Moderno

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estilo Art Nouveau
De izquierda a derecha, de arriba a abajo: estación de metro de París "Abbes" , Hector Guimard , ( 1900 ); Litografía, Alphonse Mucha , ( 1898 ); Lámpara, Louis Comfort Tiffany , ( 1900-1910 ) ; Mueble de pared, Louis Majorelle ; Escalera en la Mansión de la Borla , Victor Horta , ( 1893 ). Incluido en la lista de sitios del Patrimonio Mundial de la UNESCO .
Concepto rechazo de la simetría; estilización de formas naturales, adornos florales, uso de motivos populares, obra de los simbolistas , prerrafaelitas , impresionistas
fecha de fundación 1880
Fecha de descomposición 1914
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Modern ( fr.  moderne  - nuevo, moderno) es un movimiento artístico internacional de finales del siglo XIX y XX, cuyo objetivo era desarrollar un nuevo lenguaje artístico del arte y, a través de esto, la creación de un nuevo estilo artístico [1] . En la literatura inglesa y francesa, el término "art nouveau" ( fr.  art nouveau ), que significa "nuevo arte", se adjuntó al fenómeno . En diferentes países, el Art Nouveau ha recibido otros nombres.

La visión del Art Nouveau como un único estilo artístico establecido se considera un tanto anticuada, por analogía con la clasificación de los estilos artísticos aceptados en la ciencia académica: gótico , barroco , clasicismo , etc. También se considera obsoleta la definición de modernidad como un "puente" entre el historicismo y el modernismo , un concepto anterior extremadamente popular, expresado por Nicolus Pevsner en la década de 1970 [2] .

El Art Nouveau fue un fenómeno complejo que abarcó una gran variedad de corrientes y escuelas artísticas, unidas por la idea antiecléctica de superación del arte de la época anterior. Las principales características artísticas del Art Nouveau son la ornamentación y la decoración.

Historia del término y sus interpretaciones

Art Nouveau recibió un notable éxito internacional ya a fines de la década de 1890, pero no tenía un nombre único: diferentes países desarrollaron sus propios términos para referirse al fenómeno. El principal problema al elegir el nombre fue el hecho de que los contemporáneos no tenían idea del lugar de origen del estilo. Los británicos, que no entendieron su propia contribución importante al desarrollo del estilo, lo llamaron el término francés "art nouveau" ( fr.  art nouveau  - "nuevo arte"). Se cree que el lexema fue tomado del nombre de la galería parisina "Casa del Arte Nuevo" ( fr.  Maison L'Art Nouveau ), inaugurada el 26 de diciembre de 1895 por el empresario franco-alemán Siegfried Bing [3] .

En Francia, el estilo fue originalmente designado por una variedad de nombres: a veces se le llamó el término inglés "modern style" ( estilo moderno inglés  ) [K 1] ; en el arte gráfico se lo denominó en broma como "estilo de fideos" ( estilo francés nouille ); a veces, con un término más sencillo "estilo de pabellones de entrada en el metro" ( estilo francés de bouche de métro ). El arquitecto Hector Guimard , quien diseñó los pabellones del Metro de París, creía que el fenómeno debería llevar su nombre: "estilo Guimard" ( estilo francés Guimard ). El escritor Edmond de Goncourt , que desconfiaba de las líneas aerodinámicas de la modernidad, acuñó el término peyorativo "estilo náutico" para designarlo . Como resultado, el término “art nouveau” ( fr. art nouveau ) fue asignado al fenómeno en Francia [5] .     

En Alemania, el estilo se llamó originalmente "Belgishe" y "Veldeshe" en honor al belga Henri Van de Velde , quien se mudó a Alemania en 1897 y se convirtió en el líder del Art Nouveau en ese país. A veces, Art Nouveau fue designado por el término "Studio-Stil" según una de las publicaciones en inglés que describía el trabajo del movimiento Arts and Crafts. A veces, el estilo se llamaba de manera más fantasiosa: "estilo garabato" ( alemán  schnürkelstil ) o "estilo tenia" ( alemán  bandwurmtil ). Sin embargo, el término "Jugendstil" ( alemán  jugendstil ) - "estilo joven", por el nombre de la revista ilustrada Jugend fundada en 1896 , fue el más utilizado y fijado en los diccionarios alemanes [5] .

En Austria, el estilo se llamó " Secession " ( en alemán:  Secessionstil ), por el nombre de la organización de exposiciones " Secession vienesa ". A los artistas escoceses se les ocurrió un fuerte nombre propio " Escuela de Glasgow " ( ing.  Escuela de Glasgow ). En España se ha afianzado el término "Modernismo" ( Modernismo español  ). En Italia, el Art Nouveau se denominó originalmente "estilo floral" ( estilo italiano floreale ), pero más tarde se le asignó el término "estilo Liberty" ( estilo italiano liberty ), por el nombre de una tienda de Londres y textiles, principalmente en el Oriente. estilo, que se vendían en esta tienda. En Bélgica, el Art Nouveau se denominó "estilo anguila" ( holandés. paling stil ) o " estilo Society XX " ( holandés. Le Style des Vinght ) o "estética libre" ( holandés. La Libre Esthétique ). Los dos últimos términos se utilizaron para identificar el Art Nouveau con las asociaciones de artistas del mismo nombre, que llevaron a Bruselas a la vanguardia del nuevo movimiento artístico [3] .      

La crítica de arte rusa de la década de 1900 usó el término "nuevo estilo" en relación con el simbolismo y la modernidad , y el crítico de arte Vladimir Stasov , hablando negativamente de ambos, los unió bajo el nombre común de "decadencia" [6] . En la literatura artística rusa, el término "moderno" apareció en la década de 1920, en las obras de Eduard Stark ("Teatro antiguo", 1922) y Alexei Fedorov-Davydov ("Arte ruso del capitalismo industrial", 1929) [7] .

A veces, el término "romanticismo nacional" se usa como una designación para la rama romántica nacional de la modernidad , que se entiende más a menudo como el estilo arquitectónico de Finlandia y los países escandinavos de finales del siglo XIX y principios del XX, pero que también se usa en un sentido más amplio, denotando todas las corrientes estilísticas nacionales del período historicismo de finales del siglo XIX y la modernidad [8] . Por ejemplo, en Suecia, el término “romanticismo nacional” se refiere a las artes y oficios de las décadas de 1870 y 1920, mientras que, siguiendo el modelo alemán, el período de 1895 a 1905, cuando la cultura artística del país gravitó más hacia la modernidad de Europa occidental, se denomina “art nouveau” [9 ] . La aparición de un término puramente ruso "moderno del norte" [K 2] se asoció con el término "romanticismo nacional" . Apareció por primera vez en la tesis de Vladimir Lisovsky en 1966; Andrey Punin sugirió a Lisovsky que usara el término . Bajo "moderno del norte" se entendía la rama nacional-romántica de la modernidad en Escandinavia y Finlandia, así como su rama regional en San Petersburgo [10] .

Conceptos teóricos del Art Nouveau

La cuestión del sujeto del concepto de "moderno" es controvertida. historiador de arte estadounidense Martin Eidelberg

El problema de definir con precisión el Art Nouveau ha sido un debate de larga data. ¿Es el Art Nouveau un estilo distinto o representa una tendencia general hacia la renovación del arte a principios de siglo? Esta controversia se remonta a la época de Bing. Bing creía que el término "Art Nouveau" significaba solo la búsqueda de un nuevo estilo. Sin embargo, la historia de su galería muestra que aunque inicialmente no había un concepto claro [del nuevo estilo] cuando comenzó en 1895, para 1900 la situación ya había cambiado y Byng se decidió por un diseño extremadamente coherente, cuyos elementos principales eran tomado de la expresión del estilo abstracto y lineal de Van de Velde. De hecho, los críticos mencionan invariablemente el estilo de latigazo cuando intentan definir el "alto art nouveau" y solo entonces, como si no se ofendieran, mencionan otras formas de arte. Como resultado, la cuestión de la definición exacta sigue siendo confusa. La estética de Guimard y Galle puede describirse con un término solo si este término denota un período cronológico en lugar de un solo estilo. Sin embargo, si decidimos que el término Art Nouveau debe designar solo un período cronológico, queda otro problema sin resolver: cómo nombrar y comprender aquellos estilos que surgieron durante este período.

— Martín Eidelberg, 1989 [11]

Los problemas identificados por Eidelberg pueden ilustrarse tratando de definir la modernidad a través de los ensayos teóricos de Henri van de Velde: las opiniones del artista sobre el arte moderno ayudan a comprender el concepto "geométrico" de estilo en los países de habla alemana, pero si este concepto es seguida estrictamente, Gaudí queda fuera del círculo de los artistas modernos. En este sentido, el historiador del arte noruego Stefan Tschudi-Madsen fue uno de los primeros, en 1967, en señalar que el Art Nouveau era en realidad toda una gama de estilos que diferían en su originalidad en diferentes partes de Europa, pero que eran los mismos en sus principios básicos. [12] .

En la historiografía rusa se han desarrollado varias interpretaciones y conceptos teóricos del "arte moderno". El primero, académico y más común, reivindica el término "moderno" como el nombre de un determinado estilo artístico que se ha generalizado en un período cronológico determinado. Tal enfoque fue propuesto, en particular, por D.V. Sarabyanov en el libro "Modern Style" (1989), sin dar un argumento teórico convincente. La dificultad radica en que durante este breve pero intenso período de vida artística coexistieron diversas corrientes estilísticas, escuelas de arte y asociaciones creativas. En términos de contenido y formas, diferían significativamente entre sí, lo que contradice la definición general de estilo en el arte.

Un concepto diferente fue defendido por G. Yu. Sternin , basado en el hecho de que el contenido principal de la cultura del período moderno era “el deseo de sintetizar varias fuentes, a menudo métodos y estilos en conflicto, formas y técnicas diversas” [13 ] . G. Yu. Sternin llegó a la conclusión lógica de que “el arte moderno no puede entenderse describiendo solo sus características generales y estilísticas… A pesar de cierto lenguaje plástico… no es solo un estilo de arte, sino, sobre todo, un estilo de vida”. "Moderno" como término científico "es más apropiado para clasificar no con categorías puramente estilísticas, sino con un concepto histórico y cultural como Biedermeier ... Podemos decir que Biedermeier y Art Nouveau son el principio y el final de toda una fase histórica. del romanticismo" [14] .

Los investigadores de arquitectura V. S. Goryunov y M. P. Toubli abordaron este problema de manera aún más radical : “El arte, que hace relativamente poco tiempo se llamó decadente, se está volviendo cada vez más claro el significado de una etapa que completa el grandioso ciclo de desarrollo de la cultura europea, que comenzó allá en la antigüedad. No cabe duda de que el intento realizado en el cambio de siglo por generalizar la experiencia estética de la humanidad, por sintetizar las tradiciones artísticas de Occidente y Oriente, la antigüedad y la Edad Media, el clasicismo y el romanticismo estuvo acompañado y, en cierta medida, medida, fue generada por los fenómenos de decadencia, la crisis del sistema de valores científicos, estéticos y éticos” [15] . Estas palabras reflejan el entusiasmo y el estado de ánimo idealista de esa época. A muchos les parecía que se estaba creando un arte completamente nuevo ante sus ojos, de ahí el término "moderno". “Somos la cresta de una ola creciente”, escribió V. Ya. Bryusov, el iniciador del simbolismo en la poesía rusa de la “Edad de Plata” [16] .

