Música rusa ( música nacional rusa ): los logros de la cultura musical del pueblo ruso ; el resultado de un proceso histórico centenario de formación y desarrollo de tradiciones originales . Este concepto une el folclore musical ruso , la música académica rusa , la música sacra rusa [1] , el romance ruso [2] [3] .
El marco de tiempo para la creación de géneros rusos: música folclórica - siglos X-XX, música sacra - siglos X-XXI, música académica - siglos XVIII-XX [4] .
La música folclórica rusa tiene su origen en el folclore de las tribus eslavas que vivían en el territorio de la Rus de Kiev . Muchos tipos de cantos que han sobrevivido hasta nuestros días tienen raíces paganas, a veces con la influencia de rituales cristianos [5] . Dado que la música folclórica rusa es heterogénea, tiene raíces de otras tribus que vivieron en el territorio de la Rus de Kiev: Finno-Ugric, Turkic y otras [6] .
Hasta ahora, las tradiciones regionales, a menudo étnicas, se sienten en el folclore ruso. El arte de la canción popular de las regiones del norte, oeste, sur y centro, los asentamientos en las cuencas de los grandes ríos: Oka , Volga , Don [6] tiene sus propias características . La música folclórica rusa es la base sobre la que ha crecido toda la música profesional rusa [7] .
El tipo general de melodías gran rusas probablemente se desarrolló hacia el final de la " era tártara ", en la época de los "reyes" (siglo XIV). Un rasgo característico es la estructura modal, en contraste con el mayor-menor común entre los eslavos occidentales, y el peculiar estilo de polifonía [8] .
Hay documentos escritos que describen la cultura musical en Rusia . Se creía que los tipos de instrumentos más populares en la Rusia medieval eran los instrumentos de cuerda como el gusli o el gudok . Los arqueólogos han descubierto muestras de estos instrumentos en la región de Novgorod , que datan de principios del siglo XI [9] . Otros instrumentos musicales son la flauta de tubo e instrumentos de percusión como la sonaja y la pandereta . Sin embargo, cantar en Rus era más popular que la música instrumental. A menudo cantaban epopeyas sobre héroes populares como Sadko , Ilya Muromets y otros, a veces con acompañamiento instrumental.
Durante la época del Gran Ducado de Moscú , la música rusa, además del folclórico, estaba formada por dos géneros principales: la música litúrgica ortodoxa y la música profana interpretada para el entretenimiento.
La música profana incluía el uso de instrumentos musicales como silbatos e instrumentos de cuerda, y normalmente la tocaban en ocasiones festivas originalmente los bufones y juglares que entretenían a la nobleza. Durante el período reaccionario del Cisma de la Iglesia Rusa en el siglo XVII, los bufones con su música fueron prohibidos, pero a pesar de estas restricciones, algunas de sus tradiciones han sobrevivido hasta el día de hoy [10] .
Entre los principales géneros de la música folclórica, se pueden destacar las canciones rituales de calendario , bodas , épicas, danzas y canciones líricas, cancioncillas . Los instrumentos populares en el folclore se suelen utilizar en la vida de los pastores o para cierto tipo de danzas y cantos. Los más comunes son: instrumentos de cuerda ( bip , arpa ), instrumentos de viento ( gaita , zhaleyka , cuerno , kuvikly , flauta de pan ). Los anales mencionan: flautas militares, cuernos de caza, panderetas.
En la Edad Media , los bufones , intérpretes de música popular, fueron perseguidos y los instrumentos musicales fueron destruidos, por lo que los instrumentos musicales rusos originales casi no llegaron a los tiempos modernos. Dichos instrumentos, a veces asociados con la música rusa, como la mandolina , la guitarra de siete cuerdas , el acordeón de botones ( acordeón ), son instrumentos de origen europeo occidental, y se difundieron en Rusia relativamente tarde (siglos XIX-XX) [6] . Desde el siglo X, la campana se ha utilizado como instrumento musical en Rusia , que luego apareció en el repertorio de los compositores rusos. El musicólogo ruso Boris Asafiev , al caracterizar la música rusa, introdujo el término "campanas", considerando el sonido de la campana como un símbolo musical de Rusia [11] . En algunos tipos de danza folclórica rusa , las palmas, los golpes en el cuerpo y el pisoteo complementan la secuencia musical, sirviendo como percusión , por ejemplo, en la danza rusa .
Uno de los primeros grupos folclóricos en Rusia fue la Capilla Eslava de Dmitry Agrenev-Slavyansky , fundada en 1868, que promovió la canción folclórica rusa y eslava en Rusia y en el extranjero, a menudo en arreglos variados. A principios del siglo XX, surgió la Orquesta Vasily Andreev de Instrumentos Populares Rusos y el Coro Popular Ruso que lleva el nombre de M.E. Pyatnitsky : en el primer grupo, la instrumentación utilizada por la gente se amplió y mejoró, en el segundo interpretaron canciones populares. en su forma auténtica [6] .
