El cine alemán es una parte importante de la cultura alemana y del cine internacional . Su historia está indisolublemente ligada a la historia del país y se caracteriza por la alternancia de períodos de altibajos.
El cine alemán nació a finales del siglo XIX y alcanzó su apogeo durante el período de la República de Weimar , cuando los cineastas alemanes crearon películas tan clásicas como El gabinete del Dr. Caligari (1920) de Robert Wiene , que se convirtió en un modelo para el expresionismo . estética , Nosferatu. Symphony of Horror " (1922) y " The Last Man " (1924) de Friedrich Wilhelm Murnau , " Metrópolis " (1927) y " M " (1931) de Fritz Lang , que tuvieron una gran influencia perdurable en el cine mundial. El ascenso al poder de los nacionalsocialistas en 1933 provocó la emigración de cientos de cineastas y la completa reorganización de la industria cinematográfica, que ahora estaba sujeta a los dictados ideológicos del NSDAP . Después de la Segunda Guerra Mundial, el cine de Alemania y la RDA se desarrollaron de forma independiente. En la RDA, la industria cinematográfica fue nacionalizada y consolidada en torno al estudio DEFA . En Alemania, el cine lleva mucho tiempo estancado; La crisis se revirtió a fines de la década de 1960, cuando el establecimiento de un sistema de subsidios estatales, la apertura de nuevas escuelas de cine y los acuerdos de colaboración con las televisiones propiciaron el surgimiento de una nueva generación de cineastas y el " nuevo cine alemán ", asociado principalmente con los nombres de directores como Volker Schlöndorff , Reiner Werner Fassbinder , Wim Wenders , Werner Herzog . En la década de 2000, dos películas nominadas en Alemania, Nowhere in Africa (2001) de Caroline Link y The Lives of Others (2006) de Florian Henckel von Donnersmarck , ganaron el Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera .
Aproximadamente 150-160 largometrajes se hacen en Alemania cada año, sin contar las películas de animación y documentales. El cine alemán ocupa alrededor del 30% de la distribución cinematográfica nacional total [1] . Hay una serie de festivales de cine en Alemania, el más famoso y de mayor estatus es el Festival de Cine de Berlín , que existe desde 1951.
La historia del desarrollo del cine en Alemania se remonta al año del nacimiento del cine: ya el 1 de noviembre de 1895, dos meses antes que los hermanos Lumiere, que proyectaron su " Llegada del tren " en París , en el Berlin Music . Hall Wintergarten, el inventor Max Skladanovsky , junto con su hermano Emil, organizaron para el público la visualización de imágenes en movimiento con la ayuda de su propia invención: el llamado "bioscopio" [2] [3] . En 1896 Skladanovsky comenzó a realizar cortometrajes [4] . En los primeros años, las películas eran entretenimiento como circos ambulantes y se mostraban en ferias y salas de música para el público más común [5] . Especialmente populares fueron las "películas sonoras", en las que el cantante abría la boca para que los movimientos de sus labios se sincronizaran con la melodía tocada desde un gramófono escondido cerca [6] . Sin embargo, se trataba en su mayoría de películas extranjeras: francesas, estadounidenses, italianas. En la propia Alemania, casi no se producían [7] . A mediados de la década de 1900, los propietarios de pubs y cafeterías comenzaron a instalar equipos de proyección de películas; estos establecimientos se conocieron como kintopps.[8] .
En 1896, Oskar Mester creó el primer estudio de cine Kunstlichatelier, donde produjo cortometrajes, y un año después, la compañía Messter Film . Siguieron otras compañías cinematográficas: Deutsche Bioskop (1897), Münchener Kunstfilm (1907), Projektions-AG Union» (1910) [2] . La mejora del mecanismo maltés permitió a Mester aumentar las ventas de proyectores. Con el tiempo, Mester fue capaz de construir una vertical en toda regla: él mismo compraba películas de Edison o Pathé o producía las suyas propias, poseía una red de distribución y cines [9] . Otra cadena de cines era propiedad del fundador de Union, Paul Davidson .. En 1908, Aktien-Gesellschaft für Anilin Fabrikation (AGFA) inauguró una fábrica que producía hasta un millón de metros de película al mes [10] . En los años anteriores a la guerra, se construyeron dos estudios de cine en las cercanías de Berlín: en Tempelhof ("Unión") y Babelsberg ("Deutsche Bioskop") [11] . En 1913 se publicaron en Alemania 353 películas, diez veces más que en 1910 [12] .
Hasta 1914, la industria cinematográfica alemana en su conjunto se encontraba en un estado deplorable, la mayoría de las películas proyectadas eran películas importadas de producción francesa y danesa [13] . Entre las películas alemanas, las historias de detectives fueron especialmente populares . En 1913 se estrenó la primera película sobre el detective inglés Stuart Webbs, interpretado por Ernst Reicher .. Su éxito generó muchas secuelas e imitaciones: películas sobre Joe Dibbs y Harry Higgs [14] . Con el tiempo, aparecieron los primeros actores “estrella” en el cine alemán: Henny Porten , Harry Peel , que explotó la imagen de un héroe de película romántica, y el danés Asta Nielsen , que se mudó a Alemania por sugerencia de Davidson, es generalmente reconocido como una de las principales actrices europeas del cine mudo [15] . Nielsen revolucionó la actuación, actuando con naturalidad en la pantalla, sin la ostentosa "sobreactuación" de la que abusaban los actores de teatro de la época. Tuvo la oportunidad de controlar completamente la producción de películas con su participación y, en palabras de Bernard Eisenschitz, era fiable bajo la apariencia de una variedad de personajes: una aristócrata, una hija del pueblo, una mujer-niña, una femme fatale, una sufragista o una prostituta [10] .
Durante mucho tiempo, las capas altas de la sociedad y los artistas trataron el cine con desdén como un entretenimiento "bajo" [16] . El escritor Walter Zerner en 1913 defendió el derecho del cine a ser considerado un arte independiente, argumentando que tiene una propiedad especial: la capacidad de brindar "placer visual" ( Schaulust ) y satisfacer la necesidad humana natural de voyerismo [17] . Profesionales que ya se han hecho un nombre en otras áreas del arte comenzaron a participar en la creación de películas: los dramaturgos Gerhart Hauptmann y Arthur Schnitzler , los actores de teatro Albert Basserman y Max Pallenberg .[2] . El renombrado director de teatro Max Reinhardt dirigió él mismo dos películas [18] . La mística película " Estudiante de Praga " (1913), filmada según el guión del célebre escritor Hans Heinz Evers , dirigida por Stellan Rue y Paul Wegener (anteriormente había sido actor en la compañía Reinhardt), fue creada con la abiertamente declarada objetivo de demostrar que el cine puede ser un arte [19] . El historiador del cine alemán Siegfried Krakauer , destacando obras individuales de todas las películas de la época del imperio, señala que El estudiante de Praga "por primera vez aprobó en la pantalla un tema que se convirtió en una obsesión del cine alemán: el tema de profundo, mezclado con miedo al autoconocimiento" [20] . La mística y el tema de la dualidad también fueron abordados por "El Otro " de Max Mack(1913), " Golem " de Wegener (1915) y " Homunculus " de Otto Rippert (1916) [21] .
Con el estallido de la Primera Guerra Mundial , las películas francesas y británicas fueron prohibidas, y tras la entrada de Estados Unidos en la guerra, las películas americanas corrieron la misma suerte [22] . En ausencia de competencia, la producción cinematográfica alemana se multiplicó por ocho y rápidamente compensó la falta de películas. Ya en 1914, se estrenaron las películas de propaganda "How Max Earned the Iron Cross" de Richard Oswald y "On the Field of Honor" de Max Obal .[2] . Sin embargo, en general, las autoridades creían que la industria cinematográfica alemana no estaba a la altura de ser una herramienta de propaganda eficaz que despertarasentimientos patrióticos de la audiencia, y era muy inferior en esto a las películas de los países de la Entente [23] [24] . A medida que avanzaba la guerra, comenzó a predominar una variedad de películas de entretenimiento: comedias costumbristas frívolas con las que el ex actor de teatro Ernst Lubitsch comenzó su carrera como director, películas de aventuras de Richard Oswald y Joe May , adaptaciones cinematográficas de clásicos literarios (The Imagen de Dorian Gray” y “Cuentos de Hoffmann” de Oswald, “La Bella Durmiente” de Paul Leni ) [2] [25] . Por iniciativa del subjefe del Estado Mayor General, el general Erich Ludendorff , en 1917, comenzaron las medidas para fusionar las compañías cinematográficas alemanas en una sola empresa gigante, que seguiría siendo una entidad legal privada, pero con una participación estatal significativa [26] [24] . El 18 de diciembre de 1917 se fundó Universum Film AG (UFA). Su propiedad consistía en los activos adquiridos de Messter Film, Union y las divisiones alemanas de Nordisk [ 27] [24] . Estrellas que tenían contratos con estos estudios cinematográficos se trasladaron a la UFA: Lubitsch, Wegener, Porten, Nielsen, Pola Negri , Ossi Oswald , Emil Jannings [28] . En 1918, a pesar de la devastación del último año de la guerra, la industria cinematográfica alemana produjo 376 películas, más del doble que el año anterior. Lubitsch solo dirigió siete películas. Además de la UFA, continuaron funcionando la Deutsche Bioskop y varias pequeñas empresas, la Münchener Lichtspielkunst (Emelka, la futura Bavaria Film), no trabajó para UFA, por ejemplo, Oswald y Harry Peel [29] .
Durante el período de la República de Weimar (1918-1933), que en general para Alemania estuvo marcada por la inestabilidad política y dos grandes crisis económicas (la devastación de la posguerra y los pagos de reparaciones y la Gran Depresión ), el país se convirtió en uno de los líderes en el cine mundial, al menos en términos de innovación, valor artístico y significado histórico de las películas creadas en ese período [30] .
La dirección clave del cine de posguerra fue el expresionismo cinematográfico , que se transfirió a la pantalla y desarrolló los temas y estados de ánimo del expresionismo literario . Ideológicamente, el expresionismo unió el psicoanálisis aparentemente incompatible y su deseo de descomponer la psicología humana en los componentes más pequeños y el misticismo, que se remonta a la literatura del romanticismo [31] . Para transmitir el estado de ánimo frustrado de los personajes, los autores de las películas expresionistas utilizaron escenografías construidas con abundancia de esquinas afiladas, claroscuros , actuaciones exageradas, antinaturales [32] . Una obra de fundamental importancia del expresionismo fue El gabinete del Dr. Caligari (1919) de Robert Wiene , que aún es objeto de debate. Entonces, Siegfried Krakauer considera el uso de un marco que convierte al genio malvado del Dr. Caligari (actor Werner Krauss ) en un psiquiatra que trata a un narrador loco como una negativa a comprender críticamente la realidad política y una disposición a someterse a una voluntad malvada, el primer paso en el camino hacia el nazismo, que luego hizo todo el pueblo alemán. Esta concepción de Krakauer dio nombre a su obra clásica de historia del cine De Caligari a Hitler [33] . Otro rasgo distintivo de la película fue la escenografía de los artistas Walter Reimann., Germana Varmay Walter Roerig, que consiste principalmente en diagonales y líneas quebradas dibujadas en el lienzo, proporciones distorsionadas y ángulos [34] . Tanto estilística como temáticamente, El gabinete del Dr. Caligari tuvo un tremendo impacto en el desarrollo del cine de la época. Algunas películas expresionistas conocidas también presentan villanos demoníacos: el vampiro Orlok ( Max Schreck en Nosferatu. Una sinfonía de terror de Friedrich Wilhelm Murnau , 1922), el genio criminal Dr. Mabuse ( Rudolf Klein-Rogge en Dr. Mabuse the Gambler de Fritz Lang , 1922) y una galería de personajes negativos del Gabinete de cera de Paul Leni (1924) [35] [36] . El tema de la doble personalidad y la locura alcanzó su apogeo absoluto en Orlak 's Hands de Wien , donde el protagonista ( Conrad Veidt , el asesino sonámbulo de El gabinete del Dr. Caligari) está cosido con las manos de un criminal ejecutado [37] . Uso de escenarios, reflejos, siluetas, juegos de luces y sombras, creado por el camarógrafo Fritz Arno Wagner, se convirtió en un elemento básico en la película de Arthur Robison" Sombras: una alucinación nocturna "» (1923) [38] . Las imágenes del Nebuloso Petersburgo de Dostoievski , diseñadas por el decorador Andrey Andreev , se convirtieron en una parte importante de otra película de Viena, Raskolnikov .» [39] . El sentimiento de inseguridad, de orgullo herido, de inestabilidad política quedó reflejado en el cine alemán de la época de Weimar y tras el apogeo del expresionismo propiamente dicho [40] . El cine expresionista en Alemania tuvo una gran influencia en los géneros de terror [41] y cine negro [30] .