Ideas estéticas y artísticas del Art Nouveau

La principal idea artística que dominó este período fue una orientación antiecléctica, el deseo de superar el caos del eclecticismo en el arte de la época anterior, la búsqueda de la armonía entre el arte y la vida en la era industrial. Los maestros del Art Nouveau se esforzaron por combinar las funciones artísticas y utilitarias de las obras creadas, para involucrar todas las esferas de la actividad humana en la esfera de la belleza, para realizar las ideas de "transformar la vida a través del arte". En esto siguieron las tradiciones del romanticismo y el simbolismo . Las características del período Art Nouveau fueron el florecimiento de las artes y oficios y el creciente interés por las nuevas tecnologías. El simbolismo fue una de las corrientes en el arte de la época moderna y, en gran medida, su base ideológica, aunque no la única. El nombre “Edad de Plata” o la expresión francesa “belle époque” (“época hermosa”), que se adjuntó a este período de la cultura rusa, también es indicativo.

Durante el período moderno, hubo un replanteamiento rápido y radical de lo antiguo y el descubrimiento de nuevas formas y técnicas artísticas, convergencia y fusión de varios tipos y géneros de arte. Los artistas del Art Nouveau, luchando por una "gran síntesis" y un "gran estilo", rompieron audazmente las normas y los límites habituales. La expresión alemana "Jahrhundertwende" ("fin de siglo") a este respecto, como señaló A. A. Rusakova , define mejor el contenido del período que el francés "fin de siècle" ("fin de siglo"), que se usa más comúnmente. [17] .

El deseo de integridad es el objetivo principal del arte del período Art Nouveau. Al mismo tiempo, la diversidad de formas artísticas y la complejidad de la era de transición, su corta duración no permitió que el principio de integridad se realizara plenamente en todas las obras. La imagen del desarrollo del arte en ese momento se complica por el hecho de que durante el período moderno hubo obras no solo en el "estilo moderno". En arquitectura, se siguieron creando composiciones con espíritu historicista y estilizaciones en línea con el movimiento nacional-romántico [18] .


Prehistoria de la modernidad

La formación de una nueva estética estuvo influenciada por las ideas de la etapa anterior en el desarrollo del arte europeo occidental: William Morris y el movimiento Arts and Crafts , así como por el concepto de " unidad de las artes " ( en alemán:  Gesamtkunstwerk ), que implica no una síntesis de diferentes tipos de arte, sino una interacción orgánica y holística en una composición de elementos de arquitectura, luz, color y música [19] .

Los principios básicos del "nuevo arte" (Art Nouveau) fueron implementados con éxito por el artista y teórico Henri Van de Velde en el llamado "estilo floral" (basado en la estilización de formas vegetales y líneas curvas) y en el " concepto simbólico de la creatividad" desarrollado por él. El estilo art nouveau fue seguido por Henri Obrist, Hector Guimard , quien se hizo famoso por las rejas de las entradas elevadas del metro de París, Victor Horta , Louis Majorelle , Victor-Emile Prouvé .

Otra "tendencia geométrica" ​​se formó en Austria, en la llamada escuela moderna vienesa de Otto Wagner , sus alumnos y seguidores: Josef Hoffmann , Josef Olbrich , Jan Kotera y otros, así como Adolf Loos , quien propuso la famosa lema "Forma sin ornamento". Los participantes de los Talleres de Viena (Wiener Werkstätte) hicieron una contribución significativa a la formación de una nueva estética.

Un lugar aparte lo ocupa la Escuela Francesa de Nancy : las obras del célebre Emile Galle y los hermanos Dom , así como la obra de Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow dirigida por él .

En los países del norte: Suecia, Finlandia, las tierras bálticas de Estonia, Letonia, el norte de Alemania, se ha desarrollado el llamado moderno del norte , atribuido por los expertos al movimiento romántico nacional, ya que en este arte se combinan innovaciones constructivas con nacionales y populares. temas y motivos [20] [21 ] .

Una tendencia estilística similar se desarrolló en el mismo período en la arquitectura de San Petersburgo , pero los expertos no lo atribuyen al romanticismo nacional, ya que fue alimentado por fuentes externas, y el "estilo neo-ruso" tomó el lugar del romántico nacional. movimiento [22] [23] .

Las corrientes nacional-románticas en el arte moderno de diferentes países se alimentaron de fuentes folklóricas, incluyendo el folklore literario. De ahí el nombre de "estilo vernáculo" ( lat.  vernaculus  - nativo). El arte oriental, principalmente japonés , ejerció una influencia notable en la formación de la cultura del modernismo europeo, que estuvo disponible en Occidente con el comienzo de la era Meiji  : grabados en madera en color, descubiertos por los impresionistas y luego por W. Van Gogh. , el llamado japonismo , así como pinturas de porcelana china y tejidos de seda . Bajo la influencia del arte oriental, tomó forma la obra del artista original James Whistler .

El arte oriental fue comercializado en París por uno de los iniciadores del nuevo movimiento artístico, Siegfried Bing , quien abrió la tienda China Gate (La Porte Chinoise), en la que comenzó a vender obras de arte de China y Japón. En diciembre de 1895, Bing creó su famosa galería "House of New Art" (Maison de l'Art Nouveau) en París, en la que mostró no solo productos de los países del Este, sino también obras de jóvenes artistas franceses en el " nuevo estilo". El nombre de la tienda se adjuntó al estilo del nuevo arte francés: "Art Nouveau" [24] . La galería exhibió cerámica y cristalería, muebles, telas del taller de William Morris , joyería de la directora de la Escuela de Nancy Emile Galle , así como Louis Comfort Tiffany , Henri Van de Velde Eugène Grasse , Edvard Colonna, René Lalique , artistas del grupo Nabis Pierre Bonnard , Jean-Edouard Vuillard , Henri de Toulouse-Lautrec , el noruego Edvard Munch , el artista inglés Frank Brengvin . Auguste Rodin y Constantin Meunier exhibieron su trabajo en la galería . Los folletos publicitarios afirmaban que la "Casa del Arte Nuevo" fue diseñada para superar el eclecticismo y el mal gusto en los hogares de los parisinos e inculcar la verdadera belleza en la vida cotidiana. La transformación de la vida por medio del arte es la idea principal de la cultura moderna.

En Inglaterra, y luego en Francia e Italia, la misma tienda fue abierta por Arthur Lasenby Liberty , de cuyo apellido proviene uno de los nombres del art nouveau de Europa occidental: "liberty style".

Las principales etapas en el desarrollo del arte moderno

Convencionalmente, hay tres etapas principales en el desarrollo del arte moderno:

En la primera etapa del desarrollo del arte del "nuevo estilo", según el lema propuesto por A. Van de Velde: "Regreso a la naturaleza", los artistas buscaron liberarse de los excesos de decoración inherentes a la eclecticismo del “ estilo victoriano ”, segundo imperio , neobarroco y “ neorrenacentista ”. En la segunda etapa, los arquitectos modernistas pasaron a un diseño holístico del edificio "desde adentro hacia afuera" (anteriormente, el método opuesto de diseño separado de la fachada dominado por la adición de elementos de diferentes estilos según el principio del "pastel de capas"). . Al mismo tiempo, se recuperó la vieja tradición, cuando el arquitecto dibujó todo “hasta el último clavo”: desde el boceto general del edificio hasta los dibujos de manijas de puertas, marcos de ventanas, lámparas y chimeneas. Además, cualquier rizo u otro elemento pequeño podría ser elegido como motivo formativo principal. Así, por ejemplo, el patrón de una rejilla de ventilación podría convertirse en un motivo-símbolo dominante, repitiéndose como un eco en otras formas y en la composición del conjunto. Esto le dio algo de misticismo, misterio y salvó al "estilo moderno" de una racionalidad excesiva. Por lo tanto, incluso una composición decorativa abstracta que representa un tallo de ciclamen curvo en bucle en un tapiz de Henri Obrist (1895), una línea llamada por los críticos "golpe de flagelo", no parece relajada, sino llena de tensión constructiva. En las obras de Hector-Germain Guimard -el diseño de las entradas al metro de París (1898-1904)- es característico el comienzo "organogénico", convirtiendo estructuras metálicas en tallos intrincadamente curvos y flores de plantas invisibles. Las formas florales biosimilares de las barandillas del metro de París, creadas por Guimard, correspondían a los gustos del nuevo estilo hasta tal punto que el arte Art Nouveau en París se denominó en un momento el "estilo metro" o "estilo Guimard". ”. En 1892-1899, el arquitecto belga Victor Horta construyó varios edificios en Bruselas que se han hecho famosos en la historia de la arquitectura: las mansiones Solvay, Tassel, Van Evelde, "Old England" y su propia casa (Atelier Horta). Los elementos de la estructura del edificio en los edificios de Horta se fusionan con líneas de decoración intrincadamente curvas: la estructura se transforma suavemente en forma y la forma en decoración en superficies planas o curvas.

El "nuevo estilo" se desarrolló tan intensamente que en el trabajo relativamente tardío de Victor Horta, "La casa del pueblo" en Bruselas (1896-1899), los elementos del constructivismo se vuelven más notables. El arquitecto definió su credo de la siguiente manera: “Quiero expresar el plan y la construcción del edificio en la fachada como se hizo en gótico y, como el gótico, revelar el material y mostrar la naturaleza en una decoración estilizada” [ 26] .

En la etapa final del desarrollo de la cultura moderna en arquitectura, el neoclasicismo , una corriente neoclásica, el llamado "clasicismo moderno", el racionalismo , sobre cuya base surgieron el funcionalismo y el constructivismo, así como una corriente simbólica, representada por el obra de Erich Mendelssohn , sus seguidores, y Antonio Sant'Elia , precursor del futurismo .

El desarrollo del Art Nouveau en varios países

En varios países europeos, tanto maestros individuales como asociaciones de artistas trabajaron dentro de los límites de la estética moderna: la Sociedad de Exhibición de Artes y Oficios ( 1888 ) en Gran Bretaña, el Mundo del Arte ( 1890 ) en Rusia [27] , la Dresde y Munich "Talleres artísticos-artesanales unidos" ( 1897 ), " Escuela de Nancy " ( 1901 ) en Francia, " Talleres vieneses " ( 1903 ) en Austria, " Talleres alemanes " ( 1907 ) en Alemania.

Desarrollo del Art Nouveau en Gran Bretaña

La cultura Art Nouveau se formó temprano en Gran Bretaña, en las ideas del movimiento Arts and Crafts , creado en la década de 1860 y alcanzó reconocimiento internacional en la década de 1880 . El movimiento pedía un renacimiento de las artes y oficios, inspirándose en la artesanía medieval y la naturaleza. [28]

La obra de McMurdo, la famosa silla de caoba y la portada del libro "City Churches of Rennes", creado en 1881 y 1883, se encuentran entre las primeras obras del "nuevo estilo inglés" [29]

Otro innovador importante en el Reino Unido fue Aubrey Beardsley, cuyos dibujos y obras gráficas contenían las líneas curvas que se convirtieron en la característica más reconocible del estilo.

El trabajo de los artistas gráficos británicos Walter Crane y Charles Ashby también fue importante en el desarrollo del estilo. [treinta]

Los grandes almacenes Liberty de Londres jugaron un papel importante en el desarrollo de las artes y la artesanía, gracias a los objetos creados específicamente para la venta en la tienda por el artista Archibald Knox para diversos propósitos: textiles con coloridos estampados florales estilizados, plata, peltre y joyería, en el que las formas y los materiales utilizados están completamente "rompiendo" con las tradiciones históricas del diseño de joyas.

Para la arquitectura Art Nouveau y el diseño de muebles, el centro de desarrollo más importante en Gran Bretaña fue Glasgow, dirigido por Charles Rennie Mackintosh y la Escuela de Glasgow que creó , cuyo trabajo estuvo influenciado por el estilo de los barones escoceses , el arte japonés y la Secesión de Viena . [31] McIntosh exhibió sus diseños en exposiciones internacionales en Londres, Viena y Turín. Sus creaciones arquitectónicas incluyeron el edificio Glasgow Herald (  1894 ) y la biblioteca de la Escuela de Arte de Glasgow (1897). También se estableció como diseñador y decorador de muebles, trabajando en estrecha colaboración con su esposa, Margaret Macdonald Mackintosh . Juntos crearon diseños vibrantes que combinaban líneas rectas geométricas con adornos florales suavemente curvados.

