicionalmente lleva el nombre de la dinastía gobernante. Por ejemplo, la pintura de la era Tang , refinada y monocromática, representa un paisaje idealizado, y en la era Ming , estaban de moda los colores intensos y ricos y las composiciones de género. Los estilos japoneses en el arte también llevan los nombres de las dinastías imperiales locales, y existe una interconexión e interacción significativas en su pintura y caligrafía. Desde el siglo XVII también se ha difundido aquí el grabado en madera.

Del Renacimiento a la actualidad

El Renacimiento occidental retornó a los valores del mundo material y del humanismo, lo que nuevamente vino acompañado de un cambio de paradigma de las bellas artes, en cuyo espacio apareció la perspectiva, y las figuras humanas adquirieron la corporalidad que había perdido. Durante el Siglo de las Luces , los artistas buscaron reflejar la certeza física y racional del universo, que parecía ser un mecanismo de relojería complejo y perfecto, así como las ideas revolucionarias de su época. Así William Blake pintó un retrato de Newton a imagen de un geómetra divino, y Jacques-Louis David puso su talento al servicio de la propaganda política. Los artistas de la era romántica gravitaron hacia el lado emocional de la vida y la individualidad humana, inspirados en los poemas de Goethe . A fines del siglo XIX, surgió una variedad de estilos artísticos, como el academicismo , el simbolismo , el impresionismo , el fauvismo .

Sin embargo, su época fue efímera, y el final de las viejas direcciones fue traído no solo por los nuevos descubrimientos de la relatividad de Einstein [48] y el subconsciente de Freud [49] , sino también por el desarrollo sin precedentes de la tecnología, estimulado por la pesadilla de dos guerras mundiales. La historia del arte del siglo XX está llena de búsqueda de nuevas posibilidades pictóricas y nuevos estándares de belleza, cada uno de los cuales entra en conflicto con los anteriores. Las normas del impresionismo , fauvismo , expresionismo , cubismo , dadaísmo , surrealismo , etc. no sobrevivieron a sus creadores. La creciente globalización ha llevado a la interpenetración e influencia mutua de las culturas. Así que el trabajo de Matisse y Pablo Picasso estuvo muy influenciado por el arte africano, y los grabados japoneses (a su vez influenciados por el Renacimiento occidental ) sirvieron como fuente de inspiración para los impresionistas. Las ideas occidentales del comunismo y el posmodernismo también tuvieron una influencia colosal en el arte .

El modernismo con su culto a las normas rígidas y la búsqueda idealista de la verdad en la segunda mitad del siglo XX. abrió el camino para la realización de su propia inalcanzabilidad. La relatividad de los valores fue aceptada como una verdad indiscutible, lo que marcó el advenimiento del período del arte moderno y la crítica de la posmodernidad , dando lugar a discusiones sobre el fin del arte . La cultura y la historia del mundo, el arte también comenzaron a ser consideradas categorías relativas y transitorias, que comenzaron a ser tratadas con ironía, y el desdibujamiento de los límites de las culturas regionales llevó a su comprensión como partes de una sola cultura global.

Clasificación

Artes es un término que se refiere a la teoría y la expresión física de la creatividad en diversas sociedades y culturas . Los principales constituyentes de las artes incluyen la literatura (que incluye teatro , poesía y prosa ), las artes escénicas (entre ellas , la danza , la música y el teatro ) y las artes visuales (que incluyen dibujo , pintura , cine , arquitectura , cerámica, escultura y fotografía ). Algunas artes combinan un componente visual con uno escénico (como la cinematografía ) o un componente pictórico con la escritura (como los cómics ). Desde el arte rupestre prehistórico hasta el cine contemporáneo , el arte sirve como vehículo para la narración y las relaciones del ser humano con el entorno.