El expresionismo recibió un desarrollo peculiar en las llamadas "películas de calle". En ellos, la calle, en la tradición del expresionismo literario, se presenta como un lugar misterioso, seductor, lleno de peligros y que alterna entre las luces de la publicidad y los rincones oscuros que sirven de refugio a los marginados [42] . Los representantes arquetípicos de este género fueron " Street " de Karl Grune (1923) y " Joyless Lane " de Georg Wilhelm Pabst (1925; una de las primeras películas de Greta Garbo , en la que Asta Nielsen se convirtió en su pareja) [43] . Pabst está más asociado con otra tendencia artística de esa época: la llamada "nueva cosidad" ( die neue Sachlichkeit ). Este tipo de realismo se centró en los problemas sociales de la Alemania de Weimar: la inflación, la ruina de la pequeña burguesía, la prostitución [44] . Los mayores logros de Pabst son dos películas protagonizadas por la actriz estadounidense Louise Brooks : " La caja de Pandora " y " Diario de una mujer caída "."(ambos - 1929) [45] .
En cierto modo, la antítesis del expresionismo fue el " kammerspiel ".”- una película que enfatizó el psicologismo y la imagen de la vida de una persona común, un pequeño burgués, y heredó en este sentido el teatro de cámara de Reinhardt. Se considera que la película clave del kammerspiel es Shards de Lupu Pieck (1921). En ella, el guionista Karl Mayer rechazaba los créditos, de modo que todo lo que sucedía en la película, incluso en el interior de los personajes, se transmitía únicamente mediante imágenes visuales [46] . La iluminación se convirtió en uno de los medios más importantes: el guión de Mayer para casi todos los episodios contiene instrucciones sobre cómo se debe ubicar la luz [47] . " El último hombre " de Murnau (1924) ( 1924) , también puesta en escena según el guión de Mayer y casi sin créditos, también es considerada la cúspide del kammerspiel y una de las cumbres de todo el cine alemán . La historia de un portero ( Jannings ), que perdió su trabajo y su símbolo - una librea de lujo - por un lado, encaja completamente en los problemas del kammerspiel, pero por otro lado, todos los personajes secundarios se muestran como existentes solo en la medida en que cuando el personaje principal los encuentra, lo que se enfatiza con varios efectos de cámara, detrás de los cuales estaba Karl Freund [49] . Lotte Eisner llama a la cámara en The Last Man "liberada": moviéndose constantemente en diferentes direcciones y cambiando de ángulos, en realidad se convierte en un héroe independiente de pleno derecho [50] [51] .
Desde 1919, se han presentado películas históricas "de disfraces" para el público masivo . A menudo su acción se situaba en el Renacimiento , que imitaba las representaciones teatrales de Reinhardt [52] . A fines de la década de 1910 y principios de la de 1920, películas como " Eyes of the Mummy Ma ", " Carmen"(ambos - 1918)," Madame Dubarry(1919), " Ana Bolena"y" Sumurun” (ambos - 1920) sobre temas históricos y exóticos con cientos de extras y, por regla general, Hollow Negri en el papel principal, Lubitsch se hizo famoso [53] . En palabras de Eisner, Lubitsch “está tan cautivado por el colorido caleidoscopio de detalles, todo tipo de bromas ridículas y hallazgos de dirección, que no le da ninguna importancia a la atmósfera de crepúsculo que todos los demás cineastas alemanes intentaron crear” [ 54] . Eisner ve la influencia de Lubitsch, a quien le gustaba filmar escenas masivas desde arriba en un plano general, por ejemplo, en películas de revista estadounidenses posteriores [55] . En 1922, el director se mudó a Hollywood por sugerencia de Mary Pickford . Hizo la única película con ella, Rosita (1923), pero luego consiguió un contrato con Warner Bros. y se quedó en los EE.UU. [56] . Estrenada en 1922-1923, una película de cuatro partes dirigida y producida por Arzen von Cherepy.« Rey Federico”, una oda al rey Federico II de Prusia , provocó un escándalo, como, según los críticos, atestiguaba el sesgo “derechista”, nacionalista de la UFA. "King Friedrich" marcó la moda de las "películas prusianas" históricas (más de cuarenta películas de este tipo se estrenaron antes del final del régimen nazi, más de la mitad de ellas bajo la República de Weimar), y el actor Otto Gebür se convirtió en un actor habitual de el papel de Friedrich [57] .
En el período de la posguerra, las llamadas "películas morales" ( Sittenfilme ) ganaron una inmensa popularidad, mostrando aspectos tabú de la vida, como la prostitución y las enfermedades venéreas , de una forma sensacionalista , anticipando de hecho el cine explotador [58] . Un pionero en esta área fue Oswald, allá por 1917 quien realizó una película sobre los peligros de la sífilis , Let There Be Light.”, seguido de varias secuelas [59] . Durante este mismo período, se hizo posible la representación abierta de la homosexualidad en el cine , a pesar de la aplicación del párrafo 175 del Código Penal alemán . Con la participación del mayor sexólogo Magnus Hirschfeld en 1919 se estrenó la película de Oswald " No como todos " sobre un homosexual que se suicida a causa de un chantaje. Un avance similar se produjo más tarde con la pintura Girls in Uniform (1931) de Leontine Sagan , cuyo tema principal era el amor lésbico . Al mismo tiempo, este tipo de películas se convirtieron en blanco de las críticas de los conservadores, que creían que estaban corrompiendo a la juventud y exacerbando la situación delictiva [60] . En " cianuro de potasio "» (1930) Hans Tintnerse condenó la ley que penalizaba el aborto [58] .
En 1920, Bioskop se fusionó con la compañía cinematográfica Decla y se convirtió en la segunda compañía cinematográfica más grande del país. El Decla-Bioskop combinado fue dirigido por el ex director de Decla, Erich Pommer [61] . Pommer es considerado el primer productor de cine alemán en el pleno sentido de la palabra, responsable tanto de los aspectos artísticos como comerciales de la producción cinematográfica y logró un gran éxito en ambas direcciones [62] . El Decla y el Decla-Bioskop produjeron El gabinete del Dr. Caligari y las primeras películas de Fritz Lang [63] .
Fritz Lang es ahora considerado como una de las figuras fundamentalmente importantes en la historia del cine. Según Thomas Elsesser, en las décadas de 1960 y 1970, para historiadores del cine como Ramon Bellour y Noel Birch , Lang ya no era tanto una fuente de ilustraciones para problemas de teoría cinematográfica como una persona que formulaba estos problemas (por ejemplo, la relación entre el personaje y el trasfondo). , plano único y narrativa, el problema del espacio fuera de la pantalla), ya que las películas de Lang representaban simultáneamente el cine clásico y, al mismo tiempo, revelaban su estructura interna de la forma más visual [64] . Las primeras películas de Lang se caracterizan por escenarios exóticos, escenarios ricos, mazmorras misteriosas; esto es cierto para la aventura " Arañas "", y por la parábola " La muerte cansada ", cuyos héroes son trasladados a diferentes épocas [65] [66] . En 1923, la UFA también se hizo cargo de Decla-Bioskop y Pommer se convirtió en el jefe de la UFA . Ya en la preocupación unida, se representó la película de Lang " Nibelungen " (1924), una adaptación cinematográfica de casi cinco horas de la epopeya nacional alemana " Nibelungenlied ". En palabras de Krakauer, Lang consideró esta película "un documento nacional adecuado para presentar al mundo la cultura alemana" [67] . La monumentalidad de la epopeya se enfatiza con soluciones artísticas creadas por los decoradores Karl Volbrecht.y Otto Juntesalones ornamentales del palacio y paisajes inspirados en Böcklin , colocación casi heráldica de personajes en el marco [68] [69] . “En esencia, Lang es un arquitecto”, concluye Eisner [70] .
Un fenómeno específicamente alemán de la década de 1920 fueron las " películas de montaña " ( Bergfilme ), imágenes que cantaban sobre la naturaleza de los Alpes y ubicaban los conflictos humanos en paisajes espectaculares, para los cuales la mayor parte de la filmación se realizó en locaciones, y no en pabellones. El principal director del género fue el montañero entusiasta Arnold Funk [71] . Krakauer escribió que el montañismo en Alemania en la década de 1920, especialmente común entre los estudiantes, no era como el deporte o el turismo, sino que era un "ritual de culto" de fanáticos religiosos, mezclado con un inmaduro "idealismo heroico", que pronto resultó ser en consonancia con la estética del nazismo [72] [73] .
Durante la década de 1920, el número de cines en Alemania aumentó de 3.731 a más de 5.000 y aparecieron salas con capacidad para unas 2.000 personas. Todos los días, 1-2 millones de personas iban al cine [74] . En 1925, se estrenaron 244 películas en Alemania [75] . Solo en Berlín , más de 230 compañías cinematográficas se dedicaron a la producción cinematográfica; las nuevas salas de cine de Babelsberg permitieron la puesta en escena de producciones cada vez mayores. En Alemania, finalmente ha tomado forma la institución de las estrellas: actores con fama nacional, ambos famosos en el cine de antes de la guerra (Asta Nielsen, Henny Porten), y que se hicieron un nombre en la década de 1920 (Pola Negri, Lillian Harvey , quien especializado en los papeles de héroes-amantes Willy Fritsch ). Grandes actores teatrales (Jannings, Heinrich George ) iban al cine por trabajo permanente [74] . La comedia era el género más popular. « Sueño de valsLudwig Berger (1925), basada en una opereta de Oscar Strauss , sentó las bases para la popularidad de las "películas de opereta" ( Operettenfilme ) al estilo vienés [75] [67] .
En 1925 tuvo lugar la primera proyección del programa "Absolute Film" ( Der absolute Film ), que reunió a los cineastas y animadores de vanguardia Walter Ruttmann , Hans Richter y Viking Eggeling y se convirtió en un hito en el desarrollo del cine experimental.Alemania [76] . Ruttmann es mejor conocido por la película documental Berlín: una sinfonía de una gran ciudad , que consiste en bocetos de Berlín combinados en un lienzo sin trama [77] . Richter en 1928 dirigió la película dadaísta The Afternoon Ghost”, cuya música fue escrita por Paul Hindemith . Lotta Reiniger se hizo famosa por los dibujos animados de siluetas: dibujos animados de larga duración " Las aventuras del príncipe Ahmed ".(1926) Bertolt Brecht llamó "una película seria hecha con gran talento y minuciosidad casi asiática por varias personas que de ninguna manera pueden contarse entre los hermanos del cine" - y Oskar Fischinger - animación abstracta. Ambos crearon sus propios dibujos animados y trabajaron en efectos especiales para directores de largometrajes. Ruttmann creó la escena onírica de The Nibelungen, y Fischinger colaboró con Lang en la película de fantasía Woman in the Moon (1929) [10] .
En 1927, se estrenó la película de Lang " Metropolis ": una grandiosa distopía sobre el futuro en un mundo dividido en dos, en abajo y arriba, y una historia de amor, que involucra al hijo del gobernante soberano de Metropolis y un residente de la " mundo inferior. En Metropolis, Lang usa el estilo expresionista para trabajar en escenas de multitudes en rascacielos futuristas y máquinas diseñadas por Otto Junte [78] [79] . El llamado " efecto Shuftan ", llamado así por el operador de la "Metrópolis" Eugen Shuftan , el método de "combinaciones de espejos" (combinar dos imágenes en una), hizo posible representar multitudes de personas contra el telón de fondo del paisaje visualmente agrandado a tamaños ciclópeos [80] . Hoy, Metrópolis es considerada una de las películas de ciencia ficción más importantes de la historia, pero en el momento de su estreno fue un desastre para UFA [81] . El rodaje de la película tomó dos años y requirió que el estudio hiciera todo lo posible: se emplearon un total de 36,000 extras en las escenas de la multitud. El presupuesto final de cinco millones de marcos superó el original tres veces [81] [82] . Sin embargo, la película fracasó tanto en la prensa como en la taquilla, y como resultado fue recortada en una cuarta parte [83] .