Leon-Victor Solon hizo una importante contribución al desarrollo de la cerámica en el Art Nouveau. Se especializó en placas y jarrones tubulares, además de desarrollar diseños textiles. [32]

Desarrollo del Art Nouveau en Bélgica

Bélgica fue uno de los primeros centros de desarrollo del Art Nouveau, en gran parte gracias al arquitecto Victor Horta, quien diseñó una de las primeras casas Art Nouveau, la mansión Tassel, que es uno de los hitos más famosos del estilo [33] [34] , así como otras tres mansiones de nuevo estilo. Todos ellos son ahora sitios del Patrimonio Mundial de la ONU. Horta tuvo una fuerte influencia en la obra del joven Héctor Guimard, quien vino a ver la mansión en construcción y luego afirmó que Horta era el "inventor" del Art Nouveau. En el diseño de fachadas e interiores, Horta utilizó abundante vidrio para ampliar el espacio abierto e iluminar las estancias con luz, y hierro para decorar columnas y barandillas con formas vegetales curvas. Orta también diseñó diseños de muebles y alfombras.

Paul Ankar fue otro pionero del Art Nouveau de Bruselas. Su propia casa , construida en 1903, el mismo año que la mansión de Tassel, tenía un fresco esgrafiado en la fachada . El trabajo de Ankara estuvo fuertemente influenciado por las ideas de Viollet-le-Duc y el movimiento inglés de "artes y oficios". Su concepto era combinar artes y oficios y bellas artes en un todo. Encargó al escultor Alfred Crick y al pintor Adolf Crespin que decoraran las fachadas de las casas con su obra. El ejemplo más notable fue la casa y el estudio construidos para el pintor Albert Ciamberlani en Bruselas, para quien creó una colorida fachada cubierta de esgrafiados con figuras pintadas y ornamentación, recreando la arquitectura decorativa de la Italia del siglo XV . El trabajo de Ankara ganó reconocimiento después de su muerte en 1901. [35]

Otro destacado arquitecto bruselense fue Gustave Stroven , antes de iniciar su propio estudio a los 21 años fue ayudante de Horta.Su obra más famosa es la Maison Saint-Cyr de Bruselas. Con un ancho de solo cuatro metros, está completamente decorado de arriba a abajo con un ornamento curvo, en estilo Art Nouveau-Barroco.

Otros maestros notables del Art Nouveau belga fueron los arquitectos Henry van de Velde, el decorador Gustave Serruzier-Bovy y el artista gráfico Fernand Khnopff . [36] [37] .

El desarrollo del Art Nouveau en Francia

Después de la exposición mundial de 1900, París se convirtió en la "capital" del Art Nouveau. Los edificios más extravagantes fueron diseñados por el arquitecto Jules Lavirot , cuyas fachadas estaban completamente cubiertas de decoración escultórica de cerámica. El ejemplo más notable de su obra es la Casa Lavirotti . Los edificios de oficinas y los grandes almacenes presentaban puertas altas cubiertas de vidrieras y molduras de cerámica. El estilo fue especialmente popular en el diseño de interiores de restaurantes y cafés.

El estatus de París atrajo a artistas extranjeros a la ciudad. El artista nacido en Suiza Eugène Grasse fue uno de los primeros creadores de carteles del Art Nouveau francés. Participó en el diseño de interiores del cabaret "Black Cat" ( fr.  Le Chat Noir ) en 1885, también realizó carteles para la Exposición de París y un cartel para Sarah Bernhardt . En 1896, Theophile-Alexandre Steinlen creó el famoso cartel del cabaret Black Cat. El artista checo Alphonse Mucha llegó a París en 1888 y en 1895 pintó un cartel para la obra Gismonda de Victor Sardou en el Renaissance Théâtre .  El éxito de este cartel dio lugar a un contrato para producir carteles para seis obras más de Sarah Bernhardt.

La ciudad de Nancy en Lorena se convirtió en la segunda capital del Art Nouveau en Francia. En 1901, se fundó una alianza provincial de la industria del arte, también conocida como la " Escuela de Nancy ", que se dedicó a romper la jerarquía: la pintura y la escultura debían colocarse por encima de las artes y oficios. Los principales representantes de la escuela fueron: Emile Galle , Louis Majorelle , Henri Sauvage y otros.

El estilo francés se difundió ampliamente a través de revistas, incluidas Studio, Art and Ideas ( en francés:  Arts et Id'es ) y Art and Decoration ( en francés:  Art et D'coration ), cuyas fotografías y litografías en color hicieron famoso el estilo en todo el mundo. el mundo.

En Francia, el estilo alcanzó su apogeo en 1900 y luego rápidamente pasó de moda, prácticamente desapareciendo de Francia en 1905. Art Nouveau era un estilo lujoso que requería artesanos muy bien pagados para fabricar, y los artículos hechos en este estilo no podían ser tan fáciles y baratos de hacer como los artículos producidos en masa. Uno de los pocos artículos Art Nouveau que se produjeron en masa en ese momento fueron los frascos de perfume de René Lalique, que se han producido en masa hasta el día de hoy con estilo.

Desarrollo del Art Nouveau en Alemania

El Art Nouveau en Alemania se originó entre varias asociaciones de artistas, arquitectos y artesanos de vanguardia, como la colonia de artistas de Darmstadt , la Secesión de Múnich , la Secesión de Berlín , la Werkbund y otras. Los centros de desarrollo del estilo en Alemania fueron las ciudades: Múnich , Darmstadt , Karlsruhe , Nuremberg , Leipzig , Berlín , Hagen , etc.

El Art Nouveau alemán se conoce como Jugendstil ( alemán:  Jugendstil  - "Estilo joven"). El nombre proviene del nombre de la revista de arte Jugend, que se publicaba en Munich . La publicación fue fundada en 1896 por Georg Hirt , quien permaneció como editor de la revista hasta su muerte en 1916 . La publicación se publicó hasta 1940 . A principios del siglo XX, la revista estaba enteramente dedicada al arte. [38] Más tarde, el término Jugendstil fue tomado prestado por otros países del Báltico y del norte de Europa para nombrar el estilo en estos países. [39]

En 1892, Georg Hirt eligió el nombre de Munich Secession para la asociación de artistas de Munich. La Secesión de Viena y la Secesión de Berlín tomaron prestados sus nombres del nombre del grupo de Munich. Participantes importantes en el desarrollo de la modernidad en Alemania fueron: las revistas "Jugend" y " Simplicissimus " ( alemán:  Simplicissimus ), publicadas en Munich, así como la revista " Pan " ( alemán:  Pan ), publicada en Berlín.

Otto Eckmann fue uno de los artistas alemanes más famosos asociados con las revistas Jugend y Pan. Al igual que sus predecesores en Gran Bretaña, estaba interesado en el arte japonés, pero estaba particularmente interesado en la representación plana de motivos naturales. Su animal favorito, el cisne, se ha convertido en uno de los leitmotiv del Art Nouveau.

Jugendstil combinó curvas sinuosas con líneas geométricas que se utilizaron para diseñar portadas de libros, anuncios y carteles de exposiciones. Los diseñadores a menudo creaban estilos tipográficos originales que combinaban armoniosamente con las imágenes, como el tipo de letra de 1904 de Arnold Böcklin .

En 1899, la colonia de artistas de Darmstadt fue fundada por Ernest Ludwig , quien construyó la casa del Gran Duque, así como el edificio más grande de la colonia, la Torre de la Boda. Los miembros famosos de la colonia fueron Joseph Maria Olbrich  , uno de los fundadores de la Secesión de Viena, Peter Behrens y Hans Christiansen .

Otro sindicato notable en Alemania fue el " Deutsche Werkbund " ( alemán:  Deutscher Werkbund ), fundado en 1907 en Munich por iniciativa de Hermann Muthesius . De 1896 a 1903, Muthesius trabajó en Inglaterra, donde estudió la arquitectura de una casa tradicional inglesa, y estuvo cerca de las ideas del movimiento Arts and Crafts. Bajo la influencia de los logros del nuevo arte inglés, la arquitectura racionalista y las obras de la Escuela de Glasgow de Charles Macintosh, Muthesius tuvo la idea de una nueva unión. Los fundadores del Werkbund fueron: Peter Behrens  -uno de los fundadores del diseño industrial, Theodor Fischer , Joseph Hoffmann , Wilhelm Kreis , Max Lauger , Adelbert Niemeyer , Joseph Maria Olbrich , Bruno Paul , Richard Riemerschmid , Jacob Julius Scharvogel , Paul Schulze- Naumburg , Fritz Schumacher .

Desarrollo del Art Nouveau en Austria-Hungría

Austria

Véase también Secesión de Viena

Viena se convirtió en el centro de una variante separada del Art Nouveau que se conoce como la " Secesión vienesa ". El movimiento tomó su nombre del nombre de la Secesión de Munich, creada en 1892 . La Secesión de Viena fue fundada en abril de 1897 por un grupo de artistas que incluía a Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , Ernst Störi y otros.40 Gustav Klimt se convirtió en el líder del movimiento. El nuevo movimiento se opuso a la orientación historicista conservadora de la Künstlerhaus de Viena , el  sindicato oficial de artistas. La Secesión fundó una revista, " La Primavera Sagrada " ( Latín  Ver Sacrum ), para promover su obra. [41] Joseph Maria Olbrich diseñó el edificio abovedado de la " Secesión " en el nuevo estilo, que se convirtió en un escaparate para el trabajo de Gustav Klimt y otros artistas del movimiento.

Klimt fue el más famoso de los artistas involucrados en el movimiento. En sus obras se borra la frontera entre la pintura fina y la decorativa. Otro miembro importante del movimiento fue Koloman Moser. Fue un maestro extremadamente versátil del Art Nouveau: su trabajo incluía ilustraciones de revistas, diseños de edificios arquitectónicos, platería, cerámica, porcelana, textiles, vidrieras y muebles.

El arquitecto más famoso de la Secesión de Viena fue Otto Wagner [42], quien se unió al movimiento poco después de su inicio para seguir a sus alumnos Hoffmann y Olbrich. Sus principales proyectos incluyeron varias estaciones de la red ferroviaria urbana, la estación de Karlsplatz - actualmente sala de exposiciones del Museo de Viena, etc.

En 1899 Joseph Maria Olbrich se trasladó a la Colonia de Artistas de Darmstadt, y en 1903 Koloman Moser y Joseph Hoffmann fundaron los Talleres Vieneses  , una escuela de formación y taller para diseñadores y artesanos de muebles, alfombras, textiles y objetos decorativos. [43] En 1905, Koloman Moser y Gustav Klimt se separaron de la Secesión de Viena, más tarde, en 1907, Koloman Moser también dejó la Wiener Werkstütte y su otro fundador, Joseph Hoffmann, se unió a la Werkbund alemana. Gustav Klimt y Joseph Hoffmann continuaron colaborando, en 1908 organizaron una exposición en Viena y construyeron el Palacio Stocklet en Bruselas (1905-1911), que anticipó el comienzo de la arquitectura modernista . [44] [45] En 2009, fue inscrito en la Lista del Patrimonio Mundial de la ONU.