En la década de 1960, aparecieron pequeños grupos folclóricos, a menudo compuestos por jóvenes músicos profesionales, cuyo objetivo era reproducir con precisión el repertorio y la forma folclórica, generalmente de una determinada región o pueblo. Los grupos actuaron en las casas de cultura de diferentes provincias del país. A partir de este entorno, han crecido grupos como el Conjunto de Música Folclórica Dmitry Pokrovsky y el Conjunto de Coro Sirin: ambos grupos interpretan tanto música folclórica campesina como sagrada de tradiciones orales y escritas [6] . Las canciones populares formaban parte del repertorio de los cantantes pop soviéticos, en particular Lidia Ruslanova , Olga Voronets . En 1974, la cantante Nadezhda Babkina creó el conjunto folklórico de la canción rusa . En 1977, la cantante Lyudmila Zykina creó el conjunto Rossiya . En 1982, Boris Bazurov fundó el conjunto Rusichi . En 1999, la cantante Lyudmila Ryumina fundó el " Centro de Folclore Cultural de Moscú bajo la dirección de Lyudmila Ryumina " y el conjunto "Rusy" con él.
En la Rusia moderna, Pelageya es conocida entre los intérpretes de canciones populares , desde 1996 ha sido solista en el grupo del mismo nombre que creó. Desde 1998, el grupo Ivan Kupala ha estado creando música folclórica basada en el folclore auténtico, principalmente grabada durante las expediciones etnográficas de los folcloristas soviéticos en 1970-1980. El álbum del grupo, " Kostroma ", contribuyó a la popularización de la música folclórica en la escena musical rusa moderna y sentó las bases para la creación de muchos grupos rusos posteriores que crean música folclórica. La canción "Kostroma" del álbum del mismo nombre se utilizó en los Juegos Olímpicos de 2014 en Sochi .
Entre los principales géneros de la música folklórica , se pueden destacar tonadas, coros y cantos laborales , folklore ritual (calendario-agrícola y familiar-doméstico), géneros épicos ( epopeyas , cantos históricos ), poemas espirituales , danzas redondas y danzas con cantos, canciones líricas de tradición campesina, canciones líricas urbanas , música instrumental [12] .
La música folclórica era más una canción que instrumental (posiblemente influenciada por la prohibición de la Iglesia de los instrumentos musicales rusos ). A mediados del siglo XIX, surgió un nuevo género: la cancioncilla .
La canción popular rusa es un arte oral colectivo, transmitido de generación en generación. Según los partidarios del "folclore marxista" de la década de 1930, en el período prerrevolucionario, los campesinos interpretaban canciones y en su mayoría eran tristes. Y con el crecimiento del sentimiento proletario en 1905, aparece un "tono revolucionario" en las canciones populares: la ira de clase se expresa en el campesinado (" Dubinushka ", " Iremos audazmente a la batalla ") [13] . Después de la Revolución de Octubre , el arte popular oral es dominado por la sátira y el humor sobre la vida popular, formando cancioncillas , acompañadas de música al acordeón [13] .
Presumiblemente, en los siglos XVI-XVII, se formó una canción lírica rusa y su forma más alta es persistente . Este tipo está asociado con la aparición de polifonía popular de tipos polifónicos o heterofónicos de canto de voz con polifonía de subvoz : canto de voz con una clave desplazada en relación con la clave promedio de la voz principal en el coro . En diferentes regiones de Rusia, la tradición de cantar con armónicos difiere [14] . El canto folclórico es casi siempre polifónico, a excepción de las epopeyas , los lamentos , las canciones de cuna y las canciones infantiles , que se interpretan a una sola voz. Se desarrollan melódicamente algunos tipos de lamentos incluidos en la ceremonia nupcial, y los lamentos fúnebres (lamentaciones): se caracterizan por la expresividad resultante de la combinación de fórmulas rituales con la improvisación personal del ejecutante (generalmente una mujer) [6] .
El sistema modal del canto popular ruso es único: está cerca de la escala pentatónica de las escalas china o escocesa , tetracordal y diatónica completa . El canto folclórico a una y a varias voces tiene su propio sistema de tonos modales, que difiere de la funcionalidad tonal construida sobre acordes ; este sistema cambiaría más tarde a un tono introductorio de menor armónico con el advenimiento de un romance campesino , una canción de ciudad , una tonada de acordeón (" En medio de un valle plano "), y se sometería a una unión de acordes [15] .
Las canciones famosas escritas en las tradiciones populares, pero no en las populares, incluyen: " Kalinka " es una de las melodías rusas más famosas del mundo, " Katyusha " es una canción patriótica popular en la URSS y la Rusia moderna, " Korobushka " es una melodía conocido en el mundo en el juego " Tetris ", " Polyushko-field " - una melodía rusa popular entre los compositores extranjeros del siglo XX, " Oh, frost, frost " - una canción popular para beber, " Smuglyanka ". Las canciones populares rusas popularizadas por músicos clásicos rusos y la música pop soviética incluyen " Había un abedul en el campo ", " Oh tú, la estepa es ancha ".
La música sacra rusa se refiere a obras vocales o vocales-instrumentales basadas en textos de carácter religioso, así como al repique de campanas en la Iglesia Ortodoxa Rusa. Tiene tradiciones profundas y fuertes tanto en el arte popular como en el de compositores. Los géneros populares de música espiritual son poemas espirituales , entre los cuales hay muchos lamentos ; los orígenes de su melodía provienen de la tradición eslava pagana , mientras que los textos muy líricos, caracterizados por una expresión emocional pronunciada, o al menos imágenes y metáforas específicas y brillantes y un estado de ánimo arrepentido especial, se originan en el Antiguo Testamento y el Nuevo Testamento, así como cerca de -Poesía religiosa cristiana.