Adquisiciones agresivas de pequeños estudios y producciones costosas como The Nibelungen y Metropolis han endeudado profundamente a la UFA . Para pagar las deudas, la UFA se vio obligada a celebrar un acuerdo esclavizante con los estudios estadounidenses Paramount y Metro-Goldwyn-Mayer . Según el acuerdo, UFA se comprometió a tomar 20 películas de cada uno de los estudios para su distribución en Alemania cada año y distribuir al menos el 75% de la capacidad de distribución de sus salas (luego reducida al 50%). Las obligaciones recíprocas de la parte estadounidense fueron mucho más suaves y dadas con reservas. Para implementar este programa, se creó la empresa "Parufamet" en gestión conjunta. Un acuerdo similar se firmó con Universal . El resultado del acuerdo fue abrir el camino al mercado alemán frente a las películas americanas [85] . En enero de 1926, Pommer renunció como director de la UFA y llegó a Hollywood en abril. En el mismo período, los directores Murnau, Leni, Dupont , Berger, los actores Jannings, Veidt, Pola Negri, Lia de Putti partieron hacia América . Las películas de Murnau Tartufo y Fausto (ambas de 1926) protagonizadas por Jannings fueron sus últimos trabajos en Alemania [86] . (Su primera película estadounidense, Sunrise (1927), se considera una de las obras más influyentes del cine mudo. En 1931, Murnau murió en un accidente automovilístico). Al mismo tiempo que la UFA, otros estudios de cine alemanes se volvieron dependientes de American empresas de una forma u otra. La parte nacionalista de la sociedad alemana lanzó una campaña de prensa para recuperar el control de la producción cinematográfica, encabezada por el influyente industrial y político de derecha Alfred Hugenberg [87] . En marzo de 1927, la UFA pasó a formar parte de facto del holding mediático Hugenberg [88] .
El nuevo propietario de la UFA revisó radicalmente los principios de la UFA, que ahora se suponía que estaban en línea con las opiniones políticas de Hugenberg. Entonces, en 1927, se filmó una película documental en dos partes "La guerra mundial" (dir. Leo Lasko), que los contemporáneos entendieron inequívocamente como un llamado revanchista a una nueva guerra [89] . La película pacifista de Karl Grune "At World's End", que se realizó bajo la dirección anterior, sufrió tales cambios, después de lo cual el director exigió que se eliminara su nombre de los créditos [90] . Con la participación de representantes de la emigración blanca , desafiando la creciente popularidad del cine soviético, se realizaron películas sobre la Rusia zarista en la UFA [90] . Pommer regresó a la UFA a fines de 1927, siendo sus últimas películas mudas Return .y Asphalt de Joe May [91] . Los productos de UFA fueron constantemente criticados por cineastas de izquierda, cuyo portavoz era la revista Film und Volk , publicada por Volksfilmverband ( Volksfilmverband ) . Esta organización fue fundada en 1928, su dirección incluía a destacados intelectuales de izquierda: Bela Balazs , Heinrich Mann , Erwin Piscator [92] . Allá por 1926, con la participación de Willy Münzenberg , se crea la Prometheus Film Company., que se dedicaba a la distribución de películas soviéticas e hizo posible dos producciones conjuntas: Salamander de G. Roshal y Living Corpse» F.Ocepa [2] .
A fines de la década de 1920, comenzó la era del cine sonoro . La primera proyección de una película sonora en Alemania tuvo lugar en 1929 [93] y la transición al cine sonoro se produjo rápidamente. En 1929 había 175 películas mudas y ocho películas sonoras; en 1930, 100 películas sonoras y 46 películas mudas; en 1931, 142 películas sonoras y sólo dos películas mudas. Esto resultó en una reducción en el número de películas estadounidenses en el mercado alemán: las películas sonoras estaban más orientadas a una audiencia que hablaba el mismo idioma que la película . Ya en 1932 se abrieron en el país más de 3.800 cines sonoros. Muchas películas sonoras de la primera ola incluían números de canciones, que a menudo jugaban un papel importante en la trama [95] . Una de esas películas fue El ángel azul de Joseph von Sternberg (1930) con Marlene Dietrich y Emil Jannings ; El primer gran papel cinematográfico de Dietrich le supuso un contrato con la Paramount, y " Marruecos " (1930) y " Shanghai Express " (1932) de Sternberg rodadas en EE.UU. la convirtieron en una estrella de primera magnitud y, en palabras del historiador Alan Laro. , un icono de la emancipación sexual moderna [96] . Las "películas de opereta", en palabras de Klaus Kreimeier, se convirtieron en el acompañamiento musical del colapso de la República de Weimar. Uno de los musicales más populares de la época " Tres de la gasolinera " de Wilhelm Thielecon Willy Fritsch y Lillian Harvey salió a la luz el 15 de septiembre de 1930, el día después de las elecciones al Reichstag , en las que el NSDAP obtuvo el segundo lugar. Los tres hombres de la gasolinera usaron fácilmente los signos de los tiempos: desempleo, viviendas hipotecadas, quiebras bancarias. El dúo de Fritsch y Harvey también se pudo ver en películas de disfraces-operetas Love Waltz» Thiele (1930) y «The Congress Dances » de Eric Charel(1931) basado en el Congreso de Viena [91] . La primera película sonora de Fritz Lang, M , que hoy es considerada un thriller de referencia, se distinguió por su uso innovador del sonido: un vendedor ciego reconoce a un asesino por la forma en que silba la misma melodía, que se ha convertido en una especie de leitmotiv del antagonista [97] . El mayor teórico del teatro de su época, Bertolt Brecht , descontento con la adaptación cinematográfica de La ópera de tres centavos de Pabst (1931), lanzó un ensayo programático sobre cine "El juicio de la ópera de tres centavos" y jugó un papel clave en la creación de un " película proletaria" sobre la vida de la ciudad de tiendas de campaña de los desempleados y la lucha de clases " Kule Wampe, o ¿Quién es el dueño del mundo?" ”, en la que, junto con un comunista de origen búlgaro Zlatan Dudov , coescribió el guión, y también estuvo presente en el set [10] . Otro ideólogo del "cine proletario" Pil Jutzi filmó en 1931 la novela de Alfred Döblin "Berlín, Alexanderplatz". Estrenada en 1930, la película muda People on Sunday” pasó a la historia no solo por su lenguaje innovador (la película es una crónica de los domingos de varios jóvenes, cuyas acciones y decisiones parecen espontáneas, y no sujetas a una lógica predeterminada), sino también porque en ella trabajaron varios jóvenes cineastas al mismo tiempo. una vez, que pronto dejará Alemania y hará carreras exitosas en Hollywood: los dos directores de cine Robert Siodmak y Edgar Ulmer , los coguionistas Kurt Siodmak y Billy Wilder , el asistente de cámara Fred Zinneman [98] .
Influyente crítico de cine desarrollado en la República de Weimar, cuyas figuras más importantes fueron Rudolf Arnheim en Die Weltbühne ( El cine como arte , 1932), Béla Balász en Der Tag ( El hombre visible , 1924), Siegfried Krakauer en el Frankfurter Zeitungy Lotte Eisner en Film-Kurier.
Con la llegada al poder de los nacionalsocialistas en Alemania, el cine quedó bajo el control total del estado . En 1933, la Cámara Imperial de Cinematografía se estableció como una división de la Cámara Imperial de Cultura . En la producción de películas, sólo se permitía participar formalmente a los miembros de la Cámara Imperial, la exclusión de la misma significaba la prohibición de la profesión [99] . Joseph Goebbels se convirtió en el líder de facto de la industria cinematográfica en la Alemania nazi , quien se desempeñó como Ministro de Educación y Propaganda y Presidente de la Cámara Imperial de Cultura. El 28 de marzo de 1933, en un discurso ante la industria cinematográfica alemana, describió cómo debería ser el cine alemán: entretenido y no abiertamente propagandístico, sino nacionalsocialista en espíritu [100] . En 1934, el estado introdujo la censura previa de las películas (en realidad, las autoridades rara vez ejercieron el derecho de prohibir una película, ya que el control ideológico en todas las etapas de producción excluía efectivamente la aparición de obras no deseadas). En 1936, Goebbels prohibió efectivamente la crítica cinematográfica por su decisión: solo se permitía la publicación de reseñas neutrales de películas, pero no análisis profundos, especialmente críticos, y se requería que los críticos cinematográficos tuvieran una licencia especial [100] [101] . Desde mediados de la década de 1930, el estado comenzó a comprar gradualmente activos de sus propietarios y en 1942 unió todos los estudios cinematográficos del Reich, incluido el protectorado, bajo una sola empresa UFA-Film, conservando sus propios nombres [102] . A mediados de 1936 se promulgó una ley en el país que encomendó al Ministerio de Propaganda de Alemania la expedición de permisos para la distribución de películas extranjeras. De hecho, se impuso una prohibición al estreno de películas no alemanas.
Ya a fines de marzo de 1933, la dirección de la UFA decidió despedir a los empleados judíos del estudio [103] . Pronto se rescindió el contrato con Pommer, quien luego abandonó Alemania [104] . Desde 1933, alrededor de 1.500 cineastas han emigrado del país, principalmente a los Estados Unidos, [105] , incluidos los directores Fritz Lang, Richard Oswald, Douglas Sirk , Billy Wilder , Robert Siodmak , el destacado dramaturgo de la UFA Robert Liebman ., actores Conrad Veidt , Peter Lorre , Elisabeth Bergner [2] [106] . Marlene Dietrich rechazó una invitación para regresar al país [107] y, además, se convirtió en una conocida crítica del régimen nazi y en una activista para comprar bonos de guerra estadounidenses [108] . El popular actor Joachim Gottschalk se suicidó junto con su esposa e hijo debido a las presiones a las que fueron sometidos por parte de las autoridades, exigiendo la anulación del matrimonio entre un ario y una judía [109] . En Moscú, en 1936, se creó la película " Wrestlers " (dirigida por Gustav von Wangenheim ), casi todo el equipo de filmación estaba formado por cineastas alemanes que emigraron a la URSS [110] .
Las primeras películas de propaganda para la gloria del nacionalsocialismo aparecieron ya en 1933, pero, por ejemplo, solo dos películas de este tipo aparecieron en la UFA en un año: Young Hitlerite Quex de Hans Steinhof y Refugees de Gustav Ucicka , y la mayoría de las películas todavía pertenecía a los géneros "ligeros" [111] . De las treinta y cuatro películas de la UFA realizadas entre 1935 y 1936, sólo cuatro fueron prohibidas por los Aliados después de la guerra [112] . Según las estadísticas citadas por Michelle Langford, más de la mitad de todas las películas realizadas entre 1933 y 1945 pueden clasificarse como comedias [113] . Gracias a las comedias musicales ¡Cariño, estás montando conmigo!"," Gasparona"(ambos - 1937)," Hola, Janine"(1939) y" Cora Terry "(1940), la estrella de primera magnitud fue Marika Rökk [114] . Las películas estrenadas en la segunda mitad de la década de 1930 por el director, productor y uno de los líderes de la UFA Karl Ritter se inclinaron más hacia la propaganda . " Operación Miguel""(1937) y" Parole "(1938) glorificaron el deber de un soldado alemán en el frente de la Primera Guerra Mundial, en la "Operación" Michael "" expresada, según el plan de Ritter, en un ataque suicida sin sentido, " Pour le mérito "(1938) fue una serie de escenas cortas que dieron un retrato caricaturesco-fantasmagórico de la República de Weimar antes de que el NSDAP llegara al poder [115] . Un breve período de amistad con la Unión Soviética tras la firma del pacto de no agresión dio lugar a la adaptación cinematográfica de The Stationmaster 's The Postmaster de Gustav Ucicki, que se considera el mayor logro creativo del actor Heinrich Gheorghe [116] .