El Diccionario Merriam-Webster define "arte" como "la pintura, la escultura, la música, el teatro, la literatura, etc., que se consideran como un conjunto de acciones realizadas por personas con habilidad e imaginación" [50] . El Congreso de los Estados Unidos, en la Ley de la Fundación Nacional de las Artes y las Humanidades, definió "arte" de la siguiente manera [51] :

El término "arte" incluye, pero no se limita a, música (instrumental y vocal), danza, teatro, arte popular, escritura creativa, arquitectura y campos relacionados, pintura, escultura, fotografía, artes gráficas y artesanales, diseño industrial, vestuario y diseño de vestuario, cine, televisión, radio, cine, video, casete y grabación de sonido, artes relacionadas con la presentación, ejecución y exhibición de tales artes básicas, todas estas artes tradicionales practicadas por diversos pueblos de este país, (sic) y la estudio y aplicación de las artes en el entorno humano.

El arte se puede clasificar según diferentes criterios. El tema de exhibición de las bellas artes es la realidad externa [37] , mientras que las artes no bellas encarnan el mundo interior . Según el tipo de expresión y percepción, las artes no visuales se dividen en musicales , danzarias y literarias , también son posibles tipos mixtos. Los diferentes tipos de arte se caracterizan por la diferenciación de género .

~ Artes Estático dinámica
Multa pintura , gráfica ( dibujo , grabado ), artes y manualidades , escultura , fotografía , grafiti , historietas Película muda
Espectacular teatro , ópera , arte de variedades , circo , arte cinematográfico juegos de computadora
No pictórico (expresivo) arquitectura , literatura música , coreografía , ballet , arte radiofónico

Según la forma de desarrollo del arte, se distinguen en el espacio (en una zona geográfica determinada) y en el tiempo (en una época determinada).

Según su utilitarismo, las artes se dividen en aplicadas (que realizan, además de la estética, alguna función cotidiana) y elegantes (“puras”, que no realizan otra función que la estética).

De acuerdo con los materiales, el arte se puede dividir en tipos utilizando

Media art : computer art , pintura digital , web art , etc. A menudo se hace referencia a la publicidad como una de las formas de arte [52] . Música: clásica , académica , electrónica (ver géneros y estilos musicales ) caligrafía , canciones , literatura ( prosa , poesía )

Según el tema , el objeto y el método de presentación o algunas de sus combinaciones estables e ideológicamente justificadas, el arte se puede dividir en géneros ( drama , naturaleza muerta , suite , etc.) y en estilos ( clasicismo , impresionismo , jazz , etc.) .).

De acuerdo con los criterios de impacto estético intencional o habilidad de ejecución , bajo ciertas condiciones, cualquier tipo de actividad puede llamarse arte. - Para ello, basta que el actor considere el resultado de su actividad como una experiencia especial, difícil de repetir, quiera manifestarlo a través de sus acciones y contactar a otras personas exclusivamente sobre esta experiencia. Así, por ejemplo, hablamos del arte de tallar en madera, el arte de vestir , el arte de crear ramos de flores , las artes marciales , el arte de emprender, etc.

Debe recordarse que los criterios para referirse al arte, como el contenido del propio término "arte", no están dados de una vez por todas. En un mundo en constante cambio, es posible revisar ciertos valores establecidos, cambiar la percepción de ciertas formas de expresión. El arte puede estar obsoleto o incluso perdido . Por otro lado, las nuevas actividades que antes no existían también pueden reclamar el título de nuevo arte. Es poco probable que las discusiones sobre la clasificación del arte se detengan alguna vez.

A veces, en lugar de la palabra " arte " en palabras compuestas , se utiliza un sinónimo de " arte " de origen extranjero , por ejemplo: " pixel art ", " ORFO-art [53] ", " arte pedagogía ", " arteterapia " , " body art " (uno de los tipos de arte de vanguardia ), " videoarte ", " arte sonoro ", " net art ".