Junto con la religión, se tomó prestado de Bizancio un círculo de himnos eclesiásticos. Hasta finales del siglo XVII, el canto en la iglesia era prácticamente la única forma de arte musical ortodoxo profesional escrito en Rusia [16] . Para la notación musical , se utilizaron signos especiales: neumas , gracias a los cuales se han conservado varios ejemplos de música eclesiástica medieval, incluidos dos stichera compuestos por el zar Iván el Terrible en el siglo XVI [17] . El siglo XVII trae una nueva corriente a la música sacra rusa. Los músicos estudian la cultura musical de Europa, se familiarizan con un estilo completamente nuevo. En el siglo XVII, hay un declive de la música sacra, causado por muchas reformas diferentes de Pedro I. Los italianos comenzaron a formar el coro de palacio . En algunas catedrales, continúa el desarrollo del canto de los Viejos Creyentes. El siglo XIX trae un nuevo género de música sacra: obras para liturgias festivas. Los representantes de este género fueron el director de la capilla en la corte imperial Dmitry Bortnyansky , el creador del concierto coral clásico Maxim Berezovsky , el compositor y director de orquesta Stepan Degtyarev , el compositor y regente Artemy Vedel , el compositor Stepan Davydov . La cultura musical alemana tuvo una fuerte influencia en la música religiosa rusa de esa época. Los compositores Alexey Lvov y Pavel Vorotnikov dieron a los himnos de la iglesia la forma de un canto protestante. En el siglo XX, la música sacra se llena de estilos de sonido populares gracias a las obras de los compositores rusos, en particular Vasily Orlov , Stepan Smolensky , Nikolai Danilin , Sergei Rachmaninov .
El servicio ortodoxo , a diferencia de los católicos o protestantes, siempre se ha mantenido exclusivamente vocal. No se permitía el acompañamiento instrumental. Sus géneros más importantes, además de los salmos comunes a todas las denominaciones , fueron stichera , troparion , kontakion , magnificencia , más tarde se formó la liturgia y la velada nocturna . En un servicio divino ortodoxo completamente formado, el canto acompañaba todas sus partes: liturgia (misa), vísperas y maitines (en la víspera de las fiestas principales, una vigilia de toda la noche); ritos de bautismo , bodas , entierros , así como ritos - oraciones , servicios conmemorativos , etc. Incluso en Bizancio, para diferentes géneros y diferentes partes del culto, había diferentes estilos de canto: cantos [18] .
Después de los acontecimientos revolucionarios de 1917, se interrumpió el desarrollo de la música sacra rusa como arte moderno. Sin embargo, A. T. Grechaninov y N. N. Cherepnin continuaron componiendo composiciones para la iglesia en el extranjero . Entre los líderes de los coros de la iglesia , los más famosos son: Sergei Zharov , Nikolai Athos , Pyotr Spassky , Boris Ledkovsky ; entre los investigadores (y al mismo tiempo compositores): Ivan Gardner y Albert Swan .
Desde finales de la década de 1980, el arte del canto de iglesia en Rusia ha comenzado a revivir: aparecen nuevos grupos, se publican estudios, varios compositores recurren a géneros espirituales. Entre los autores cuyos escritos cumplen con los requisitos del culto ortodoxo, se pueden destacar al diácono Sergei Trubachev , al arcipreste Alexander Vedernikov y a Vladimir Martynov . La gran mayoría de las composiciones modernas están destinadas a conciertos espirituales, que se llevan a cabo con mayor frecuencia en salas seculares, pero a veces en iglesias [1] .
El canto znamenny o canto znamenny es el principal tipo de canto litúrgico ruso antiguo. El nombre proviene de los innumerables signos , las pancartas utilizadas para registrarlo. Los manuscritos más antiguos anotados con ganchos datan del siglo XI. En el siglo XVII, aparecieron signos adicionales en el registro del gancho: "signos" y "marcas", los primeros manuscritos representan una notación sin marcas. Manuscritos del siglo XVII registran la aparición, junto con el canto monofónico tradicional, de la polifonía popular temprana ( canto lineal ), que también se grababa con pancartas. En el curso de las reformas del siglo XVII, el canto de Znamenny fue suplantado gradualmente por formas de canto europeo, basadas no en los viejos modos modales, sino en la tonalidad mayor-menor del modelo de Europa occidental. A finales del siglo XVII y principios del XVIII, las melodías de Znamenny en la tradición de Kiev comenzaron a grabarse en notación cuadrada , que recuerda a la notación cuadrada romana utilizada en los cantos católicos. En 1778, se publicó en Moscú el “Canto musical diario abreviado”, que fue ampliamente distribuido y aceptado como la guía inicial para la enseñanza del canto eclesiástico en las instituciones educativas teológicas [19] .
Hasta ahora, los Viejos Creyentes observan las tradiciones del canto de Znamenny . Hay especialistas que reviven el canto de Znamenny en el nuevo rito de la Iglesia Ortodoxa Rusa, por ejemplo, el Monasterio de Valaam [20] . El canto Znamenny está siendo revivido en varias universidades, por ejemplo, en el departamento de canto ruso antiguo del Conservatorio Estatal de San Petersburgo , en el Colegio Musical Gnessin , en la Academia Cristiana Rusa de Humanidades .
Hoy en día, los cantos de canto Znamenny, por regla general, se escriben tanto en el gancho tradicional como en la notación italiana redonda. Se conocen varios tipos de canto znamenny y los tipos correspondientes de pancartas: kondakar, pilar, demestvenny, track, branch.