Leni Riefenstahl ocupa un lugar especial en el cine del Tercer Reich . Hizo su debut cinematográfico como actriz a mediados de la década de 1920 en Funk's Mountain Films; al mismo tiempo conoció al camarógrafo Sepp Allgaier , quien se convirtió en su colaborador constante [117] . En 1932, habiendo ganado ya fama como actriz, encantada con una de las actuaciones de Hitler , Riefenstahl logró un encuentro personal con el Führer. Su relación se convirtió en una fructífera colaboración, en 1933 Riefenstahl se convirtió en el director de un documental sobre el congreso del NSDAP , llamado " Victoria de la fe ". Ella capturó la siguiente convención en la película Triumph of the Will . Para el rodaje de "El triunfo de la voluntad", que se convertiría en un monumento al régimen nazi y personalmente a Hitler, Riefenstahl recibió capacidades técnicas sin precedentes (por ejemplo, una de las cámaras se instaló en una plataforma con un mecanismo de elevación que permitió disparando desde una altura de hasta cuarenta metros) [118] . En 1936, Riefenstahl dirigió el documental Olympia sobre los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 en Berlín . Las películas de Riefenstahl, principalmente Triumph of the Will, se consideran, debido a su mérito artístico, encarnar la estética del totalitarismo [119] y uno de los pináculos del documental y la propaganda. En torno a ellos, las discusiones sobre la relación entre la propaganda política y el arte aún no cesan [120] [121] .
Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, el género característico del cine alemán se convirtió en "películas de resistencia" ( Durchhaltefilme ), cuya tarea era mantener el alto ánimo de la población, que sufría los bombardeos y la separación de sus seres queridos [122] . Dos de estas películas son Concert by Request» Eduard von Borsodi(1940) y Great Love de Rolf Hansen (1942), ambas sobre un amado que espera a un piloto de la Luftwaffe , fueron las películas más taquilleras en la historia del Tercer Reich, con 26,5 millones y 29 millones de espectadores, respectivamente [123] . La actriz y cantante sueca Sarah Leander , que interpretó el papel principal en El gran amor, se convirtió en una de las estrellas mejor pagadas del cine alemán [124] . En 1940, se estrenaron las películas de propaganda abiertamente antisemita Jew Süss de Veit Harlan , The Eternal Jew de Fritz Hippler y The Rothschilds .» Erich Wasneck(todos - 1940). Todos ellos presentaban a los judíos como la principal fuerza negativa del pasado europeo, sugiriendo así la tradición europea como fuente del antisemitismo nazi moderno [99] . La película Yo acuso de Wolfgang Liebeneiner (1941) pretendía justificar el programa de eutanasia para personas con trastornos mentales [125] . Los ideales del nacionalismo y el principio del Führer fueron glorificados en biopics : " Robert Koch, conquistador de la muerte» Herbert Maisha(1939), " Bismarck" Liebeneiner, " Friedrich Schiller - el triunfo del genioMaisha (ambas de 1940) y Uncle Kruger (1941) de Steinhof [115] . La producción más cara del cine del Tercer Reich fue la histórica película de Harlan " Kolberg ", dedicada a los acontecimientos de las Guerras Napoleónicas , pero promoviendo inequívocamente la resistencia al enemigo hasta el último soldado aquí y ahora. Aunque el rodaje ya estaba en marcha en el momento en que la situación en los frentes se volvió crítica para Alemania, las unidades militares se retiraron de sus posiciones para participar en escenas de batalla a gran escala con grandes extras. Sin embargo, la película, que requirió recursos tan colosales, fue vista por un pequeño número de espectadores: en enero de 1945, cuando se estrenó Kohlberg, la mayoría de los cines ya habían sido destruidos por los bombardeos aliados [126] . Sin embargo, incluso durante la guerra, aparecieron películas en Alemania que conservaban una cierta independencia de puntos de vista: "Te confío a mi esposa" de Werner Hochbaum(1942), " Soñé contigo» Wolfgang Staudte (1944), « Calle Bolshaya Svoboda, 7» Helmut Keutner (1944) [2] .
La innovación técnica más importante del período nazi fue la película en color utilizando la tecnología Agfacolor .[127] . La primera película en color alemana fue la comedia histórica Las mujeres siguen siendo las mejores diplomáticas.» Jorge Jacobicon Marika Rökk y Willi Fritsch, cuya producción, debido a numerosos problemas, se alargó durante dos años (se estrenó en 1941) [114] . Películas históricas de gran formato como " Munchausen " (1943) y "Kolberg" [128] también se rodaron en color .
Tras la derrota en la Segunda Guerra Mundial, Alemania, que yacía en ruinas, fue dividida en cuatro zonas de ocupación administradas por los Aliados . Los nuevos estados de la República Federal de Alemania y la República Democrática Alemana se proclamaron recién en 1949. En realidad, Alemania fue recreada desde cero; En 1947, el cineasta italiano Roberto Rossellini filmó Alemania, Año Cero , en la devastada Berlín , en parte debido a que el primer año de la posguerra en Alemania se conoció como Año Cero [129] . En la zona de ocupación soviética , permanecieron las principales instalaciones de producción cinematográfica de antes de la guerra: el estudio UFA en Babelsberg. También facilitó a los Aliados la descartelización de la producción cinematográfica en la zona occidental de ocupación, lo que vieron como un paso necesario en la creación de un nuevo cine sin propaganda [130] . Allí, el lugar de Berlín como centro de producción cinematográfica fue ocupado por Múnich y Hamburgo [131] .
En mayo de 1946, se estableció el estudio de cine DEFA en Potsdam, que fue ocupada por las tropas soviéticas . En ese momento ya estaba en producción la primera película alemana de posguerra " Killers Among Us " de Wolfgang Staudt , sobre el encuentro de posguerra de un exprisionero de un campo de concentración y un criminal nazi, pionero de la llamada "cine de la ruina" ( Trümmerfilm ) - películas cuyo tema principal era comprender la catástrofe que azotó a Alemania y superar el pasado nazi. La actriz Hildegard Knef , una de las principales estrellas del cine alemán de la posguerra, plasmó en la pantalla la imagen arquetípica de la “mujer de las ruinas” (al final de la guerra, muchas mujeres trabajaban efectivamente en la retirada de los escombros de edificios destruidos) [132] . "Killers Among Us", así como más tarde presentado en DEFA " Marriage in the Shadows "» Kurt Metzig (1947, basado en la historia de la muerte de Joachim Gottschalk y su esposa), « El caso Blum" Erich Engel (1948)," Rotación» Staudte (1949) fueron fruto del sincero deseo de sus creadores de iluminar al público masivo y provocar el rechazo del pasado nazi [131] .
En 1945, Erich Pommer regresó a Alemania , designado por los aliados para liderar la reconstrucción de la industria cinematográfica en Occidente . En 1946-1948. Se estrenaron 28 películas en la zona de ocupación aliada [133] . Con la participación activa de Estados Unidos se restableció el sistema de distribución y los cines. Las películas de Hollywood de la década de 1930 y principios de la de 1940 abundaron en ellas: los estudios ya las habían pagado gracias al mercado estadounidense y podían permitirse alquileres a precios de dumping. Las autoridades ocupantes aprobaron esto, creyendo que contribuiría a la política de desnazificación [134] [135] . Al mismo tiempo, contrariamente a los deseos de la administración de ocupación, los estudios no estrenaron películas de los últimos años para su distribución en Alemania; la situación cambió solo después de la introducción del marco alemán en 1948 , cuando los estudios pudieron ganar dinero con la taquilla [136] . En 1951, se estrenaban en Alemania más de 200 películas estadounidenses al año [137] . Un elemento importante de la propaganda antinazi estadounidense fue la demostración de documentales sobre campos de concentración , a menudo engañados para mostrar tales películas por engaño o por la fuerza (sin esto, era imposible usar la tarjeta de comida) [138] . El 21 de agosto de 1949 entró en vigor un estatuto según el cual Alemania ya no podía imponer prohibiciones ni restricciones al alquiler de cine extranjero en su territorio.
En general, la diferencia entre el "cine de la ruina" de las zonas occidental y oriental fue que los cineastas de DEFA, en su mayoría de izquierda, buscaban reflexionar sobre las causas del surgimiento del nazismo, mientras que las películas se rodaban en la zona occidental, principalmente apuntando al futuro y pintando cuadros de renacimiento vida pacífica y sin hacer las preguntas más incómodas (por ejemplo, " Y sobre nosotros el cielode Joseph von Bucky y " En aquellos días» Koitner, ambos de 1947). En palabras de Chris Marker : “Aunque la guerra y la derrota han afectado a todos por igual, los cineastas del este intentan, aunque demasiado radicalmente, determinar las causas políticas y la responsabilidad específica, y los cineastas del oeste culpan al destino, al Kaiser, Wotan , Mephistopheles , Adán y el Señor Dios mismo.» [139] . Los autores de las películas más odiosas del período nazi también tuvieron la oportunidad de trabajar en la zona occidental de ocupación: Wolfgang Liebeneiner ya en 1949 bajo el título “ Love 47” filmó la obra antifascista de Wolfgang Borchert “There at the Door” [137] , Veit Harlan reanudó el trabajo en 1951 después de una serie de juicios, que resultaron en una absolución.
La historia del cine de la RDA se caracteriza por una constante alternancia de períodos de rígido dictado ideológico y relativa liberalización [140] . De 1946 a 1990, se estrenaron unas setecientas películas en la RDA, unas 15 películas al año, un número pequeño, dado que, por ejemplo, se estrenaron más de mil películas en Alemania durante los 12 años del régimen nazi. Para que la película entrara en producción y luego en las pantallas, se requirió coordinación en muchas instancias, tanto en el estudio de filmación como en los órganos del partido del SED [141] . Sin embargo, a menudo se utilizó el cine como una forma de iniciar una discusión pública sobre algún tema, y luego se permitieron películas problemáticas bastante ambiguas [142] .
En DEFA se formaron divisiones que se ocupaban del estreno de largometrajes, documentales y películas de animación [143] . Desde 1954 existe en la RDA la Dirección General de Cinematografía . - un organismo estatal que regula la producción cinematográfica y está presidido por un funcionario con rango de viceministro de cultura [141] . Al mismo tiempo, el aparato de la SED tenía su propio responsable de la producción cinematográfica, que controlaba tanto a la DEFA como a la Dirección General de Cinematografía [144] .
En los primeros años de la RDA se siguieron realizando películas dedicadas a comprender y superar el pasado nazi: “ Consejo de los Dioses» Metzig (1950), « Leal» Staudte (1951) [145] [2] . En 1951 se produjo la primera prohibición por censura de una película que ya se había estrenado: " Wandsbeck's Axe ".» Falk Harnack , desde el punto de vista de los órganos del partido soviético y alemán, mostró con demasiada simpatía al verdugo al servicio de los nazis [146] . Después de los disturbios del 17 de junio de 1953, vino una cierta liberalización: la dirección del partido apoyó el estreno de películas que describían críticamente el presente, planteaban preguntas agudas (las llamadas Gegenwartsfilme ) [146] . Al mismo tiempo, en 1954-1955. Se estrenó la dilogía fílmica de Metzig sobre Ernst Thalmann , que fue filmada bajo la estricta supervisión del SED y presentaba una imagen idealizada de un revolucionario [147] . « La historia del pequeño Muck» (1953) Staudte se convirtió en un éxito de taquilla y en el ejemplo más brillante del éxito de las películas infantiles producidas por DEFA, cuyo nivel fue alto a lo largo de la historia de la RDA [143] . El principal director de cine de Alemania Oriental fue Konrad Wolf , hijo del escritor comunista Friedrich Wolf y hermano del jefe de inteligencia exterior de la RDA, Markus Wolf . Después de que los nacionalsocialistas llegaron al poder, la familia Wolf emigró a la URSS, durante la guerra el joven Konrad sirvió como traductor en el ejército soviético [148] , y después de la guerra estudió en VGIK en el taller de dirección de Grigory Alexandrov [ 149] . En varias de las películas de Wolf (" Lissy", 1957; « Estrellas", 1959) muestra la evolución del héroe - un alemán, dándose cuenta gradualmente del mal que trae el nazismo [150] . En "Estrellas", Wolf, antes que los directores de Alemania, hizo del Holocausto el tema principal principal de la película [151] . " I Was Nineteen " (1968) es una película autobiográfica sobre un joven alemán que, como parte del Ejército Rojo , entra en Alemania en los últimos días de la guerra [152] . Wolf, sin embargo, también tuvo la oportunidad de caer bajo la prohibición de la censura: en 1959, su película Seekers of the Sun”, que representa simbólicamente la construcción del socialismo como una búsqueda del Sol - uranio , fue puesto en el estante ante la insistencia de las autoridades soviéticas, presumiblemente porque reveló la importancia para la URSS de la industria minera de uranio de la RDA . La prohibición se levantó en 1972. En 1961, Wolfgang Wetzold, secretario del Ministerio de Cultura de la RDA, escribió que una de las razones de la desaparición del conflicto real del cine de la RDA fue la exclusión de una película tan ejemplar como The Sun Seekers [153] . En 1971, Wolf dirigió la película conjunta soviético-alemana Goya, o el duro camino del conocimiento .