Arte y crítica

La relación entre el arte y la historia del arte en general y la crítica de arte en particular se ha vuelto cada vez más compleja en los últimos doscientos años. Por ejemplo, se expresan opiniones de que con el desarrollo de la crítica, el culto al creador pierde su posición trascendente : la verdad es reemplazada por la ilusión de la verdad, el gesto del artista está sujeto a reconstrucción. El arte es un sustrato para la crítica, para explicar lo que el autor quería decir con su obra, y por eso se suele acusar a la crítica de parasitismo . Al mismo tiempo, los críticos actúan como agentes publicitarios y se dedican a la creación de empaques simbólicos, y en algunas épocas son útiles para traducir obras al espacio ideológico existente [54] .

Teorías del arte

Desde la antigüedad, el arte ha sido objeto de estudio como práctica de la filosofía . En el siglo XIX , el arte se consideraba predominantemente como el producto de una interacción entre la verdad y la belleza . Por ejemplo, el teórico de la estética John Ruskin , al analizar la obra de Turner , señaló que el significado del arte es crear acceso a la verdad esotérica contenida en la naturaleza mediante métodos artísticos [55] .

El surgimiento del modernismo a finales del siglo XIX supuso un cambio radical en la concepción del papel del arte [56] , lo mismo ocurrió a finales del siglo XX. con la formación del concepto de posmodernismo . Clement Greenberg, en su artículo de 1960 "Pintura Modernista", definió el arte contemporáneo como "el uso de los métodos inherentes a la disciplina para criticar la disciplina misma" [57] . Greenberg tomó este enfoque del expresionismo abstracto y lo usó para explicar y justificar la pintura abstracta simple (sin ilusiones):

El arte realista y naturalista oculta la textura del entorno artístico al usar el método artístico para disfrazar las técnicas artísticas, mientras que el modernismo usa el método artístico para llamar la atención sobre estas técnicas. Las limitaciones que componen el entorno de la pintura -el plano del lienzo, el diseño, las propiedades de la pintura- fueron consideradas por los viejos maestros como un obstáculo, creyendo que se les permitía operar solo de manera indirecta o encubierta. En el modernismo, las mismas limitaciones aparecen bajo una luz diferente. Al cambiar el menos por un más, el artista los expone abiertamente [57] .

Después de Greenberg, se pueden nombrar varios teóricos del arte destacados, como Michael Fried , T. J. Clark , R. Krauss , L. Nochlin y G. Pollock . Aunque los juicios de Greenberg fueron atribuidos por él al trabajo de cierto grupo de artistas del siglo XX, tuvieron un impacto significativo en el desarrollo posterior de la filosofía del arte en la segunda mitad del siglo XX y principios del XXI.

Artistas pop como Andy Warhol han ganado fama e influencia al incorporar y criticar implícitamente tanto la cultura popular como el mundo del arte en su trabajo . Algunos artistas radicales de las décadas de 1980, 1990 y 2000 extendieron esta técnica de autocrítica, que alguna vez fue prerrogativa del "gran arte", a todas las formas de representación, incluido el diseño de moda, los cómics, los carteles y la pornografía...

Objetivos del arte

Los teóricos de todas las épocas han visto en el arte un fenómeno que tiene diferentes, según el concepto específico, funciones y propiedades. Esto no significa que los propósitos del arte sigan sin estar claros, sino que hubo muchas razones diferentes para crear diferentes obras de arte y muchas interpretaciones de ellas. Algunas de las funciones del arte se enumeran a continuación y se agrupan según el grado de su conciencia en motivadas y desmotivadas.

Las funciones no motivadas del arte

Los objetivos no motivados del arte se denominan aquellos que son parte integral de la naturaleza humana, no pueden reducirse a las características de la personalidad del creador y sirven a cualquier propósito extraño, por ejemplo, utilitario. En este sentido, el arte, y la creatividad en general, es algo a lo que el hombre es empujado por su propia naturaleza (pues, a excepción del Homo sapiens , ninguna otra especie de animales y personas ha creado arte), y que va más allá de la mera útil.

  1. El instinto humano fundamental para la armonía, el equilibrio y el ritmo. En este nivel, el arte no es un acto ni un objeto, sino un deseo interior de armonía (belleza), consumido sin importar la utilidad.