El canto de Kondakar proviene de la palabra " kontakion ", uno de los himnos litúrgicos. La notación proviene del paleo-bizantino y fue prestada en Rus en el siglo IX. Se caracteriza por la presencia de elementos desarrollados melódicamente, melismáticos especiales. El apogeo del canto kondakar en Rusia cae en los siglos XI-XII, en el siglo XIV desaparece de la tradición litúrgica rusa en relación con el cambio de la Carta litúrgica de Studian a Jerusalén y el cambio correspondiente en el corpus de libros litúrgicos. Se encuentra en kondakars, cuya base es kontakia e ikos en honor a las festividades de todo el período del año eclesiástico y en memoria de los santos.
El canto del pilar es el tipo principal de canto znamenny, que es cantado por casi todo el corpus de libros de la tradición litúrgica rusa. El nombre proviene de la palabra "pilar" - el ciclo de ocho semanas del libro de Oktoeh . El canto del pilar se ha generalizado y es el más común en la tradición litúrgica monofónica rusa en la actualidad. El canto consta de cantos (kokiz), ajuste y rostros, que, a su vez, constan de unidades más pequeñas: ganchos [16] . Tiene un sistema osmótico . Los cantos al pilar están presentes no solo en los cantos litúrgicos, sino también en los cantos cotidianos. Los cantos más comunes que se han puesto en uso son las kokizas de la sexta voz. Además de los libros litúrgicos, se crearon alfabetos de canto especiales, kokizniks y fitniks para estudiar la notación.
El canto de viaje es común en la antigua cultura musical rusa junto con el canto Znamenny y el canto demestvenny. Surgió en el último cuarto del siglo XV. Hasta mediados del siglo XVI, se utilizó en Stihirar , luego en Obikhod. A fines del siglo XVI, el canto de viaje se convirtió en una rama independiente y desarrollada del antiguo arte del canto ruso, que se distingue por una mayor solemnidad, canto y suavidad. La melodía del track chant está formada por un conjunto de fórmulas melódicas canónicas subordinadas al sistema de ósmosis. El pináculo del desarrollo del canto de pista es los siglos XVI-XVII. En la segunda mitad del siglo XVII, el canto viajero empezó a caer en desuso.
El canto demestvenny (canto demestvennoe, demestvo) es una de las direcciones estilísticas del antiguo arte del canto ruso. Una de sus primeras menciones se refiere a 1441 en los anales de Moscú de finales del siglo XV. Se generalizó en los siglos XVI y XVII, incluso en la polifonía. El repertorio del canto local incluye cantos individuales de la vida cotidiana, vacaciones y Trezvonov , Cuaresma Stihirar, Oktoikh e Irmologiya . Inicialmente, el canto demest se registró en notación Znamenny. En el siglo XVI, sobre esta base, se creó la notación demest, utilizando elementos de la notación znamenny, pero en una forma más complicada. En el demestve, se desarrollaron patrones estilísticos que desempeñaron un papel importante en la evolución del arte del canto ruso: se formó un estilo de canto solemne con cantos amplios de sílabas individuales del texto. Actualmente se usa como un canto solemne especial, por ejemplo, durante los servicios episcopales.
Famosos maestros del canto Znamenny en la época de Vasily III e Iván el Terrible : Savva Rogov , Fyodor Krestyanin , Ivan Nos , Markell Bezborody y Stefan Golysh . En la era de la Era de los Trastornos y el reinado de Mikhail Fedorovich , el metropolitano Varlaam e Isaiah Lukoshko eran conocidos . Un maestro destacado fue un representante de la escuela Usolsk Thaddeus Subbotin . Uno de los mejores especialistas en el campo del canto Znamenny y el creador de la obra fundamental "El ABC del canto Znamenny" en 1688, que es una exposición completa de la teoría del canto Znamenny, fue Alexander Mezenets .
El canto de partes es un tipo de canto de iglesia, que se basa en la interpretación coral polifónica de una composición. El número de voces puede ser de 3 a 12, y puede llegar a 48. El canto de las partes vino de la Italia católica a Polonia , y de allí al Imperio Ruso .
En el siglo XIX, el canto de partes suplantó gradualmente al znamenny. Esto significó el rechazo real de los principios básicos de znamenny monody ( monofonía). Los iniciadores de la introducción del canto a partes fueron las hermandades ortodoxas rusas occidentales . En el zarismo ruso , el patriarca Nikon introdujo el canto a partes en el uso litúrgico . La innovación fue muy apreciada por el zar Alexei Mikhailovich , quien contribuyó a la introducción de las partes en las iglesias de Moscú [21] . El canto de partes fue defendido por los teóricos de la música rusos Ioanniky Korenev y Nikolai Diletsky . Los que se oponían a la introducción del canto a partes en la práctica de la Iglesia rusa eran seguidores de la tradición ortodoxa, incluidos jerarcas eclesiásticos destacados como el patriarca Hermógenes y el patriarca José , así como los viejos creyentes y el clero griego [22] .
Algunos compositores se han esforzado por incorporar melodías znamenny en la vida cotidiana de las partes, armonizándolas de acuerdo con las reglas de la armonía europea occidental. La música de partes litúrgicas fue escrita por muchos compositores, por ejemplo, Dmitry Bortnyansky . Las vigilias de concierto de Artemy Vedel y Stepan Degtyarev se conocen desde el siglo XVIII . Desde la segunda mitad del siglo XIX, se conocen las Vísperas corales de Mikhail Ippolitov-Ivanov , Vladimir Rebikov , Alexander Arkhangelsky , Alexander Grechaninov , Pavel Chesnokov . Los mejores ejemplos de este género son las "Vigilias nocturnas" de Pyotr Tchaikovsky , Sergei Rachmaninov [23] .