Después de la "represión" provocada por el levantamiento húngaro de 1956 y la construcción del Muro de Berlín , llegó de nuevo la relajación. Wolf pudo dirigir la película Broken Sky”(1964) basada en la novela de Christa Wolf sobre el amor de dos jóvenes que se encuentran en lados opuestos del Muro de Berlín. Metzig adaptó la novela Los astronautas de Stanisław Lem ; " Silent Star " (1960) - la primera película de ciencia ficción de la RDA [154] . « Carburo y acedera» Frank Bayer (1963) es un raro ejemplo de una sátira publicada en la RDA sobre la situación social y económica [113] . En diciembre de 1965, en el pleno del Comité Central del SED, se discutió la política cultural en general y se proyectó “ Soy un conejo ”.por Metzig y " No creas que estoy rugiendo» Frank Vogel, que Eric Honecker , en ese momento la segunda persona del partido, citó como ejemplo de tendencias en el cine nocivas para el socialismo. Casi todas las películas estrenadas en 1965 fueron prohibidas [155] . « Sendero de piedrasBayer's (1966) fue cancelado tres días después de su lanzamiento [113] . En años posteriores, la producción de DEFA estuvo dominada por películas de entretenimiento apolíticas como Sons of the Big Dipper (1966) de Josef Mach , la primera de una serie de westerns protagonizada por el actor yugoslavo Gojko Mitic , quien se hizo famoso por interpretar los papeles de indios . jefes _ El mayor proyecto ideológico de este período fue la dilogía cinematográfica de Günter Reisch sobre Karl Liebknecht : "Mientras viva" (1965) y "A pesar de todo" (1972) [2] .
Después de que Honecker asumiera el SED en 1971, la dictadura ideológica se debilitó nuevamente y se hicieron posibles películas en el cine que hablaran más libremente sobre el individuo y el lado íntimo de la vida. La película más importante de este período fue La leyenda de Paula y Paula de Heiner Karov , según Maya Turovskaya , una película de carnaval sobre la falsa y miserable prosperidad socialista y el verdadero amor mortal [157] . La pintura de Karov se destacó por su narración suelta sobre la vida sexual de los personajes, el uso de imágenes de los sueños y la banda sonora de la popular banda de rock Puhdys . Sigue siendo una de las películas más populares del período socialista [156] . Karov, miembro del SED y generalmente leal al Estado, partidario de los ideales del socialismo, en sus palabras, decidió hacer "una película que entusiasme a todos" después de que su película Los rusos están llegando fuera prohibida en 1968 por no seguir la narrativa oficial, según la cual los alemanes comunes sin excepción dieron la bienvenida a las tropas soviéticas como libertadoras [158] . Jakob the Liar (1974) de Baier , una película sobre el Holocausto que era a la vez poética y amargamente humorística, fue la única película de Alemania Oriental nominada a un Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera . En 1976, las autoridades no permitieron que el bardo Wolf Biermann regresara al país . Esta decisión se convirtió en un símbolo de represión contra la libertad artística y provocó la emigración de muchas figuras culturales, incluidos los actores de cine más populares Manfred Krug y Armin Müller-Stahl y la estrella de The Legend of Paul y Paul Angelika Domrese.[160] .
El aumento de la censura y la emigración de estrellas de primer nivel asestaron un duro golpe al cine de la RDA que marcó toda la década de los 80 (el último éxito significativo fue Solo Sunny» Lobo en 1980). El público prefería las producciones televisivas o las películas americanas que se estrenaban [160] . El 9 de noviembre de 1989 se estrenó la película Coming Out de Karov . En otro tiempo, una película cuyo tema principal fuera la confesión de la propia homosexualidad hubiera sido un acontecimiento, pero esa misma noche cayó el Muro de Berlín. En 1990, la RDA dejó de existir formalmente y en 1992 se abolió el estudio DEFA [160] .
La consecuencia de la política de las autoridades de ocupación en Alemania Occidental fue la provincianidad y la posición subordinada del cine nacional incluso en el mercado interno. Por ejemplo, a diferencia de Francia o Gran Bretaña, en la RFA las distribuidoras americanas podían retirar íntegramente sus beneficios a Estados Unidos, por lo que la inversión en el cine alemán seguía siendo extremadamente baja [161] . Hasta mediados de la década de 1950, la producción cinematográfica creció constantemente, principalmente a expensas de películas de género de baja calidad [162] [163] . Algunas películas producidas bajo el régimen nazi también fueron populares, y las estrellas de la época, Marika Rökk y Hans Albers , mantuvieron su estatus después de la guerra [164] . Veit Harlan, director de Jew Süss y Kohlberg, realizó diez películas en Alemania Occidental en la década de 1950 [137] . La descartelización concebida por los Aliados, que supuso la separación de UFA y otros actores importantes como Bavaria Film, y la dispersión a diferentes propietarios de la producción, distribución y salas de cine, fue aprobada en una ley de 1953 de forma relajada, y luego saboteada de facto. en la práctica: una gran parte de los activos se concentró en posesión de Deutsche Bank . UFA y Bavaria controlaban alrededor del 60% de la capacidad de los estudios y las dos mayores distribuidoras, aunque esta posición estaba infinitamente lejos del poder de UFA de antaño [165] .
Los años de la posguerra vieron el apogeo del género " Highmatfilm ".” (literalmente - “una película sobre la patria”), inspirada en la prosa de escritores de finales del siglo XIX-XX, como Hermann Löns , Ludwig Ganghofer y Peter Rosegger , que cantaban sobre la vida cercana a la naturaleza, la amistad y valores familiares y contrastó su “bueno” con su “mal” recién llegado; un elemento frecuente de tales películas eran los números musicales sentimentales (" La chica de la Selva Negra» Hansa Deppe, 1950; « Cartero Müller» Juan Reinhart, 1953; " Cuando florece la lila blanca " Deppe, 1953; « Chicas de Immenhof» Wolfgang Schleif, 1955). Las imágenes idílicas de Heimatfilm sirvieron como acompañamiento del "milagro económico" de la década de 1950 y aseguraron a los espectadores que los horrores de la guerra y el éxodo masivo de refugiados del este no habían roto el carácter nacional de los alemanes [166] [164 ] . La actriz Romy Schneider hizo su debut en Cuando florecen las lilas blancas , pero su trabajo en Austria (el papel de Isabel de Baviera en la trilogía de Sissi ) y en Francia le dio fama europea y mundial . La mayoría de las películas bélicas presentaban a los alemanes como víctimas del choque de dos regímenes dictatoriales, mientras que los soldados soviéticos parecían más bien bárbaros [167] . La comedia musical vio un resurgimiento en los años de la posguerra en el género "schlagerfilm" ( Schlagerfilme ) (" Amor, baile y mil cancionescon Katerina Valente y Peter Alexander , 1955; Cuando Connie y Peter están juntoscon Cornelia Froboess y Peter Kraus , 1958) [113] . En general, la seña de identidad del cine de posguerra fue el escapismo , que al mismo tiempo heredó el escapismo del cine de entretenimiento del Tercer Reich y salvó al espectador de cuestionamientos sobre la responsabilidad en los crímenes del nazismo [168] [169] . Una de las raras películas problemáticas de la década de 1950 fue The Bridge de Bernhard Wikki , sobre la insensata defensa de un puente por parte de un destacamento condenado durante la Segunda Guerra Mundial, pero percibida tanto en el país como en el extranjero como una protesta contra la remilitarización de la RFA [170]. ] . Al regresar de Hollywood, Robert Siodmak dirigió el drama " Ratas " en Berlín Occidental , que ganó el " Oso de Oro " en el Festival de Cine de Berlín . En general, la reputación del cine alemán era reconocidamente baja. En 1961, nadie recibió el premio nacional de cine a la mejor película alemana del año, al mejor director y al mejor guión [167] [171] . En Sight and Sound de esos años, Alemania fue llamada una vez "un desierto cinematográfico" [162] .
De 1945 a 1956, las ventas anuales aumentaron de 150 millones de entradas a 817 millones de entradas (por cada habitante de la RFA y Berlín Occidental había 16 visitas al cine por año) [172] , y el número de pantallas aumentó de 2000 a 6500. Desde A fines de la década de 1950, el número de visitantes a las salas de cine comenzó a disminuir rápidamente, a alrededor de 180 millones en 1969. El número de pantallas de cine también se ha reducido casi a la mitad. Al mismo tiempo, en 1956-1963. el número de receptores de televisión ha pasado de menos de 1 millón a 9 millones [173] . Dado que el crédito en el marco del programa de apoyo a la producción cinematográfica solo podía otorgarse para la creación de ocho películas a la vez, solo los grandes estudios podían contar con él. Y ninguno de los estudios que recibieron tal préstamo sobrevivió a 1960 [173] . UFA quebró en 1962 y fue vendida a la empresa Bertelsmann (posteriormente, la producción de televisión comenzó en el antiguo estudio de UFA en Tempelhof) [174] . Como consecuencia, los estudios redujeron drásticamente la financiación. Si en 1956 se estrenaron 123 películas, entonces en 1966, solo 60 películas [175] .
El final de la década de 1950 estuvo marcado por el nacimiento de la serie de adaptaciones cinematográficas de novela policíaca de Edgar Wallace : de 1959 a 1972, Rialto Filmlanzó 32 películas basadas en las novelas de Wallace. Casi todas estas películas fueron producidas con la participación del productor Horst Wendlandty los directores Alfred Vohrer o Harald Reinl . Con un bajo costo de producción en línea (alrededor de 1,4 millones de marcos por película), en 1970 el ciclo generó alrededor de 140 millones de marcos [176] . También bajo la dirección de Wendlandt, Rialto entre 1962 y 1968 estrenó una serie de películas sobre el líder indio Vinnetu basadas en las novelas de Karl May con el actor francés Pierre Brice en el papel principal [177] . Propietario del estudio rival CCC FilmArthur Brauner persuadió a Fritz Lang para que regresara a Alemania y dirigiera dos películas, la segunda de las cuales, The Thousand Eyes of Doctor Mabuse (1960), se basó en la imagen anterior a la guerra de Lang de un criminal brillante . El éxito comercial de Los mil ojos del Dr. Mabuse permitió a Browner, sin la participación de Lang, estrenar varias secuelas, unidas por la figura del doctor siniestro [178] . Durante este mismo período, Browner produjo películas sobre Sherlock Holmes , adaptaciones de Wallace y otros productos de consumo .
Desde finales de la década de 1960, el cine de explotación sexual ha ganado una inmensa popularidad en Alemania Occidental , la parte más importante de la cual se ha convertido en las llamadas "películas educativas" ( Aufklärungsfilme ). En 1967, con el apoyo de la Ministra de Salud de Alemania, Kaethe Strobel , la película Helga”, en el que el ginecólogo le contó al inexperto personaje del título sobre la vida sexual y el parto y mostró un registro genuino del parto. "Helga" se convirtió en un éxito en casa y se mostró con éxito en otros países europeos, fue visto por hasta 40 millones de personas, en los años siguientes se lanzaron dos secuelas de "Helga", que también trajeron grandes ganancias a sus creadores. Helga dio impulso al surgimiento de documentales bastante serios dirigidos a la educación sexual (su estrella fue el sexólogo liberal Oswalt Kolle), así como películas francamente explotadoras, como la serie de pseudodocumentales "Reports on Schoolgirls", la primera de las cualesse mostró en 1970, producido por Wolf Hartwigy el director Ernst Hofbauer , que a su vez dio origen al género de los "film-reportajes" ( Report-Filme ) [180] . En 1971, las tres películas alemanas más populares para estrenar en casa fueron los dos episodios del Informe sobre las colegialas y la primera serie del Informe sobre las amas de casa.» [181] . En la década de 1970, el propio cine de explotación también se produjo en masa, ya sin una pizca de "educación", donde a menudo se le daba a la acción un énfasis enfáticamente nacional (un subgénero de la comedia erótica Lederhosenfilm , en la que la acción se desarrolla en Bavaria) o sabor exótico. Productor suizo Erwin Dietrich, que trabajó en Alemania, atrajo para varias producciones al célebre director de explotación español Jesús Franco , y al productor bávaro de comedias eróticas Alois Brummerya en 1970 se convirtió en el tema de un documental de Hans-Jürgen Sieberberg "Sex Business: Made in Pasing" sobre la industria cinematográfica de la explotación sexual [182] . En general, estas películas eran secuencias vagamente conectadas construidas alrededor de un cuerpo femenino desnudo o gags cómicos. En la segunda mitad de la década de 1970, la liberalización de la legislación sobre pornografía y la expansión del alquiler de videos domésticos llevaron al rápido declive del cine de explotación sexual. En total, según algunas estimaciones, de las 782 películas de Alemania Occidental estrenadas entre 1967 y 1980, más de 300 pueden clasificarse como sexploitation [183] .