    “La imitación es uno de los instintos de nuestra naturaleza. Además, existe un instinto de armonía y ritmo, así como de proporcionalidad, en el que, en particular, se expresa el sentido del ritmo. A partir de este don natural, la persona desarrolla en sí misma inclinaciones hacia la poesía, para pasar gradualmente de las groseras improvisaciones al verdadero arte . — Aristóteles .

  2. Sensación de misterio. El arte es una forma de sentir tu conexión con el universo. Esta sensación suele ser inesperada y se produce cuando vemos una obra de arte, escuchamos música o poesía.

    “Lo más hermoso que podemos experimentar en la vida es el misterio. Es la fuente de todo verdadero arte o ciencia . —Alberto Einstein .

  3. Imaginación. El arte proporciona una forma de usar la imaginación de una manera no verbal, sin las limitaciones del lenguaje. Si bien las palabras siguen una secuencia estricta y cada una de ellas tiene un significado específico, el arte proporciona una amplia gama de formas, símbolos e ideas, cuyo significado puede interpretarse de diferentes maneras.

    “El Águila de Júpiter [como ejemplo de obra de arte] no es, como un atributo lógico (estético), un símbolo de la grandeza y magnificencia de la creación, es más bien otra cosa que da un estímulo para que la imaginación vuele , para compararlo con todas las imágenes similares, provocando más pensamiento que cualquier idea expresada en palabras podría. El concepto estético contenido en él se eleva por encima de la idea racional y reemplaza las representaciones lógicas, pero a su debido tiempo, sin embargo, vivifica la mente, abriendo ante nosotros la perspectiva de muchas imágenes similares que se yerguen invisiblemente detrás de él” [60] . — Emmanuel Kant .

  4. Apelar a un círculo ilimitado de personas. El arte permite al autor de una obra volverse voluntaria o involuntariamente hacia el mundo entero. Algunos autores dejan deliberadamente sus creaciones en lugares inaccesibles, por ejemplo, en los picos de las montañas. Esta es también una forma de dirigirse no a un círculo limitado de espectadores, sino al mundo en su conjunto.
  5. Funciones rituales y simbólicas. En muchas culturas, los coloridos rituales, actuaciones y bailes son un símbolo o una forma de decorar ciertos eventos. Por sí mismos, por lo general no tienen ningún propósito utilitario, pero los antropólogos conocen su significado dentro de una cultura nacional determinada. Las tradiciones se formaron a lo largo de muchas generaciones y, a menudo, inicialmente tenían un cierto significado cosmológico, que nadie recuerda más tarde.

    “La mayoría de los estudiosos que se han ocupado de pinturas rupestres u objetos creados en tiempos prehistóricos y sin aparente finalidad utilitaria, y por tanto declarados decorativos, rituales o simbólicos, son muy conscientes de los errores en los que se puede caer al utilizar el término arte ” [61 ] . — Silva Tomaskova.

También existe un punto de vista según el cual la búsqueda del arte (así como cualquier otra actividad encaminada a la creación de productos culturales) es principalmente una manifestación inconsciente de la selección sexual en forma de cortejo , lo que explica el número desproporcionado de artistas y artistas masculinos. la correspondencia entre períodos de alta actividad creativa y sexual en la vida de una persona [62] [63] .

Funciones motivadas del arte

Las metas que el autor o creador se propone intencional y conscientemente al trabajar en una obra se denominan en adelante motivadas. Puede ser un objetivo político, comentar una posición social, crear un determinado estado de ánimo o emoción, impacto psicológico, ilustrar algo, promocionar un producto (en el caso de la publicidad), o simplemente transmitir un determinado mensaje.