Hungría

El pionero de la Secesión húngara fue el arquitecto Ödön Lechner , cuyos proyectos marcaron la transición del historicismo a la versión húngara del Art Nouveau. [46] Las características de su arquitectura fueron el uso de cerámica y motivos magiares. En sus obras, utilizó pigorgranito, que se produjo en la fábrica de porcelana Zsolnay y se utilizó en la construcción del edificio del parlamento húngaro y la reestructuración de la iglesia de Matyas. También las obras de Lechner incluyen el Museo de Artes Aplicadas , el Instituto y Museo de Geología, y el edificio de la Caja de Ahorros de Correos. [47] Sin embargo, debido a la oposición al establecimiento arquitectónico húngaro, después de los éxitos iniciales, Lechner no pudo recibir órdenes de construcción comparables a los edificios iniciales. Sin embargo, el trabajo de Lechner inspiró aún más a la próxima generación de arquitectos y desempeñó un papel importante en la popularización del nuevo estilo.

Otro arquitecto importante fue Kara Kosh , seguidor de John Ruskin y William Morris. Kosh utilizó el movimiento del romanticismo nacional finlandés como modelo para sus diseños. [48] ​​​​Algunos de sus edificios: la iglesia en Zebegeni, los pabellones del Zoológico de Budapest y el Museo Nacional Székely en Shepshisentdörde.

El movimiento que impulsó la secesión del arte húngaro fue la colonia de arte Gödöllő , fundada en 1901 por Aladar Körösföy-Krish , profesor de la Escuela de Artes Aplicadas , también seguidor de Ruskin y Morris. [48]

Miembro de la colonia de arte de Gödölle, [49] Mikga Roth participó en varios proyectos del movimiento, incluidos Gresham Palace (vidrieras, 1906) y Török Bank (mosaico, 1906), y también creó mosaicos y vidrieras para el Palacio de la Cultura (1911-1913) en Marosvasarhei .

El famoso diseñador de muebles Eden Farago , en su trabajo combinó la arquitectura tradicional y oriental, así como la dirección pintoresca de la modernidad. Pal Horthy , otro diseñador de muebles húngaro, presentó un estilo mucho más sobrio y funcional en su trabajo. Su trabajo fue realizado en roble con finos dibujos en ébano y latón.

República Checa, Eslovaquia, Eslovenia, Galicia

El arquitecto esloveno más prolífico fue Cyril Metod Koch . [50] Estudió con Otto Wagner en Viena y sirvió en el consejo de la ciudad de Laibach (ahora Ljubljana , Eslovenia ) de 1894 a 1923. Después del terremoto en Laibach en 1895, entre 1900 y 1910 [50] diseñó muchos edificios seculares en el estilo de la Secesión: la Casa de Pogačnik (1901), el Edificio de Chuden (1901), el Edificio del Banco de Préstamos para Agricultores (1906-07), un edificio restaurado Hauptmann (1904). Su carrera culminó con el diseño de un edificio de banco de préstamo en Radmannsdorf (ahora Radovljica ) en 1906. [50]

Los edificios Art Nouveau más famosos de Praga son ejemplos de "arte total" con arquitectura, escultura y pinturas originales. [51] La estación de tren principal (1901-1909) fue diseñada por Josef Fanta , decorada con pinturas de Vaclav Jansa , esculturas de Ladislav Szaloun y Stanislav Sucharda . La Casa Pública (1905–1912), con esculturas de Josef Maratka y Ladislav Shaloun, fue diseñada por Oswald Polivka y Antonin Balshanek , la decoración fue realizada por el famoso artista checo Alfons Mucha, y más tarde Mucha pintó las vidrieras de la Catedral de San Petersburgo. Catedral de San Vito en su estilo original. Polivka, Maratka y Shaloun participaron simultáneamente en la construcción del Nuevo Ayuntamiento (1908-1911) junto con Stanislav Sucharda ,

El estilo, que combinaba la Secesión húngara y elementos arquitectónicos nacionales, era característico del arquitecto eslovaco Dušan Jurković . Sus obras más originales son la Casa de la Cultura en Šakolce (ahora Skalica en Eslovaquia , 1905), los edificios del balneario en Luhacovice (ahora República Checa , 1901-1903). Además de 35 cementerios militares cerca de New Zmigrud en Galicia (ahora Polonia ), la mayoría de los cuales están hechos con una fuerte influencia del arte popular local Lemko (Rusyn) (1915-1917).

Desarrollo del Art Nouveau en Polonia

La versión polaca de la "Secesión" fue una de las tendencias internacionales del Art Nouveau. El estilo se desarrolló más en Polonia en 1890-1910.

Los principales centros del modernismo polaco fueron las ciudades: Cracovia , Lodz , Wroclaw , Poznań y Bydgoszcz . Varsovia antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial también era una ciudad con una gran cantidad de edificios arquitectónicos de estilo Art Nouveau, pero solo una pequeña cantidad de ellos se han conservado hasta el día de hoy, ya que durante la guerra la ciudad fue destruida casi por completo y la mayoría de los edificios se perdieron.

Famosos arquitectos polacos fueron: Franciszek Monczynski , Tadeusz Stryienski , Ludwik Wojtychko , Slawomir Odzhivolsky , Benjamin Torbe , Romuald Miller , Viktor Myarchinsky y otros.

Además, la dirección polaca de la modernidad en la arquitectura se complementó con el estilo arquitectónico de Zakopane, que formaba parte de la modernidad polaca. Además, los edificios realizados al estilo de la Secesión de Viena también se pueden encontrar en varias ciudades de Polonia.

Los artistas polacos adoptaron muchos de los motivos florales y orgánicos del Art Nouveau. La pintura polaca Art Nouveau se concentró principalmente en la ciudad de Cracovia. Stanisław Wyspianski fue el artista "principal" del Art Nouveau en Polonia. Sus pinturas, proyectos teatrales, vidrieras e interiores de edificios ahora se exhiben ampliamente en el Museo Nacional de Cracovia .

Desarrollo del Art Nouveau en los Países Bajos

En los Países Bajos, en contraste con la tendencia floral y curva belga del Art Nouveau, se desarrolló otra dirección: más constructiva y funcional. Fue influenciado por las formas geométricas y estilizadas del Jugentstil alemán y la Secesión de Viena.

El arquitecto y diseñador de muebles holandés más importante fue Hendrik Petrus Berlage , quien denunció los estilos históricos y abogó por la arquitectura funcional. El escribio:

"Hay que luchar contra el arte de la ilusión, reconocer la mentira, para encontrar la esencia, no la ilusión".

[52]

También era partidario de las teorías arquitectónicas de Viollet-le-Duc, [52] que buscaba una funcionalidad rigurosa y el respeto por las formas naturales de la madera, sin las torceduras y retorcimientos del metal. Al hacer muebles, usó muebles egipcios con ángulos rectos como ejemplo. Su primera y más famosa obra arquitectónica fue el edificio de la Bolsa de Mercancías Bers van Berlage en el centro de Ámsterdam ( 1896-1903 ), que construyó de acuerdo con los principios del constructivismo. Todo era funcional, incluidas las líneas de remaches que adornaban las paredes. A menudo incluía torres altas en sus diseños de edificios para hacerlos más visibles. Esta práctica también fue utilizada por otros arquitectos Art Nouveau de la época, incluidos Joseph Maria Olbrich en Viena y Eliel Saarinen en Finlandia. [53] Otra famosa obra suya fue el American Hotel ( 1898-1900 ).

Otros arquitectos holandeses notables fueron Hermann Hendrik Baanders y Gerrit van Arkel . Completaron diseños para los edificios Astoria (1904-1905) en Amsterdam; estación de tren de Haarlem ( 1906-1908 ) , y el antiguo edificio de oficinas de Holland America Lines ( 1917 ) en Rotterdam .

Un notable artista gráfico e ilustrador del Art Nouveau fue Jan Thorop , cuyo trabajo tendía hacia el misticismo y el simbolismo. En su trabajo en diseño y color se puede rastrear la influencia del arte de la isla de Java . [53]

Importantes maestros en la fabricación de cerámica y porcelana fueron Jurrian Kok y Theo Colenbrander . En sus obras, utilizaron un patrón floral colorido. Junto con los motivos tradicionales del Art Nouveau, utilizaron formas inusuales de cerámica, contrastando colores oscuros y claros, tomados de la joyería batik de Java. [54]

Desarrollo del Art Nouveau en España

Véase también catalán moderno

Una versión muy original del Art Nouveau apareció en España en Barcelona, ​​casi al mismo tiempo que en Bélgica y Francia. Se llamó Modernismo Catalán. Más de 100 arquitectos diseñaron edificios en el nuevo estilo, pero los principales son tres arquitectos: Antonio Gaudí , Lluis Domènech i Montaner y Josep Puig i Cadafalch .

El representante más famoso del Art Nouveau catalán fue Antoni Gaudí. Gaudí hizo un amplio uso de las formas florales y orgánicas en su obra, especialmente en el diseño del Parc Güell . La arquitectura del parque combinó elementos del movimiento Arts and Crafts, el simbolismo, el expresionismo y el racionalismo, e influyó en muchas formas y técnicas de la arquitectura del siglo XX. [55] [56] [57]

En sus obras: Pabellón Güell (1884-1887) y Parque Güell (1900-1914) aplicó una nueva técnica llamada Trencadis . Sus proyectos, Casa Batlo (1904-1906) y Casa Mila (1906-1912), tenían una estrecha conexión estilística con el Art Nouveau, pero la obra principal del arquitecto , la Catedral de la Sagrada Familia , combinó elementos del Art Nouveau con el Neogótico .

Además de la posición dominante de Gaudí en Cataluña, Lluís Domènech y Montaner también fue un arquitecto notable. También construyó sus edificios en Barcelona: el Castillo de los Tres Dragones (1888), la Casa de Lleo y Morera (1902-1906), el Palacio de la Música Catalana (1905) y el Hospital de Sant Pau (1901-1930). Todos los edificios están incluidos en la Lista del Patrimonio Cultural Mundial de la ONU.

Otra figura importante del Art Nouveau catalán fue Josep Puig y Cadafalch, quien proyectó la Casa de Martí , la Casa de Macaya , la Casa de Amatler , el Palau del Bare de Quadras y otros.

Además de Cataluña en España, el Art Nouveau se desarrolló en Valencia. Algunos de los arquitectos destacados son: Demetrio Ribes Marco , Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Monto y José María Manuel Cortina Pérez . El Art Nouveau valenciano se distinguió por el uso de la cerámica en la decoración, tanto en fachadas como en ornamentos, así como por el uso de motivos regionales.

Otra variante del Art Nouveau en España fue la Variante Madrileña del Art Nouveau (en español:  Modernismo madrileño ), con notables edificios arquitectónicos como el Palacio Longoria , el Casino de Madrid o el Cementerio de la Almudena . Los arquitectos madrileños más famosos fueron: José López Sallaberry , Fernando Arbos y Tremanti y Francisco Andrés Octavio .

Desarrollo del Art Nouveau en Italia

El Art Nouveau en Italia se conocía como "estilo Liberty". El estilo obtuvo su nombre del nombre de la tienda - Liberty & Co, fundada en 1874 en Londres por el empresario británico y divulgador del Art Nouveau Arthur Lasenby Liberty , quien se especializó en importar textiles y objetos de arte de Japón y el Lejano Oriente, que fueron especialmente populares en Italia.

El estilo Liberty era muy diferente de las corrientes principales del Art Nouveau y, a menudo, seguía estilos históricos, especialmente el barroco. Las fachadas de las casas a menudo estaban salpicadas de decoración y escultura. Los frescos coloridos, pintados o de cerámica, y la escultura, tanto en interiores como en exteriores, fueron una característica popular del Art Nouveau italiano. Se basaron en temas tanto clásicos como florales.

El diseñador más importante del Art Nouveau italiano fue Carlo Bugatti . Su trabajo fue exótico, incluyendo platería, textiles y cerámica, pero es mejor recordado por sus innovadores diseños de muebles, que se exhibieron por primera vez en la Feria de Bellas Artes de Milán de 1888 . Sus muebles a menudo diferían en la construcción y tenían acabados inusuales, que incluían pergamino y seda e incrustaciones de marfil.