Después de la Revolución de Octubre de 1917, en relación con la política de las nuevas autoridades de expulsar a los movimientos religiosos, el desarrollo de la música sacra se detuvo hasta finales de la década de 1980, cuando se recuperó la música ortodoxa; Aparecieron nuevos compositores modernos: el diácono Sergei Trubachev , Vladimir Martynov . La gran mayoría de las composiciones modernas de música sacra están destinadas a conciertos sacros, que se llevan a cabo, por regla general, en salas seculares, pero a veces en iglesias [24] .
Kant es un tipo de canción polifónica secular, común en el Imperio Ruso en los siglos XVII y XVIII. Versión de cámara del canto a partes [25] . Era popular en Ucrania y Bielorrusia . Inicialmente, los cantos se crearon para salmos religiosos y se utilizaron en los círculos del clero y en los monasterios. La poética de Kant proviene de la poesía literaria. En el siglo XVII se crearon cantes a las palabras de representantes de la poesía silábica .
El estilo musical de Kant se caracteriza por una presentación en tres partes de un almacén homofónico con un movimiento paralelo de las voces superiores y graves , en armonía - diatónica , funcionalidad tonal clara, en ritmo - agrupación cuadrada de medidas. El método de cantar el texto es predominantemente silábico .
Los kants eran interpretados por un conjunto de cantantes o un coro sin acompañamiento instrumental, así como con la participación de instrumentos de viento, como orquestas de trompetas . Muy a menudo, los cantos iban acompañados de campanas, cañonazos y fuegos artificiales. La estructura de entonación del canto es una fusión de elementos del canto Znamenny, canciones populares rusas y ucranianas , así como melodía polaca. El estilo melódico se acerca al concierto de partes . En el siglo XVIII aparecen los cantes patrióticos, cotidianos, amorosos; Los tiempos de Pedro I se caracterizan por cánticos de “bienvenida” y “panegíricos” con giros melódicos de fanfarria, solemne ritmo de polonesa , jubilosos trinos en las voces altas sobre las palabras “vivat”, “ hosanna ”, “ muchos años ”, pases de lista imitativos. . Los cantes se convirtieron luego en la forma de hacer música predilecta de las capas urbanas de la población: aparecieron los cantes líricos, náuticos, pastoriles y cómicos. Los cantos líricos absorben elementos de las formas de danza existentes, principalmente el minueto . En la mayoría de los casos se desconocen los autores de la letra y música de los cantes [26] . Bajo Pedro I, los autores de la música de muchos cantos fueron los secretarios de canto del soberano , entre ellos Vasily Titov y Maxim Berezovsky . Los Kant influyeron en el romance urbano [27] .
Poemas espirituales: poemas populares rusos, canciones sobre temas y tramas cristianos. El verso espiritual tiene un comienzo profundamente edificante e instructivo. Se han utilizado más ampliamente desde el siglo XVII. Aparentemente, tienen un origen mixto: épica-épica rusa y canción lírica europea. Inicialmente, los intérpretes eran peregrinos a Tierra Santa , y más tarde, cantores ciegos errantes. Hasta el siglo XIX, los cantantes itinerantes siguieron siendo los principales creadores e intérpretes de poesía espiritual en Bielorrusia , Ucrania, Bulgaria y la mayoría de las regiones de Rusia.
A partir del siglo XVIII, los salmos se generalizaron entre los viejos creyentes y los sectarios: khlysts , eunucos , molokans , doukhobors (en khlysts y skopts, los versos espirituales generalmente se llamaban "cantantes"). En este ambiente más religioso, la gente común comenzó a cantar poesía espiritual.
Los versos espirituales se dividen en dos tipos: "más viejos" y "más jóvenes". "Los Ancianos" son narraciones épicas basadas en las tramas del Antiguo Testamento, Nuevo Testamento y leyendas hagiográficas (poemas sobre el Libro de las Palomas , sobre Adán , sobre José el Hermoso , Tsarevich Joasaph , Alexei el Hombre de Dios , Theodore Tyrone , sobre Egor el Valiente, el Príncipe Efimyan, sobre los Ricos y Lazar y etc.), están cerca de las epopeyas . "Más jóvenes" reflejan la influencia del verso en verso silábico que vino de Polonia.
Por regla general, estas son canciones tristes y arrepentidas. Cantan sobre la muerte, la separación del alma del cuerpo y la fugacidad de la vida. En el siglo XVII, cuando entre los Viejos Creyentes existía la idea del reinado del Anticristo, comenzaron a aparecer versos de carácter escatológico . Uno de los principales investigadores de la poesía espiritual , Georgy Fedotov , escribió que el tema del Juicio Final constituye uno de los centros de atracción más poderosos de la poesía popular. En el siglo XX, muchos versos escatológicos surgieron nuevamente entre las catacumbas -solo la llegada del Anticristo en ellos ya está asociada con la revolución , la destrucción de iglesias, la colectivización , los campamentos , etc.)
En el norte de Rusia, los salmos se cantan sin acompañamiento , en Ucrania y Bielorrusia, a menudo con zanfoña o violín.