  1. Medios de comunicación. En su forma más simple, el arte es un medio de comunicación. Como la mayoría de los otros modos de comunicación, tiene la intención de transmitir información a la audiencia. Por ejemplo, la ilustración científica también es una forma de arte que existe para transmitir información. Otro ejemplo de este tipo son los mapas geográficos. Sin embargo, el contenido del mensaje no es necesariamente científico. El arte le permite transmitir no solo información objetiva, sino también emociones, estado de ánimo, sentimientos. "[El arte es una colección de] artefactos o imágenes con significado simbólico utilizados para la comunicación" [64] . —Steve Miten.
  2. El arte como entretenimiento . El propósito del arte puede ser crear un estado de ánimo o emoción que ayude a relajarse o divertirse. Muy a menudo, los dibujos animados o los videojuegos se crean con este mismo propósito.
  3. Vanguardia , arte para el cambio político. Uno de los objetivos definitorios del arte a principios del siglo XX fue la creación de obras que provocaran un cambio político. Las tendencias que surgieron con este propósito ( dadaísmo , surrealismo , constructivismo ruso, expresionismo abstracto  ) se conocen colectivamente como vanguardia . “Por el contrario, el realismo inspirado en el positivismo, desde Santo Tomás de Aquino hasta Anatole France, me parece hostil a cualquier tipo de progreso intelectual o moral. Me repugna, porque consiste en mediocridad, odio y arrogancia aburrida. Es por él que ahora están apareciendo libros ridículos y jugadas ofensivas. Constantemente se alimenta y toma fuerza de los periódicos, y ridiculiza tanto a la ciencia como al arte con incesantes halagos al peor gusto; la sencillez, rayana en la estupidez, la vida de un perro” [65] .- André Breton ( surrealismo ).
  4. Arte para la psicoterapia. Los psicólogos y psicoterapeutas pueden utilizar el arte con fines preventivos o terapéuticos. Se puede utilizar una técnica especial basada en el análisis del trabajo humano tanto para diagnosticar el estado mental y emocional del paciente como para sublimar las emociones acumuladas y lograr un estado interno más equilibrado. En este caso, el objetivo final no es el diagnóstico, sino la mejora de la psique humana. Como un tipo separado de arteterapia, se destaca la práctica de la pintura meditativa , que combina tanto elementos de la psicoterapia como la práctica del autoconocimiento y el autodesarrollo.
  5. Arte para la protesta social, el derrocamiento del orden existente y/o la anarquía. Como forma de protesta, el arte puede no tener ningún propósito político específico, sino limitarse a criticar el régimen existente o algún aspecto del mismo. Los grafitis y otros tipos de arte callejero  son imágenes y grafitis que se pintan en las paredes de casas, autobuses, trenes, puentes y otros lugares destacados, a menudo sin permiso. El grafiti puede ser ilegal y una forma de vandalismo . “El arte, en primer lugar, debe reflejar la vida real de las personas y no sugerir que todo está bien. Hay publicidad de esto, te obliga, te obliga a comprar, afeitarte, lavarte, perfumarte, irte de vacaciones, etcétera” [66] . - Buksikov, Serik .
  6. Arte para propaganda o comercialización. Las obras de arte a menudo se utilizan con fines propagandísticos para cambiar discretamente los gustos y estados de ánimo del público. Del mismo modo, la publicidad deliberada se crea con el objetivo de promocionar un producto comercial creando una actitud positiva hacia él por parte del consumidor. En ambos casos, el objetivo del creador es manipular la actitud emocional o psicológica hacia algún objeto o idea [67] .

Las funciones del arte descritas anteriormente no se excluyen mutuamente y pueden superponerse. Por ejemplo, el arte para el entretenimiento se puede combinar con un anuncio de producto, película o videojuego. Uno de los rasgos característicos del arte posmoderno (después de la década de 1970) es el crecimiento del utilitarismo, la funcionalidad, la comercialización, mientras que el arte desmotivado o su uso con fines simbólicos y rituales es cada vez más raro.