Un diseñador de Art Nouveau italiano igualmente conocido fue Galileo Cini , conocido como pintor y escenógrafo teatral; diseñó los decorados de las dos famosas óperas de Puccini , Gianni Sicchi y Turandot . [58] [59] .

Desarrollo del Art Nouveau en Rusia

La variedad rusa del Art Nouveau es una variante muy colorida del Art Nouveau que apareció en Moscú y San Petersburgo en 1898, comenzando con una publicación de los artistas rusos Alexander Benois y Léon Bakst en la revista de arte Mir Iskusstva . Posteriormente, la publicación organizó exposiciones de destacados artistas rusos como Mikhail Vrubel , Konstantin Somov , Isaac Levitan , el ilustrador de libros Ivan Bilibin y otros ideas del folclore ruso y los cuentos de hadas. La mayor contribución del "Mundo del Arte" al desarrollo del Art Nouveau fue la creación de una nueva compañía de ballet "Ballet Ruso" encabezada por Sergei Diaghilev con vestuario y escenografía diseñados por Bakst y Benois. El estreno de la nueva compañía de ballet tuvo lugar en París en 1909. En el futuro, sus actuaciones se llevaron a cabo todos los años hasta 1913. Los decorados exóticos y coloridos diseñados por Benoist y Bakst tuvieron una gran influencia en el arte y el diseño francés. El vestuario y la escenografía fueron reproducidos en las principales revistas parisinas: " Illustration " ( fr.  L'Illustration ), " Paris Life " ( fr.  La Vie parisienne ), gracias a las cuales el estilo ruso se hizo conocido en París como el estilo a la Bakst. La compañía de ballet permaneció en París, primero como resultado del estallido de la Primera Guerra Mundial y luego de la Revolución Rusa en 1917, e irónicamente nunca actuó en Rusia [60] .

De los arquitectos rusos, el arquitecto más destacado fue Fedor Shekhtel. El ejemplo más famoso de su trabajo es la mansión Ryabushinsky en Moscú. Fue construido con el dinero de un empresario ruso y dueño de un periódico, y luego, después de la Revolución Rusa, se convirtió en la residencia del escritor Máximo Gorki, donde actualmente se encuentra su museo.

Otros arquitectos rusos de la época crearon diseños inspirados en la arquitectura rusa histórica. Estos edificios fueron creados principalmente de madera y fueron una referencia a la arquitectura de la Rus de Kiev. Algunos ejemplos son la Casa Teremok en Talashkino (1901-1902) de Sergei Malyutin y la Casa Pertsov en Moscú (1905-1907).

El arquitecto de San Petersburgo Nikolai Vasiliev , antes de emigrar en 1923, construyó varios edificios de diferentes estilos. Estos edificios son más notables por las tallas de piedra hechas por Sergei Vashkov , quien se inspiró en las tallas de la Catedral de San Demetrio de los siglos XII  y XIII en Vladimir y la Catedral de San Jorge en Uryevo-Polsky .

Varias colonias de arte en Rusia durante este período se construyeron al estilo del Renacimiento ruso. Los dos más famosos se ubicaron en Abramtsevo , (financiado por Savva Mamontov ), ​​y Talashkino , (financiado por la princesa Maria Tenisheva ). Un ejemplo de la arquitectura renacentista rusa es el Monasterio Marfo-Mariinsky (1908-1912), de Alexei Shchusev , que fue una versión actualizada de la Iglesia Ortodoxa Rusa clásica. Más tarde, irónicamente, este arquitecto diseñó el Mausoleo de Lenin en Moscú.

Art Nouveau se manifestó vívidamente en San Petersburgo, donde se construyeron la casa Singer y la tienda Eliseevsky en Nevsky Prospekt . La arquitectura Art Nouveau en Rusia se caracterizó por la presencia de enormes ventanales panorámicos y caprichosas decoraciones metálicas de detalles funcionales (lámparas y barandillas).

Desarrollo del Art Nouveau en Letonia

Riga , la actual capital de Letonia , fue una de las ciudades más grandes del Imperio Ruso durante el período Art Nouveau, donde la arquitectura Art Nouveau se desarrolló de acuerdo con su propia dinámica. El estilo se hizo extremadamente popular y dominó la ciudad después de la Exposición Etnográfica de Letonia en 1896 y la Exposición de Industria y Artesanía en 1901. Los edificios Art Nouveau constituyen un tercio de todos los edificios en el centro de Riga, lo que la convierte en la ciudad con la mayor concentración de arquitectura Art Nouveau del mundo. [61] . La cantidad y calidad de la arquitectura Art Nouveau fue uno de los criterios para la inclusión del centro histórico de Riga en la Lista del Patrimonio Cultural Mundial de la UNESCO [62] .

Hubo varias variaciones de la arquitectura Art Nouveau en Riga:

  • en el Art Nouveau ecléctico (decorativo), los más populares fueron las decoraciones florales y los elementos decorativos inspirados en la naturaleza. Ejemplos de esta variación son las obras de Mikhail Eisenstein .
  • en la variante perpendicular del Art Nouveau, los ornamentos geométricos se integraron en las composiciones verticales de las fachadas. Varios grandes almacenes en Riga se construyeron con este estilo.
  • El Art Nouveau romántico nacional se inspiró en el arte popular local que utilizaba materiales de construcción naturales.

Algunos edificios neoclásicos posteriores también contenían detalles Art Nouveau.

El desarrollo del Art Nouveau en los países escandinavos

El moderno fue popular en los países escandinavos, donde se le llamó " Moderno del Norte ", e incluyó en cada país individual su característico nacionalismo romántico .

Finlandia

Finlandia era un país con una gran cantidad de edificios arquitectónicos realizados en Art Nouveau, cuyo período de desarrollo coincidió con la edad de oro del arte finlandés y el despertar nacional del país. Después de la Exposición de París de 1900, Akseli Gallen-Kallela se convirtió en el principal artista finlandés [63]

En la Exposición de París, los autores del pabellón finlandés fueron Hermann Gesellius , Armas Lindgren y Eliel Saarinen. Trabajaron juntos desde 1896 hasta 1905 y crearon muchos edificios famosos en Helsinki , incluido el edificio de seguros Pohjola ( Finn. Pohjola ) (1899-1901), el Museo Nacional de Finlandia (1905-1910) [64] y su residencia conjunta Wittresque en Kirkkonummi (1902). Los arquitectos se inspiraron en las leyendas y la naturaleza escandinavas. La fachada de granito tosco se ha convertido en un símbolo del estilo propio de la nación finlandesa [65] .

Otro arquitecto finlandés notable que creó varias obras notables en Finlandia fue Lars Sonk . Sus principales obras incluyeron la Catedral de Tampere (1902-1907), la casa de Jean Sibelius (1903), la sede de la Asociación Telefónica de Helsinki (1903-1907) y otras.

Noruega

Noruega , así como Finlandia del Imperio Ruso , buscaron la independencia de Suecia , y la versión local del Art Nouveau se asoció con un renacimiento inspirado en el arte y la artesanía populares vikingos.

El famoso artista noruego Lars Kinsarvik diseñó sillas con motivos tradicionales de arte celta y vikingo.

Otro artista noruego , Gerhard Munte , diseñó una silla con una cabeza de dragón estilizada, el emblema de los antiguos barcos vikingos, y también realizó una amplia gama de carteles, pinturas y obras gráficas. [66]

La ciudad noruega de Ålesund es considerada el principal centro del Art Nouveau en Escandinavia, ya que fue completamente reconstruida tras un incendio el 23 de enero de 1904 [67] . Los edificios fueron reconstruidos entre 1904 y 1907 según un proyecto urbanístico del ingeniero Frederic Nesser . La fusión de unidad y diversidad ha dado lugar a un estilo conocido como "Ol Steel". Los edificios tienen una decoración lineal que se hace eco del Art Nouveau y contiene elementos realizados en las tradiciones populares, como torres de iglesias de madera o techos empenachados [67] .

Suecia y Dinamarca

En Suecia y Dinamarca, los edificios Art Nouveau notables fueron el Teatro Dramático Real (1901-1908) en Estocolmo [68] y la antigua biblioteca de la ciudad (ahora el Archivo Comercial Nacional Danés) en Aarhus , Dinamarca (1898-1901) [69] . Hack Kampmann , en ese momento partidario del estilo romántico nacional, creó el Edificio de Aduanas de Aarhus, el Teatro de Aarhus y Villa Kampen en Aarhus. El diseñador danés de Art Nouveau más famoso fue Georg Jensen . La Exposición del Báltico en Malmö en 1914 fue la última exhibición importante de Jugentstil en Suecia [70] .

Desarrollo del Art Nouveau en Rumanía

Un rasgo característico del Art Nouveau rumano fue la presencia en la arquitectura de ornamentos en relieve con motivos florales naturalistas, característicos de la escuela de Nancy, así como motivos de fauna marina, como conchas y delfines, que adornaban las fachadas de los edificios. El estilo del Renacimiento rumano, que estuvo presente en la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico, incluía elementos de la variedad Art Nouveau.

Un ejemplo es una de las casas de Bucarest: la Casa de Dinu Lipatti de Petre Antonescu , cuyo motivo central es el arco de entrada, sobre el cual hay un mascarón femenino, realizado en alto relieve. Otros ejemplos de arquitectura Art Nouveau en Bucarest son las casas adosadas, que cuentan con ventanas de herradura u otras formas o decoraciones Art Nouveau, y la casa de Romulus Porescu , que tiene vidrieras de estilo renacentista egipcio en las ventanas de las esquinas. Algunos de los edificios neobarrocos en Bucarest están hechos con elementos Art Nouveau o Neo-Roccoco, incluido el Observatorio de Bucarest , casa no . [71] El Casino de Constanta es probablemente el ejemplo más famoso de Art Nouveau en Rumania.

Uno de los artistas rumanos más famosos fue Stefan Lucian , quien adoptó las tendencias innovadoras y decorativas del art nouveau. Este momento coincidió con la fundación de la Ilean Society en 1897, de la que fue uno de los fundadores. En 1898, la sociedad organizó una exposición en el Hotel Unión llamada " Exposición de Artistas Independientes " y publicó la revista Ileana . [72]

Además, se pueden encontrar ejemplos de arquitectura Art Nouveau y del Renacimiento rumano en Transilvania, cuyos primeros ejemplos se remontan a la era austrohúngara. La mayoría se encuentran en la ciudad de Oradea , apodada "la capital del Art Nouveau de Rumanía", así como en Timisoara , Târgu Mureș y Sibiu . [73] [74] [75]

Desarrollo del Art Nouveau en Suiza

Una variante del Art Nouveau llamada "Estilo Spruce" apareció en La Chaux-de-Fonds en el cantón de Neuchâtel en Suiza . El fundador del estilo fue el artista Charles L'Eplatenier , quien se inspiró en motivos naturales como pinos, otras plantas y animales salvajes que se encuentran en las montañas del Jura. Una de sus principales obras fue el Crematorio, en el que utilizó formas triangulares de árboles, piñas y otros motivos naturales de la región. El estilo también se combinó con los elementos estilísticos más geométricos del Art Nouveau y la Secesión vienesa [77] . Otro edificio notable en este estilo es la Villa Falle La Chaux-de-Fonds , un chalet diseñado y construido en 1905 por el alumno de L'Eplatenier, Le Corbusier  , de dieciocho años . La forma de la casa recordaba a un chalet suizo tradicional, pero se utilizaron árboles triangulares y otros elementos naturales en el diseño de la fachada. Le Corbusier construyó dos chalets más en la zona, en un estilo más tradicional [77] [78] [79] .