“ Nuevo cine alemán ” es un término condicional que caracteriza el conjunto de películas rodadas en Alemania en la década de 1960 y principios de la de 1980 y, aunque difieren mucho entre sí estilística y temáticamente, tienen algunas características que les permiten distinguirse como un elemento común. . Julia Knight menciona tres cosas: estas películas están hechas por directores que pertenecen a la misma generación, nacidos durante la Segunda Guerra Mundial o cerca de ella, y creciendo en una Alemania dividida; estas son películas "hechas a mano", a menudo creadas por equipos cercanos de personas de ideas afines y que experimentan con las posibilidades de la cinematografía; estas películas combinan una preocupación por la Alemania contemporánea con una búsqueda de un mercado y una audiencia [184] .
28 de febrero de 1962 en el festival anual de cortometrajes en Oberhausen , 26 jóvenes cineastas alemanes, los más famosos de los cuales son los directores Alexander Kluge , el ideólogo del manifiesto, Edgar Reitz, Haro Zenfty Ferdinand Hittl[185] publicó una declaración conocida como el " Manifiesto de Oberhausen". En él, los firmantes proclamaban la muerte del "viejo cine" (también se le llamaba despectivamente "el de papá") y la disposición a asumir la responsabilidad de la creación de un nuevo lenguaje cinematográfico [186] [163] . En los años siguientes, se lanzó en Alemania un programa de apoyo estatal a la cinematografía nacional, en cuya implementación jugaron un papel importante los signatarios del Manifiesto de Oberhausen. Su primera señal fue la creación de un instituto de cine en Ulm , encabezado por Kluge [186] .
En febrero de 1965, el Ministerio del Interior estableció un programa para apoyar a los directores debutantes, el Joven Curador de Cine Alemán .” con un fondo de cinco millones de marcos (se asignaron hasta 300.000 marcos para cada película) [187] . Veinte películas recibieron apoyo en los primeros tres años, incluidos los debuts cinematográficos de Kluge, Werner Herzog y Volker Schlöndorff . En el futuro, el esquema de financiación ha cambiado varias veces, pero el programa sigue vigente. En 1966 se fundó la Academia Alemana de Cine y Televisión .(Academia de Cine de Berlín), en 1967 - Escuela Superior de Cine y Televisiónen Múnich [188] .
Las películas realizadas en la segunda mitad de la década de 1960 se diferenciaron notablemente de sus predecesoras en que trataban temas contemporáneos. It (1966) de Ulrich Chamonix contó la historia del aborto cuando aún estaba prohibido en Young Turless(1966) de Schlöndorff, adaptación cinematográfica de la novela de Musil sobre las aficiones sádicas de los alumnos de un internado de élite, aunque la acción se sitúa a principios del siglo XX, también recuerda al espectador el pasado nazi reciente [ 189] . « Adiós al pasado» (1966) Kluge: la historia de una niña judía que llegó a Alemania desde la RDA, pero se enfrentó a la hostilidad, no pudo encontrar trabajo y finalmente se hundió en el robo callejero. "Adiós al pasado" se distinguió no solo por cuestiones sociales, sino también por un enfoque narrativo poco convencional: la película se dividió en episodios separados, interconectados por las leyendas del autor [190] . « Escenas de caza de la Baja Baviera» Peter Fleischmann(1969) era una inversión del Heimatfilm, donde Baviera ya no era el escenario idílico de una historia romántica, sino un remanso de pobreza e ignorancia [191] . Jean-Marie Straub y Daniel Huillet , directores franceses que vivieron en Alemania en la década de 1960 e hicieron películas en alemán y aunque no se encuentran entre los signatarios del Manifiesto de Oberhausen, pero a menudo atribuyen a la misma ola, sus primeras películas " Makhorka-Muff " ( 1963) y Los no reconciliados, o Donde reina la violencia, solo la violencia ayuda» (1965) se realizó a partir de los trabajos de Heinrich Böll sobre la vida bajo el nazismo y la remilitarización de la posguerra [192] .
Sin embargo, este aumento resultó ser de corta duración: los jóvenes directores no podían contar con la financiación de la segunda película en el marco del programa Curatorium. En 1967, se aprobó la Ley de Apoyo a las Películas .( Filmförderungsgesetz ), que estableció contribuciones de cada entrada vendida al fondo de apoyo al cine( Filmförderungsanstalt , FFA), a la que podían solicitar financiación los productores cuyas películas anteriores hubieran obtenido una determinada recaudación de taquilla. Tal esquema estimuló el uso de las fórmulas estándar del cine comercial y era exactamente lo contrario de la idea del Curatorium [193] . La cooperación con la televisión le dio un nuevo impulso al cine, que ya a principios de la década de 1970 comenzó a atraer a nuevos directores para crear películas para televisión. En 1974, se firmó un acuerdo entre la FFA y las dos emisoras nacionales ARD y ZDF , según el cual, hasta 1978, se invirtieron más de 34 millones de marcos en la producción de películas que podían exhibirse en los cines durante dos años, y luego los derechos sobre ellos fueron transferidos a los canales de televisión [194 ] [195] . A partir de 1970 comenzaron a aparecer programas de subvenciones para cines que proyectaran películas alemanas con valor artístico (por ejemplo, en 1972 se pudo estrenar una película social de Christian Ziver" Querida mamá, estoy bien " sobre un mecánico que perdió su trabajo, reviviendo las tradiciones del "cine proletario" de la Alemania de Weimar) [196] [2] . Para promover películas "de trabajo" en el espíritu de "Querida mamá, estoy bien", se creó una empresa de distribución, Basis-Film Verleih .". Al mismo tiempo, trece cineastas firmaron un acuerdo para establecer Filmverlag der Autoren, cuya tarea era financiar de forma independiente la producción de películas y distribuirlas con costosas campañas de marketing [197] .
Para la televisión, la década de 1970 también estuvo marcada por un gran avance en el género de las series de televisión policiales. Hasta finales de la década de 1960, las series de detectives alemanas imitaban predominantemente modelos estadounidenses y británicos. La primera serie de televisión que tuvo un estilo propio y dio origen a un género ahora indisolublemente ligado a Alemania es " Comisionado de policía ".» (ZDF, 1968-1975) con Eric Odecomo el Comisionado Herbert Keller. Le siguió " Derrick " (1974-1998) de décadas de duración con el Horst Tappert permanente como Inspector Derrick, " Inspector Kress"(desde 1977) y" Caso para dos"(1981-2013), todos producidos por ZDF. El canal de televisión rival ARD lanzó la serie Crime Scene Investigation en 1970, que presentaba un enlace específico de la ciudad de cada episodio y la producción de diferentes episodios por parte de las divisiones regionales de ARD. Crime Scene aún se está estrenando [198] .
El apogeo del "Nuevo Cine Alemán" en la década de 1970 está asociado con los nombres de directores que no estaban entre los firmantes del "Manifiesto de Oberhausen": el autodidacta Herzog, Rainer Werner Fassbinder , y Wim Wenders , graduado de la Escuela de Cine y Televisión [199] . Alrededor de cada uno de ellos se han desarrollado lazos creativos estables o equipos completos: por ejemplo, la actriz Hanna Schigulla desempeñó los papeles principales en muchas de las películas de Fassbinder , Wenders colaboró constantemente con el guionista Peter Handke y el camarógrafo Robbie Muller , y Herzog trabajó con la editora Beata Mainka- Jellinghaus. Margaretha von Trotta es coguionista, codirectora o coprotagonista de las películas de su marido Schlöndorff . Fassbinder (" Katzelmacher ", 1969, y " El miedo devora el alma ", 1974) y Helma Sanders-Brahms (" La boda de Shirin”, 1975) reflejaba la llegada a Alemania de trabajadores extranjeros -trabajadores invitados- y los prejuicios de los residentes locales [197] . La primera película significativa sobre trabajadores invitados de un director inmigrante fue Far From Home (1975) del iraní Sohrab Shahid Soless.que abandonó su patria por motivos políticos [201] . El apogeo del "nuevo cine" coincidió en el tiempo con las acciones de la Facción del Ejército Rojo , que se convirtió en el tema de Leaden Times de Von Trott (1981, León de Oro del Festival de Cine de Venecia ), La tercera generación de Fassbinder (1979) y el Cine colectivo Almanaque Alemania en otoño (1978). En " El honor perdido de Katharina Blum " de Schlöndorff y von Trott, la vida de la heroína es invadida simultáneamente por el terrorismo de izquierda y la " prensa amarilla " [202] [203] .
La figura central de este período fue Fassbinder, una especie de enfant terrible del cine alemán, que no ocultó su orientación política de izquierda radical y su bisexualidad y se distinguió por su enorme productividad -en quince años dirigió cuarenta largometrajes, trabajando simultáneamente en teatro y en la televisión. Sus primeras películas fueron minimalistas, deliberadamente convencionales y claramente influenciadas por experimentos formales en el espíritu de Straub y Huye [204] [205] . Uno de sus temas constantes fue la identidad sexual (" Lágrimas amargas de Petra von Kant ", 1972; " En el año de las trece lunas ", 1978; " Querelle ", 1982) [206] . A mediados de la década de 1970, la fama y el reconocimiento de la crítica habían llegado a Fassbinder, lo que le permitió trabajar con grandes presupuestos en proyectos destinados al mercado internacional ( Despair , 1978; Lily Marlene , 1980; Querelle). El difunto Fassbinder se caracteriza por la forma del difunto melodrama de Hollywood Douglas Sirk , del mismo estilo a principios de los años 80 Fassbinder realizó una trilogía ("El matrimonio de Mary Brown ", 1979; " Lola ", 1981 ; Alemania a través de la vidas de tres mujeres y encarnaba la idea del "nuevo cine alemán" sobre la interpenetración de lo político y lo privado [207] [208] . El mayor logro creativo del director [209] se llama la serie de televisión de quince horas Berlin-Alexanderplatz (1980), que en ese momento se convirtió en la producción más cara en la historia de la televisión alemana [209] . Wenders, fascinado por la cultura americana, trasladó el género road movie a tierras alemanas en una especie de trilogía (estas películas no tienen una trama común, pero están conectadas por un motivo de viaje y el actor principal Rüdiger Vogler ): " Alicia en las ciudades " (1974), " Falso movimiento " (1975) y " Como pasa el tiempo " (1976). El talante nostálgico que ya aparecía en "As Time Goes" (su héroe repara proyectores en los cines) determina la próxima película de Wenders, " American Friend " (1977), un neo -noir y, en buena medida, un homenaje a las películas sobre que el propio director creció. Al mismo tiempo, Wenders también entreteje en él los motivos del viaje constante y la inquietud [210] . La politización general del "nuevo cine alemán" no es característica de Werner Herzog: sus principales películas Aguirre, la ira de Dios (1972) y Fitzcarraldo (1982) no se basan en material de la historia alemana o la modernidad y están ambientadas en la selva amazónica . . Herzog se caracteriza por dos motivos recurrentes, que corresponden a dos actores, cada uno de los cuales se ha convertido en una especie de alter ego del director. El primero es un hombre maniáticamente obsesionado con alguna idea; esta imagen en Herzog fue encarnada varias veces por Klaus Kinski , incluso en "Aguirra, la ira de Dios" y "Fitzcarraldo". El segundo - marginado, santo tonto, fuera de este mundo - está indisolublemente ligado a la personalidad de un actor no profesional conocido como Bruno S. y que interpretó los papeles principales en las películas " Sálvese quien pueda, pero Dios contra todos ". (1974) y " Stroszek " (1977) [212] . Werner Schroeter está cerca del nuevo cine alemán . Al mismo tiempo, debutaba la pionera del cine queer , Rosa von Praunheim , más conocida por la película “ No es el homosexual el que se pervierte, sino la situación en la que vive ” (1971). El mismo nombre de esta película la convirtió en una declaración activista [213] [214] .