El repique de campanas en la Iglesia Ortodoxa Rusa es uno de los accesorios esenciales de los servicios religiosos cristianos [28] . En la ortodoxia, el sonido de las campanas es una parte integral de los ritos de la iglesia. Los creyentes atribuyen al sonido de la campana la capacidad mágica de ahuyentar los malos espíritus , las enfermedades y detener los desastres naturales. El uso del tañido de campanas y campanas con fines rituales y mágicos tiene sus raíces en un pasado lejano [29] . El arte de sonar se transmitía tradicionalmente de boca en boca, existían arteles sonadores en algunas catedrales y monasterios.
Hay varios tipos de toque de campana [30] [31] :
Trezvon se convirtió en la base de un fenómeno artístico conocido como "toque de campanas", un tipo separado de arte eclesiástico ruso que se desarrolló en el siglo XVII y formó tradiciones regionales, y a fines del siglo XX se fusionó con la tradición secular de conciertos.
El toque de campanas fue ampliamente utilizado en el trabajo de los compositores rusos del siglo XIX. M. Glinka usó las campanas en el coro final "Gloria" de la ópera "Ivan Susanin", o "Vida para el zar" , Mussorgsky - en la obra "Bogatyr Gates ..." del ciclo " Cuadros de una exposición " y en la ópera "Boris Godunov" , Borodin - en la obra "En el monasterio" de la "Pequeña suite", N. A. Rimsky-Korsakov - en "La mujer de Pskov ", "El cuento del zar Saltan ", "El cuento de la Ciudad Invisible de Kitezh ", P. Tchaikovsky - en " Oprichnik ". Una de las cantatas de Sergei Rachmaninov se llamaba " Las campanas ". En el siglo XX, esta tradición fue continuada por G. Sviridov , R. Shchedrin , V. Gavrilin , A. Petrov y otros.
A fines de la década de 1920, siguió una prohibición no oficial del toque de campanas, acompañada de la destrucción masiva de campanas; la tradición del toque se conservó solo en algunas iglesias y monasterios. En las décadas de 1970 y 1980, se reanudó la atención pública al arte de tocar las campanas, y en 1989, gracias al apoyo de la Fundación Cultural , se estableció la Asociación Rusa de Arte de Campanas [33] . Durante bastante tiempo, la base principal para el renacimiento de la música de campanas fue el Museo de Arquitectura de Madera de Arkhangelsk . Desde 1984, los conciertos de música de campana se llevan a cabo en Suzdal , desde 1987, en Leningrado , y luego en otras ciudades de Rusia. La geografía de las ciudades donde tienen lugar los conciertos de campanas crece cada año: Rostov el Grande , Vologda , Lutsk , Irkutsk , Chelyabinsk , Kostroma , Yaroslavl , Ulyanovsk , Uglich y otras [34] .
El desarrollo de la música académica (profesional secular) en Rusia comenzó relativamente tarde debido a la prohibición de la música secular por parte de la Iglesia Ortodoxa. Comenzando con el reinado de Iván el Terrible, la corte real invitó a compositores y músicos occidentales para llenar el vacío. En la época del reinado de Pedro I , estaban en la corte con regularidad [35] . A pesar de que a Pedro I no le gustaba la música, percibía la música europea como un símbolo de civilización y una forma de occidentalizar el país; la fundación de San Petersburgo sobre el modelo occidental contribuyó a la difusión de la música europea entre las capas altas de la sociedad [36] . La fascinación por la ópera italiana en la corte durante los reinados de las emperatrices Isabel Petrovna y Catalina II también ayudó a difundir el interés por la música occidental entre la aristocracia [37] . Esta afición se generalizó tanto que muchos ni siquiera sabían que existían compositores rusos [38] .
El enfoque en la música europea significó que los compositores rusos tenían que escribir en un estilo occidental si querían que sus composiciones fueran interpretadas. Su éxito en esta dirección fue variable debido a su falta de familiaridad con las reglas de composición europeas. Algunos compositores pudieron viajar al extranjero para formarse (normalmente a Italia) y aprendieron a componer obras vocales e instrumentales siguiendo la tradición de los clásicos italianos. Estos incluyen a los compositores Dmitry Bortnyansky , Maxim Berezovsky y Artemy Vedel [39] .
El arte de la composición doméstica en Rusia comenzó a desarrollarse significativamente a partir de los años 70 del siglo XVIII. Entre los primeros compositores rusos, también fueron significativos: V. A. Pashkevich , M. M. Sokolovsky y especialmente un verdadero profesional E. I. Fomin . A principios del siglo XIX, en una nueva etapa en el desarrollo de la música rusa, trabajaron compositores como: S. I. Davydov , S. A. Degterev , K. A. Kavos , A. N. Verstovsky , A. A. Alyabyev . Quizás el primer compositor ruso que usó elementos tradicionales rusos característicos de la música secular fue E. I. Fomin con la ópera de 1787 Cocheros en un marco. S. A. Degterev utilizó motivos populares en el canto coral del oratorio patriótico "Minin y Pozharsky, o la liberación de Moscú" en 1811. La historia nacional en su trabajo fue ampliamente utilizada por K. A. Kavos y el canto coral popular en la ópera "Ivan Susanin" en 1815, por ejemplo, en la canción "No te enojes, vientos violentos". A. N. Verstovsky también se basó en la historia nacional, su ópera " Askold's Grave " de 1835 se destaca con canciones con un color popular brillante como "Los encantos llegaron a la mesa" y "Los abuelos vivieron en los viejos tiempos".