Desarrollo del Art Nouveau en Portugal

La variante Art Nouveau en Aveiro se llamó Arte Nova, y su principal característica distintiva fue la exhibición ostentosa: este estilo fue utilizado por la burguesía, que quería expresar su riqueza en las fachadas, manteniendo los interiores conservadores. [80] Otra característica distintiva del Arte Nova fue el uso de azulejos producidos localmente con motivos Art Nouveau. [80] El artista de Arte Nova más influyente fue Francisco Augusto da Silva Rocha [80] . Aunque no era arquitecto, proyectó muchos edificios en Aveiro y otras ciudades de Portugal [81] . Uno de ellos es la Residencia del Mayor Pessoa , donde actualmente se encuentra el Museo Arte Nova. [80] Hay otros ejemplos de Arte Nova en otras ciudades de Portugal [82] [83] . Algunos de ellos: la residencia museo de Anastasio Goncalves Manuel Joaquim Norte Junior , la casa-museo del Dr. Anastasio Goncalves (1904-1905) en Lisboa , el café Majestic Juan Queiroz (1921) y otros.

Desarrollo del Art Nouveau en los EE.UU.

En los EE . UU ., la compañía de Louis Comfort Tiffany desempeñó un papel central en el desarrollo de la tendencia del estilo americano. En 1885, Tiffany creó su propia empresa, que se dedicaba a la producción de productos de vidrio delgado y al desarrollo de métodos para teñirlo. En 1893, Tiffany comenzó a fabricar jarrones y cuencos, desarrollando nuevas técnicas que permitían formas y colores originales, y experimentando con cristales decorativos para ventanas. En 1895, su nuevo trabajo se mostró en la Galería Siegfried Bing , lo que le permitió adquirir nuevos clientes europeos.

Después de la muerte de su padre en 1902, asumió la dirección total de la empresa, pero aún dedicaba la mayor parte de su tiempo al diseño y fabricación de objetos de arte en vidrio.

Ante la insistencia de Thomas Edison, comenzó a fabricar lámparas eléctricas con pantallas de vidrio multicolor hechas de bronce y hierro, decoradas con mosaicos, producidas en numerosas series. Un equipo de diseñadores y artesanos trabajó en cada producto. La lámpara Tiffany se ha convertido en uno de los "íconos" de la modernidad, pero los artesanos de la compañía diseñaron no solo lámparas, sino que también hicieron ventanas, jarrones y otras obras de arte inusuales hechas de vidrio.

La Exposición Colombina fue un lugar importante para Tiffany; la capilla que diseñó se exhibió en el Pabellón de Arte e Industria. La Capilla Tiffany, junto con una de las ventanas de la Casa Tiffany en Nueva York, se encuentran actualmente en exhibición en el Museo de Arte Americano Charles Hosmer Morse en Winter Park, Florida.

La cristalería de Tiffany también fue un gran éxito en la Feria Mundial de 1900 en París. Su vidriera titulada "Vuelo de las almas" ganó la medalla de oro de la exposición [84] .

Otra figura importante en el Art Nouveau estadounidense fue el arquitecto Louis Sullivan . Sullivan fue un pionero de la arquitectura moderna estadounidense, siendo el fundador de la Escuela de Chicago , el arquitecto de los primeros rascacielos y el maestro de Frank Lloyd Wright . Su dicho más famoso fue:

"La forma sigue la funcion."

Si bien la forma de sus edificios fue moldeada por su función, la decoración de sus edificios fue un ejemplo del movimiento Art Nouveau estadounidense.

En 1893, en la Exposición Mundial Colombina de Chicago, más conocida por la arquitectura neoclásica de la famosa Ciudad Blanca, diseñó la entrada Art Nouveau para uno de los edificios expuestos.

El desarrollo del Art Nouveau en Argentina

Inundada de inmigrantes europeos, Argentina absorbió todos los estilos artísticos y arquitectónicos de Europa, incluido el Art Nouveau. Las ciudades con el patrimonio Art Nouveau más notable de Argentina son Buenos Aires , Rosario y Mar del Plata [85] [86] .

París fue el prototipo arquitectónico de Buenos Aires con la construcción de grandes bulevares y avenidas [85] . El estilo local, junto con la influencia francesa, también fue influenciado por la tendencia italiana de la modernidad, ya que muchos arquitectos - Virginio Colombo , Francisco Gianotti , Mario Palanti  - eran italianos.

En la obra de Julián García Núñez se nota la influencia catalana [85] .

La influencia de la Secesión de Viena se encuentra en el edificio Paso y Viamonte .

El desarrollo del Art Nouveau en Rosario está asociado al nombre de Francisco Roca Simo , quien estudió en Barcelona [87] . Su edificio "Club Español" ( español :  Club Español ) ( 1912 ) tiene una de las vidrieras más grandes de América Latina . Las esculturas del edificio fueron realizadas por el escultor barcelonés Diego Masana [88] .

La dirección de estilo belga en el Art Nouveau argentino está representada por Villa Ortiz Basualdo , que actualmente alberga el Museo Municipal de Arte Juan Carlos Castagnino en Mar del Plata , donde los muebles, interiores e iluminación son de Gustave Serrurier-Bovi .

Desarrollo del Art Nouveau en otros países

Al igual que en Argentina, el Art Nouveau en el resto del mundo no presentado anteriormente fue influenciado principalmente por artistas extranjeros:

  • Los españoles estaban detrás de los proyectos en La Habana , Cuba .
  • En Ponce y Puerto Rico , el trabajo de los arquitectos locales fue influenciado por los arquitectos españoles [89] .
  • Los franceses llevaron a cabo proyectos Art Nouveau en Túnez (en ese momento era un protectorado francés).
  • Alemanes en Lüderitz , Namibia [90] y en Qingdao , China .
  • Los italianos hicieron el trabajo en Valparaíso , Chile [91] ; Montevideo , Uruguay ; Río de Janeiro , Brasil [92] .
  • Los rusos estaban detrás del legado del Art Nouveau en Harbin , China [93] .
  • La herencia del Art Nouveau en Lima consiste en obras de italianos: los hermanos Masperi, el arquitecto francés Claude Sahut y maestros británicos [94] .
  • El Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México fue el resultado de una colaboración entre los italianos (el arquitecto Adamo Boari y el escultor Leonardo Bistolfi ), el arquitecto local Federico Mariscal , los artistas húngaros Aladar Körösföy-Krish , Geza Maroti y Mixa Roth , el escultor catalán Agusti Kerol Subirats y Maestro francés Edgar Brandt [95] .
  • Los motivos Art Nouveau también se pueden encontrar en la arquitectura colonial francesa en toda la Indochina francesa .
  • Un notable movimiento artístico llamado escuela Bezalel apareció en la región palestina al final de los protectorados otomano y británico. Era "una fusión de arte oriental y Art Nouveau" [96] . Varios artistas asociados con la escuela Bezalel fueron bastante famosos: Ze'ev Raban , Ephraim Moshe Lilien y Abel Pann [97] .

Art Nouveau en arquitectura, artes y oficios y bellas artes

Art Nouveau en la arquitectura

La arquitectura Art Nouveau se distingue por el rechazo de las líneas rectas y los ángulos en favor de líneas más naturales, "naturales" y el uso de nuevos materiales ( metal , hormigón , vidrio ).

Como muchos otros estilos, la arquitectura Art Nouveau también se distingue por el deseo de crear edificios tanto estéticos como funcionales. Se prestó mucha atención no solo a la apariencia de los edificios, sino también al interior , que se elaboró ​​cuidadosamente. Todos los elementos estructurales (escaleras, puertas, pilares, balcones) fueron procesados ​​artísticamente.

Uno de los primeros arquitectos en trabajar en el estilo Art Nouveau fue el belga Victor Horta . En sus proyectos, utilizó activamente nuevos materiales, principalmente metal y vidrio . Dio formas inusuales a las estructuras de soporte hechas de hierro , que recuerdan a las plantas fantásticas. Las barandillas de las escaleras, las lámparas que cuelgan del techo e incluso las manijas de las puertas se diseñaron con el mismo estilo. En Francia, las ideas del Art Nouveau fueron desarrolladas por Hector Guimard , quien creó, entre otras cosas, los pabellones de entrada del Metro de París .

El arquitecto español Antonio Gaudí fue aún más lejos de las ideas clásicas sobre la arquitectura . Los edificios construidos por él encajan tan orgánicamente en el paisaje circundante que parecen ser obra de la naturaleza, no del hombre.

Art Nouveau en la pintura

El Art Nouveau estuvo fuertemente influido por el simbolismo , que buscaba pasar de las formas tradicionales del siglo XIX a las últimas tendencias europeas, que en ocasiones vestían una afiliación condicional a un determinado país.

Art Nouveau se caracteriza por el deseo de crear un sistema artístico independiente. Uno de los fundadores de estas ideas fue la Escuela Pont-Aven con Paul Gauguin . A diferencia de otros estilos, las pinturas y paneles Art Nouveau se consideraron como elementos del interior, dándole un nuevo colorido emocional. Por lo tanto, la decoratividad se ha convertido en una de las principales cualidades de la pintura Art Nouveau.

La pintura se caracteriza por una combinación paradójica de convencionalidad decorativa, "fondos de alfombra" ornamentales y figuras y rostros "esculpidos" del primer plano con claridad escultórica ( Gustav Klimt , Fernand Khnopf , Mikhail Vrubel ), así como grandes planos de color ( Leon Bakst , Edvard Munch ) y sutiles matices enfatizados (Mikhail Vrubel, Alexander Benois ). Todo esto le dio a las imágenes una gran expresividad. El simbolismo también trajo el simbolismo de la línea y el color a la pintura moderna; los temas del dolor mundial, la muerte, el erotismo estuvieron ampliamente representados; se generalizó el atractivo de los artistas por el mundo del misterio, los sueños, las leyendas, los cuentos de hadas, etc.. Los lienzos de Klimt son un ejemplo sorprendente de la pintura art nouveau. Los artistas Art Nouveau trabajaron en todos los países de Europa y América: Austria, Gran Bretaña, Alemania, Italia, Holanda, Rusia, EE. UU., etc. (Ver también la lista de artistas de la era Art Nouveau ).

Gráficos Art Nouveau

Como parte del estilo, se generalizaron las gráficas de libros y revistas , afiches y afiches . Hubo un número sin precedentes de revistas y reseñas en el campo del arte que promovieron el estilo Art Nouveau: en Munich "Jugend" (1896), en Berlín "Pan" (1895), en Darmstadt "Arte y decoración alemanes" ( alemán:  Deutsche Kunst und Dekoration ) (1897), en Londres "Studio" (1893), en Flandes "De ahora en adelante y después" ( holandés.  Van Nu an Straks ) (1893), en París "Arte y decoración" ( fr.  Arte et d'coration ) (1897) y "Diario blanco" ( fr.  La Revue Blanche ) (1889), en Viena "La consagración de la primavera" (1898), en Praga "Direcciones libres" ( fr.  Volne Smery ) (1897 ), en San Petersburgo "El mundo del arte" (1898), etc.

Los gráficos se convirtieron en el área a partir de la cual crecieron y se desarrollaron los motivos de estilo, y su desarrollo estuvo muy influenciado por la portada creada para el libro llamado "City Churches of Wren" del artista y arquitecto inglés McMurdo. Este diseño, que apareció en 1883, presenta colores y tallos y hojas fuertemente curvados en monocromo. Dado que esta portada pertenecía a un libro de arquitectura y probablemente fue comprada por muchos arquitectos británicos, tuvo una fuerte influencia en la creación de las curvas y formas de la arquitectura Art Nouveau [98] .

A finales del siglo XIX se formó ese tipo de grafismo que comúnmente se denomina cartel. El nacimiento del cartel fue impulsado por las innovaciones en la industria de la impresión. La técnica de la litografía abrió el camino al verdadero arte del cartel. La circulación de la publicación podría ser de varios miles de copias [99] .