El cine alemán de la década de 1970 estuvo significativamente influenciado por el movimiento feminista : en este momento, apareció un grupo de mujeres cineastas que llamaron la atención sobre el hecho de que las mujeres estaban infrarrepresentadas en los papeles principales en la producción cinematográfica, y los problemas que enfrentaban las mujeres rara vez eran los mismos. tema principal de la película [215 ] [216] . En 1968, Helke Sander llamó la atención con un discurso en una conferencia de estudiantes socialistas alemanes .. Además de ella, Margaret von Trotta y Helma Sanders-Brahms, Jutta Brückner avanzó durante este período.y Ulrike Oettinger. Para algunas de las directoras de la ola feminista, películas autobiográficas como Los años hambrientos se han convertido en una forma de expresión .Brückner y Alemania, Pale Mother de Sanders-Brahms (ambos de 1980) [215] .
A mediados de la década de 1970, el productor Bernd Eichinger hizo su debut cinematográfico , en ese momento al frente de una pequeña compañía de cine independiente Solaris Film. Con su participación, "Falso Movimiento", una película experimental de Hans-Jürgen Sieberberg " Hitler. Film from Germany ” y el drama filmado por Wolfgang Petersen sobre el amor de un preso homosexual y el hijo de un guardia “ Consequences ” (ambos - 1977). En 1979, Eichinger se convirtió en copropietario del estudio Constantin Film de Múnich y se convirtió en una figura destacada del cine alemán en las décadas siguientes [217] [218] .
Durante los años 70, el cine alemán ganó reconocimiento internacional, alcanzando su punto máximo con "El tambor de hojalata " de Schlöndorff (1979) que obtuvo la Palma de Oro y un Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera . Al mismo tiempo, su éxito comercial, especialmente en casa, siguió siendo limitado, el mercado nacional estaba dominado por el cine estadounidense y la participación de las películas nacionales no superaba el 10% [219] [197] .
En la década de 1980, los líderes del "nuevo cine" dieron paso a la siguiente generación: Fassbinder murió en 1982 por una sobredosis de drogas, Kluge comenzó a trabajar principalmente en televisión, Herzog se pasó al documental y Wenders se fue a Estados Unidos ( París, Texas filmada allí en 1984 recibió la Palma de Oro en Cannes) [220] . En 1982, en las elecciones regulares, el gobernante Partido Socialdemócrata de Alemania perdió ante la coalición CDU/CSU , y Helmut Schmidt fue reemplazado como canciller por Helmut Kohl , quien proclamó un retorno a los valores conservadores. El interés por la agenda política radical ha disminuido en la sociedad [221] . El nuevo ministro del Interior, Friedrich Zimmermann , formuló su credo a la hora de repartir las subvenciones estatales al cine: "El contribuyente no quiere provocaciones, quiere entretenimiento". Una de sus primeras decisiones fue retirar los fondos ya asignados para El fantasma , del director contracultural Herbert Achternbusch .”, acusado de blasfemia , y la negativa a financiar su próxima película, Cancer Traveler . Más tarde, la misma historia sucedió con Seducción: una mujer violenta de Monica Troit .» (1985), explorando prácticas sexuales lésbicas y sadomasoquistas [222] .
En 1981, se estrenó el éxito de taquilla de Wolfgang Petersen " Submarine " sobre el destino de la tripulación de un submarino alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Submarine fue un éxito de taquilla mundial y recibió seis nominaciones al Oscar, un récord para una película alemana. Eichinger produjo una serie de películas comercialmente exitosas: la historia de la escena de las drogas en Berlín " We Children of the Zoo Station " (debut como director de Uli Edel , 1981), la adaptación de la novela de fantasía del mismo nombre de Michael Ende "The Neverending Story " (Petersen, 1984), la adaptación cinematográfica conjunta franco-italiana-alemana del bestseller Umberto Eco " El nombre de la rosa " Las dos últimas películas fueron filmadas en inglés a la vez, contando con distribución internacional [217] [218] . En 1989, se estrenó otro proyecto de Eichinger: la película germano-estadounidense " La última salida de Brooklyn ", basada en la novela del mismo nombre de Hubert Selby , realizada por un equipo de filmación alemán dirigido por Edel, pero con un elenco estadounidense. Una película basada en material escandaloso sobre las drogas y la prostitución recibió buenas críticas, pero no se estrenó ampliamente, y Edel luego se instaló en los Estados Unidos durante años, pero sus siguientes películas no tuvieron éxito [223] . Con la participación activa de Eichinger, las películas de género de alta calidad se convirtieron en el "rostro" del cine alemán, atrayendo a una amplia audiencia y combinando acción y lealtad a los ideales conservadores [224] . En 1984 se estrenó un ciclo televisivo de Edgar Reitz .« Patria”de películas de once horas y media sobre la vida de la familia ficticia Simon de la región montañosa de Hunsrück en Renania desde 1918 hasta 1982. Reitz siguió complementando Motherland con nuevas películas, y se emitieron dos ciclos de televisión más en 1993 y 2004, lo que llevó la historia de Simonov y sus vecinos al año 2000. La duración total del proyecto se acerca a las 60 horas [225] . Rodina ( Heimat original ) por un lado hereda el highmat films de la posguerra, por otro lado deconstruye el género, situándolo en un contexto histórico y mostrando cómo el escenario tradicional del highmatfilm se llena de productos del progreso científico y tecnológico. Las películas de Reitz citan directamente tanto ejemplos clásicos del género como películas que lo critican y ridiculizan [226] .
Los años 80 fueron el apogeo de los comediantes alemanes Otto Walkes y Dieter Hallerforden , cada uno de los cuales (o más bien, sus "alter egos", respectivamente, Otto y Didi) se convirtió en el personaje principal de varias películas. En general, estas películas se redujeron a un conjunto de bocetos inscritos en una trama simple. " Oto - Película "(1985) ocupó el tercer lugar en la lista de las películas alemanas más populares en la taquilla nacional [227] .
Durante este período, también se anunciaron nuevas directoras. doris derry, que estudió en los Estados Unidos y en la Academia de Cine y Televisión de Múnich [228] , llegó al cine después de realizar películas para la televisión bávara durante varios años. Su triángulo amoroso comedia Men...”, anticipando la popularidad de otras comedias en la década de 1990 que hablaban sin inhibiciones sobre el sexo y las relaciones, se convirtió en la película alemana más taquillera de 1985 [221] [229] . Una película de Pia Frankenberg estrenada el mismo año ."Sin ti, no soy un lugar vacío", que reflexiona con humor sobre las neurosis de la protagonista, interpretada por la propia Frankenberg, ha sido comparada por la crítica con las películas de Woody Allen [230] . En la década de 1990, Derry siguió rodando “crónicas de la vida de un manicomio en el que viven personas dotadas de fobias incurables” (G. Krasnova): “ Nadie me ama"(1995), " ¿Soy hermosa?"(1996)," Desnudo» (2002, basado en su propia obra) [231] .
Wenders, de vuelta en Alemania, dirigió una de sus películas más famosas, Sky Over Berlin , una historia de dos ángeles que vigilan la vida de las personas en Berlín Occidental . Una especie de encarnación cinematográfica de la idea del ángel de la historia , Walter Benjamin , la película es una reflexión poética sobre la Alemania dividida, el nazismo (este tema es introducido por un inserto sobre el rodaje de una película sobre el período nazi) , y la culpa colectiva - o inocencia de los alemanes [232] .
La tradición del cine policiaco de género fue continuada por el director Dominik Graf , que combina el trabajo en televisión y en la gran pantalla y se opone fundamentalmente al cine autoral de autor [233] [234] . Un gran éxito comercial fue su película Cat"(1988) y la película de acción" Winners "(1994) una de las principales críticas de cine alemanas Katya Nicodemusllamado el estándar del cine de género alemán [235] .
El género cinematográfico de terror en Alemania Occidental cayó en la oscuridad desde la época del Tercer Reich hasta finales de la década de 1980: aunque las películas de terror comenzaron a realizarse ya en la década de 1950, fueron ignoradas por críticos y críticos de cine, y la legislación que limitaba la representación de La violencia en la pantalla llevó a la restricción e incluso a la prohibición de las películas de terror . El renacimiento del terror se produjo a finales de la década de 1980 y se asocia principalmente con Jörg Buttgereit , el autor de una serie de películas radicales en la intersección de la salpicadura y la pornografía suave ( Necromantic , 1987), que adquirió estatus de culto [237] .
En la primera mitad de los años 90, no hubo grandes eventos en el cine alemán, las comedias cotidianas eran populares dentro del país, pero eran incomprensibles para una audiencia extranjera y no eran demandadas por ellos [2] . El éxito comercial para el cine alemán fue 1997 (17% de la taquilla), cuando salieron dos éxitos a la vez: " Rossini, o la pregunta asesina de quién se acostó con quién ".de Helmut Dietl y la tragicomedia Llamando a las puertas del cielo de Thomas Jahn . Desde finales de la década de 1990, la popularidad del cine alemán ha crecido, acompañada de la construcción de nuevos multicines [238] . Un avance internacional fue la pintura " Run Lola Run " (1998) de Tom Tykwer , construida alrededor de la memorable imagen de la pelirroja Franka Potente corriendo por Berlín . La película independiente ascendió gradualmente a la cima de la taquilla local, luego viajó a festivales de todo el mundo y finalmente llegó a los cines en 37 países [239] . En la década de 2000, los Oscar a la mejor película en lengua extranjera fueron otorgados a Nowhere in Africa de Caroline Link (2001), Lives of Others de Florian Henckel von Donnersmarck (2006) y The Counterfeiters de Stefan Ruzowitzki (2007; nominado por Austria) [240] . Por otro lado, en 2015, ni una sola película alemana entró en los programas de competencia de los festivales más grandes fuera de Alemania: Cannes, Venecia y Locarno, y el único evento internacional de alto perfil fue el one-shot (sin montajes ). " Victoria " de Sebastián Schipper[241] . Al mismo tiempo, las comedias siguen siendo el producto de mayor éxito comercial. Las dos películas alemanas más rentables en la historia de la distribución doméstica sonla parodia del western Manitou's Moccasins (2001, 12 millones de espectadores y 65 millones de euros) del humorista Michael Herbig y la parodia de las sagas espaciales Space Watch. Episodio 1 " (2004) [242] , en el mismo 2015, la película alemana más taquillera (7,5 millones de espectadores) fue la comedia " Teacher of Honor 2 " [241] . Til Schweiger , coguionista y protagonista de "Llamando a las puertas del cielo", se ha convertido en una de las figuras más cotizadas del cine alemán y rueda sobre todo comedias románticas (" Descalzos en el pavimento ", 2005; " El guapo ", 2007). ), sobre la que tiene pleno control creativo como productor, coguionista, director y actor principal [243] .
Aproximadamente 150-160 largometrajes se hacen en Alemania cada año, sin contar las películas animadas y documentales; alrededor de 90 largometrajes llegan a los cines, pero solo una docena de películas valen la pena en la taquilla. La televisión estrena hasta 800 películas al año. A partir de 2011, la participación del cine alemán en el mercado nacional fue de alrededor del 30% [1] .
En una Alemania reunificada, se dispuso de mecanismos europeos de financiación de películas de coproducción. En 1992, se fundó el canal de televisión franco-alemán Arte , que se especializa en la transmisión cultural y brinda oportunidades tanto para la producción como para la exhibición de películas. Pero Arte y canales similares tienen una audiencia pequeña en comparación con los gigantes ARD y ZDF [244] . También existen mecanismos supranacionales europeos, como MEDIA(desde 2013 — Europa Creativa). En 1994 el productor Stefan Arndty los directores Tom Tykwer, Wolfgang Becker y Dani LevyUnited Artists y Filmverlag der Autoren crean X Filme Creative Pool siguiendo el modelo de United Artists[245] . Fue X Filme quien estrenó Run Lola Run. Con la participación de X Film, tanto los éxitos de taquilla internacionales (" Cloud Atlas ", 2012) como los favoritos de la crítica de arte y ensayo -las películas del austriaco Michael Haneke " White Ribbon " (2009) y " Love " (2012), ambas galardonado con la Palma de Oro (el primero de ellos - en alemán y principalmente con actores alemanes) [246] .