Las tradiciones rusas en la música secular fueron elevadas a un nuevo nivel por Mikhail Glinka , quien compuso las óperas Life for the Tsar (Ivan Susanin) en 1836, Ruslan and Lyudmila (1837-1842). Bajo la influencia de Glinka, se formó el estilo del compositor de su contemporáneo más joven A. S. Dargomyzhsky .
La música folclórica rusa se ha convertido en la fuente principal para los compositores de la generación más joven. Un grupo de compositores denominado " Mighty Handful ", dirigido por Mily Balakirev , que también incluía a Nikolai Rimsky-Korsakov , Modest Mussorgsky , Alexander Borodin y Caesar Cui , proclamó el objetivo de popularizar las tradiciones nacionales rusas en la música clásica. Entre las composiciones más notables de The Mighty Handful estaban las óperas Snegurochka , Sadko , Boris Godunov , Prince Igor , Khovanshchina y la suite sinfónica de Scheherazade . El interludio orquestal " Flight of the Bumblebee ", escrito por Nikolai Rimsky-Korsakov para su ópera " The Tale of Tsar Saltan ", es interpretado por varios músicos extranjeros a gran velocidad y entra en el Libro Guinness de los Récords . Muchas de las obras de Glinka y The Mighty Handful se basaron en la historia, los cuentos populares y la literatura rusos y se consideran obras maestras del nacionalismo romántico en la música.
En 1859, también se fundó la Sociedad Musical Rusa , encabezada por los compositores y pianistas, los hermanos Anton y Nikolai Rubinstein . El "Mighty Handful" a menudo se oponía a la Sociedad Musical Rusa; El "Mighty Handful" profesaba la identidad nacional rusa, y la Sociedad Musical Rusa se guiaba por la tradición europea universal. Sin embargo, la Sociedad Musical Rusa fundó los primeros conservatorios en Rusia en San Petersburgo y Moscú. El Conservatorio de San Petersburgo formó al compositor ruso Pyotr Tchaikovsky , famoso por sus ballets como El lago de los cisnes , La bella durmiente y El cascanueces . Sigue siendo el compositor ruso más famoso en el extranjero. El sucesor más famoso de su estilo fue Sergei Rachmaninov , quien estudió en el Conservatorio de Moscú , donde enseñó Tchaikovsky.
A mediados de 1890 - mediados de 1900. Alexander Glazunov creó sus obras principales .
A finales del siglo XIX y principios del XX, hubo una tercera ola de clásicos rusos: Igor Stravinsky , Alexander Scriabin , Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich . Fueron experimentadores en estilo y lenguaje musical. Stravinsky tuvo una influencia especial en sus contemporáneos y en las generaciones posteriores de compositores en Rusia y los países occidentales.
Después de la Revolución de Octubre , la música rusa cambió drásticamente. Rachmaninov, Stravinsky, Glazunov, Grechaninov, Medtner emigraron. Aunque Prokofiev también salió de Rusia en 1918, finalmente regresó y contribuyó a la música soviética . A principios de la década de 1920, hubo una era de experimentos de vanguardia inspirados en el espíritu revolucionario de la época. En la década de 1930, durante la época de Joseph Stalin , la diversidad en la música era limitada. Se aprobó el clasicismo y no se fomentaron los experimentos [40] . Por ejemplo, la ópera de Shostakovich Lady Macbeth of the Mtsensk District fue condenada en el periódico Pravda como " formalismo " y pronto fue prohibida en los teatros durante muchos años.
Los patriarcas musicales de la época fueron Sergei Prokofiev, Dmitri Shostakovich, Aram Khachaturian y Alexander Alexandrov . Este último es mejor conocido por componer el himno soviético y la canción " Guerra santa ". Con el tiempo, una ola de jóvenes compositores soviéticos como Georgy Sviridov , Alfred Schnittke y Sofia Gubaidulina salieron a la luz debido al estricto sistema educativo soviético. La Unión de Compositores de la URSS se estableció en 1932 y se convirtió en el principal organismo regulador de la música soviética.
La historia de la música coral secular en Rusia comienza en el siglo XIX [41] , cuando el canto de partes llegó a la música de la iglesia ortodoxa , reemplazando al canto monofónico znamenny . Al mismo tiempo, apareció el canto coral de cámara secular , interpretado en cantos .
La ópera rusa jugó un papel importante en el desarrollo de la música coral secular ; sonidos de canto coral en las óperas de Mikhail Glinka " A Life for the Tsar " y " Ruslan and Lyudmila ". El canto coral de ópera tomó un papel importante de los compositores clásicos del siglo XIX. El pico de popularidad del canto coral se produjo en la segunda mitad del siglo XIX y principios del XX. Tras la era de los oratorios, cantatas y canciones patrióticas, provocada por un resurgimiento nacional, comenzaron a aparecer multitud de arreglos corales de canciones populares [41] . En 1878, se fundó la Sociedad Coral Rusa , que unió a los amantes del canto coral secular. El coro de la Sociedad Coral Rusa participó en los conciertos de la Sociedad Musical Rusa y también dio varios de sus propios conciertos cada año [42] . En 1887, las voces femeninas se introdujeron en el coro por primera vez [43] .