La litografía, el arte del libro (book design), la gráfica alcanzaron un gran auge durante el período Art Nouveau gracias al trabajo del inglés Aubrey Beardsley , los alemanes Thomas Heine , G. Foleger y los maestros rusos Alexander Benois y Konstantin Somov . Art Nouveau obtuvo grandes logros artísticos en la creación de carteles y carteles (obras de Emile Grasset en Francia, Alphonse Mucha en la República Checa).

Los primeros modernistas en Francia fueron los discípulos de Gauguin, y en Inglaterra, los seguidores de los "prerrafaelitas".

Las figuras más significativas del Art Nouveau inglés fueron William Blake y Aubrey Beardsley, autor de ilustraciones para Salomé de Oscar Wilde y dibujos para la revista Yellow Book . Los gráficos de Beardsley son clásicos modernos. El artista gráfico ruso Nikolai Kuzmin dijo que Beardsley separó la luz de la oscuridad. Para la luz - papel blanco, para la oscuridad - tinta negra. Y sin medios tonos. La línea ha adquirido un poder asombroso. Ha comenzado una nueva era de gráficos. Extrema simplicidad de medios: solo blanco y negro, una hoja de papel, un bolígrafo, una botella de tinta. Pero donde quiso mostrar su asombrosa "capacidad de intentarlo", su técnica se vuelve como el encaje más fino: los frontispicios de "Salomé", de "Venus y Tannhäuser", " Volpone ", la suite "El rapto de la cerradura" [ 100] .

Los gráficos Art Nouveau tenían sus propios medios expresivos: un dibujo generalizado enérgico, proporciones de color nítidas y contrastantes y el uso de grandes capacidades técnicas de litografía contribuyeron al desarrollo de una variedad de gráficos como un cartel. Se caracterizan por composiciones cuidadosamente diseñadas, decorativas y tipo [99] .

En Rusia, los maestros de la asociación " World of Art " jugaron un papel importante en el desarrollo del cartel . El cartel les proporcionó una plataforma masiva desde la cual podían participar en la iluminación estética.

En 1896, la revista Jugend comenzó a aparecer en Munich . En ese momento, una industria de impresión desarrollada se había desarrollado en Alemania. El negocio de libros y revistas, que tenía una larga tradición, floreció. Se han generalizado la impresión multicolor, los carteles litografiados de gran formato y, al mismo tiempo, las pegatinas publicitarias en miniatura. Otros pequeños géneros desarrollados: ex libris , folleto. Los museos de Múnich y Berlín solicitaron tarjetas de invitación originales a las imprentas. Los catálogos de editoriales, librerías, a menudo, eran verdaderas obras maestras gráficas, que representaban pinturas de artistas [101] .

Los maestros de la gráfica alemana buscaban nuevas técnicas. Tales innovaciones incluyeron el dibujo en papel granulado rugoso con una capa preliminar con blanco. Para lograr un trazo suavemente difuminado, por ejemplo, los gráficos de Munich comenzaron a hacer un uso extensivo del pincel japonés. Otra técnica innovadora es conseguir sobre papel blanco una impresión de textura de materia rugosa, ligeramente impregnada de pintura oscura. El fondo era como la superficie granulosa de un lienzo; el trazo que se le aplicaba adquiría propiedades específicas. Los artistas gráficos aprendieron a tratar el papel con varios ácidos para convertirlo en una especie de pergamino. Las líneas en dicho papel se veían de una manera nueva [101] .

Escultura Art Nouveau

La escultura Art Nouveau, al igual que la pintura, estuvo fuertemente influenciada por el simbolismo . Las principales características de la escultura Art Nouveau son un retorno a las líneas "naturales". La fluidez y el dinamismo de las formas, la "energía interna" son características. La escultura Art Nouveau es decorativa, su propósito es decorar el espacio, subordinarlo a un solo ritmo. Entre los escultores modernos destacan dos maestros franceses: Auguste Rodin y Aristide Maillol .

Entre una docena de obras de Rodin, la más famosa es El pensador . En sus obras glorifica el gran poder del amor, su belleza e inmortalidad. Sus otras obras famosas: "El primer beso", "Eterna primavera", "El poeta y la musa".

El catalán Aristide Maillol se inició en la escultura siendo ya un conocido maestro de la pintura. Experimentando con la naturaleza femenina desnuda, trató de crear imágenes de belleza natural, enfatizó la armonía natural del cuerpo femenino, la sensualidad y la emotividad. Sus obras, "Pomona", "Noche, río", "Tres ninfas", se encuentran en los mejores museos del mundo, y todo su trabajo pertenece legítimamente a las obras maestras del arte plástico europeo.

Una visión inusual del mundo y la interpretación del hombre son características de la obra del modernista checo Frantisik Bilek . Su obra se caracteriza por el completo realismo y la autenticidad de la imagen. Los personajes de sus obras, Moisés, Gus, se distinguen por la novedad y la interpretación no estándar.

Otros ejemplos brillantes de Art Nouveau en escultura son las obras de Naum Aronson  : retratos de Komissarzhevskaya , Tolstoy, Pasteur . Fue el único de los artistas que creó un retrato escultórico, que ahora se conserva en uno de los museos de Israel. Sus obras adornan muchos museos y galerías de todo el mundo [102] .

Uno de los representantes más destacados de este estilo en Italia fue Adolfo Wildt , cuya obra fue en su desarrollo desde el simbolismo a través de la secesión de Viena y Berlín hasta los inicios del expresionismo .

Cristalería Art Nouveau

El arte en vidrio en el Art Nouveau fue un medio en el que el estilo encontró nuevas y variadas formas de expresión. Se llevó a cabo una intensa experimentación con las técnicas de fabricación de vidrio, especialmente en Francia, en busca de nuevos efectos de transparencia y opacidad: en grabado camafeo, doble capa y grabado al ácido, un método que permite la producción de productos en serie.

La ciudad de Nancy se convirtió en un importante centro para la industria del vidrio francesa, con los talleres de Émile Gallé y el taller Daum dirigido por Auguste y Antonin Daum . Trabajaron con muchos diseñadores famosos, incluidos Ernest Bussière , Henri Bergé (ilustrador) y Amalric Walter . Juntos desarrollaron un nuevo método de incrustación de vidrio presionando fragmentos de diferentes colores en un producto sin terminar. También colaboraron a menudo con el diseñador de muebles Louis Majorelle, cuya casa y talleres también estaban ubicados en Nancy. Otra característica del Art Nouveau fue el uso de vidrieras con motivos florales en los salones residenciales, especialmente en las casas de Nancy. Muchos de estos fueron hechos por Jacques Gruber , quien hizo ventanas para la villa de Majorelle, así como para otras casas. [103]

En Bélgica, la firma líder fue la cristalería "Val Saint-Lambert" ( fr.  du Val-Saint-Lambert ) , que creó jarrones en moldes que contenían motivos orgánicos y florales, muchos de los cuales fueron diseñados por Philippe Wolfers . Wolfers fue especialmente conocido por crear piezas en vidrio con decoraciones en metal.

En Bohemia , entonces una región del Imperio Austro-Húngaro, un conocido fabricante de cristal era la compañía J. & L. Lobmeyr .  Experimentó con nuevos métodos de coloración, creando colores más brillantes y saturados Loetz Witwe .

En Alemania, los experimentos con vidrio fueron realizados por Karl Koepping , quien usó vidrio soplado para crear vasos extremadamente delgados en forma de flor, tan delicados que pocos han sobrevivido hasta el día de hoy. [104]

En Viena, las estructuras de vidrio del movimiento Secession eran mucho más geométricas que en Francia o Bélgica; Otto Prutscher fue el diseñador de vidrio más "estricto" en esta dirección. [104]

En el Reino Unido, Margaret Macdonald Mackintosh creó una gama de vidrieras florales para una exposición arquitectónica llamada "El hogar de los amantes del arte".

En los Estados Unidos, Louis Comfort Tiffany y sus diseñadores se hicieron famosos por sus lámparas, que usaban temas florales comunes en pantallas de lámparas de vidrio, intrincadamente conectados entre sí. Las lámparas Tiffany ganaron popularidad después de la Exposición Colombina Mundial en Chicago en 1893, donde Tiffany exhibió sus lámparas en una capilla bizantina. Tiffany experimentó mucho con los procesos de coloración del vidrio y patentó el proceso Favrile Glass en 1894, que  usaba óxidos metálicos para colorear el interior del vidrio fundido, dándole un efecto iridiscente. Se produjeron varias series diferentes de lámparas Tiffany, en varios motivos florales, así como con vidrieras, pantallas, jarrones y otros elementos decorativos. Su obra fue importada primero a Alemania, luego a Francia por Siegfried Bing y luego se convirtió en una de las sensaciones decorativas de la exposición de 1900. El competidor estadounidense de Tiffany, Steuben Glassworks ( en alemán:  Steuben Glass ), fue fundado en 1903 en Corning, Nueva York por Frederick Carter , quien, al igual que Tiffany, utilizó el proceso "Favril" para crear superficies con colores iridiscentes. Otro notable artista estadounidense del vidrio fue John La Farge , quien creó vidrieras intrincadas y coloridas con temas tanto religiosos como puramente decorativos. [104]

Art Nouveau de metal

El teórico de la arquitectura del siglo XIX Viollet-le-Duc abogó por mostrar en lugar de ocultar la estructura de hierro de los edificios modernos, pero otros arquitectos modernistas como Victor Horta y Hector Guimard fueron aún más lejos: agregaron formas de ornamentación de hierro curvilíneo a la forma de motivos florales y vegetales, tanto en los interiores como en los exteriores de las edificaciones realizadas por ellos.

El metal se utilizó en el diseño de barandillas de escaleras, lámparas y otros detalles interiores, así como balcones y otras decoraciones al aire libre. Se han convertido en una de las características más distintivas de la arquitectura Art Nouveau. El uso de decoraciones metálicas con formas vegetales pronto apareció también en platería, lámparas y otros elementos decorativos. [105]

En los EE. UU., el diseñador George Grant Elmsley diseñó estructuras de hierro fundido extremadamente complejas para balaustradas y otros interiores de edificios del arquitecto de Chicago Louis Sullivan .

Mientras que los diseñadores franceses y estadounidenses utilizaron formas florales y vegetales, Joseph Maria Olbrich y otros artistas de la Secesión crearon teteras y otros objetos metálicos con un estilo más geométrico y sobrio. [106]

Joyería Art Nouveau

La joyería Art Nouveau se caracteriza principalmente por características de estilo tan comunes como: el uso de líneas suaves y naturales que imitan la forma de una hoja u onda, la evitación de formas geométricas rectas, el uso de colores y materiales mate y pastel apagados. Sin abandonar el oro, el estilo de joyería Art Nouveau distinguió entre los materiales predilectos las piedras opacas semipreciosas, como el ópalo , la piedra luna , la turquesa , así como las perlas, el esmalte, el marfil. Los diamantes y otras piedras preciosas se utilizan en los productos Art Nouveau principalmente como elementos decorativos auxiliares. Predominan los motivos vegetativos, zoomorfos (libélulas, lagartijas, murciélagos, mariposas) y fabulosos (ninfas, hadas).

Entre los joyeros más destacados de la era Art Nouveau se encuentran René Lalique , Alexis Falise , Louis Tiffany y Georges Fouquet .

Interior Art Nouveau

El interior en la era moderna comenzó a desempeñar un papel más importante; esto fue dictado por la arquitectura, que creó nuevas formas de organizar el espacio interior y allanó el camino para la plena correspondencia del espacio externo con el interno. El primer interior Art Nouveau puede considerarse la famosa " Sala del pavo real ", diseñada por James Whistler en Londres [107] . El interior se construyó sobre un rechazo total de los principios arquitectónicos anteriores del diseño de interiores. Las paredes del local estaban cubiertas de formas extrañas y asimétricas que parecían no tener regularidad, líneas caprichosamente serpenteantes. Los techos estaban decorados, por regla general, con plástico de yeso en relieve plano, las paredes estaban decoradas con más colorido, las cortinas se hicieron ligeras [108] .