Arte, estructura social y valores

A menudo, el arte es visto como un atributo de estratos sociales seleccionados, ajeno a otros estratos de la población. En este sentido, la búsqueda del arte generalmente se considera perteneciente a las clases altas, asociada con la riqueza, la capacidad de comprar cosas hermosas pero inútiles y una inclinación por el lujo. Como ejemplo, los partidarios de tales puntos de vista pueden citar el Palacio de Versalles o el Hermitage de San Petersburgo con sus extensas colecciones, reunidas por los monarcas más ricos de Europa. Solo las personas, los gobiernos o las organizaciones muy ricas pueden permitirse este tipo de colecciones.

Las cosas finas y caras en muchas culturas son un signo del estatus social de su dueño. Al mismo tiempo, al menos en 1793, durante la Revolución Francesa , se produjo un movimiento en sentido contrario, cuando el Louvre , hasta entonces propiedad de los reyes franceses, se abrió al público como museo. La mayoría de los museos modernos y los programas de educación artística para niños en los países económicamente desarrollados hacen lo mismo, haciendo que el arte sea accesible para todos. En los Estados Unidos, los museos suelen ser colecciones privadas recopiladas por personas adineradas y posteriormente transferidas al estado. Por ejemplo, el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) fue creado en el siglo XIX. John Taylor Johnston, presidente de la red ferroviaria regional, cuya colección personal de arte formó el núcleo de la colección del museo. En Rusia, el comerciante Pavel Tretyakov , fundador del museo ahora conocido como la Galería Estatal Tretyakov , desempeñó un papel similar. Sin embargo, hasta el día de hoy, la posesión de una importante colección de arte puede verse como un signo de riqueza y estatus social.

A veces los artistas intentan crear algo que no se puede adquirir como valor material. En las décadas de 1960 y 1970, uno de los principales artistas alemanes de la posguerra , Joseph Beuys , dijo que "es necesario presentar algo más que un objeto" [68] . Como resultado, nacieron movimientos artísticos como la performance , el videoarte y el arte conceptual . La idea era que si una obra de arte es solo una actuación, después de la cual no queda nada más que una idea, entonces no se puede comprar ni vender. “Los preceptos democráticos en torno a la idea de que una obra de arte es una mercancía impulsaron innovaciones estéticas que proliferaron a mediados de la década de 1960 y produjeron una rica cosecha en la década de 1970. Los artistas en masa se levantaron bajo la bandera del arte conceptual, reemplazando la materia y las preocupaciones materialistas sobre la forma pictórica o escultórica con la actuación y otras acciones de acción , tratando de socavar la noción de una obra de arte como objeto” [69] .

Las últimas décadas han demostrado que las nuevas tendencias no han sido capaces de poner freno a la comercialización del arte: DVDs con videos de performances accionista [70] , invitaciones a performances exclusivas , así como objetos dejados por conceptualistas en sus exposiciones, ingresaban al mercado. Muchas representaciones eran acción, cuyo significado sólo es claro para los intelectuales educados, una élite de un tipo diferente. La comprensión del arte se ha convertido en el nuevo símbolo de elitismo en lugar de la propiedad de las propias obras, y dado que el conocimiento de la historia y la teoría del arte requiere un alto nivel de educación, el arte sigue siendo un signo de pertenencia a la clase alta. “Con la difusión de la tecnología DVD en la década de 2000, los artistas y las galerías que se benefician de las ventas y exhibiciones de obras de arte han tomado el control del mercado de imágenes de video y computadora, que están disponibles para los coleccionistas en cantidades limitadas” [71] .

Discusiones de clasificación

La historia del arte conoce muchas discusiones sobre el significado de una obra en particular. Durante el siglo pasado, esta pregunta se ha relacionado directamente con la comprensión del significado del término arte en sí.

Los antiguos filósofos griegos debatieron si la ética era "el arte de una vida virtuosa". En el siglo XX, las discusiones sobre la pertenencia al arte a menudo surgieron en torno a la obra de los cubistas e impresionistas , la Fuente de Marcel Duchamp , el cine , las imágenes ampliadas de los billetes, la propaganda e incluso un crucifijo sumergido en orina. En el marco del arte conceptual , muchas veces se crean deliberadamente obras que se encuentran al borde de lo que se entiende por arte. Los nuevos medios, como los videojuegos, son gradualmente incluidos por artistas y críticos en la categoría de arte [72] , aunque estos cambios en la clasificación no son reconocidos en todas partes ni por todos [73] .