Después de la Revolución de Octubre , Georgy Sviridov hizo una contribución significativa al desarrollo de la música coral secular . Otro compositor icónico es Thomas Korganov . Los coros sobresalientes del período soviético son el Coro Académico Ruso Estatal que lleva el nombre de A. V. Sveshnikov , el Coro Republicano Ruso que lleva el nombre de A. A. Yurlov , el Coro Folclórico Ruso que lleva el nombre de ME Pyatnitsky , el Coro de Cámara Académico Estatal de Moscú [2] . En la música popular , se conoce al " Coro de Turetsky " .
En los años de la posguerra, el canto coral de niños ganó popularidad por separado. En 1957, se fundó el Coro de Niños de Moscú , que interpreta música sacra y canciones populares rusas. En 1970 se fundó el Gran Coro de Niños de la Radio y Televisión Central de toda la Unión , que interpreta cantatas, sinfonías, óperas y canciones patrióticas. Canciones infantiles de Yevgeny Krylatov , Arkady Ostrovsky , Alexandra Pakhmutova y otros compositores, como " Beautiful Far Away ", " Let There Always Be Sunshine ", " Tired Toys Sleep ", " Winged Swings ", " Fly up with bonfires, blue nights ”, “ Antoshka ”. En la década de 1970, el coro era tan popular que sus solistas ganaron popularidad entre la gente: Seryozha Paramonov , Sveta Pogasiy, Rita Sukhankina , Dima Galikhin . Desde 1991 existe un coro de cámara " Vera ". En la Rusia moderna, la Sociedad Coral de toda Rusia ha estado operando desde 2013, que en 2014 fundó el Coro de Niños de Rusia .
La música de vanguardia en Rusia comenzó a tomar forma en las décadas de 1910 y 1920 y alcanzó su apogeo en las décadas de 1960 y 1980. La vanguardia musical rusa se caracterizó inicialmente como futurismo . Este movimiento fue apoyado por compositores como Nikolai Roslavets , Ivan Vyshnegradsky , Nikolai Obukhov , Arthur Lurie , Joseph Schillinger , Arseniy Avraamov .
La vanguardia musical temprana en Rusia no tenía una dirección única y formada, y los compositores que recurrieron a la vanguardia estaban en una búsqueda creativa de una "nueva visión del mundo" y una "visión del mundo sonora", que se reflejaron tanto en la música como en la música. manifiestos literarios. De acuerdo con la "audición del nuevo mundo", se repensaron muchas categorías musicales básicas: sonido , sistema de tono , timbre , armonía , etc. Casi todos los primeros artistas de vanguardia, de una forma u otra, estaban actualizando el sistema de temperamento tradicional e inventando nuevos sistemas de división de tonos. Los futuristas buscaron inventar nuevos instrumentos o dispositivos para que coincidieran con este enfoque, como Lev Theremin , quien creó el instrumento electroacústico theremin , y Nikolai Obukhov , quien creó Ether, Crystal, Waves y Sounding Cross. Estos instrumentos proporcionaron sonidos fundamentalmente nuevos , pero a menudo también se hicieron intentos para refinar los instrumentos orquestales tradicionales de la música clásica. La nueva sonorización es seguida por una búsqueda de "música espacial". El concepto principal del futurismo musical fue la emancipación de la masa sonora. Otro enfoque fue la "armonía ultracromática", que los compositores rusos derivaron del estilo de la última obra de Alexander Scriabin [44] .
La vanguardia musical rusa temprana no influyó en la música de vanguardia soviética de las décadas de 1960 y 1980. El primer artista de vanguardia de la era de la posguerra es Andrei Volkonsky . Un rasgo característico de la vanguardia musical de la URSS fue el color del folclore, cuando se aplicaron nuevas técnicas al desarrollo de melodías populares. La primera técnica que dominó fue el serialismo , luego la sonorística y la aleatoriedad ; al mismo tiempo, comenzó el desarrollo de la música electrónica . Más tarde, los sistemas puros dieron paso a varias técnicas mixtas: aparecieron los conceptos de "collage" y poliestilística , el término de Alfred Schnittke , cuyas obras representan con mayor claridad este fenómeno. Un intérprete emblemático de la música de vanguardia fue Edison Denisov , quien fundó la Asociación de Música Contemporánea en 1990, similar a la asociación del mismo nombre que surgió en 1924 [45] .
El romance ruso se formó en la ola del romanticismo en la primera mitad del siglo XIX. En muchos romances, se reproducen motivos gitanos (los llamados "gitanos"). Durante el siglo XIX se formaron varios subgéneros: romance de salón, romance cruel , romance gitano , etc.
La "edad de oro" del romance ruso llegó a principios del siglo XX, cuando trabajaron artistas tan grandes y originales como A. Vertinsky y A. Vyaltseva . Más tarde, la tradición romántica fue continuada en el exilio por Pyotr Leshchenko y Alla Bayanova , en la URSS por Isabella Yuryeva , Tamara Tsereteli y Vadim Kozin .
En la época soviética, especialmente desde finales de la década de 1930, el romance fue perseguido como reliquia de la era zarista, perjudicial para los constructores del futuro socialista. Los principales artistas callaron, o fueron reprimidos, o se vieron obligados a emigrar.
El coleccionista e investigador del género Anatoly Titov hizo una contribución seria a la clasificación del romance ruso . Además de los tipos mencionados, destacó: romance noble, romance-respuesta, irónico, actoral, Guardia Blanca, carcelario y otros. Un género separado cercano al romance se denomina melodeclamación .
| arte ruso | |
|---|---|
| |