Mobiliario Art Nouveau

Los investigadores tradicionalmente notan que los creadores de muebles modernos se adhirieron a una de dos líneas: representantes de las variedades de estilo moderno francés, checo y húngaro: decorativos (formas y contornos caprichosos), maestros alemanes e ingleses, constructivos (rectitud, construcción clara). Además, este último es más típico de los productos alemanes e ingleses. Los objetos que gravitan hacia la claridad constructiva de líneas y formas son más simples, el elemento decorativo se reduce al mínimo en ellos. Esta tendencia está más plenamente representada en el trabajo de los fabricantes de muebles Richard Riemerschmidt y Otto Pankok . En Austria, y luego en Alemania, se dominó la producción de tales formas de muebles (especialmente gabinetes), que ya diferían en todos los aspectos de los tipos anteriores [108] . Los artículos de los fabricantes de muebles alemanes, vieneses e ingleses, creados en un estilo geométrico "puritano", tienen un diseño y una forma más claros, más simples, la decoración en ellos se minimiza. Esta línea moderna da lugar a auténticos muebles contemporáneos.

Las superficies lisas e indivisas de los muebles Art Nouveau se obtienen mediante el cambio al enchapado y ensamblaje mecanizados. Se cree que las formas curvas de los muebles Art Nouveau nacen a mediados del siglo XIX, cuando la famosa fábrica vienesa de Michael Thonet lanzó a la producción una silla construida con madera curvada al vapor, la “ silla vienesa ”. .

Uno de los logros del Art Nouveau es que los artistas que diseñaron muebles observaron la implementación de sus ideas directamente en los talleres. Los servicios de diseñadores se utilizaron incluso cuando se amueblaban apartamentos en casas de vecindad. Esto abrió la posibilidad de implementar la idea de un auricular, un conjunto de muebles. La proximidad de los artistas-diseñadores a la producción incidió favorablemente en el trabajo de los talleres.

En muebles, paralelamente al Art Nouveau, también se han desarrollado una serie de tendencias estilísticas relacionadas. Por ejemplo, uno de ellos tomó muebles japoneses como fuente. También se desarrolló la rama "gótica" del Art Nouveau.

Los muebles franceses, belgas y españoles están representados por exquisitas vitrinas y estanterías de Louis Majorelle , Emile Gallé y Hector Guimard, la "silla cobra" y la "silla caracol" de Carlo Bugatti , las formas fantásticamente orgánicas de los muebles de Antonio Gaudí, las líneas fluidas de los muebles muebles y asientos de Henri Van de Velde . Los muebles "constructivos" son creados por Charles Mackintosh y Margaret Mackintosh, maestros de los famosos talleres "Vieneses" Colomon Moser , Adolf Loos y otros, y luego continúa en los proyectos de muebles de F. L. Wright [109] .

La idea de la integridad estilística del espacio contribuyó al uso generalizado de juegos de muebles hechos en el mismo estilo e inscritos en el espacio general de la habitación. Un lugar excepcionalmente importante lo ocuparon los juegos de comedor, incluida su parte principal: un aparador o aparador que, a pesar de su propósito bastante utilitario, generalmente se colocaba en la sala de estar, lo que confirma el estado de su propietario (un aparador en el sentido clásico de la palabra se entiende como construcción alta, generalmente de más de dos metros de altura, de dos, tres o cuatro hojas, la parte superior de la cual está equipada con puertas vidriadas, y la parte inferior es un armario con puertas ciegas o cajones) . El aparador clásico suele diferenciarse del aparador en la altura inferior de las partes superior e inferior. Es importante identificar estos detalles, porque el aparador, como mueble, se distingue por la forma más tradicional de todos los tiempos, incluso un "estilo rebelde" como el Art Nouveau no podría cambiarlo. Sin embargo, precisamente por el conservadurismo del diseño, el aparador se convirtió en una excelente base para plasmar las ideas creativas de los artistas de la época [110] .

Cerámica Art Nouveau

El arte de la cerámica, incluida la loza, fue otra área floreciente del Art Nouveau en los países de habla inglesa, y se integró al movimiento de cerámica artística más general. En la última mitad del siglo XIX, hubo muchas innovaciones tecnológicas en la producción de cerámica, en particular, el desarrollo de cerámicas de alta temperatura, las llamadas. "Gran Fuego" ( francés  grand feu ) con esmalte cristalizado y mate. Al mismo tiempo, se redescubrieron varias técnicas perdidas, como el glaseado de "sangre de toro" (en francés:  sang de boeuf ). La cerámica Art Nouveau también estuvo influenciada por la cerámica japonesa y china tradicional y contemporánea, cuyos motivos vegetales y florales se mezclaron bien con el Art Nouveau. [111]

En Francia, los artistas "redescubrieron" la cerámica tradicional - "arenisca" ( fr.  grés ) y comenzaron a aplicarla utilizando nuevos motivos. Émile Gallé de Nancy creó loza en colores tierra naturales con temas naturalistas de plantas e insectos. La cerámica también encontró nuevos usos en la arquitectura: los arquitectos Art Nouveau, entre ellos Jules Lavirotte y Hector Guimard , comenzaron a decorar las fachadas de los edificios con cerámicas arquitectónicas, la mayoría de las cuales eran realizadas por la firma de Alexandre Bigot , dándoles un aspecto escultórico. [111] Uno de los pioneros de la cerámica del Art Nouveau francés fue Ernest Chaplet, cuya carrera en la cerámica abarcó treinta años. Comenzó a producir cerámica influenciado por prototipos japoneses y chinos. A partir de 1886, trabajó con el pintor Paul Gauguin en diseños de piezas de cerámica con figuras aplicadas, varias asas, pintadas y parcialmente vidriadas, y colaboró ​​con los escultores Félix Bracquemont , Jules Dalou y Auguste Rodin . Su trabajo se presentó en la exposición de 1900.

Las principales firmas cerámicas nacionales tuvieron un lugar destacado en la Exposición de París de 1900: la Manufactura Nacional de Sèvres en las afueras de París; Nymphenburg , Meissen , Villeroy y Boch en Alemania y Doulton en el Reino Unido. Otros ceramistas franceses destacados incluyeron a Taxil Doat , Pierre-Adrien Dalpayrat , Edmond Lachenal , Albert Dammouse y Auguste Delaherche . [112]

En Francia, la cerámica Art Nouveau a veces se pasó a la escultura. Un ejemplo es la figura de porcelana " Bailarina con bufanda " de Agathon Léonard , realizada para la Manufactura Nacional de Sevres, ganó reconocimiento en ambas categorías en la Exposición de París de 1900.

En Hungría, la Fábrica Zsolnay fue fundada por Miklós Zsolnay en 1853, encabezada por su hijo Vilmos Zsolnay , junto con el diseñador jefe Tade Sikorski , para producir productos cerámicos. En 1893, Zsolnay introdujo la porcelana de eosina . Condujo a la fábrica al reconocimiento mundial al demostrar sus productos innovadores en ferias mundiales y exposiciones internacionales, incluida la Exposición Mundial de 1873 en Viena, así como la Exposición Mundial de 1878 en París, donde Zsolnay recibió el Gran Premio. Las decoraciones de edificios resistentes a las heladas Zsolnay se utilizaron en muchos edificios, especialmente durante el desarrollo del Art Nouveau. [113]

Los azulejos de cerámica también fueron un sello distintivo del Art Nouveau portugués, continuando la larga tradición de los azulejos tradicionales portugueses: los azulejos .

Mosaico Art Nouveau

Los mosaicos han sido utilizados por muchos artistas de diferentes corrientes del Art Nouveau, especialmente del Modernismo catalán ( Hospital de Sant Pau , Palau de la Música Catalana , Casa Lleo Morera y muchos otros). Antonio Gaudí inventó una nueva técnica de elaboración de materiales llamada trencadís , que utilizaba residuos cerámicos. Los coloridos azulejos de mayólica con diseños florales son un sello distintivo de la Casa de mayólica de Otto Wagner en Viena (1898) y los edificios obra de la colonia rusa Abramtsevo , así como de Mikhail Vrubel.

Art Nouveau textiles y papeles pintados

Los textiles y los papeles pintados han sido un medio importante para expresar el ornamento Art Nouveau desde el comienzo del estilo y un elemento integral del diseño de interiores. En Gran Bretaña, el diseño textil de William Morris inició el movimiento Arts and Crafts y más tarde el estilo mismo. Muchas de sus obras fueron realizadas para los grandes almacenes Liberty de Londres, lo que contribuyó a la popularización del estilo en toda Europa. Además, uno de los ejemplos puede servir como el trabajo del "Silver Studio" ( English  Silver Studio ), que realizó coloridos patrones florales estilizados. Otro trabajo de diseño distintivo fue creado en la Escuela de Glasgow por Margaret Mackintosh. La Escuela de Glasgow introdujo varios motivos distintivos, incluidos huevos estilizados, formas geométricas y la " Rosa de Glasgow ".

En Francia, una gran contribución al desarrollo del diseño de textiles y Art Nouveau fue realizada por el diseñador Eugene Grasset , quien en 1896 publicó el trabajo "La estética libre de la planta y su aplicación decorativa" ( fr.  La Plante et ses Aplicaciones Ornatales ), proponiendo un diseño basado en una combinación de diferentes colores y plantas. Se diseñaron y fabricaron muchos patrones para los principales fabricantes textiles franceses en Mulhouse , Lille y Lyon en talleres alemanes y belgas.

El diseñador alemán Hermann Obrist se especializó en estampados florales, especialmente ciclamen y el estilo "látigo" basado en tallos de flores, que se convirtió en el motivo principal de este estilo. El belga Henri van de Velde presentó la obra textil "Vigil of the Angels" ( fr.  La Veillée d'Anges ) en el salón Free Aesthetics ( fr.  La Libre Esthéthique ) de Bruselas, inspirada en la simbología de Paul Gauguin y los Nabis grupo _

En los Países Bajos, los textiles a menudo estaban influenciados por el batik de las colonias holandesas en las Indias Orientales.

El arte popular también ha inspirado tapices, alfombras, bordados y textiles en Europa Central y Escandinavia, de los autores Gerhard Münte y Frida Hansen en Noruega . El diseño Five Swans de Otto Eckmann apareció en más de cien versiones diferentes. El diseñador húngaro Janos Vasari combinó elementos Art Nouveau con motivos folclóricos.

  • Página con nenúfar del libro de Eugène Grasset sobre el uso decorativo de las flores, 1899

  • Diseño textil, Koloman Moser , 1899

  • Algodón estampado para los grandes almacenes Liberty, Silver Studio, Reino Unido , 1904

  • Tapiz "Pastor", Janos Vasari, 1906

  • Alfombra de la colección de la Fundación Rey Balduino, Victor Horta .

Véase también

Notas

Comentarios

  1. ↑ El término "estilo moderno" fue utilizado por primera vez por periodistas franceses en la década de 1900 para describir la arquitectura y las artes decorativas del período Fin de siècle , que se veían de manera negativa y se percibían como influencias extranjeras (inglesas). El término no se usó fuera de Francia, ya que en el idioma inglés el término "art nouveau" se asignó inmediatamente a art nouveau . En francés, "estilo moderno" fue finalmente reemplazado por el término "art nouveau" en la década de 1980, con un resurgimiento del interés en las artes decorativas de la década de 1900 [4] .
  2. ↑ El término "moderno del norte" se encuentra exclusivamente en la literatura en idioma ruso.

Fuentes

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Enlaces

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