La unificación de Alemania se reflejó en el cine principalmente con comedias sobre la vida en la RDA, como Glyba"( Vadim Glovna, 1992) y Podemos hacerlo de otra manera( Detlev Buk , 1993), que explotó los valores del highmatfilm y cantó, ante todo, encontrar una familia a pesar de los obstáculos externos [247] . En Go Trabi! de Peter Timm .» (1991) sobre un viaje de una familia de Alemania Oriental a Italia en un automóvil Trabant , el principal objeto de burla son los parientes bávaros de los personajes principales [248] . El fenómeno de la nostalgia por la RDA en estas y muchas otras películas, incluidas las posteriores (“ Sunny Alley ” de Leander Hausman , 1999) se denominó “ ostalgia ” [249] . El renacimiento de algunos fenómenos de la época del socialismo es considerado positivamente en la comedia ¡Adiós, Lenin! » Wolfgang Becker(2003), donde los héroes que viven en la Alemania moderna reconstruyen la RDA en un solo apartamento [250] . El reconocimiento de La vida de los otros se debió en gran parte al hecho de que se convirtió, en general, en la primera película que presentaba un retrato crítico de la RDA con una atmósfera de depresión y vigilancia constante de los conciudadanos [251] .
El tema más importante del cine de la Alemania unida fue la reflexión sobre el pasado nazi. Comenzando con " Stalingrad " (1993) y continuando con "Nowhere in Africa", recibió un desarrollo particularmente poderoso en las películas de Oliver Hirschbiegel " Experiment " (2001) y " Bunker " (2004). El papel de Hitler al final de la guerra en "Bunker" fue reconocido unánimemente como un logro brillante por parte del actor Bruno Ganz [252] ; El historiador y biógrafo británico de Hitler, Ian Kershaw , llamó a Gantz el único que encarnó de forma fiable la imagen del Führer en la pantalla [253] . En 2005, se estrenó la película biográfica Sophie Scholl - The Last Days de Mark Rotemund . El tema del nazismo se cruzó con el género de terror en Anatomía de Ruzowitzky (2000) [254] . La final de la Copa Mundial de la FIFA de 1954 , que para muchos alemanes se convirtió en un símbolo del renacimiento del país en la posguerra, fue trasladada a las pantallas en 2003 en la película Milagro en Berna .» Sönke Wortman , que anteriormente se había hecho un nombre en comedias para adolescentes [255] . En 2008, la historia de la Facción del Ejército Rojo se recreó en el Complejo Baader-Meinhof de Uli Edel, producido por Eichinger y con un elenco estelar de Moritz Bleibtreu y Martina Gedeck en los papeles principales de Ganz y Tom Schilling en la papeles secundarios [256] y se convirtió en la película alemana más cara en ese momento [257] . En contraste con la tradición anterior de películas sobre la Fracción del Ejército Rojo, a menudo simpatizante de los terroristas, los personajes del "Complejo Baader-Meinhof" reflejan poco y se parecen más a jóvenes mimados y exaltados, y la película se centra en documentar la crónica de violencia [258] [259] [ 260]
Al mismo tiempo, en la década de 2000, los directores de la llamada escuela de Berlín realizaron películas contemplativas sobre la vida privada y la vida cotidiana, en las que, según M. Rathaus, “el azúcar disuelto en una taza es más importante que un cambio de gobierno” [261] . Estas películas se caracterizan por un ritmo lento y planes extensos, sus personajes viven en un mundo “normal pero extrañamente desconocido” (R. Zuchland) y tratan problemas familiares e intergeneracionales [262] . Tres de los principales representantes de la "escuela de Berlín": Christian Petzold , Thomas Arslan , Angela Shanelek , estudiaron en la Academia de Cine de Berlín .a finales de los años 80 y 90 y llamó la atención no tanto en los cines como gracias a la exhibición de sus películas en el canal ZDF [263] . Petzold obtuvo atención crítica con Seguridad Nacional» (2000) sobre la relación entre dos ex miembros de la Facción del Ejército Rojo y su hija [264] . Maren Ade , Ulrich Köhler también están incluidos en el mismo círculo., Christoph Hochheusler . Maren Ade combina crítica social y actuación en sus películas; su personaje favorito es un excéntrico bromista que rompe el orden habitual de las cosas [265] . El tercer largometraje de Ade, Toni Erdmann (2016), fue votado como la mejor película del año por muchos críticos. Las dificultades para obtener fondos para películas independientes llevaron a que la llamada "escuela de mumblecore de Berlín " se desarrollara alrededor de la Academia de Cine de Berlín, produciendo películas habladas de muy bajo presupuesto como Love and Steaks.» Jacob Lassa(2013) [241] .
Bajo el cine turco-alemánse refiere al cine creado en Alemania por inmigrantes turcos en la primera y segunda generación, por lo general ya ciudadanos alemanes [266] . Una de las películas clave del cine turco-alemán se considera " 40 metros cuadrados de Alemania ".» Tevfik Golpeador(1986, Leopardo de Plata del Festival de Cine de Locarno ), cuyo personaje principal siguió siendo víctima del modo de vida patriarcal incluso después de mudarse a Alemania (la zona del apartamento en el que estaba encerrada estaba incluida en el título de la película) [267] [268] . En la década de 1990, toda una generación de cineastas nacidos en Turquía saltó a la palestra: Seyhan Derin(“ Soy la hija de mi madre ”, 1996), Thomas Arslan (“ Hermanos y hermanas", 1997), Fatih Akin (" Rápidamente y sin dolor ", 1998), Kutlug Ataman (" Lola y Bilidikid", 1999). El énfasis que alguna vez dominó el cine alemán en la posición privada de los inmigrantes turcos, y especialmente de las mujeres, ha sido reemplazado por una paleta completa de colores, que incluye cualquier género, desde comedias bufonescas hasta neo-noir [269] . Si bien las películas de cineastas alemanes turcos a menudo se hacen desde el punto de vista de un inmigrante o un miembro de la diáspora, esto es completamente opcional, como el thriller Mute .» Mennana Yapo(2004) es un producto de género puro que no toca en absoluto el tema de la migración [270] . Akin 's Head Against the Wall (2004), una historia de amor entre dos personas de la comunidad turca, trajo al director el Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín [240] . Migrantes de otros países también se convirtieron en héroes de Akin - Italianos en Solino(2002) y Los griegos en Soul Kitchen (2009) [271] .
Los cineastas alemanes son invitados frecuentes en Hollywood y participan en producciones cinematográficas internacionales. Desde la década de 1990, han estado constantemente ocupados en los Estados Unidos y tienen varios éxitos de taquilla de Wolfgang Petersen (" President's Airplane ", 1997; "The Perfect Storm ", 2000; " Troy ", 2004) y Roland Emmerich (" Stargate " , 2004). 1994; " Día de la Independencia ", 1996; "El día después de mañana ", 2004). El Oscar a los mejores efectos visuales por Independence Day es para el director de efectos visuales alemán Volker Engel[272] . El éxito de Run Lola Run le dio a Franka Potente el papel de la novia del protagonista en las películas de Jason Bourne , y Tom Tykwer dirigió la costosa producción internacional Perfumer. La historia de un asesino ” [273] . Diane Kruger comenzó su carrera como actriz en Francia, protagonizó películas de Hollywood (en particular, "Troy") y solo en 2017 jugó en la película alemana - " On the Limit " de Fatih Akin ( Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes ) [274] Las carreras cinematográficas de Hollywood fueron hechas por el veterano director de fotografía de Fassbinder Michael Ballhaus y el compositor de cine Hans Zimmer . Uwe Boll , un cineasta basado principalmente en Canadá, se hauna serie de películas de videojuegos (" Alone in the Dark ", " Bloodrain ", ambas de 2005, etc. ) . Al mismo tiempo, los fracasos de taquilla más destacados de Ball se financiaron en gran parte con cargo al presupuesto alemán gracias a un "agujero" en la legislación de deducción de impuestos alemana [276] . A su vez, el estudio de Babelsberg suele utilizarse para coproducciones internacionales, rodando en él, entre ellas V de Vendetta (2006), Operation Valkyrie , Speed Racer (ambas de 2008), Inglourious Basterds ” (2009) [277] [278 ] , " Cazadores de tesoros " (2014).
El apoyo estatal al cine en Alemania se realiza a nivel federal a través del German Federal Film Fundya nivel de tierras federales a través de varios fondos cinematográficos regionales. En 2011 se destinaron a estos programas un total de 350 millones de euros, de los que el 60% se destinó a la producción cinematográfica y el 40% a apoyo a la distribución, festivales, etc. El German Federal Film Fund se financia con los royalties de la venta de entradas en los cines, televisión y video, y está destinado a apoyar películas estrenadas en la distribución cinematográfica nacional en un número determinado de copias [1] . Los mecanismos de subvención han sido criticados por favorecer sistemáticamente los proyectos comerciales (incluidos los internacionales) e ignorar las películas independientes, de festivales y basadas en problemas; Las escuelas de cine alemanas, que financian las películas de diploma de sus graduados, se han convertido en centros de apoyo para ese cine [241] .
En Alemania, no existe un archivo cinematográfico unificado, ya que el establecimiento y mantenimiento de dichos archivos es responsabilidad de los Länder (por ejemplo, el museo del cine como parte del Museo de la Ciudad de Munich ). Grandes colecciones de archivos se encuentran en los Archivos Federales del estado ( Koblenz ), inaugurados en 1963 por la Cinemateca Alemana.(Berlín) y el Instituto Alemán de Cine(DIF, Fráncfort del Meno ). Existía un archivo cinematográfico estatal unificado en la RDA, después de la fusión se integró en el Archivo Federal. Los derechos de la mayoría de las películas realizadas antes de 1945 pertenecen a la Fundación Murnau , establecida en 1966.[279] . En 1999, la Fundación DEFA ( DEFA-Stiftung), que posee los derechos de todas las películas realizadas en Alemania Oriental [280] . Ambas fundaciones también restauran películas de sus colecciones. Las asociaciones privadas también juegan un papel importante, como la Fundación Fassbinder, que gestiona los derechos de las obras del director [281] .
En 2003, en Berlín, por iniciativa de Bernd Eichinger, se fundó la Academia Alemana de Cine , que, a partir de 2016, contaba con unos 1.800 cineastas: directores, actores, guionistas, ingenieros de sonido y representantes de otras profesiones. Tal como lo concibió el creador, se suponía que se convertiría en una plataforma para discutir los problemas del cine alemán. Desde 2005, la Academia Alemana de Cine presenta el principal premio cinematográfico nacional: el Deutscher Filmpreis (una estatuilla en forma de una figura femenina conocida como Lola y un premio en efectivo). El Deutscher Filmpreis existe desde 1951 y fue otorgado por una comisión gubernamental hasta la transferencia del premio de la Academia de Cine Alemana. La Academia de Cine también organiza diversas actividades y programas educativos [282] [283] . Otros premios del cine alemán - Bayerischer Filmpreis(otorgado desde 1979 por el gobierno del estado federal de Baviera ) [284] , " Bambi " (editorial Herbert Burda Media), Premio de la Crítica Cinematográfica Alemana( Asociación Alemana de Críticos de Cine).
En Alemania, hay varias instituciones cinematográficas de educación superior. La más antigua de ellas es la Konrad Wolf Film University Babelsberg en Potsdam , fundada en 1954 (hasta 2014, el Instituto de Cine y Televisión) [285] . Otras instituciones educativas importantes - Academia Alemana de Cine y Televisión(Berlín), Escuela Superior de Cine y Televisión(Múnich), Academia de Cine de Baden-Württemberg ( Ludwigsburg ) [286] .
El Festival de Cine de Berlín se lleva a cabo desde 1951 (antes de la reunificación de Alemania - en Berlín Occidental ) y es considerado uno de los tres festivales de cine internacionales más prestigiosos [287] . Por el número de entradas vendidas (más de 300.000 al año), el Festival de Cine de Berlín es el más importante del mundo [288] . Desde 1952, se lleva a cabo el Festival Internacional de Cine de Mannheim-Heidelberg , desde 1954, el Festival Internacional de Cortometrajes de Oberhausen , desde 1955, el Festival Internacional de Cine Documental y Animación de Leipzig (fue fundado como un festival de cine documental, y apareció el programa de animación en 1995). Los festivales de cine de Oberhausen y Leipzig se encuentran entre los foros más antiguos y prestigiosos en su campo. Los principales festivales también se llevan a cabo en Munich y Hamburgo.. No tienen competencia y están destinados a proyecciones de estreno y para familiarizar a los espectadores con películas que no llegaron a las pantallas [289] .
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