El filósofo David Novitz creía que los desacuerdos sobre la definición de arte generalmente no tienen sentido. Más bien, "las opiniones e intereses partidistas de las personas en su vida pública forman una parte significativa de todas las discusiones sobre la clasificación del arte" (Novitz, 1996). Según Novitz, suelen ser discusiones sobre nuestros valores y la forma en que se desarrolla la sociedad, no sobre teorías. Por ejemplo, cuando el Daily Mail critica la obra de Hirst y Emin : “Durante mil años, el arte ha sido uno de los motores de la civilización. Hoy, ovejas en escabeche y un lecho de sal nos pueden convertir a todos en bárbaros”, esto no proporciona una definición o teoría del arte, sino que solo cuestiona el valor artístico de una obra en particular [74] . En 1998, Arthur Danto propuso un experimento mental que mostraba que “el estatus de un artefacto como obra de arte depende más de las opiniones de la sociedad sobre el arte que de sus propias características físicas o sensoriales. La interpretación dentro de una cultura dada (en cierto modo, la teoría del arte), por lo tanto, determina la pertenencia de un objeto al arte” [75] [76] .

Arte y ciencia

El arte y sus aspectos individuales son objeto de investigación científica . La ciencia que estudia el arte en general y los fenómenos relacionados es la historia del arte . La rama de la filosofía que se ocupa del estudio del arte es la estética . Los fenómenos relacionados con el arte también se tratan en otras ciencias sociales y humanidades , como los estudios culturales , la sociología , la psicología , la poética y la semiótica .

Por primera vez, Aristóteles (384-322 a. C.) recurrió al estudio sistemático del arte en su obra Poética . Curiosamente, en otros escritos, Aristóteles también inició la sistematización del conocimiento científico y el método científico .

La semiótica juega hoy un papel especial en el estudio del arte . Esta ciencia, que apareció a finales del siglo XIX , considera una amplia gama de problemas desde el punto de vista de la comunicación y los sistemas de signos . Yuri Lotman (1922-1993), destacado culturólogo y semiótico soviético, en sus obras propuso un enfoque semiótico de la cultura y describió un modelo de comunicación para el estudio de un texto literario . Con este enfoque, el arte es considerado como un lenguaje, es decir, un sistema de comunicación que utiliza signos ordenados de manera especial [77] .

Existe la hipótesis de que el arte surgió antes que la ciencia y la absorbió durante mucho tiempo. Tanto el arte como la ciencia son sistemas de signos [78] del conocimiento que el hombre tiene de la naturaleza y de sí mismo, y para ello se valen de la experimentación , el análisis y la síntesis .

Diferencias entre arte y ciencia:

  • la ciencia y la tecnología tienen mayor influencia sobre las cosas, y el arte sobre la psicología ;
  • la ciencia alcanza la objetividad , mientras los autores de las obras de arte se invierten en ellas, sus sentimientos;
  • el método científico es estrictamente racional , mientras que en el arte siempre hay lugar para la intuición y la incoherencia;
  • cada obra de arte es única y completa, cada obra científica es sólo un eslabón en la cadena de predecesores y seguidores;

Debe tenerse en cuenta que estas diferencias son verdaderas solo con un examen superficial de su esencia. Cada elemento es un tema separado para la discusión.

Arte y religión

Es imposible separar el nacimiento del arte del nacimiento de la religión [79] . Desde el punto de vista de una religión establecida, el arte es solo una forma simbólica de transmitir las verdades superiores predicadas por una religión dada. Durante mucho tiempo, desde el apogeo del cristianismo hasta el período del Renacimiento en el mundo europeo, el arte fue encargado principalmente por la Iglesia .

Véase también

Notas

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Literatura

Enlaces

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